Spanish Art

A pesar de lo cuestionable de su actuación, la creación dela primera audiencia en Nueva España marcó un cambio profundo en las estructuras políticas del futuro virreinato. Ademas de que se estableció un régimen de representación monárquica, los diferentes actores en el proceso (oidores, frailes, obispos, cabildo y nobleza indígena) fueron conformando las bases corporativas de la sociedad y con sus reacciones establecieron las bases de una cultura política de negociación y resistencia que continúa hasta hoy.

The articles studies the interaction of verbal language and image in painting and visual
art. The main focus is made on anagrams, which are contained in the title and correlate in meaning with the image. Salvador Dalí’s painting “La persistence de memoire (“The persistence of Memory”) is analyzed, as well as two of his art-objects depicting a telephone. In addition, we discuss G. Courbet’s painting “The Cellist.” In all these cases, a message related to communication is encoded in one form or another, indicating its difficulty or impossibility. The work of art turns out to be a synthetic text in which this impossibility is overcome, so that the artistic meaning is conveyed to the viewer in all its contradictory nature.

Esta tesis doctoral se sustenta en la idea de la `operatividad? del arte como herramienta de construccion, y en la formacion tecnico-politica del artista operador, que desde la puesta en valor de lo estetico, media entre territorio y sociedad, aplicando al Paisaje una nueva intencionalidad politica.En su parte teorica, la tesis indaga en tres direcciones: en el estudio de la materia a intervenir (el paisaje), en la busqueda e identificacion de los mecanismos operativos (saber del arte) y en la disposicion y especificidad del operario (el artista como tecnico en operaciones esteticas), pero es en su parte de praxis, el proyecto ITSASOAREKIN, donde se entiende el nuevo paradigma artistico planteado, `el saber del arte (y el artista) en la estructuracion y construccion fisica y simbolica del paisaje?. En consecuencia, el proyecto de escala paisajistica ITSASOAREKIN, estructura el ideario argumental de la tesis, abordando el tema de la estetica, la politica y la esfera publica en un mis...

Frida Kahlo je meksička slikarica koja je živjela i djelovala u prvoj polovici 20. stoljeća. Osobno i stvaralački u velikoj se mjeri identificirala sa Meksičkom revolucijom, te je tako i godinu svog rođenja (1907.) „prilagodila“ početku Meksičke revolucije (1910.). Poznata isključivo kao žena poznatog meksičkog muraliste Diega Rivere, umjetničku afirmaciju doživljava 80-ih godina 20. stoljeća u sklopu snažnih feminističkih pokreta. Razlog afirmacije u feminističkom kontekstu je snažna autoreferencijalnost u djelima, no u ovom diplomskom radu predstavljam i druge argumente za mogućnost feminističkog iščitavanja opusa. Najadekvatniji teorijsko-metodološki okvir za proučavanje Fridinog slikarstva u feminističkom kontekstu pruža nam marksistički feminizam, ne samo zbog njezine političke opredijeljenosti i pripadanja komunističkoj stranci, već i zbog kompletne političke, ekonomske i gospodarske situacije u postrevolucionarnom Meksiku koja je nesumnjivo utjecala na oblikovanje njezinog sv...

For several periods of his life, the painter Michel Sittow (c. 1469-1525), born in Tallinn (Reval), worked at the courts of Castile, Denmark, and the Habsburg Low Countries. A careful examination of various sources allows us to identify details regarding his movements, material conditions, and engagements with his courtly patrons. Tracing such details enables us to use the case of Sittow as an analytical lens for gaining insights into material and immaterial boundaries, as well as different forms of regulations of access at Early Modern courts. 1 The article thus contributes a case of courtly

For several periods of his life, the painter Michel Sittow (c. 1469-1525), born in Tallinn (Reval), worked at the courts of Castile, Denmark, and the Habsburg Low Countries. A careful examination of various sources allows us to identify details regarding his movements, material conditions, and engagements with his courtly patrons. Tracing such details enables us to use the case of Sittow as an analytical lens for gaining insights into material and immaterial boundaries, as well as different forms of regulations of access at Early Modern courts. 1 The article thus contributes a case of courtly

Este trabajo pretende valorar el papel que juega la proyección espacial en la representación de incipientes identidades homosexuales en el arte español de las décadas de los años 20 y 30. A través del análisis de algunas fotografías y pinturas de Gregorio Prieto y algunos dibujos de García Lorca veremos cómo ambos autores adoptan dos resoluciones de diferente signo a la hora de abordar la espacialidad homosexual. Gregorio Prieto propone en sus pinturas y fotografías espacios de ensoñación, espacios utópicos que posibilitan la presencia homosexual. Esos “espacios otros” en los que la norma aparece eludida son presentados mediante el recurso de la invocación de un tiempo pasado. En su obra se superponen la evocación mitificada de la antigüedad clásica, como el enclave en el que la pederastia era una respetada forma de amor, con el tiempo presente representado por los marineros, tropo de la homosexualidad en las primeras décadas del siglo XX. De forma comparativa mostraremos cómo en lo...

La Exposition de Peinture Espagnole Moderne, celebrada en el Petit Palais de París en 1919, contribuyó a la divulgación de Goya y del arte español moderno en Francia. A través del presente artículo se contextualiza esta muestra, que apenas ha recibido atención historiográfica, como parte de un conjunto de exposiciones que, desde 1908, se celebraron fruto de la cooperación cultural entre ambas naciones, intensa en torno a la Primera Guerra Mundial. Presentamos aquí datos inéditos relacionados con su organización, las obras de arte presentadas, las adquisiciones realizadas por el Estado francés y su recepción crítica en España y Francia. Todo ello nos permite analizar la imagen que desde España interesó proyectar en el país vecino a través de estas políticas de diplomacia cultural y reciprocidad que culminarían en posteriores exposiciones y proyectos.

This article aims to conduct an in-depth study of the experimental aesthetics of the Alhambra complex, and we arrive at a number of valuable results. This includes an in-depth understanding of the Alhambra's architectural style and its aesthetic significance, as well as a discussion of its potential to influence future architectural design and aesthetic theory. In addition, we also discovered the potential value of the Alhambra complex in future experimental aesthetic research, providing profound inspiration for future research directions. Future research directions will include a deeper exploration of the aesthetic characteristics of the Alhambra complex and its impact on today's and future architectural aesthetics. It will also expand into a wider field of experimental aesthetics to explore its role in contemporary and future times. Values and possibilities in artistic creation. These results and future research directions will provide more convincing and enlightening conclusions on the research value of the Alhambra complex for future experimental aesthetics.

• La presencia de grandes masas de hombres libres sumidos en la pobreza fue una constante en la Antigüedad clásica. La lucha por la subsistencia les empujaba a permanecer al margen de la ley romana. Ciertamente, para los romanos si los indígenas no se sometían inmediatamente tras la conquista, pasaban simplemente a ser "latrones" por lo que es difícil de saber en qué ocasiones se trataba de verdaderos bandidos. Sin embargo, varios testimonios literarios, legales y epigráficos dejan constancia de la existencia del bandolerismo en la Bética.

It is widely recognized that F. Goya’s development of a picturesque manner is in the vein of his great predecessors — El Greco and D. Velázquez. However, with all the importance of the experimental novelty of this Spanish master’s technique, the uniqueness of his creativity should be sought elsewhere. Goya managed to decidedly push the established boundaries of the European art expanding its range with the themes and problems that had previously been rarely and poorly represented. Anticipating an existential and anthropological shift that was evident back in the last decades of the 19th century and being almost a century ahead of it, those themes, plots, and problems were aimed at exteriorizing the inner world of man on the scale that appears to have never existed before. Goya systematically examines the human psyche in extreme existential situations when the conscious and the subconscious intertwine in a whimsical way. The specific feature of this perspective is an interest not in the individual and individuality but in the collective consciousness and the collective unconsciousness, as C. Jung would later justify it. The master’s true goal is to break through to where the archetypal components of the psyche, thinking, and behaviour rest.
In this sense, the images of the mentally disturbed and the imprisoned become semantically significant, the atmosphere of madhouses and prisons, the world of human imagination that engendered the sphere of the irrational. Goya seeks the truth about man scrutinizing him in extreme situations and critical states. The artist often approaches the visualization of all this through a theatrical element — through masks, role-playing, and games. He is interested in that harsh inversion where a person, put into inhuman, unbearable conditions, can no longer to remain rational and turns into a dreadful, meaningless human mask. The main characteristics of the artist’s approach are explored in comparison with thematically similar works by William Hogarth, Henry Fuseli, and Théodore Géricault. / Общепризнано, что развитие живописной манеры Ф. Гойи находится в русле его великих предшественников — Эль Греко и Д. Веласкеса. Но при всей значимости экспериментальной новизны техники испанского мастера, уникальность его творчества следует искать в другом. Гойе удалось решительно отодвинуть установившиеся горизонты и границы европейского искусства, включив в его сферу темы, которые до этого лишь редко и робко там проявлялись. Предвещая экзистенциально-антропологический поворот в искусстве с последних десятилетий XIX века, эти темы были направлены на экстериоризацию, невиданной глубины и масштаба, внутреннего мира человека. Гойя систематически изучает человеческую психику в экстремальных ситуациях экзистенции, когда сознание и подсознание причудливым образом переплетаются. Специфической чертой этого ракурса является интерес не к индивиду и индивидуальности, но к коллективному сознанию и коллективному бессознательному, как это позже обосновал К.Г. Юнг. Подлинная цель мастера — пробиться туда, где покоится архетипическая составляющая психики, мышления, поведения.
В этом плане семантически значимыми становятся образы умалишенных и заключенных, атмосфера сумасшедших домов и тюрем, мир человеческого воображения, породившего иррациональную сферу. Истину о человеке Гойя ищет, всматриваясь в него, когда тот переживает крайние, пороговые состояния. Часто художник приближается к визуализации всего этого с помощью театрального начала — через маски, ролевые воплощения и игры. Его интересует та жесткая инверсия, когда человек, брошенный в нечеловеческие условия, теряет способность оставаться разумным существом и превращается в жуткую человеческую маску. Основные характеристики подхода художника исследуются в сравнении со схожими по тематике произведениями У. Хогарта, Г. Фюсли, Т. Жерико.

A diversidade cultural é un reto para a investigación, tanto como para a convivencia O mellor coñecemento do que é diferente incrementa a nosa comprensión da realidade Cultural diversity is a major challenge both for research and coexistence The deeper we know the difference, the better we understand reality Pastor Fábrega-Álvarez & Felipe Criado-Boado (eds.) Anaina 4 Ficha Técnica Anaina 4 Serie electrónica de monografías didácticas e de divulgación Título do volume: DIVERSA. Arqueoloxía dende o Incipit alén Europa / Archaeology from Incipit beyond Europe

Высоко над стремительным потоком между небом и землей на стволе ивы сидит мальчик и играет на флейте. Воображение позволяет услышать мелодию и шум горной реки на фоне безмолвного величия Фудзи. Звуки разносятся по бескрайнему пространству и затихают так же, как священная гора исчезает в самых тонких градациях цвета от сплошных белых и коричневых тонов заснеженной вершины до почти прозрачных голубовато-коричневых - внизу. Цвета приглушены, палитра сдержанна. Дизайн напоминает гравюру, но, в отличие от нее, менее жесткий и более утонченный. Благодаря такому самоограничению, идеально соответствующему сюжету и смыслу, картина представляется не только необычной и запоминающейся, но выдающейся.

El artículo aborda prácticas de cohesión artística entre mujeres a partir del estudio del campo artístico valenciano durante la dictadura franquista. Se analizan las diversas formas que tomó el asociacionismo femenino, entendiéndolo en términos distintos a los utilizados por la historiografía hegemónica. Se estudian, por un lado, las exposiciones colectivas de mujeres como espacio de reconocimiento y visibilización por medio de casos concretos que van desde una exposición en las salas de Lo Rat Penat en 1945 hasta la exposición 12 pintoras organizada en 1975 en el Ateneo Mercantil con motivo del Año Internacional de la Mujer. Por otro lado, se estudia la creación de redes de apoyo entre mujeres, ya sea a partir de la creación de colectivos femeninos como el grupo Pintura o la creación compartida entre amigas en estudios privados o en excursiones al campo para pintar paisajes juntas. Palabras clave: creación colectiva, colectivos artísticos, sororidad, artistas mujeres, franquismo.

Este artículo reivindica el papel de la artista catalana Mari Chordà (Amposta, 1942) como pionera del feminismo artístico ibérico, al ser uno de los casos más tempranos y evidentes de imbricación entre creación artística y militancia feminista en la década de los setenta. Centrándonos en su primera etapa de creación en artes plásticas (1964–1974), y más concretamente en la serie Autorretrats embarassada [Autorretratos embarazada] (1966–67), veremos cómo su obra funcionó articuló desde un momento muy temprano una crítica contundente a los dictados de género y control de la sexualidad de los regímenes autoritarios ibéricos, anticipándose incluso a las experiencias del feminismo artístico norteamericano.

De l'Europe du Nord à la péninsule Ibérique.
Une histoire artistique transnationale de la sculpture entre les Pays-Bas méridionaux et le Portugal de la première modernité.

Vendredi 31 janvier 2025

La sculpture portugaise de la fin du Moyen Âge et de la première modernité offre un terrain d’observation particulièrement favorable pour comprendre les mécaniques comme les chronologies des transferts culturels qui forgèrent le panorama artistique européen. Dans une perspective transnationale et non mediterrannéo-centrée, nous ambitionnons de réécrire les récits de l'histoire de l'art en prenant acte pour la première fois du rôle central et structurant des nombreux acteurs septentrionaux (hennuyers, picards, flamands, brabançons, normands...) au Portugal comme à Madère. Il s'agit pour cette journée d'étude de repenser à nouveaux frais les récits de la discipline en engageant d'abord un dialogue historiographique prolongeant les premières réflexions engagées il y a plusieurs décennies par Marcel Aubert en France ou Ignace Vandevivere en Belgique.



Programme :

9h30 : café d’accueil

10h
Accueil et présentation du projet (Jean-Marie Guillouët)

10h15 :
Maria Teresa Rodriguez-Bote
Univesidad de Valladolid
Le sud-ouest ibérique et les sculpteurs septentrionaux : dernières recherches sur les dynamiques dans les royaumes hispaniques au début des Temps modernes

11h30
Eduardo Lamas
Institut royal du patrimoine artistique/Koninklijk Instituut voor het Kunstpatrimonium
Alonso Berruguete et les sculpteurs flamands établis en Espagne

12h45-14h
Lunch

14h
Pedro Redol Lourenço da Silva
Musée/Couvent de Santa Maria da Vitória de Batalha
L'activité des artistes septentrionaux au Portugal à la fin du Moyen Âge et pendant la première modernité : un état des lieux historiographique

15h30
Jean-Marie Guillouët
Université de Bourgogne/Institut universitaire de France
Olivier de Gand, Philippe Hodart et alii : exogénéités boréales dans la sculpture portugaise au début des Temps modernes

Learning Center Christine de Pizan - Salle polyvalente
Place Cardinal Mercier - Louvain-la-Neuve
Pour toute information : [email protected]

В статье раскрывается картина развития анималистического искусства в России XVIII-XX веков, его положение в ряду других жанров изобразительного искусства. Прослеживаются истоки анималистики в
XVIII столетии, ознаменованном появлением «звериного» образа в живописи, прежде всего в лице иностранных мастеров. Рассматривается анималистический образ в разных видах изобразительного искусства XIX-XX веков, особенности его развития в данный период, прослеживаются основные стилевые тенденции, свойственные скульптуре, связь анималистики с традициями русской культур

El siguiente texto es un excitante análisis de la obra de uno de los artistas más controversiales y arriesgados en toda la historia, Francisco de Goya. Este trabajo está escrito basado en el magnífico documental realizado por el crítico de arte Robert Hughes en el 2001. En el documental, Hughes
ofrece una visión personal de las pinturas de Goya y los cambios que se dieron en su obra a lo largo de su vida.

El artículo  presenta una experiencia eco-sensorial bajo una perspectiva A/r/tográfica, integrando conocimiento, aprendizaje y creación en un proceso artístico. La investigación, realizada en la residencia artística KH Messen en los fiordos de Hardanger, Noruega, explora un paisaje helado que inspira un proyecto interdisciplinario. La propuesta combina escultura, paisaje, sonido y prácticas socioambientales, abordando el caminar como resistencia artística y reinterpretación simbólica del espacio habitado. Una intersección entre lo académico y lo creativo, lo objetivo y narración personal. Utilizando el dibujo como metodología para preservar el paisaje y el caminar como experiencia estética, se propone una herramienta educativa para el estudiantado de educación artística en los Grados en Educación Infantil y Primaria. La práctica artística transforma el entorno en un paisaje escultórico sonoro, donde el sonido se convierte en una línea que perfila el contorno de las montañas. Este enfoque sensorial une lo visual y auditivo, revelando la naturaleza a través de una experiencia reflexiva y ecoartística.

Статья посвящена рассмотрению женских интерьерных портретов, созданных М.-Э. Виже-Лебрен (1755-1842) во время пребывания в России (1795-1801 годы). Целью исследования является выявление роли аксессуара в портретной концепции французской художницы, которая отличается пристальным вниманием к предметной составляющей живописи и разнообразным деталям. Актуальность работы обусловлена тем, что внимательное изучение данной группы произведений, представляющих модель в поясном срезе, способствует как сравнению с портретами, которые изображают фигуру в поколенном срезе или в полный рост и акцентируют объемно-пространственные аспекты в ее трактовке, так и выявлению специфики творческого подхода М.-Э. Виже-Лебрен при создании различных вариантов интерьерного портрета в России. Методология исследования основана на сочетании формального, сравнительно-исторического и контекстуального анализа для определения характерных черт интерьерного портрета в творчестве мастера. Проведенное исследование позволяет прийти к выводам о том, что аксессуар в портретной концепции французской художницы не только показывает увлечения модели и ее семейные добродетели, но и усиливает выразительность произведения и индивидуальность портретируемой. При этом следует отметить, что трактовка аксессуаров демонстрирует скорее знаки некоторого действия, чем активную вовлеченность в него, и тем самым имеет условный характер, типологически соответствуя распространенному варианту полупарадного мужского портрета в виде государственного деятеля. Кроме того, подход М.-Э. Виже-Лебрен к данному типу интерьерного портрета обладает рядом характерных черт, к числу которых относятся убедительность и компактность позы, яркий колорит, интенсивное освещение, значительное внимание к написанию костюма и особая роль аксессуаров для индивидуализации облика модели.

The article is devoted to the consideration of female interior portraits created by E. Vigée Le Brun in Russia. The purpose of the study is to reveal the role of the accessory in the portrait concept of the French artist, which is characterized by close attention to the subject matter of painting. The relevance of the work is conditioned by the fact that a careful study of this group of works, which represent the model in a waist type, contributes both to the comparison with portraits that show the figure in a knee-high or full-length image and emphasize three-dimensional aspects in its interpretation, and to the identification of the specifics of E. Vigée Le Brun’s creative approach in creating different variants of interior portraiture. The research methodology is based on a combination of formal, comparative-historical and contextual analysis to determine the characteristic features of interior portraiture in the master's work. This research allows author to come to the conclusion that the accessory in the portrait concept of the French artist not only shows the interests of the model and her family virtues, but also enhances the expressiveness of the work and the individuality of the person portrayed. At the same time, it should be noted that the treatment of accessories demonstrates signs of some action rather than active involvement in it, and thus has a conventional character, typologically corresponding to the widespread variant of the semi-ceremonial male portrait as a statesman. In addition, E. Vigée Le Brun's approach to this type of interior portrait has a number of characteristic features, which include convincing and compact posture, bright color, intense lighting, considerable attention to the painting of the costume and the special role of accessories for individualizing the model's look.

La construcción primitiva de la muralla y fosos de madinat al-Hamra' fue obra del sultán Muhammad I, Ibn al-Ahmar, y su hijo Muhammad II, a partir de 1238. El primitivo trazado fue modificado en la misma etapa musulmana, sobre todo en el siglo xiv, pero el sector de la Bab al-Sari'a fue modificado a comienzos del siglo xvi cuando se construye el palacio de Carlos V.

Catálogo crítico que aborda el estudio de la representación de la mujer en el arte valenciano moderno de finales de siglo XIX hasta la Guerra Civil Española. Un período en el que se erigen los modelos culturales de la modernidad y se reafirma la codificación de género hombre–mujer. La misoginia construida en el siglo XIX desde el pensamiento científico y político, tiene su corolario en el arte de la época. Un arte que afianza los pilares de la sociedad patriarcal, en un momento en el que las reivindicaciones políticas, como el sufragismo, y la proyección de la Nueva Mujer, amenazan con derribarlo. Frente a ese peligro latente se construye el discurso de género de la modernidad que justifica las asimetrías hombre-mujer, todavía vigentes en la actualidad. La muestra se divide en cuatro grandes modelos representacionales: Mujer enfermedad y muerte, la femme fatale, el ángel del hogar y la New Woman.

El Trienio constituyó un hito en la historia española: durante tres años, la monarquía pasó de ser absolutista a liberal, y las ideas del Cádiz de 1812 pudieron por fin ponerse en práctica. Pero el haber tomado el poder no suponía haber conquistado las mentalidades: entre los muchos desafíos con los que lidiaron los nuevos dirigentes figuraba el de implantarse en el panorama político de su tiempo. El presente artículo se propone explorar una de las estrategias de legitimación empleadas por los liberales para conseguirlo –la escenificación de la génesis de su ideología–, estudiando el repertorio iconográfico al que recurrieron. A través de estampas de distinta índole, veremos cómo se realzan los orígenes del Trienio. Y veremos cómo la retórica visual desplegada se inscribe en una tradición ampliamente europea.

Francisco Goya's pinturas negras have received extensive scholarly attention for many decades, often being designated as the imaginations of a man driven mad by deafness and the socio-political turmoil of his time. In this paper, I will analyze two of the pinturas through the frame of the sublime and the abject in order to establish how they might be considered profound reflections by Goya on the power of the Inquisition and the penance inflicted by its autos de fe. This will be justified by showing how this reading fits within both Goya's personal style and life, and within broader understanding of the intellectual impact of the Inquisition's disciplining through spectacles.

Esta tesis, presentada para el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla, debe considerarse pluridisciplinar, pues, en ella no solo se adivina el estudio concreto de la disciplina artistica sino la relacion interdisciplinar que esta ciencia social posee con otras como el derecho, la economia, la sociologia y la antropologia. La obra de Manuel Hernandez Leon, se encuentra dispersa en varios paises (EE.UU, Francia,...),en distintas comunidades autonomas de Espana (Extremadura, Castilla- La Mancha, Castilla- Leon, Valencia, Cataluna, Baleares) y en las ocho provincias andaluzas. Durante los anos ochenta, en la capital hispalense, Manuel Hernandez Leon fue considerado un innovador en la plastica por sus estudios sobre la Sindone y su aplicacion en un nuevo modelo iconografico cristifero y hacia el se dirigieron todos los elogios de la critica artistica. Esta tesis, pretende contribuir a las crecientes investigaciones que sobre imagineros contemporaneos se han realiz...

If the artistic transfers established between Zaragoza and Naples in the second third of the 15th century seem to explain the early appearance of the coffered ceiling in the Aragonese artistic context at the end of this century, the documentation that has been gathered for the preparation of this article confirms that the Aragonese capital would become an important centre for the dissemination of this type of structures in the Hispanic artistic context between the Gothic and the Renaissance.

We review the Antonio Gil Albarracín's study on the Antonelli family. In the text we reflect on the entity of this saga of military engineers at the service of the Spanish crown. In turn, we consider the importance of this new book for the history of Hispanic engineering.

Este trabajo pretende hacer un recorrido por las etapas artísticas de la eminente escultora barroca sevillana Luisa Roldán. Con apartados dedicados a ejemplos particulares de su obra, la cuestión de las atribuciones o a la pervivencia de su estilo en el tiempo. La producción escultórica de La Roldana es muy amplia y, aunque es exclusivamente de tema religioso, va a mostrar una enorme variedad en la representación de diversas iconografías, el tratamiento de las figuras, su colorido y expresividad. Con ello, logra desarrollar un estilo propio con el que llegó a adelantar el rococó en la escultura española y a inspirar a artistas posteriores, haciendo que su memoria perdurase en el tiempo.

This paper aims to do a walk-through the artistic phases of the eminent Sevillian baroque sculptor Luisa Roldán. With sections dedicated to particular examples of her work, the question of attributions or the survival of her style over time. The sculptural production of La Roldana is very extensive and, although it is exclusively religious, it shows an enormous variety in the representation of diverse iconographies, the treatment of figures, their colouring and expressiveness. With this, she managed to develop her own style with which she advanced Rococo in Spanish sculpture and inspired later artists, making her memory last over time.

Este trabajo forma parte de una labor de investigación sobre el lugar de
la mujer en el sistema español del arte que hemos desarrollado durante
la última década en diferentes ámbitos, y que ha dado como resultado
varias publicaciones a las que haremos mención en el presente capítulo.
Dicha investigación se inició en 2016, durante la gestación de lo
que sería el primer estudio a fondo sobre la actividad económica de los
y las artistas en España cuya segmentación de los datos aportados por
las artistas españolas resultó fundamental para conocer su situación, y
supuso un punto de inflexión en la investigación sobre las mujeres en
el ámbito laboral de la cultura en nuestro país. En los últimos años, a
menudo nos hemos dedicado a profundizar en estudios comprometidos
con la conciencia de género, tanto respecto de la desigualdad evidente
en nuestro sistema del arte como poniendo el foco en las mujeres relevantes en la historia del mercado español, y somos testigos de los cambios que ya pueden detectarse en museos, galerías, ferias de arte, colecciones públicas y privadas. Por ello, consideramos que un análisis
de la evolución percibida en estos años nos permitirá contextualizar
sus causas y efectos y aventurar el futuro más próximo.

Fernando Zóbel y Montojo (born August 27, 1924, Manila; died June 2, 1984, Rome) was a leading figure in the promotion and development of Philippine and Spanish art. As an artist, he was often considered among the best of the Philippine modernists. As educator, his knowledge and insight inspired and shaped leading art critics such as Leonidas Benesa and Emmanuel Torres. As patron, he quietly supported the careers of emerging artists, eventually amassing the greatest collections of Philippine and Spanish modern art—now in the Ateneo Art Gallery and the Museo de Arte Abstracto Español, respectively.

However, recognition of Zóbel’s contributions to the Philippines has often been colored by an uneasiness given his Hispano-Filipino lineage and eventual decision to settle in Cuenca, Spain. The following chronology can be said to have two parts. The first, which covers the life of Fernando Zóbel, was assembled from Philippine publications and press materials primarily accessed at the Kalaw-Ledesma Foundation, Inc. Archives. It is not a complete list of his accomplishments, but it hopes to bring to the fore major events that shaped Fernando’s artistic practice and how Philippine audiences and the artist’s contemporaries valued the adopted son of Cuenca. The second portion cites the endeavors of individuals and institutions to honor the transnational legacy of the artist.

Fue y es una publicación de referencia para entender el contexto fotográfico de nuestra capital en los primeros años del siglo XX. El prestigio de la Sociedad Fotográfica de Madrid aumentaba día a día, ya que entre sus socios se encontraba un buen número de integrantes de la aristocracia madrileña. Desde el principio, la Sociedad Fotográfica de Madrid otorgó mucha importancia a su Biblioteca, que comenzó a formarse a partir de las cesiones que realizaban algunos de sus miembros. Era frecuente que los socios que presentaban sus trabajos cedieran algunas diapositivas al archivo fotográfico, de modo que poco a poco, la Sociedad fue atesorando una excelente colección. También organizaba conferencias. En ellas los socios más destacados explicaban los resultados de sus propios experimentos. Las proyecciones, conferencias y pequeñas excursiones por los alrededores de la capital se convirtieron en sus actividades más populares pero, sin duda, el evento de mayor repercusión durante estos primeros años fue el I Concurso Nacional de Fotografía, celebrado en noviembre de 1901. Sus importantes premios, su altísima participación y la visita de Alfonso XIII a la exposición posterior, fueron un impulso trascendental para la sociedad a la que el Monarca otorgó, años después, la gracia de ostentar la denominación de Real Sociedad Fotográfica, con la que aún se la conoce en Febrero de 1907, siendo Presidente el Conde de Esteban Collantes (hasta 1925). Escena de una proyección en la RSF. Después de algún cambio más de sede, por fin se consiguió un local en la c/ del Principe 16, en la segunda planta del edificio, que fue la más estable, durante los siguientes 85 años los socios no se movieron de allí.

ante una excelente coyuntura económica que permitió a sus abades dar por concluidas las obras de la iglesia, que desde su misma construcción había dado numerosos quebraderos de cabeza por sus continuas amenazas de ruina 1 . Por las mismas fechas se inició su decoración con retablos de los que hoy apenas se pueden rastrear inciertos vestigios 2 . También se hizo la sillería y el extraordinario conjunto de mesas del refectorio, un espacio que se mantiene por fortuna en toda la pureza del clasicismo contrarreformista. Hacia las décadas de 1640 y 1650 se detecta una fase de renovación de los retablos de la iglesia y de decoración del claustro alto, coyuntura que supuso la presencia en el monasterio de una serie de pintores de procedencia diversa: Bartolomé Román (Montoro, Córdoba, c. 1585/1590-Madrid, 1647) aportó obras desde Madrid, en el momento en que trabajaba para San Martín, el primer monasterio ISMAEL GUTIÉRREZ PASTOR

Este artículo formó parte inicialmente de un fanzine autopublicado que  fue parte de la exposición Nostalgia de izquierda. Fisuras a un loop  político-estéticopara la Galería Saenger de la Ciudad de México (2023). En esta exhibición también participaron el colectivo Depois do fim da arte (Brasil), Tatyana Zambrano (Colombia) y Arhat Alejandro (México). La exposición analizó los cruces entre arte y política en América Latina. Remitió a la nostalgia con el fin de enfatizar la condición de la subjetividad frente a la producción cultural reciente, y asíproblematizó sobre las repeticiones absurdas y trágicas constantes en nuestra historia (como en el arte), que parecen atestiguar que no existe alguna alternativa  futura  y  nos  producen  tal  sentimiento.  La  exposición  fue  una  invitación  al  debate  desde  la curaduría  y  por  ello  propusimos  una  intervención  crítica  para  tal  propósito,  a  partir  de  la  siguiente pregunta:  ¿Cuál  es  la  herencia  mexicana  del  arte  de  izquierda?.  Estuvo  compuesto  por  tres  partes:  un fanzine, una serie de carteles y unas tarjetas con 10 preguntas. Fue producido colectivamente, es decir, propone  un  cruce  de  manos,  disciplinas  y  especialidades.  Este  texto  realiza  un  recorrido  por  tres momentos de la historia  mexicana: el período de 1910-1940, la etapa de 1970 a 1990, para llegar a la actualidad.  El  texto presenta un breve apunte sobre  la cultura de izquierda desarrollada en el contexto nacional al marcar líneas y genealogías, con el objetivo de preguntarse sobre el presente –continuaciones, desviaciones, apropiaciones, renovaciones–de esta herencia. En él se reflexiona cuáles son los límites del arte anticapitalista, qué hacer con la pulsión latente del fascismo de una aristocracia de izquierda que ha prevalecido durante un siglo. A través de estos materiales retomamos la propia tradición organizativa, técnica, material y pedagógica del mismo objeto de estudio, al tiempo que abordamos la relación del arte y la una literatura que luchan contra el capitalismo para terminar con un juego de preguntas que invitan al diálogo.

‘No se concibe Granada sin la Alhambra, como España no se concibe, vista desde el extranjero, sin este gran monumento …  sin ella la mayor parte de hombres de la inteligencia no sabrían que existiéramos’ explained Santiago Rusiñol to his Catalan readers in the mid-1890s. Rusiñol’s words allude to Spain’s loss of power on the international stage on the one hand and the Alhambra’s fame on the other. The Alhambra had become Spain’s most important tourist destination and a real magnet for artists, writers, novelists, historians, poets, musicians, architects from both within Spain and abroad. The resulting representations and partial reconstructions of the Alhambra, which proliferated across Europe and the Americas, however produced different and sometimes contradictory meanings, depending on the varying political and social contexts.
As this paper will argue, in the crowded field of Alhambra imagery it was down to new aesthetic impulses to rediscover Granada’s heritage afresh, opening the way for potentially new understandings of the Nasrid complex in the twentieth century. Taking Rusiñol as a point of departure, this paper reads his pictorial and literary depictions of Granada ‘contrapuntually’ (as understood by Edward Said ). Considering Rusiñol in a broad transnational context, the paper examines Rusiñol’s nostalgia for what he called the ‘Oasis of Andalusia’, addressing the foreign Orientalisation of southern Spain, cultural regionalism/nationalism, and the search for the modern self.

El artículo estudia los dos grandes lienzos de Francisco Rizi (1614-1685) ubicados en la Biblioteca Histórica Complutense "Marqués de Valdecilla" y procedentes del antiguo noviciado de los Jesuitas en Madrid. Tras recoger las menciones que las fuentes hacen de los mismos se estudia su estilo e iconografía interpretando la función que debieron tener en la antigua iglesia de San Ignacio.

Anales del Instituto de Estudios Madrileños publica anualmente un volumen de más de quinientas páginas dedicado a temas de investigación relacionados con Madrid y su provincia. Arte, Arqueología, Arquitectura, Geografía, Historia, Urbanismo, Lingüística, Literatura, Sociedad, Economía y Biografías de madrileños ilustres y personajes relacionados con Madrid son sus temas preferentes. Anales se publica ininterrumpidamente desde 1966. Los autores o editores de trabajos o libros relacionados con Madrid que deseen dar a conocer sus obras en Anales del Instituto de Estudios Madrileños deberán remitirlas a la secretaría del Instituto, calle Duque de Medinaceli, 6, 28014 Madrid; reservándose la dirección de Anales la admisión de los mismos. Los originales recibidos son sometidos a informe y evaluación por el Consejo de Redacción, requiriéndose, en caso necesario, el concurso de especialistas externos.

En este artículo se estudia un ambicioso proyecto de la época de la Ilustración para la regularización y actualización estética de los interiores de La Seo o Catedral de San Salvador de Zaragoza en clave barroca clasicista, una trascendental propuesta arquitectónica no ejecutada del prominente arquitecto ilustrado aragonés Agustín Sanz Alós datada hacia 1772-1773. El eje del estudio es un magnífico dibujo de sección longitudinal de la catedral firmado por Sanz y recientemente redescubierto entre los fondos de la Real Biblioteca del Palacio Real de Madrid.

This article studies an ambitious project from the Enlightenment era for the regularization and aesthetic updating of the interiors of La Seo or Cathedral of San Salvador in Zaragoza in a classicist baroque way, a transcendental unexecuted architectural proposal of the prominent Aragonese enlightened architect Agustín Sanz Alós dated around 1772-1773. The focus of the study is a magnificent longitudinal section drawing of the cathedral signed by Sanz and recently rediscovered among the collections of the Royal Library of the Royal Palace of Madrid.