Glauber Rocha

"Amazônya de Glauber Rocha: biografia de um filme" lança um olhar analítico e interdisciplinar sobre o documentário “Amazonas, Amazonas” (1966), dirigido pelo cineasta baiano Glauber Rocha, expoente do movimento do Cinema Novo. Pouco exibido desde o seu lançamento, o curta-metragem atendia a uma encomenda do Governo do Amazonas, à época comandado pelo historiador Arthur Cézar Ferreira Reis, que desejava divulgar os potenciais turísticos e econômicos do estado num contexto de profundas mudanças políticas e sociais.

Quais esquemas interpretativos Glauber teria acionado para expressar em som e imagem a realidade que acabara de conhecer? Com quais discursos socialmente disponíveis o filme dialogava, considerando o interesse que a Amazônia sempre despertou em cientistas e literatos? Quais discursos o filme reelabora e que ideia ele faz da região amazônica e da sua população? Essas são algumas perguntas norteadoras deste livro.

Com base em entrevistas, cartas, manuscritos, relatórios, imagens, publicações governamentais e conteúdo veiculado na imprensa, "Amazônya de Glauber Rocha" narra, de forma inédita, os bastidores da produção de "Amazonas, Amazonas" e revela a dimensão biográfica do filme, na qual reside a sua capacidade singular de agenciamento com o passado, o presente e o futuro de um território.

Cabezas cortadas, de Glauber Rocha, narra a experiência de um ditador latino-americano em seu exílio espanhol (ainda que o nome do país nunca seja mencionado) e se fundamenta em termos estilísticos por meio de uma operação surrealista de associação de conceitos e símbolos. Essa ferramenta, a operação surrealista na articulação de conceitos e símbolos, constitui o método para a construção do diálogo cultural entre América Latina e Espanha proposto pelo filme. Este artigo apresenta como objetivo, portanto, analisar o diálogo cultural articulado entre Cabezas cortadas e a América hispânica e a sua ideia de identidade latino-americana.

The cangaço was a historic movement that was portrayed in the brazilian cinema through different periods, by diverse forms. The first films approaching this thematic were developed from 1920 decade on. The cangaço is structured as a specific genre during the 1950 years, the Nordestern, when several films started to treat the subject with common characteristics, using the western as a reference. The comic type of film considered the cangaço in a satirical way and some documentaries had been produced along these years. Glauber Rocha, one exponent of the Cinema Novo, also engaged himself in the theme streamline with films of symbolic characterization. In 1990 decade some films brought new views, within the new Brazilian cinema. Finally, about 50 films were produced in 70 years, which constitute a very particular Brazilian genre, the cangaço films.

Os arquivos audiovisuais são "lugares de memória" que conservam acervos pouco explorados pelos estudos históricos. O texto apresenta algumas possibilidades de pesquisas com acervos multimeios. Muitas vezes preservadas em cinematecas, outras vezes em arquivos pessoais, essa documentação variada foi geralmente acumulada, ao longo de anos, por personalidades ligadas à cultura de um país. Nosso texto parte da valorização desses acervos como patrimônio histórico, propondo uma análise prática de documentos em suportes variados. Nosso objetivo é cruzar os estudos da história cultural com estudos de história do cinema, considerando o patrimônio audiovisual como um objeto comum aos dois campos de pesquisa.

Este projeto tem como objetivo estudar como contexto histórico sócio-político e econômico dos diretores Sergei Eisenstein e Glauber Rocha refletiam em seus filmes. Qual a influência da luta social em períodos de agitação política na linguagem cinematográfica desses autores. Eisenstein no período da Revolução de 1917 na Rússia e suas obrigações para com o governo soviético, tendendo a uma análise da cinematografia; e Glauber Rocha no período anterior e inicial a Ditadura Militar de 1964 no Brasil e as represálias que seus filmes fortemente políticos sofriam, tendendo a uma análise de narrativa. Com o objetivo de mostrar a relação da luta social desses dois autores com a arte que eles produziam, apontando como nos seus conflitos sociais reside um forte valor construtivo.

Quando, em 1956, Guimarães Rosa publicou a narrativa "Cara--de-Bronze", em que uma parte do enredo é contada através da forma de um roteiro de cinema 1 , jamais poderia imaginar que, na década seguinte, o sertão apareceria de fato nas telas do cinema brasileiro, representado de uma forma nunca antes vista pelos diretores do revolucionário movimento do Cinema Novo. Rosa tampouco poderia supor que, quase dez anos após a sua morte, um dos principais representantes do Cinema Novo, Glauber Rocha, escreveria um romance inspirado em sua obra. Riverão Sussuarana, único romance de Glauber Rocha, foi publicado em 1977, e pode-se dizer que a obra de Guimarães Rosa foi bem mais do que fermento estético para a composição da narrativa: Riverão Sussuarana configura-se como reflexão profunda de Glauber Rocha sobre a cultura brasileira, manifesto estético que condensa a visão do diretor sobre a produção artística de nosso país. Seu enredo, inusitado, coloca o próprio Glauber ao lado de Guimarães Rosa como personagens centrais da narrativa; os dois realizam, juntos, uma expedição pelo sertão procurando conhecer e entrevistar o jagunço Riverão Sussuarana, "primo de Riobaldo Tatarana dum tal

Neste texto, propomos uma análise estilística do seriado Irmandade(Netflix, 2019-) a fim de evidenciar inovações importantes no cenário nacio-nal de produção de ficção seriada para plataformas de streaming com base em dois objetivos: no primeiro, buscamos estabelecer o seriado como uma espécie do subgênero drama seriado complexo, de acordo com característi-cas apresentadas por Dunleavy (2009). No segundo, exploramos a trajetória da protagonista até a posição de líder da Irmandade. A adoção do estilo de segundo grau revelou que seriados complexos requerem maior atenção e engajamento por parte do telespectador, bem como permitiu a figuração da subjetividade da protagonista enquanto uma teia de sentimentos que costu-raram os altos e baixos de sua jornada até a completa transição que a trans-forma em anti-heroína da história.

Esta dissertação se arrisca na produção de uma arqueologia para o curta-metragem A Cruz na Praça  (1959), de Glauber Rocha, um filme desaparecido na história do cinema brasileiro, com o objeto de compreender o inacabamento e o desaparecimento do copião de um filme com abordagem sobre a perambulação homoerótica na
Bahia de 1959 – tema historicamente transgressor, de confronto com a hegemonia heteronormativa.

O mito de Prometeu na literatura de Hesíodo (em Teogonia e em O trabalho e os dias) e de Ésquilo (em Prometeu acorrentado) encena manifestações diversas da origem da cultura, ora como a instauração do progresso pelo roubo do fogo, ora como a aproximação entre o titã e os homens graças ao ato criminoso e à punição tirânica de Zeus. Focaremos duas versões do mito na literatura brasileira, a de Glauber Rocha em Riverão Sussuarana (1978) e a de Murilo Mendes no poema “Novíssimo Prometeu”, de O visionário (1941), a partir da noção nietzschiana da genealogia — compreendida como o conflito entre potências opostas e a irrupção de um começo imprevisível na história. Ao lado dos surrealistas dissidentes do Colégio de Sociologia, Mendes e Rocha conceberam Prometeu, respectivamente, como uma origem bipolar, descentralizadora do cânone da literatura, e como um revolucionário em conflito com o poder dos Estados ditatoriais.

Resumo: Neste artigo, tento colocar em relevo dois filmes de Glauber Rocha, Di Cavalcanti (1977) e Claro (1975), a partir de um enfoque no que poderia ser considerada uma modulação no pensamento do realizador, rumo a uma anti-razão. Apostando em novos caminhos para uma arte política, haveria nessas pesquisase também no texto sobre a estética do sonhouma inflexão para a irrupção de novas formas de experiência, no que seria possível propor como um regime de urgência da imagem, em que a linguagem é liberada para outras modalidades de contágio com o real. Palavras-chave: Glauber Rocha, urgência, sonho, delírio. Resumen: En este artículo tratamos de poner de relieve dos películas de Glauber Rocha, Di Cavalcanti (1977) y Claro (1975), a partir de un enfoque en lo que podría considerarse una modulación en el pensamiento del director, rumbo hacia un anti-razón. Apostando por nuevos caminos hacia un arte político, habría en esas investigaciones-y también en el texto sobre la estética del sueño-una inflexión hacia la irrupción de nuevas formas de experiencia, en lo que sería posible proponer como un régimen de urgencia de la imagen, donde el lenguaje se libera hacia otras modalidades de contagio con lo real.

Nos anos 1950, a cidade de São Paulo abrigou a emergência histórica de linguagens neorromânticas que se constituíram em oposição à celebração da modernidade paulistana; vários intelectuais reinterpretaram estilemas românticos que criticavam a modernidade. O espaço urbano, capitalista e industrial é contraposto aos valores identificados no passado como o sagrado ou a união comunal (LÖWY; SAYRE, 2015, p. 52-82). Entre os intelectuais, podemos encontrar pensadores de vários campos e gerações: filósofos como Vicente Ferreira da Silva (1916-1963); artistas plásticos como Wesley Duke Lee (1931-2010); jovens artistas

This article aims at providing elements for the interpretation of three different sequences of the film A Idade da Terra (The Age of the Earth), by Glauber Rocha, using the method of figural analysis developed by Philippe Dubois. The sequences selected are set in the city of Brasília. In this article we will analyze the city’s role in the film’s discourse as a way of constructing a myth of modernity and the way the characters act in the given space. Considering the fact that a conclusive analysis cannot be achieved in this article, its purpose is to propose new analytical perspectives on subsequent sequences and to draw comparisons between the imagery of The Age of the Earth and other movies by Glauber Rocha.Este artigo pretende apontar elementos para a leitura e interpretação de três sequências do filme A Idade da Terra, de Glauber Rocha, a partir do método de análise figural, tal como desenvolvido por Philippe Dubois. As sequências selecionadas são aquelas que têm a cidade de Bras...

Resumo: Um verificado trânsito reflexivo reverberou tendências do cinema francês na América Latina por volta dos anos 1960 e 1970, como foi o caso do cinema de autor. Apesar disso, nota-se uma incômoda ausência de obras latino-americanas em teorias que se propõem a delinear a gênese do filme-ensaio naquele mesmo período. Assim, questiona-se se os manifestos e as obras de Glauber Rocha, Fernando Solanas e Octavio Getino e Arthur Omar podem conformar inflexões ensaísticas. Parte-se da hipótese de que suas propostas tensionam instâncias como subjetividade, experiência pública e pensamento, reivindicando uma liberdade formal e estética que compartilha características recorrentes no domínio ensaístico.

"O que devo fazer para salvar o mundo?", pergunta o poeta na iminência de uma guerra atômica nos versos de "La navigazione verso Cuba" ["A navegação para Cuba"], do cineasta italiano Pier Paolo Pasolini. Em outra chave, é essa também a pergunta que se faz o poeta Paulo Martins, personagem de Terra em Transe (1967), filme realizado por Glauber Rocha, durante as disputas políticas e sociais em um país atlântico de Terceiro Mundo. Neste ensaio, essas duas figurações, ambas localizadas entre o poético e o político, entre o mito e a história, são confrontadas para se pensar que mundo é este que se deseja salvar, e o que pode uma ideia de transe ou de violência diante do poder e da força.

reage aos críticos de seu recém-lançado filme Terra em Transe e compara o movimento do Cinema Novo, no qual ele desponta como principal articulador e porta-voz, à Semana da Arte Moderna de 1922. Tal paralelo dispara, nesse artigo, a investigação das leituras e interpretações que Glauber faz do evento fixado como fundador do Modernismo no Brasil e de um dos seus principais desdobramentos, a Antropofagia de Oswald de Andrade. Essa análise concentra-se principalmente no já citado Terra em Transe, bem como no filme inacabado História do Brasil, além de percorrer textos críticos e manifestos escritos pelo cineasta. A Antropofagia é compreendida aqui, por um lado, enquanto uma teoria da leitura, conforme proposição do crítico Raúl Antelo, e, por outro, como define Benedito Nunes, enquanto uma condensação de uma metáfora, um diagnóstico e uma terapêutica.

uma extensa carta a Celso Amorim, então diretor da Embrafilme 3. Tratava-se de um pedido do cineasta para que a empresa recuperasse e reeditasse o que chamava de "Pacote Glauber"-os negativos de seus filmes que, devido ao seu exílio de mais de cinco anos 4 no período da ditadura militar (1964-1985), estavam espalhados entre laboratórios do Brasil, da Alemanha, França, Espanha e Itália. Além disso, solicitava incentivos para finalizar e lançar aquele que seria seu último filme, A idade da Terra. A princípio, parece uma carta oficial, relativa ao seu ofício, direcionada a um órgão público. Porém, como é comum na correspondência de Glauber, os assuntos técnicos logo transbordam para os afetivos, para as reflexões poéticas e políticas. Glauber atravessa domínios e os amontoa, empregando uma escrita explosiva, quase catártica, em que letras maiúsculas invadem a página sem sobreaviso. Exemplifico com um trecho desta mesma carta: "A 'Idade da Terra' vai derrubar o APOCALYPZE e outras chantagens tectrônicas imperialistas, com a mesma força com que 'Deus e o Diabo' derrotou o marxismo recuperado pelo existencialismo in

O romance "Palmeiras Selvagens", de William Faulkner, dispara, neste artigo, a montagem de uma cena de leitura na qual os cineastas Jean-Luc Godard e Glauber Rocha e o escritor Jorge Luis Borges debruçam-se sobre este livro. A intenção é refletir sobre gestos de leitura que profanam os arquivos e história como narrativa linear e cronológica acerca do passado.

A partir de uma discussão sobre as noções de planimetria e desenquadramento, buscadas respectivamente nas obras de David Bordwell e Jacques Aumont, propomos neste trabalho uma análise de cenas do filme Der leone have sept cabeças (1970), de Glauber Rocha. A análise tem o objetivo de explicitar padrões de composição que contextualizam a obra no cinema moderno, evidenciando o distanciamento de Glauber Rocha em relação à composição fechada, densa e concentrada do filme clássico.

RESUMO: este artigo explora as possibilidades de leitura das visualidades narrativas na obra do cineasta e artista plástico Luiz Rosemberg Filho. Parte da hipótese que seus filmes podem ser lidos como colagens visuais, inspirados nos princípios do cinema russo da montagem das atrações. Na escritura visual de Luiz Rosemberg Filho, os fundamentos estéticos e políticos da montagem são aplicados não para expressar a realidade, mas problematizar a explicação que o cinema narrativo dá à sociedade. A pesquisa examina a potencialidade de leitura de seu cinema experimental por meio da comparação entre suas colagens artísticas e opções estéticas utilizadas no filme A$suntina das Américas (1976). PALAVRAS-CHAVE: Visualidades narrativas-Montagem das atrações-Luiz Rosemberg Filho ABSTRACT: This paper explores ways to interpret the narrative visualities found in the work of film director and artist Luiz Rosemberg Filho. The underlying hypothesis is that his films may be regarded as visual collage...

Compreender é primeiro compreender o campo com o qual e contra o qual cada um se fez. Pierre Bourdieu, Esboço de auto análise. O que Glauber quer? O que Glauber quer? O que Glauber quer? O que Glauber quer? Fazer onda. Abrir bate papo sobre assuntos sagrados. Demolir os figurões, os produtores boçais, os diretores comerciais, os exibidores ladrões. Discutir e achar que o cinema novo, o cinema de autor, é o que vale. Tudo o que digo pode não ter importância um mês depois, mas na hora funciona. Sempre. [...] A gente deve falar pouco, porém firme. Agora, se é para falar mesmo, tem que ser como mestre Villa: os violoncelos tudo doido, as trompas tudo alucinada, os tambores tudo correndo, os travelling, tudo montado sem continuidade. Geraldo Del Rey e (Antônio) Pitanga gritando, Waldemar no rodopio, o mar atlântico rebolando -de uma forma que quando a razão recusa, o coração aceita e perdoa. Não é assim no amor? Glauber Rocha, em depoimento a Antônio Torres para a revista Finesse , em 1964. [reproduzido no livro de crônicas Sobre pessoas, de autoria do entrevistador]

RESUMO O mestre diante do outro: emancipação e igualdade nas imagens de Glauber Rocha e Jean Rouch Este artigo parte do conceito filosófico de emancipação, sobretudo da figura do "mestre ignorante" defendida por Jacques Rancière, para investigar seus desdobramentos em duas obras cinematográficas. Para tanto, elegemos dois filmes produzidos entre 1950 e 1960, momento histórico de desenvolvimento dos cinemas novos e da preocupação com a formação de um público crítico e reflexivo, ambos centrados nas imagens de rituais litúrgicos. Trata-se de Os mestres loucos (1955), de Jean Rouch, e Barravento (1962), de Glauber Rocha. Comparados sob a luz do pensamento rancièriano, argumentamos que, embora os dois diretores se alinhem a propostas emancipatórias, o etnógrafo francês adota maior didatismo, enquanto o cineasta brasileiro demanda uma postura ativa de seu espectador.

Uma aproximação entre o filósofo alemão Walter Benjamin e o crítico de cinema Paulo Emílio (1916-1977) pode soar curiosa, mas apenas à primeira vista. Este artigo intenta ler alguns textos do crítico paulistano à luz dos conceitos benjaminianos de “Erfahrung” e “Rettung”, recorrendo, respectivamente, aos textos “O narrador. Considerações sobre a obra de Nikolai Leskov” e “Sobre o conceito de história”. O núcleo mediador da tal
interpretação se dá através da necessidade de se estabelecerem vínculos com o passado e salvar a memória. Uma defesa da rememoração, por parte do brasileiro, que possui notáveis afinidades com o filósofo alemão. A reflexão nos levará à importância de uma cinemateca como pedra angular na obra do crítico de cinema. Sob esse prisma, a um só tempo, atentamos para a importância da instituição e a atualidade da obra do filósofo alemão para o nosso momento histórico.

Resumen: Le cinema novo, mouvement esthétique du cinéma brésilien de la fin des années cinquante au début des années soixante, a investi de façon privilégiée un espace emblématique du Brésil, le sertão. Cet article analyse trois films du Cinema Novo Vidas ...

Em 1962, na imprensa carioca, a euforia tomou conta da crítica cinematográfica. Diante dos novos filmes nacionais em produção, obras voltadas para temáticas sociais, acreditava-se na superação de uma precariedade existente no cinema brasileiro. Entusiasmados com o processo de renovação cultural, os críticos passaram a denominá-lo Cinema Novo, sugerindo que tal conceito abarcava os mais variados filmes em contraposição às chanchadas. A partir de um viés generalista, eles difundiriam uma noção elástica de Cinema Novo que incluía um vasto espectro de experiências estéticas. No entanto, para uma jovem geração de realizadores engajados, em busca de um projeto criativo independente e autoral, essa concepção genérica de renovação significava uma perda de substância. Em sua visão, antagônica ao posicionamento que crescia na imprensa, Cinema Novo significava exclusivamente um movimento político e formal revolucionário. Também atuando na crítica jornalística, eles instalariam uma disputa acirrada contra o senso comum. No epicentro do conflito, que teve Glauber Rocha como um de seus protagonistas, estavam as definições iniciais de um conceito que se tornaria central na história cultural brasileira. Link da publicação: https://seer.ufu.br/index.php/artcultura/article/view/66587

RESUMO: Com este texto, desejo discutir a circularidade cultural e política entre o Brasil e a Itália, elegendo as obras cinematográficas de Paulo César Saraceni como foco principal. Porto das Caixas e O Desafio serão discutidos de maneira mais detalhada de modo a mostrar os diálogos existentes entre Saraceni e o cinema italiano. PALAVRAS-CHAVE: Cinema Brasileiro-Paulo César Saraceni-Cinema Italiano DIALOGUE: PAULO CÉSAR SARACENI AND ITALIAN CINEMA DURING THE 1960S ABSTRACT: With this text, I want to discuss the cultural and political circularity between Brazil and Italy, electing cinematographic works of Paulo Cesar Saraceni main focus. Porto das Caixas and O Desafio will be discussed in more detail in order to show the existing dialogue between Saraceni and Italian cinema.

Based on the theory of aesthetic response/aesthetics of reception (Wolfgang Iser), this article discusses the dialogues between Terra em transe (Glauber Rocha, 1967) and O Rei a Vela (Zé Celso, 1967) and aims at moving beyond discussions about relationship between history and cinema. In conclusion, we demonstrated that the historicity of these works of art gain new meanings, when we use the Wolfgang Iser's ideas.

O objetivo deste artigo é discutir algumas alternativas políticas tratadas no pensamento de Deleuze e Guattari para lidar com as distopias do presente. O método utilizado foi a leitura de toda obra dos fundadores da esquizoanálise, na qual pinçamos passagens significativas que tratam de algumas pistas para a transformação do atual estado de forças sociais. Dentre suas diversas propostas, selecionamos quatro: a luta anticapitalista, a luta contra o poder, a luta de classes e a transição da revolução ao devir revolucionário. Constatamos que sua pragmática revolucionária amplia a perspectiva da esquerda tradicional e do marxismo, em que há a ênfase em uma luta contra o poder e o capital também do ponto de vista subjetivo e desejante, a expansão e multiplicação da luta de classes e o deslocamento da apreensão da revolução, que deve ser vivida em sua imanência em todos os espaços sociais, ou seja, fomentando os devires revolucionários. Possivelmente podemos categorizar a esquizoanálise como uma espécie de "pós-marxismo".

We consider a common aspect to three films of French and Brazilian Modern Cinema of 1967-1969: the reutilization of the same piece of music in the beginning and in the end of the film, generally during or in continuity with the credits. Beyond favoring the film formal unity, that repetition implies the procedure of variation and promotes a reconsideration of the film as a whole.
We analyze: Mouchette (Bresson, 1967), Entranced Earth (Glauber Rocha, 1967) and The Beast
Must Die (Chabrol, 1969).

In this article I re-examine the esthetics and poetics of the seminal figure of modern Brazilian
cinema Glauber Rocha from the perspective of the theatricality of his Cinema Novo films starting with
Barravento from 1962 and finishing with Antonio das Mortes from 1969. Rocha was a founder and
theoretical frame giver for the Cinema Novo movement with his manifesto Aesthetics of Hunger in 1965,
and it was he who envisioned a new postcolonial context of the Brazilian cinema in the 60’s. Article
will provide an insight how Rocha employed theatricality to emphasize the revolutionary and anti-colonial
narrative present in his films. In Barravento we witness the rare negative employment of the traditional
and ethnographic performative praxis of the Brazilian Bahia region with theatrical representation of the
Capoeira and Candomblé rituals. In his seminal Black God, White Devil, the director stages the “black”
processions of the pseudo religious movement of the beatos while also using the performatives of the
poetical duels known as desafios. Finally, in the closing times of Cinema Novo and Brazilian democracy
Rocha presented the film Antonio das Mortes filled with theatricality from the ongoing inner audience
witnessing duels, processions, acclamations and desafios. All the strategies that Rocha employed to design
a bloody and revolutionary power of the Cinema Novo movement owe a great deal to the theatricality and
performativity stamped in the core of these three films.

O professor Boaventura de Sousa Santos, conhecido do público brasileiro, tem uma série de obras publicadas por aqui e é um autor reconhecido em muitos programas de pósgraduação no Brasil. Foi professor da Universidade de Coimbra, além de ter passado por uma série de outras universidades importantes fora de Portugal. Recentemente, lançou uma publicação de poucas páginas para uma reflexão sobre os tempos de pandemia de coronavírus. Esse texto com características ensaísticas está dividido em cinco pequenos capítulos, nos quais ele vai problematizando a relação da pandemia com as suas maiores vítimas, a população. Boaventura inicia o livro com um capítulo intitulado "Vírus: tudo o que é sólido se desfaz no ar", onde são abordadas algumas características intrínsecas da nossa sociedade neoliberal, dentre elas a lógica de uma crise constante. Ele aponta como a pandemia fez as pessoas se isentarem de coisas quase impensáveis em tempos atuais, como ir a shoppings ou mesmo deixar de consumir tantos produtos. Essa experiência pode ser vivida por causa do vírus. Sousa Santos aponta uma contradição curiosa: a solidariedade nestes tempos se dá pelo isolamento. Estar só, isolado de todas as pessoas, é a melhor coisa que cada um pode fazer ao outro. Ele aponta que até a poluição do ar na Terra diminuiu sensivelmente. Foi necessário haver uma pandemia, que colocou em risco a vida humana, para o "ser humano" se tornar mais vivível. Outro elemento importante apontado por ele é o fato de que, em países democráticos, com maior acesso à informação, as chamadas fake newsou mentiras, para sermos mais precisosafetaram tanto o cuidado com a saúde. Ele vai citando países onde ocorrem esses negacionismos imprudentes e irresponsáveis e, obviamente, cita o Brasil entre eles.

Este artigo apresenta caracteristicas do projeto estetico-ideologico desenvolvido pelo cineasta brasileiro Glauber Rocha, a partir da analise de um conjunto de textos por ele escrito sobre o cineasta franco-suico Jean-Luc Godard. Conforme demonstraremos, Glauber empreendeu uma leitura bastante propria dos filmes e das ideias de Godard, integrando-os ao seu projeto pessoal que visava  a vitoria do cinema do Terceiro Mundo sobre o cinema colonizador do mundo desenvolvido. Palavras-chave: Glauber Rocha. Jean-Luc Godard. Cinema. Politica.

este artigo pretende apresentar o projeto arqueologico para o curta-metragem Cruz na Praca (1959), de Glauber Rocha. Considerado o primeiro tratamento direto sobre o tema da homossexualidade no cinema queer brasileiro, os negativos deste filme estao desaparecidos ha mais de 50 anos, de acordo com registro na Cinemateca Brasileira. O trabalho de escavacao dos vestigios desta producao audiovisual pretende retomar um periodo em que Glauber Rocha havia concluido o seu primeiro filme, Patio (1959), e, no mesmo ano, filmado Cruz na Praca , um projeto filmico que antecede a realizacao do seu primeiro longa-metragem Barravento (1961). A execucao desta arqueologia cinematografica serao utilizadas abordagens metodologicas historiograficas, propostas por Michel Foucault ( Arqueologia do Saber ) e Ziegfried Zielinski ( Arqueologia da Midia ).

Vivemos num período marcado pela morte, hostilidade contra às diferenças, autoritarismos explícitos e que em grande parte são difundidos pelo próprio Governo federal. Dessa forma, esse artigo tem como objetivo refletir sobre pistas para a produção de vida em tempos atuais de propagação de morte, tanto no âmbito individual, como coletivo, a partir do referencial teórico da esquizoanálise. O método utilizado foi a seleção de alguns conceitos da filosofia da diferença de Gilles Deleuze e Félix Guattari para operar essa reflexão sobre o contemporâneo. Como resultados discutimos cinco movimentos da esquizoanálise para produção de vida: a transmutação das forças; adotar o próprio território como ponto de partida; trabalhar a potência do occursus; valorizar o infinitamente pequeno; e fomentar o afeto, os devires, como passagem.

Resumo: Em Di-Glauber (1977), de Glauber Rocha, o enterro de Di Cavalcanti se torna palco para uma experiência cinematográfica transgressora conduzida pelo próprio realizador. Neste artigo, questionamos de que forma as materialidades visuais e sonoras do filme contribuem para a parabolização do processo de luto. Partimos da hipótese que isso se dá a partir do aspecto da "heautonomia" e outras inflexões ensaísticas. Palavras-chave: Di-glauber; filme-ensaio; luto; collage; voz over; som no cinema.

Rocha y las dimensiones de la confrontación de ideas en la escena mediática: un estudio de las estrategias de lo crítico periodístico de cine en el Jornal da Bahia a finales de 1950 Glauber Rocha and dimensions of the confrontation of ideas in the media scene: a study of the strategies of the young film critic in the Jornal da Bahia in the late 1950s

Em história, é abstrata toda "doutrina" que recalca sua relação com a sociedade. Ela nega aquilo em função de que se elabora. Sofre, então, os efeitos de distorção devidos à eliminação daquilo que a situa de fato, sem que ela o diga ou o saiba: o poder que tem sua lógica; o lugar que sustenta e "mantém" uma disciplina no seu desdobramento em obras sucessivas, etc. O discurso "científico" que não fala de sua relação com o corpo social é, precisamente, o objeto da história. Não se poderia tratar dela sem questionar o próprio discurso historiográfico. Michel de Certeau Po di Sangui 1 , filme de Flora Gomes, discute questões amplas sobre a produção do conhecimento racionalista e a magia espiritual de Guiné-Bissau. Na aldeia

Este texto pretende fazer uma leitura do tema da violência conforme trabalhado por Frantz Fanon no primeiro capítulo do seu livro Os Condenados da Terra, guiando-se pela dialética da (des)colonização, posta em cena por Sartre no prefácio do livro, e estabelecendo conexões com a realidade brasileira, sobretudo com uma leitura de Brasil elaborada na obra e no pensamento de Glauber Rocha.

The cangaço was a historic movement that was portrayed in the brazilian cinema through different periods, by diverse forms. The first films approaching this thematic were developed from 1920 decade on. The cangaço is structured as a specific genre during the 1950 years, the Nordestern, when several films started to treat the subject with common characteristics, using the western as a reference. The comic type of film considered the cangaço in a satirical way and some documentaries had been produced along these years. Glauber Rocha, one exponent of the Cinema Novo, also engaged himself in the theme streamline with films of symbolic characterization. In 1990 decade some films brought new views, within the new Brazilian cinema. Finally, about 50 films were produced in 70 years, which constitute a very particular Brazilian genre, the cangaço films.

Este número 7 de Légua & Meia-Revista de Literatura e Diversidade Cultural, traz uma edição especial comemorativa dos 15 anos do nosso Programa de Pós-Graduação. O dossiê reúne textos apresentados em dois importantes eventos realizados com a participação do Programa de Pós-Graduação em Estudos Literários-PROGEL. Em 2014, comemorando os 50 anos do filme emblemático de Glauber Rocha, Deus e O Diabo na Terra do Sol (1964), nos associamos aos pesquisadores da Universidade do Estado da Bahia/Uneb, para fazermos uma das poucas homenagens ao filme no Brasil. O evento contou com a participação de vários intelectuais e artistas numa variada programação acadêmica e cultural pautada nas memórias sertanejas e cinematográficas. Durante os dias 12, 13 e 14 de Março de 2014, no DCHT-Campus XII da Universidade do Estado da Bahia-na cidade de Euclides da Cunha, foi realizado o Simpósio Deus e o Diabo na Terra do Sol, em comemoração à primeira exibição pública do filme. Foram realizadas várias mesas-redondas; exibições de filmes; exposições fotográficas; apresentações teatrais; performance de repentistas e de cordelistas, e ainda muitas conversas com figurantes e com membros da equipe técnica do filme de Glauber Rocha, culminando com apresentações musicais e lançamento de livros. O Simpósio Deus e o Diabo na Terra do Sol: 50 anos se propôs a marcar o jubileu de prata da obra cinematográfica, discutindo a sua importância para a consolidação mundial do movimento do Cinema Novo brasileiro; o evento teve como foco principal refletir sobre a relação do filme de Glauber Rocha com o universo das Letras, bem como ressaltar o impacto simbólico da obra sobre o Território de Identidade de Canudos e o seu efeito na construção do imaginário do Sertão.

Este é um artigo publicado em acesso aberto (Open Access) sob a licença Creative Commons Attribution, que permite uso, distribuição e reprodução em qualquer meio, sem restrições desde que o trabalho original seja corretamente citado. Utopia e circulação da cultura em Mário de Andrade Utopia and circulation of culture in Mário de Andrade

O objetivo deste roteiro é comentar passagens de filmes e posicionamentos estéticos do cineasta-pensador Glauber Rocha. Tais fragmentos são lidos como fachos de uma “obra farol” fundamentais à hermenêutica da nacionalidade e modernidade brasileiras. Do conceito de “estrutura de sentimento” proposto por Raymond Williams, vem a hipótese de que a geração do cineasta, a“Fração da Avant-Garde Baiana”, nas esquinas das décadas de 1950 e 1960, inventou dois dos mais importantes movimentos da cultura brasileira, a Tropicália e o Cinema Novo, relendo os clássicos de interpretação da nação em diálogo com as informações das vanguardas artísticas europeias. Analisam-se as conversas entre a obra glauberiana e Os Sertões, de Euclides da Cunha, e a importância que o livro de Euclides exerceu no Bildung intelectual de Glauber Rocha.

RESUMO O mestre diante do outro: emancipação e igualdade nas imagens de Glauber Rocha e Jean Rouch Este artigo parte do conceito filosófico de emancipação, sobretudo da figura do "mestre ignorante" defendida por Jacques Rancière, para investigar seus desdobramentos em duas obras cinematográficas. Para tanto, elegemos dois filmes produzidos entre 1950 e 1960, momento histórico de desenvolvimento dos cinemas novos e da preocupação com a formação de um público crítico e reflexivo, ambos centrados nas imagens de rituais litúrgicos. Trata-se de Os mestres loucos (1955), de Jean Rouch, e Barravento (1962), de Glauber Rocha. Comparados sob a luz do pensamento rancièriano, argumentamos que, embora os dois diretores se alinhem a propostas emancipatórias, o etnógrafo francês adota maior didatismo, enquanto o cineasta brasileiro demanda uma postura ativa de seu espectador.