History of Spanish Cinema

"Gigantes y cabezudos" supone una ventana privilegiada a la manera en que se va conformando el estilo del cineasta español Florián Rey. Más allá de las conexiones que puedan establecerse con otros títulos del director como "La aldea maldita" (1929) o "Nobleza baturra" (1935), Rey pone ya de manifiesto su habilidad para la creación puramente cinematográfica, especialmente para la planificación y la creación simbólica, en las que se cruzan influencias de la cultura española y de los cines extranjeros de la época más destacados.

When La venganza was premiered at Cannes, critics reviewed the film negatively in comparison with Juan Antonio Bardem’s previous films and vis-
a-vis the aesthetics of Italian neorealism. This article claims that such a criticism was misguided from the outset and that this film should be analysed as a rural melodrama, a genre particularly prolific in the 1950s.
Furthermore, like many other Spanish rural melodramas, La venganza incorporates visual and dramatic motifs from the western to tell a story of revenge and, ultimately, reconciliation. Scholars have taken for granted that this film is an allegory of the Politics of National Reconciliation approved by the Communist Party of Spain in 1956, but have seldom discussed these politics regarding its use of genre. This article addresses how and why Bardem used the genres of the rural melodrama and the western to convey such a political message.

Entrevista al director catalán Salvador Simó sobre el proceso de creación y producción de su primer largometraje Buñuel en el laberinto de las tortugas (2018), adaptación homónima de la novela gráfica de Fermín Solís, y de su última película Dragonkeeper (2024), basada en la primera obra de la exitosa saga juvenil de Carole Wilkinson.

El caso principal de estudio será la película de ciencia ficción El hoyo (Galder Gaztelu-Urrutia, 2019), la cual se convirtió en un fenómeno mundial en Netflix durante la cuarentena. El punto de partida, con el objetivo de proporcionar un enfoque interdisciplinar a la obra, será la investigación sobre la ficción como simulación de mundos sociales del psicólogo cognitivo Keith Oatley. El autor afirma que los modelos de mundos ficcionales ofrecen universos simulados que tienen el
potencial de mejorar las habilidades sociales, de emocionarnos y de inducir cambios en el yo. En consecuencia, esto nos ofrece algunas pistas reseñables en relación con la tendencia humana hacia este tipo de narrativas catastrofistas. El hoyo desencadena un extrañamiento típico de la ciencia ficción el cual, al tiempo que nos aleja del mundo inmediato, establece una importante conexión con la realidad mediante el uso de la alegoría en la configuración de un simulacro social con su propio
conjunto de reglas. Si combinamos el acercamiento cognitivo con un análisis más formal de la obra en sí, se obtendrán conclusiones más sólidas.

In this chapter we give an overview of documentary filmmaking in Spain in the 1960s through a selection of films that we appraise in terms of how elements in the soundtrack are used to devise different meanings, relations or identifications as part of the audiovisual discourse. We then narrow our focus on Rías y ramblas (1968), with music by the film’s director, Antonio Pérez Olea, and El largo viaje hacia la ira (1969), directed by Lorenzo Soler, two examples of geographical documentary and social critique, respectively, within the various subject matters tackled by documentary filmmaking in the 1960s, and through which it is possible to assess the various musical styles and practices used in Spanish documentary soundtracks from that period.

The book "Directory of World Cinema: Spain," edited by Lorenzo J. Torres Hortelano, is a comprehensive exploration of Spanish cinema, tracing its development and contributions to global film culture. It offers a detailed overview of Spain's cinematic history, examining key movements, directors, and films that have defined the country's cinematic identity. The book covers a wide range of genres, from the early works of the silent era to the modern films that have garnered international acclaim. It also includes critical essays, analyses of significant films, and interviews with influential filmmakers. This directory serves as both an academic resource and a guide for cinephiles interested in understanding the rich and diverse landscape of Spanish cinema.

El presente trabajo aborda la convergencia entre los modos de producción low cost, los códigos cinematográficos del posthumor y la tematización de la crisis económica de 2008 a propósito de las películas Mi loco Erasmus (2012), La tumba de Bruce Lee (2013) y Gente en sitios (2013). Tomando el análisis fílmico como metodología de investigación, nuestro estudio examina las operaciones de sentido articuladas en los largometrajes que remiten al clima de indignación social acaecido en España entre 2008 y 2014 a raíz de la crisis financiera. En este sentido, mostraremos cómo los tres filmes enuncian un discurso social de protesta contra el sistema político y económico neoliberal mediante el low cost y el posthumor como procedimientos singulares de representación.

A tese aborda a teoria e história do som e música na tradição documentária, com foco no período entre a década de 1920 e 1980. Através de cue sheets, partituras, roteiros, diários, cartas, textos de realizadores, documentos de produções fílmicas, entrevistas, manuais de equipamentos, materiais de arquivos, textos acadêmicos e dos filmes em si, a pesquisa se debruça sobre a formação dos aspectos éticos e estilísticos que nortearam o fazer sonoro documentário ao longo do século XX. Sob uma perspectiva diacrônica, são discutidas as transformações e os aspectos contingentes dentro de uma filmografia mundial representativa. O primeiro capítulo aborda os primeiros paradigmas sonoros dos filmes não ficcionais do período mudo. O segundo capítulo se debruça sobre a conformação dos aspectos sonoros da produção documentária da década de 1930 a 1950 indicando os elementos herdados do período mudo e aqueles que nascem com a
estabilização do formato sonoro-visual do documentário. O terceiro capítulo se dedica ao documentário moderno – abordando uma filmografia dos anos 1950 aos 1990 – apontando para os elementos sonoros das décadas anteriores que são reapropriados e transformados nos novos contextos éticos, estilísticos e tecnológicos que começam a brotar no pós Segunda Guerra. Os resultados apontam para uma história do som no documentário que se caracteriza mais por seus aspectos perenes que por eventuais rupturas: o novo não se sustenta – nem
epistemologicamente, nem na práxis – sem aquilo que lhe precedeu. A tese, ao final, busca contribuir com o nascente campo dos estudos do som do documentário, através de um texto que se pretende panorâmico e introdutório.

Em que pesem as discussões sobre o cineasta baiano Glauber Rocha manifestadas em torno da sua célebre afirmação que, para um cineasta, bastaria "uma câmera na mão e uma ideia na cabeça" 3 , a presente entrevista, realizada com o escritor, cineasta, teatrólogo e ativista social Carlos Pronzato, nos coloca diante de um inquieto intelectual multimídia, para quem a frase talvez se encaixe como uma luva na contemporaneidade. Nascido na Argentina em 1959, e desde 1989 residente em Salvador, Bahiae aqui talvez não seja única coincidência com o diretor de Terra em Transe-, sua produção cinematográfica, foco central de nosso interesse para esse depoimento, já ultrapassa a casa de 70 filmes, em sua maioria documentários. Em

Características, ações e falas de personagens são elementos que exteriorizam o contexto de produção dos filmes. Obras como “Nueve Reinas” e “Familia Rodante” evidenciam por meio destes recursos comportamentos decorrentes de situações críticas, como a crise econômico-social argentina que teve seu ápice em 2001. A análise destas falas permite encontrar indícios que vão além do ambiente ficcional, alcançando seu contexto real.

Este trabajo intenta entrar en el debate sobre el canon de la novela española, reabriendo la disputa sobre el lugar que las mujeres han ostentado en la configuración de la narrativa española desde 1939 a 1975, los años de la dictadura franquista. Para hacerlo recupera la figura de Concha Alós, efectúa un recorrido por las causas posibles de su olvido y analiza la novela El caballo rojo (1966), una de las primeras obras escritas por mujeres que, a pesar de la censura franquista, representa la Guerra Civil poniendo el foco en los vencidos. El presente análisis explora el insilio, la infancia rota por la guerra y los contramodelos de género.

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Este texto tem como objetivo analisar a representação do tempo presente de duas produções fílmicas que abordam dois elementos históricos do município de Castanhal no estado do Pará: O Cine Argus e a locomotiva castanhalense que fez parte da estrada de ferro Belém-Bragança. Iremos considerar aqui a formulação da narrativa fílmica em tono do passado e algumas características internas de linguagem que garantem uma inteligibilidade própria à relação entre o presente produtor e o passado representado. Destacaremos nas produções o seu caráter latente de um presente que produz, através do retorno a um determinado passado, as suas próprias imagens e narrativas da história, ao mesmo tempo que, sustenta um discurso de forma ampla para o presente do espaço castanhalense em busca de elementos que se perderam no tempo, mas que subsistem nas lembranças dos que tiveram contatos com os tais, lembranças estas que ganham vida pela oralidade dos que relatam os fragmentos de suas experiências com o passado castanhalense.

Este artigo parte da analise de cenas de um dos mais importantes filmes feitos sobre o Holocausto, Noite e neblina (1955), para insistir na validade historica das imagens de violencia produzidas durante o conflito. Nos argumentamos que manipulacoes posteriores ou pequenas inexatidoes historicas na apresentacao nao sao capazes de obscurecer, invalidar ou desvalorizar o uso de fotografias e imagens em movimento como documentos historicos.

La enseñanza de la escritura audiovisual requiere de un trabajo metodológico y sistematizado que no afecte a las aptitudes creativas de los estudiantes, por el contrario, el objetivo es desarrollarlas y potenciarlas. Los estudiantes de Diseño de Imagen y Sonido de la FADU-UBA (Argentina) asisten en su formación de pregrado a dos niveles de escrituras introductorios (obligatorios) y dos avanzados (optativos), en los que el estudio y la práctica de los contenidos se profundizan y complejizan, con el objetivo de adquirir un acabado conocimiento de esta disciplina y su especificidad. El presente trabajo da cuenta de una investigación de cátedra en curso sobre las características formales del género biográfico y una propuesta de organización, o pautado del trabajo, que colabore con la escritura de proyectos audiovisuales que aborden este género narrativo. En el texto se brinda una caracterización general del género, los desafíos y oportunidades que ofrece para el guionista, también se in...

O objetivo principal deste texto é dar um primeiro passo na análise das
práticas e dos discursos do grupo catalão de produção de cinema militante, Cooperativa de Cinema Alternatiu (CCA), sempre dentro do seu contexto histórico e cinematográfico – a transição para a democracia no Estado espanhol dos anos 70 e 80, e o cinema militante –, colocando especial ênfase na conceção da produção cinematográfica como arma de intervenção política. A análise baseia-se em diversas fontes para reconstruir a história da cooperativa e os seus discursos, começando com as experiências coletivas anteriores que condicionaram o aparecimento da CCA, passando pela sua reestruturação produtiva, e finalizando com a sua gradual desintegração e desaparecimento após a chegada da democracia.

En esta investigacion, buscamos observar y analizar como la historia del arte se encuentra presente en el cine. Al examinar las diversas manifestaciones especificas de la pintura y teniendo en cuenta areas especificas como la Direccion de Arte, la Fotografia, el Vestuario, las Costumbres, es donde consideramos que la historia del arte genera aportes fundamentales para la construccion historica, como asi tambien en la estetica de la imagen cinematografica. Desde principio de los anos ´90, se ha desarrollado un interes creciente por la relacion entre el cine y la historia del arte, llevandose a cabo estudios sistematicos. Algunos desde la teoria global de la imagen, sin embargo, los estudios sobre cine y pintura provienen del campo de la historia del arte y tienen mucho que ver con el hecho de que el cine ha mostrado desde sus inicios una vinculacion directa con el legado pictorico. Al realizar esta investigacion del tipo teorico-bibliografica, con un modelo exploratorio-descriptivo, ...

Romance Languages and Literatures at the University of North Carolina at Chapel Hill, holds a Ph.D. in Romance Studies from Cornell University. Dr. Sosa-Velasco specializes in 19th-, 20th-, and 21st-century Modern Peninsular Spanish Literature. His interests are ample, ranging from the relationship between literature and medicine to aesthetics, history, and memory. He has published articles on Spanish and Latin American literature and culture in specialized journals, such as Dieciocho, Romance Quarterly, Hispanic Research Journal, and Latin American Theater Review, among others. His areas of research include art, narrative, theater, cultural studies, film studies, queer studies, and literary theory.

Havassy R., «Reajustes actanciales en "La historia de mi mujer": de Milán Füst a Ildikó Enyedi», Trasvases Entre La Literatura Y El Cine, n.º 5, octubre de 2023, pp. 97-121.

Este trabajo examina "La historia de mi mujer" (2021), adaptación fílmica de Ildikó Enyedi, basada en la novela homónima (1942) de Milán Füst, obra clave de la literatura húngara del siglo XX. Por un lado, pretende demostrar cómo se lleva a cabo un trasvase exitoso entre la literatura y el cine; por otro, indaga en la representación del fracaso total de un matrimonio. Entre los aspectos técnicos a la hora de estudiar el proceso de adaptación sobresale la función de los personajes y, en este caso concreto, el papel que desempeña la figura femenina. De este modo, se pone de relieve tanto «la historia» como «la mujer»: se analizan tanto las diferencias inherentes al lenguaje literario y fílmico, como los reajustes respecto a la mujer del protagonista.

La violencia contra las mujeres por parte de los hombres es una forma de reafirmar la masculinidad e imponer su hegemonía a través de la fuerza. Planteamos el estudio de la violencia de género en el cine almodovariano, no a partir de la víctima, sus personajes femeninos, sino a través de la figura del maltratador. Metodología. Realizamos dos modelos analíticos complementarios, como son: 1) la semiótica visual desde la perspectiva de los estudios de género, 2) la cuantificación de la tipología de maltratos llevados a cabo por los personajes masculinos representados en el cine de Almodóvar, así como los factores que definen a estos arquetipos. Resultados y Conclusiones. Dentro de la amalgama de masculinidades representadas en el cine de Almodóvar existen diferentes tipos de personajes masculinos que agreden a la mujer a través del acoso, la violación y el asesinato.

Resumo. A fi ccionalização é inerente à narrativa no documentário, ainda que se coloque como um gênero comprometido com o jornalismo e, portanto, com o real. Por conta desse compromisso com a referencialidade, as marcas da fi cção sempre foram razão de um esforço por seu encobrimento. A discussão que atualiza o debate, no entanto, diz respeito a uma tendência presente na produção audiovisual contemporânea no sentido de abolir esta preocupação, explicitando os processos de produção e montagem. Mais do que mostrar, os documentários querem, neste processo, discutir o próprio fazer e a impossibilidade do registro asséptico do real, promovendo novos formatos, posicionando-o num lugar entre o jornalístico e artístico. Palavras-chave: documentário, fi cção, realidade, novas tecnologias. 1 Este artigo foi apresentado, sem alterações, no 9º Encontro Nacional de Pesquisadores em Jornalismo promovido pela SBPJor-Associação Brasileira de Pesquisadores em Jornalismo em uma Comunicação Coordenada sobre Telejornalismo na Escola de Comunicação da Universidade Federal do Rio de Janeiro em novembro de 2011. 2 É trucagem toda manipulação na produção de um filme que acaba mostrando na tela alguma coisa que não existiu na realidade. (Aumont e Marie, 2003, p .293). Onde o jornalismo mostra e reflete sobre seu fazer: o caso do documentário contemporâneo 1

El visionado de películas conforma un imaginario de paisajes, culturas y territorios que se integra dentro del acervo del espectador. El cine es de por sí geográfico. Desde films pertenecientes al subgénero de las road movies donde, a partir de una línea argumental en torno al viaje, se construye y se desarrolla la trama en diferentes espacios geográficos, como pueden ser la famosa Easy Rider (1969) dirigida por Dennis Hopper o más reciente Una historia verdadera (The Straight Story, 1999) de David Lynch, a films donde la presencia exterior es prácticamente inexistente pero el componente espacial que define nuestra disciplina siempre está representado, como puede ser el díptico compuesto por los largometrajes Dogville (2003) y Manderlay (2005) de Lars von Trier.

Resumo: Este artigo busca compreender a relação entre o documentarista e o papel do testemunho como forma de lidar/combater o esquecimento em períodos de regimes políticos autoritários, neste caso, a Ditadura Civil Militar no Brasil (1964-1985). Para isso utilizamos os documentários Marighella (2012), Os dias com ele (2013) e Diário de uma busca (2010) e as entrevistas realizadas entre julho e agosto de 2020 com as diretoras dos respectivos filmes como objetos dessa discussão.

Una vez concluido su libro Tan lejos, tan cerca, tan injusto y gratuitamente hiriente por el sesgo de muchos de los acontecimientos contados, enfocados sólo desde la perspectiva del escritor de unas memorias en exceso noveladas, era de esperar el retorno de Adolfo Marsi-Ilach a los escenarios, a pesar de su enfermedad, que también fue noticia, mientras duró la rueda de las presentaciones. Al poco, en efecto, la prensa informó de un proyecto suyo, que supondría el regreso a la escena en la vertiente de actor, acompañado de Núria Espert, con el drama de Edward Albee ¿Quién teme q Virginia Woo/f? La imposibilidad de contar con Lluís Pasqual como director, y el apremio por estrenar en la primavera de 1999, abocó al propio Marsillach a dirigir el montaje. Con anterioridad, según me parece, este drama de Albee se había representado dos veces en Madrid, una en 1966 y otra en 1971. Casi treinta años después la recupera Adolfo Marsillach. Después de Historia del zoo (1959) y El sueño americano (1961), unas piezas breves e intensas que catapultaron a la fama a Edward Albee, y de la decepción de dos piezas cortas, estrenadas entre ambas, The sandbox y La muerte de Bessie Smith, este autor estrenó el primer drama largo, ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1962). Esta obra tuvo una acogida desigual entre el público neoyorquino, aunque alcanzó un buen número de representaciones; por contra, no respondió a las expectativas que la crítica había depositado en él, y fue calificado por algún crítico americano como un «kitsch intelectualizado». No obstante, la película protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, dirigida por Mike Nichols y estrenada en 1966, rescató esta obra. Las virtudes de la adaptación cinematográfica fueron dos: respetar el texto del dramaturgo y, sobre todo, acortar la duración de la pieza, eliminando algunos pasajes superfluos que sobraban. A estos hallazgos del guionista, Ernest Lehman, se sumó una interpretación antológica de los dos actores mencionados. El éxito de taquilla y su proyección mundial situó este drama en un nivel de popularidad superior a otras obras mejores de Albee. ¿Quién teme a Virginia Woolf? cuenta las violentas disputas entre Martha y George en presencia de un joven matrimonio, formado por Nick, un profesor colega de universidad de George, y Honey, su joven esposa. El clima, conforme caen las horas de la noche y las botellas de whisky, se adensa y las discusiones se agrían hasta buscar el daño moral del contrincante dialéctico. Martha echa en cara a su marido su apatía y el fracaso vital y profesional, porque pese a ser el yerno del rector de la universidad no ha conseguido salir de la mediocridad; George acusa a su mujer de adicción a la bebida y le recuerda repetidas veces que ella le sobrepasa la edad en bastantes años. En el drama de Albee resulta interesante, por encima del duelo dialéctico, la cuestión sentimental y sexual: el matrimonio no ha tenido hijos e inventan uno que se ha marchado de

This study seeks to highlight the concept of avant-garde as a viable and radical approach to instilling creativity in fashion design practices in Sekondi-Takoradi, Ghana through putting together different materials to represent shapes and forms in the ultimate sculpting of silhouettes. This experimental exercise is a sequel to an earlier study that gauge the level of engagement of fashion students and practitioners regarding the avant-garde concept within the study area. Even though the avant-garde concept could be useful in terms of creativity and material exploration, the practice is not common around the study area due to the high cost of fabrics and other materials and the fact that it has not been part of the training of fashion practitioners. There were a series of experimentations and material collaboration in this study that led to a number of garments and accessories. In all, twenty (20) pieces of garments and accessories were made from a selection of low-cost fabrics, feathers, beads, canes, straw, glitter, leather, can spray and other fibrous materials. The garments were showcased at two major fashion runway events namely the Technique Style Fashion Show organised by the Department of Fashion Design and Technology, Takoradi Technical University in Takoradi and the Portrait of Reality Show, organised by Exquisite Modelling Empire in Accra. It is anticipated that this project will serve as a pointer to reinforce the concept of avant-garde as a creative design paradigm in fashion design practices in Sekondi-Takoradi and Ghana as a whole.

Resumo Este artigo reúne reflexões sobre o processo de elaboração do documentário 'Reminiscências-dos anos 20 aos anos 50'. Procura-se, a partir do produto final, refletir sobre o diálogo entre arquivos fílmicos, em 35 mm e 16 mm, produzidos na primeira metade do século XX e sua inserção nas produções digitais do século XXI. Em especial, busca analisar o procedimento técnico e estético no tratamento das imagens captadas em outros paradigmas de produção. Palavras Chave: Produção de documentário, linguagem audiovisual, história. Abstract This article brings together reflections on the challenges encountered in the preparation of the documentary 'Reminiscences-of the 20s to the 50s'. It seeks to reflect on the dialogue between film archives in 35 mm and 16 mm, produced in the first half of the twentieth century and its insertion in the production of digital century. It is analyzed in particular, the aesthetic and technical challenge in the treatment of images captured i...

Este artigo considera a relação entre História e Estética; isto é, reflete a História dentro do sistema sensível da Estética, apresentando o cinema como a construção de um passado imaginário. Propomos um confronto meta-histórico do regime estético e um profundo resgate teórico para analisar a convergência dos dois campos.

Imagens e sons do passado tornam-se atuais pela articulação própria à montagem cinematográfica, revelando a dimensão imagética da história enquanto rememoração. Filmes de arquivo possuem lugar de destaque para esse entendimento, sendo o longa-metragem Revolução de 30-dirigido por Sylvio Back (1980)-um caso emblemático. Lançado no declínio da Ditadura Militar, o filme aborda a transição autoritária entre o final da primeira fase republicana e o início do primeiro ciclo de governo Vargas. A partir da seleção de determinadas sequências, analisamos como o longa-metragem sugere correlações entre aquele período autoritário e a redemocratização, considerando três aspectos: os trabalhadores e as evocações do autoritarismo; o tenentismo revisitado; a transição oligárquica e o continuísmo autoritário.

Orientador: Fabio Nauras AkhrasTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de ArtesResumo: Este trabalho tem como objetivo refletir sobre a relação entre documentaristas e atores sociais, incluindo a representação do Outro no documentário nacional. Para tanto, oferece conceitos que podem ser utilizados como ferramentas para entender e/ou identificar as relações estabelecidas nos filmes, especialmente aqueles que têm como intenção abordar questões sociais. Como objeto de estudo, apresenta filmes que abordam o hip hop, manifestação cultural que promove discursos que têm como intenção apresentar os problemas e o cotidiano dos grupos periféricos, ou seja, que incluem atores sociais com potencial para o diálogo. O documentário de ética dialógica, portanto, é uma ferramenta para a análise de documentários e reflexão para a produção de filmes que intencionem promover alteridades. Utilizamos o termo alteridade no plural porque buscamos, com essa pesquisa, discorrer sobre...

Em tempos de polarização e intolerância, pensar as produções midiáticas que prometem asserções sobre o mundo histórico parece-nos ainda mais urgente. Na contramão das generalizações que cercam um tempo onde a informação é efêmera, revisitar produções éticas se torna um exercício indispensável para a área da comunicação. Com metodologia descritiva de cunho analítico e levantamento bibliográfico, o artigo relaciona considerações de teóricos do cinema documentário tais como Bill Nichols, Guy Gauthier, Marcius Freire entre outros, com a ética buberiana. O objetivo é refletir sobre a ética no cinema documentário indicando o filme Chronique d’un Été, de 1960, como uma obra ainda capaz de nos apresentar caminhos mais assertivos para a produção de filmes documentários e outras produções que abordem questões sociais, além de permitir a reflexão sobre as relações sociais.

In the early days of film projections, when the most popular venues were still show-booths and travelling pavilions, the first attempts to set up permanent premises that would lure a family clientele addressed the problem of enhancing its urban visibility. The presentation of the cinematograph as a magical and captivating place that met the passers-by was supported by the Art Nouveau decorative repertoire and distinctive white tones applied to the facades. The influence of the white pavilions at various international exhibitions -Turin, St. Louis, Milan-, safety regulations and decorative guidelines are combined in an aesthetic and symbolic analysis that does not forget the hygienic and moral connotations linked to the publicity and social prominence of the new entertainment.

Pese a que el cortometraje ha sido habitualmente menospreciado u olvidado por la crítica académica, el auge que el género ha experimentado en España en los últimos veinte años ha propiciado la aparición de títulos de considerable interés artístico. Tal es caso de 7:35 de la mañana, dirigido por Nacho Vigalondo en 2003, que obtuvo un notable éxito de crítica y público y fue nominado a los premios Oscar. El análisis textual del filme revela que el cortometraje de Vigalondo invierte las convenciones del musical de Hollywood desde la perspectiva deformante del esperpento valleinclanesco. Una fructífera hibridación de carácter metalingüístico y reflexivo, que entronca con la tradición del mejor cine español.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura.Problematizar a relação do filme documentário com a realidade é o objeto desta tese, que se organiza a partir de um recorte espacial definido no Brasil, país em que a imersão de novos atores sociais também exige novos modos de narrar. Assim, utiliza-se como corpus dois filmes de João Moreira Salles para discutir os relatos fílmicos e suas estratégias: Notícias de uma guerra particular (1999), que têm, na denominação de Fernão Ramos (2005b), a "cicatriz da tomada" e que é um filme que tem um caráter fundacional no cinema, que, por sua vez, reverbera em filmes ficcionais como Cidade de Deus (2002) e Tropa de Elite (2007), em contraste com outro procedimento, tendência a que Bill Nichols (2005) classifica de "documentários performáticos", presente em Santiago (2007). Ao perceber o documentário como antiespetáculo, este estudo entende ...

Me gustaría agradecer, profundamente, al director de este trabajo de investigación, el profesor y catedrático Dr. D. Felicísimo Valbuena de la Fuente, toda su paciencia y esfuerzo personal para conmigo durante estos años (2005-2009) de tesinas, tesis y trabajos. Desde luego, sin su ayuda, no hubiera podido asimilar y desarrollar todos los conceptos e ideas que aquí se exponen. De igual modo, agradezco enormemente su apoyo y orientación en la elaboración y análisis de este trabajo en particular, ya que sin sus directrices y consejos, no podría haber llegado a tal término. De igual modo, tengo la necesidad de agradecer al Dr. Daniel Mosquera Lozano 2 , su ayuda a la hora de desarrollar la parte empírica de este proyecto, puesto que sin sus consejos y explicaciones en el campo de la estadística, me hubiera sido imposible abordar este trabajo. Presento esta tesis que, a mi entender, se presenta compleja 3. Compleja, aventuro, además de por la necesidad académica que simboliza y por la rigurosidad científica que exige, por querer aunar en un mismo proyecto, áreas como la historia, la psicología-social-, la mercadotécnica y las ciencias de la información y de la comunicación. Debido a esta interdisciplinariedad, buscaré la fórmula más justa con todos los conceptos, ideas y argumentaciones posibles para, de una parte, desarrollar una investigación ecuánime con todas las disciplinas implicadas y también, para posibilitar una investigación rigurosa y científica, como la Universidad espera de un estudiante de Doctorado. Cada cual debe afrontar los retos que tiene o que desea tener por delante, los retos que le inquietan y que le mueven, los retos que al fin y al cabo, conforman una

Tecnologías de la edad es un volumen imprescindible para trascender la concepción dominante del envejecimiento fomentada por los discursos fílmicos hegemónicos, que contribuye a la invisibilización y homogeneización de las personas mayores y a la demonización de la vejez. Los análisis contenidos en estas páginas sostienen que la edad es una intersección universal, pero no unidimensional, y, por tanto, la experiencia del envejecimiento repercute en el ser humano de maneras diferentes, con lo que el cine tiene el poder de implantar otros conceptos sobre la edad que desnaturalicen los hegemónicos. La primera parte de Tecnologías de la edad recoge una serie de textos teóricos fundamentales que forman las líneas más claras de aproximación teórica a las representaciones culturales del envejecimiento. La segunda parte se dedica a desgranar el espectro de las múltiples formas de envejecer según su intersección con diversos discursos cinematográficos y contextos geográficos. La última parte del volumen incluye, a modo de epílogo, entrevistas con algunas de las personas a cargo de la organización de dos festivales cinematográficos sobre la vejez, los cuales contribuyen a la visibilización de la diversidad de la experiencia del envejecimiento y a su celebración. Un estudio necesario para promover una representación más diversa y no edadista de las personas mayores en la sociedad.

Canoa (1976) é um filme de ficção que trabalha a memória do Massacre de São Miguel Canoa, ocorrido em setembro de 1968 no México. O longa-metragem utiliza de características formais comumente associadas a filmes gravados em direto, os chamados “documentários”, colocando seu estatuto enunciatário em xeque e revelando narrativas conflitantes a respeito do evento histórico. Portanto, analiso primordialmente a relação constitutiva entre ficção e documento como abordado por Comolli (2010) e Rancière (2010), e como esta dupla dimensão elabora uma “narração falsificante” (Deleuze, 1990) que modula a noção de verdade imbricada no filme. Dessa maneira busco a partir das reflexões quanto ao figural em Dubois (2012) e Brenez (1998 apud GUIMARÃES; VERAS, 2016) compreender como o filme elabora um pensamento em formas cinematográficas, sem buscar suas correspondências com o fato histórico, mas sim com sua constituição enquanto ato cinematográfico e o que este evoca. Assim, intercalo ao debate teórico uma análise de pontos figurais em Canoa (1976).