Leonardeschi

L'articolo analizza il ruolo della matita rossa da parte di Leonardo e di alcuni suoi seguaci milanesi, evidenziando come le potenzialità espressive di questo nuovo medium grafico furono sfruttate in particolare negli studi di teste, un genere particolarmente diffuso a Milano nella cerchia del maestro. Sono discusse alcune attribuzioni ed è proposta la paternità di Giovanni Agostino da Lodi per alcuni studi di teste.

Collezione d'Arte A. Menarini 2015
cartonato con sovraccoperta
24 × 31,5 cm, 270 pp.
immagini a colori

isbn 978-88-7461-292-5 italiano

Il volume, dedicato al genio rinascimentale di Leonardo, si presenta non come una semplice monografia della vita dell’artista ma come una fitta trama in cui s’intrecciano in modo inedito fonti storiche e produzione artistica, sapientemente dosate in un linguaggio colto ma accessibile al grande pubblico. Attraverso, dunque, le principali opere su tavola ma anche quelle meno note, come i numerosi bozzetti e schizzi, si scopre il tratto multiforme della carriera di Leonardo dove convivono non solo l’arte classica con i soggetti “più tradizionali” ma anche l’arte militare con i disegni di innovative macchine da guerra, l’urbanistica con i congegni idraulici e l’anatomia con i particolari anatomici di rara bellezza, tutti riprodotti in immagini di altissima qualità corredate da didascalie italiane e inglesi. Tutta la produzione leonardiana va letta, inoltre, alla luce dell’incontro e del confronto con gli autori e le personalità del suo tempo, come – tra gli altri – Savonarola a Machiavelli, per i quali non mancano puntuali rimandi.
Un libro innovativo che non tralascia neppure le ultime opere scoperte come le controverse Bella Principessa e Gioconda “Isleworth”, e il recentissimo quanto straordinario Salvator Mundi.

The Madonna and child by Francesco Napoletano, in the Pinacoteca di Brera in Milan, is one of  the most famous work of the artist who painted the Angel in green beside the Virgin of the Rocks now in London. The restoration project, which began on the occasion of a request of loan for the 2019 Leonardo’s celebration, was the occasion for studying the painting and the author technique.
The archivistical research has allowed us to reconstruct the complex conservative history of the work; analyzes have revealed curious “pentimenti” and alteration phenomena often found in painters of the Leonardo’s circle. The refined technique of the painting, which adopts Leonardo's “sfumato”, benefits from particular expedients, such as finger prints, that can be interesting in comparison with the author’s works and researches emerged from last year.

Dotato di una naturale propensione al Bello, l'ingegnere Amedeo Lia (Lecce 1913-La Spezia 2012) ha costruito nel corso della sua vita una delle collezioni private più grandi d'Europa. Parte della sua raccolta, che spazia dal Duecento fino al Settecento, è esposta alla Spezia nel museo che porta il suo nome. Dei vari tesori riuniti in circa cinquant'anni, due in particolare sono legati all'eredità lasciata da Leonardo in Lombardia: la Madonna col Bambino di Francesco Galli detto Napoletano, cosiddetta Madonna Lia (FIG. 1A), e una Madonna col Bambino di Giovan Pietro Rizzoli detto Giampietrino (FIG. 3A), i cui approfondimenti sono oggetto di questo contributo.

Esiste una relazione sotterranea che l'attiguità storica e stilistica fra due o più opere dissimula e veicola. Per coglierla è neces-sario pensare che ciò che nasconde svela e che ciò che svela nasconde, ovvero che l'aspetto storico della ricerca nasconde e svela quanto di archetipico la storia stessa racchiude. Lo nasconde perché alla storia in quanto disciplina non è metodologica-mente concesso di andare oltre i propri confi ni epistemologici e di conseguenza essa ignora tutto ciò che le è (apparentemente) estraneo. Al tempo stesso, non potendo nulla essere estraneo alla storia, essa non può che veicolare e svelare ciò che già comprende in sé. Tale svelamento può compiersi attraverso un "montaggio" che permette un relazionarsi di dati storici e stilistici in grado di fare dialogare le opere su un piano più profondo, strutturale, an-tropologico. Due dipinti di Marco d'Oggiono, la Vergine delle rocce e la Lucrezia romana, firmati in greco sul verso, costituiscono un significativo caso studio rinascimentale su cui esercitare un tipo di storia dell'arte antropologicamente orientata.

"La trattazione dell'arte si imbatte nei problemi dell'analogia in due ambiti: da un lato, nel tentativo di comprendere storicamente l'arte storica; dall'altro, nel tentativo di edifi care una teoria dell'arte, intesa però nel senso concreto di una teoria dell'opera d'arte. Il ruolo giocato dai problemi dell'analogia è nel primo ambito assai rilevante, nel secondo addirittura costitutivo." Hans Sedlmayr

Questo capitolo, estratto dalla tesi di dottorato dell'autrice (Cap. 4, pp. 161-170), è dedicato alla proposta di attribuire alla fase giovanile di Marco d'Oggiono il Ritratto Archinto (Londra, National Gallery) e un nucleo di dipinti di dibattuta paternità a esso correlati.​

Two panel paintings executed by Marco d’Oggiono (Milan, 1470 circa - 1524) after 1517, conserved at the Pinacoteca di Brera in Milan, have been the subjects of a recent restoration (Centro Conservazione e Restauro "La Venaria Reale"). The two paintings depict St. Francis of Assisi and St. Anthony of Padua, each presenting a devotee and they were originally part of a large polyptych, consisting of ten tables, made for the Franciscan convent of Santa Maria delle Grazie in Maleo (Lodi) and therefore called Maleo Polyptych; today these works of art are two of the five still known compartments of the altarpiece. This occurrence allowed the in-depth study of the circumstances of commissioning and realization of the works and represented an opportunity for a detailed and interdisciplinary investigation: in fact, the outcome of the research between the historical-artistic field and the scientific one, with particular reference to the genealogical study and that relating to the history of costume, the direct observation of the works and the contribution of diagnostic investigations, led to hypothesize and propose a new identification of the two devotees depicted. The hypothesis is that the two female subjects identified by 20th century studies as Bona Bevilacqua Trivulzio and Giulia Trivulzio were initially Antonia Pallavicini and Lucia Bevilacqua respectively; the iconographic updating is supported by non-invasive preliminary analyses, in particular the MA-XRF, that suggested the presence of ancient repainting layers that partially changed the dress of the first devotee and modified the arrangement of the hair of the second one.

La reconstitution historique du personnage de Jehan Perréal dit Jean de Paris, figure emblématique de la Renaissance française, comporte encore beaucoup d’ombre.Jean Perréal (Lyon, 1463 env.-1529) exerça un rôle de tout premier plan dans l’évolution du genre du portrait autonome en tant qu’affirmation de l’individu pris dans le sens humaniste.C’est en effet dans le domaine du portrait privé que le Lyonnais orienta quasiment toute sa production en traduisant ainsi les exigences de la société de la Cour des Valois-Orléans, là où commença la progression ascendante de sa carrière d’artiste et de « diplomate » à l’intérieur d’un univers qui lui offrit honneur et protection.La problématique ici exposée concerne, au départ, l’identification des sources culturelles dont Jean Perréal s’est soumis à l’origine, ainsi que les composantes culturelles qui ont été déterminantes dans la formation de son style. À travers une sélection de portraits dont l’attribution fait l’unanimité, l’art flamand apparaît comme la source fondamentale à partir de laquelle le Lyonnais composa les canons esthétiques de sa production de portraits. L’artiste devint ainsi une sorte de photographe officiel des costumes, des personnages du temps, auteur de petits portraits intimes et familiers à admirer dans le secret des alcoves ou protégés dans les feuilles cachées des livres, à travers lesquelles se trouvent inscrites les prémisses du genre. Descendu en Italie, plusieurs fois, dans la suite des rois de France pour les campagnes militaires Perréal eut beaucoup d’amis et d’admirateurs parmi lesquels Léonard de Vinci qui le cite dans son très célèbre fragment Codex Atlanticus en 1499, dont le point de référence pour la technique des trois crayons: sanguine, pierre noire, craie blanche