Ensino da Performance Musical

O desenvolvimento da expertise instrumental demanda a mobilização de competências comportamentais, motivacionais, emocionais e cognitivas. Nessa direção, o constructo da autorregulação apresenta-se como uma alternativa às iniciativas investigativas e intervencionista no domínio da performance e educação musical. A autorregulação da aprendizagem diz respeito aos processos mobilizados por alunos para direcionar seus pensamentos e ações para o alcance de metas, envolvendo uma postura autônoma e engajada no planejamento, monitoramento e avaliação dos desempenhos musicais. O presente texto apresenta um estudo de natureza teórica – orientado metodologicamente por uma ampla revisão da literatura – cujo objetivo foi compreender as relações entre o desenvolvimento instrumental e a aprendizagem autorregulada, concebendo a autorregulação a partir de suas dimensões e subprocessos e indicando caminhos para a superação de alguns dos desafios da aprendizagem instrumental. Os resultados sugeriram d...

Resumo: O escopo deste artigo é apresentar parte dos resultados de uma pesquisa que abordou a autorregulação da aprendizagem instrumental sob a perspectiva sociocognitiva. Nesta abordagem, a autorregulação consiste em intervir de forma consciente, intencional e autorreflexiva no próprio desenvolvimento, considerando os aspectos comportamentais, motivacionais, cognitivos e metacognitivos da aprendizagem musical. O objetivo desta pesquisa foi investigar -por meio de um estudo de caso -elementos da autorregulação na conduta de uma percussionista durante o aprendizado de uma nova obra musical. Os resultados apontaram a ocorrência de eventos relativos ao planejamento (delineamento das metas; pensamento antecipatório; planificação das tarefas), monitoramento (experiências metacognitivas; observação e interpretação dos desafios; revisão de metas e estratégias) e avaliação da aprendizagem (atribuições causais; inferências autoavaliativas e autorreativas). Esperamos que as considerações aqui apresentadas favoreçam o aprimoramento de condutas que orientem a prática musical de estudantes em direção ao desenvolvimento musical reflexivo e autônomo.

Resumo: O escopo deste artigo é apresentar parte dos resultados de uma pesquisa que abordou a autorregulação da aprendizagem instrumental sob a perspectiva sociocognitiva. Nesta abordagem, a autorregulação consiste em intervir de forma consciente, intencional e autorreflexiva no próprio desenvolvimento, considerando os aspectos comportamentais, motivacionais, cognitivos e metacognitivos da aprendizagem musical. O objetivo desta pesquisa foi investigar -por meio de um estudo de caso -elementos da autorregulação na conduta de uma percussionista durante o aprendizado de uma nova obra musical. Os resultados apontaram a ocorrência de eventos relativos ao planejamento (delineamento das metas; pensamento antecipatório; planificação das tarefas), monitoramento (experiências metacognitivas; observação e interpretação dos desafios; revisão de metas e estratégias) e avaliação da aprendizagem (atribuições causais; inferências autoavaliativas e autorreativas). Esperamos que as considerações aqui apresentadas favoreçam o aprimoramento de condutas que orientem a prática musical de estudantes em direção ao desenvolvimento musical reflexivo e autônomo.

ofereceu a possibilidade de uma interação imersiva entre os discentes da graduação dos cursos de Música, Dança e Artes da Cena, com enfoque especial nas modalidades crítico-interpretativas de saberes e obras dos séculos XVII e XVIII. Havíamos notado, na ocasião da submissão do projeto ao PPEV, que cursos universitários em Música no Brasil promovem o aprimoramento de uma vasta gama de habilidades técnicointerpretativas de instrumentistas, cantores, regentes e compositores, além da formação de educadores mediante o curso de Licenciatura em Música, fundamentais para suas respectivas atuações no mundo do trabalho. Entretanto, poucos adentram, em nível de graduação, na área da Música Antiga. Visávamos, então, contribuir, de forma inovadora, para a construção de reflexões, conhecimentos, vocabulário e críticas que pudessem enriquecer e agregar ao cabedal teórico, técnico e interpretativo de diversos estudantes de Música, Dança e Artes da Cena. Já há mais de um século que uma parcela significativa dos músicos se interessa pelas formas de representação do passado. O que se costuma chamar por Música Antiga congrega, na realidade, um sem-número de curiosidades, questionamentos e desconfortos intrínsecos ao fazer, pensar, receber e interpretar a arte do Antigo Regime. Trata-se, nas palavras de Cassiano Barros (2023), da "recuperação de referências, conceitos, ideias, processos, técnicas, artifícios e artefatos próprios de tempos, lugares e culturas pretéritos, que nos chegam em ruínas, na forma de partituras, manuais, tratados, instrumentos, cartas, pinturas e todo tipo de registro, documento e vestígio histórico" 1 . Consequentemente, por laboratório, entendemos, por um lado, que o oferecimento da disciplina eletiva possibilitaria um ambiente de experimentações, testes, tentativas, erros e acertos; uma oportunidade de aprendizagem que propiciasse, tão desvinculada quanto possível de preconceitos, uma visão abrangente de assuntos complexos, sob uma perspectiva teórico-práticocrítica. Por eletiva, por outro lado, compreendemos que a iniciativa partiria, também, do próprio discente, uma vez que escolheu não apenas estar, mas também permanecer e participar da experiência.

Resumo Este trabalho apresenta o processo de elaboração de arranjos e prática de um repertório que inclui um dos gêneros característicos da música nordestina, o forró, bem como também o formato usado para a apresentação desse repertório. Metodologicamente se configura em formato de Relato de Experiência, a fim de mostrar as motivações dos arranjadores e compositor em escrever obras para o grupo Doce de Flautas, além das contribuições e intercâmbios culturais desenvolvidos por meio dessa prática. O trabalho se pauta na contribuição dos intérpretes no fomento a novas obras, além da difusão e de propagação de um repertório presente em nossa cultura, apontando a contribuição do grupo na área da performance.

Resumo: Discorre-se acerca de uma das partes do trabalho "A pesquisa em técnica vocal, voz e canto: estado da arte" realizada em 2012-2014 pelo GEPPEVOZIA (Grupo de Estudo, Prática e Pesquisa em Voz do Instituto de Artes da UNESP) em que objetivamos conhecer o estado da arte na temática técnica vocal, voz e canto em diferentes áreas do conhecimento. Apresentaremos os resultados da análise da pesquisa nas áreas de Música e Artes a partir dos resumos de dissertações de Mestrado que tratam dessa questão. A busca no portal da CAPES deu-se por palavras-chave. Focalizamos, neste texto, a análise dos resumos cujos estudos estão relacionados direta ou indiretamente a práticas interpretativas. Os resumos apresentam algumas inconsistências em sua elaboração, contudo é possível, ao examiná-los, perceber quais são as tendências dos pesquisadores na área de voz.

Crenças motivacionais atuam como contextos favoráveis ou desfavoráveis à aprendizagem. Os alunos não se sentem motivados a aprender diante do fracasso. Alunos que valorizam a atividade de aprendizagem são menos dependentes de encorajamentos, incentivos e recompensas. Alunos orientados para a maestria aprendem mais do que alunos orientados para o ego. Os alunos esperam valor pelo esforço. Os alunos precisam de incentivo e feedback sobre como desenvolver estratégias motivacionais. Os alunos precisam de incentivo e feedback sobre como desenvolver força de vontade. Os alunos ficam mais comprometidos com o aprendizado se os objetivos forem compatíveis com suas próprias metas.

CARVALHO, W; BITTAR, V. M. F. Qual corpo toca - diálogos entre ação pianística e práticas somáticas. In: Performus'24 - Congresso Internacional da Associação Brasileira de Performance Musical, 12. O corpo em cena na performance musical: programação online, 16 a 18 de setembro. Anais [...] São Paulo: ABRAPEM, 2024, p. 126-136.

Resumo: Refletimos acerca da corporeidade de quem toca piano a partir do mapeamento de abordagens salientes em revisão bibliográfica, as quais corroboram investigações em performance musical que observam características atribuídas ao corpo em sentido dualista e mecanicista. Simultaneamente, tal caminho de pesquisa revela abordagens críticas à separação entre mente e corpo, sobretudo em proximidade com estudos em gestualidade, cognição corporificada, enativismo e fenomenologia. Afinal, mencionamos possibilidades somáticas presentes na pesquisa em piano e em performance musical que nos aproximam também de referenciais do teatro e da dança. Nesta encruzilhada teórico-prática, agrupamos referenciais que convergem no sentido de situar o corpo de instrumentistas a partir de uma reflexão crítica sobre seu papel performativo, o que permite a cada pessoa vivenciar quais propriedades corporais, somáticas e cognitivas deseja construir na condução de sua prática artística.

CARVALHO, W; CAMARGO, C. M. E. C. J; TROJAN, E. E. Interações sensório-motoras com gestos regenciais na atividade de colaboração ao piano em dois conjuntos universitários. In: Performus'24 - Congresso Internacional da Associação Brasileira de Performance Musical, 12. O corpo em cena na performance musical: programação online, 16 a 18 de setembro. Anais [...] São Paulo: ABRAPEM, 2024, p. 108-115.

Resumo: O objetivo deste texto é relatar experiências artístico-pedagógicas no contexto de dois coros de extensão universitários, tendo como ponto de vista a colaboração pianística interativamente relacionada com as ações coordenadas pelos regentes que atuam nos grupos. Para isso, realizamos breve pesquisa exploratória na área de piano colaborativo e regência que embasa a narrativa acerca dos processos vivenciados em meio à prática musical, incluindo desde a preparação de repertório, ensaios, até as performances públicas. Em busca de abordagens corpóreas e gestuais, refletimos sobre a atuação integrada entre musicistas â luz de teorias dinâmicas da cognição (Oliveira, 2014), as quais enfatizam sua dimensão sensório-motora estruturante para compreender a atuação de um ser vivo no mundo a partir de ação guiada pela percepção. Ao conceber gestos pianísticos em consonância com gestos regenciais, consideramos a relevância de tais noções corporificadas que permitem reconhecer propriedades cognitivas perante modos de pesquisar e atuar na performance musical em conjunto.

O presente ensaio ressalta a ideia de que um aluno prestes a abandonar o aprendizado de um instrumento musical pode ser motivado a não desistir do mesmo. Para isso, apresenta algumas estratégias de motivação direcionadas ao aluno desanimado com o estudo, nomeadamente, o estudo do piano, favorecendo assim, proativamente a continuidade de seu percurso musical. O Ensaio apresenta uma pequena introdução, complemantada com a definição ou conceito de motivação em psicologia (Maslow, 1943) e McClelland (1961); em seguida comenta alguns artigos e trabalhos que abordam o assunto da motivação em música, nomeadamente, dos teóricos O'Neil & McPherson (2002), Martin (2016) e Rosen (1993); na sequência, apresenta algumas colaborações sob a óptica instrumental dos professores de piano: Giseking-Leimer (1949) e Sá Pereira (1964); e entrevistas com colegas pianistas, atualmente em franca atividade didática, como Bustani (2022), Carrolo (2022) e Dias (2022) ressaltando algumas estratégias de motivação que utilizam com seus alunos. Finalizando, apresenta-se uma sugestão de planeamento de aula; as considerações finais e as referências bibliográficas. Palavras Chaves: estratégias didáticas -abandono de estudos musicais -motivação -piano didática.

CARVALHO, W; POVOAS, M. B. C. Ação pianística e corporeidade: aproximações com enativismo a partir de uma revisão em autores brasileiros. In: Encontro de Cognição e Artes Musicais da Associação Brasileira de Cognição e Artes Musicais, 4. Criatividade, conectividade, expertise: desafios da cognição musical no século XXI. UFPR, UFBA, UNESP, Online, 10 a 13 de setembro de 2024. Curitiba, Paraná: ABCM, 2024, p. 84-89.

Este artigo apresenta estudo sistemático do estado da arte das produções acadêmicas relacionadas às bandas de música no Brasil. Um protocolo de revisão sistemática integrativa foi elaborado e implementado na execução da pesquisa. O escopo sobre o qual incidiu a revisão sistemática integrativa considerou apenas teses, dissertações e artigos, publicados e indexados no Brasil, entre 2009 e 2020. Foram encontrados e categorizados 186 trabalhos. Os dados obtidos foram analisados e discutidos.

Este artigo explora a evolução do modelo pedagógico napolitano, concentrando-se nos trabalhos de Fedele Fenaroli (versões de 1775 e 1847) e João Sépe (lançado em 1942). Destaca como o livro “Regole musicali per i principianti di cembalo”, lançado por Fenaroli, testemunhou mudanças no pensamento musical ao longo do século XIX e possuía semelhanças com os exercícios de harmonia e contraponto, no “Tratado de Harmonia” de João Sépe, amplamente utilizado em escolas de música no Brasil. Para tanto, em um primeiro momento, comparamos o formato da escrita dos exercícios e discutimos o modelo de ensino por meio dos baixos instrucionais. Posteriormente, apresentamos um modelo  comparativo dos quatro ensinamentos musicais fundamentais dos cadernos de partimento: Regra da Oitava, Cadências, Suspensões e Movimentos de Baixo. Ademais, apresentamos uma breve discussão sobre as formas de modulações que encontramos nos autores. Por fim, demonstramos como a realização harmônica, transmitida através
dos baixos, ganha destaque, evidenciando a força do acorde como unidade harmônica em relação às passagens contrapontísticas.

La practica escenica y la ensenanza constituyen las vias fundamentales de desarrollo profesional del alumnado de los grados en interpretacion musical y los conservatorios superiores. Para la adquisicion de las competencias necesarias, la ensenanza tradicional de los diferentes instrumentos se ha basado fundamentalmente en el desarrollo de la tecnica especifica de cada especialidad y la preparacion de un programa de examen, integrado por obras del repertorio, centrando su atencion en los elementos sonoros y obviando la utilizacion de otras habilidades, como el reconocimiento y utilizacion de los recursos propios de la Comunicacion No Verbal. Esta investigacion se dirige a la superacion de este modelo, dotando de los medios necesarios para la percepcion y la utilizacion de los elementos kinesicos comunes y especificos de cada modalidad instrumental. Para la consecucion de estos objetivos, la descripcion y registro de las conductas no verbales es sistematizada de acuerdo con diferentes...

The choral literature written by composers and arrangers from Paraíba or
residents of Paraíba State is marked by a vast number of secular and sacred works, for equal and mixed voices, for a cappella and unaccompanied choir. The objective of this study is to offer an overview of the research being developed on the choral music of José Alberto Kaplan, Eli-Eri Moura and Antônio Carlos Batista Pinto Coelho (Tom K) within the scope of the master’s in music at PPGM-UFPB. The extract presented here is the result of bibliographic and documentary research. The results show that composers dialogue with tradition and modernity, reiterating a strong connection with the people, time, and place in which they live.

Resumo: Francisco Soares de Araújo foi um violonista e compositor relacionado ao gênero choro. Como tocava violão como canhoto, mas sem inverter as cordas do instrumento, ficou conhecido pelo nome artístico de Canhoto da Paraíba. Nascido em 1926 em Princesa Isabel, cidade localizada no sertão do estado da Paraíba, em 1953 se mudou para a capital, João Pessoa, e depois, em 1958, para Pernambuco, onde permaneceu até o fim de sua vida. Antes restrito à atuação regional, se tornou conhecido nacionalmente a partir da segunda metade dos anos 1970 no contexto do chamado "ressurgimento" do choro, através de suas parcerias com o produtor de seu primeiro disco distribuído em âmbito nacional, Paulinho da Viola, com quem viajou pelo país pelo Projeto Pixinguinha. Atuou até 1998, quando interrompeu suas atividades como músico por motivos de saúde. Veio a falecer em 2008. Esse artigo pretende discorrer sobre como a trajetória artística de Canhoto da Paraíba se insere na história do choro e da música popular brasileira. Palavras-chave: Trajetória; Choro; Violão popular; História da música popular.

¿Cuál es el verdadero potencial de la música de los videojuegos? Este proyecto propone explorar, valiéndose de los videojuegos de Pokémon Oro y Plata y de la familia de la flauta travesera, qué supone interpretar con instrumentos reales este tipo de melodías conocidas como chiptune, creadas para ser ejecutadas por un ordenador.
Al no existir ningún tipo de estándar estético a seguir para poder tocar correctamente este tipo de música -ya que no se interpreta, sino que se reproduce-, el presente estudio despliega un amplio abanico de posibilidades tanto a nivel creativo como interpretativo. Elaborar una interpretación que se adecúe a este contexto, pasando de lo puramente mecánico a un ámbito más humano y musical, pone sobre la mesa nuevos horizontes  en cuanto a la búsqueda de un concepto artístico. Al no existir partituras impresas de chiptune original, queda al gusto y las habilidades del intérprete decidir el camino a seguir y los elementos que desea mantener, alterar o eliminar en el proceso de elaborar su propia versión de la música, adaptándose a las limitaciones de los instrumentos no electrónicos.
Desafortunadamente, aunque el chiptune forma una parte importante de nuestra historia musical más reciente, aún no ha recibido una atención académica significativa; por ello, aportar visibilidad al fenómeno contribuirá al desarrollo de futuros estudios.

The creation of a melodic instrument repertoire serves a series of reasons within a historical context such as the relationship that composers have had with said instrument, its influence on its technological development, publishing houses, marketing and educational centers.
In reference to the tuba, all these elements did not occur at the same time and despite its early technological development it was not until 125 years after its appearance that composers such as Paul Hindemith and Ralph Vaughan Williams began the path of the tuba as a solo instrument it own personality.
This new situation advances when teachers find themselves in the absence of a repertoire that adapts to the pedagogical needs of the moment, giving rise to a series of questions such as which works are correct for each level? Do we have them? Should these compositions be related to the contents of the curriculum?In the face of this we must propose which parameters will be used,who determines them and how what that final product is going to be thinking also where that new musical production will be reflected .
Spain was totally oblivious to these events until in 2002 it emerged from a group of tuba teachers from the Valencian Community, who encountered the problem of the lack of a repertoire adapted by levels. This led to the creation of a collaboration between teachers and composers such as Joaquim Cano for the writing of new music adapted to educational needs.
This research aims to publicize the path that the tuba has followed in Spain, exposing its musical creationist fact and showing the importance of the inseparable collaboration between teacher and composer to achieve this end through the figure of Joaquim Cano and his compositions written by starting from this idea to fill the void in the repertoire for the tuba.
Keywords: composition, repertoire, tuba, associationism, collaboration, teacher, teaching

Bu çalışmada gerek dini gerekse dindışı mûsikî formlarının içerisinde önemli bir yere sahip olan taksim formunun bir türü olan müşterek taksim hakkında bilgi verilmesi ve taksim formundaki icraları pek çok müzisyen için örnek olan Kanuni Erol Deran ve Neyzen Aka Gündüz Kutbay’ın Segâh makamındaki müşterek taksimlerinin incelenmesi amaçlanmıştır. Müşterek taksim formunun farklı örneklerine de yer verilen çalışma için Erol Deran ve Aka Gündüz Kutbay’ın Segâh müşterek taksimi notaya alınarak incelenmiştir. Taksimdeki form ve makam anlayışı üzerine yapılan analizlerle müşterek taksimin icrası hakkında genel bir fikir elde edilmesi amaçlanmıştır.
Gözlem, doküman analizi gibi veri toplama yöntemlerinin kullanıldığı nitel bir araştırma olan çalışmada genel tarama modeli kullanılmıştır. Türk mûsikîsi formları içerisinde taksimin yeri ve türleri hakkında bilgi verildikten sonra müşterek taksim konusu detaylandırılmış ve bu taksim türüne ait bazı örnek icralar paylaşılmıştır. Erol Deran ve Aka Gündüz Kutbay hakkında kısa bir
biyografi verilmiş ve Segâh müşterek taksimin icra kaydına ait karekod verilmiştir. Bu icra notaya alınmış ve melodik cümleler halinde form, makam, süre kullanımı gibi konular üzerinden değerlendirmeler yapılmıştır. İlgili literatür incelendiğinde taksim ya da eser analizi gibi çalışmaların yapıldığı ancak müşterek taksim özelinde bir çalışma yapılmadığı görülmüştür. Bu
yönüyle çalışmanın bundan sonraki çalışmalara ışık tutacağı ve literatüre önemli bir katkı sunacağı düşünülmektedir.

Este artigo apresenta o resultado de uma investigação sobre a Lei Paulo Gustavo, implementada no ano de 2023 no Brasil, peça considerada fundamental na retomada do Ministério da Cultura. A partir de uma observação crítica do texto principal do edital e de seus anexos aplicados nos estados que receberam o maior volume de recurso no país, buscou-se entender que papel a formação do músico tem na consolidação do profissional de música e na garantia de acesso ao fomento na área. Dialogando a análise com a perspectiva de autores de políticas culturais, como Albino Rubim, José Carlos Durand, Nestor Garcia Canclini e Philippe Urfalino, da formação musical, como Marcus Pereira, Carlos Sandroni, Luis Ricardo Silva Queiroz, Luan Sodré de Souza, e da sociologia das profissões, como Eliot Freidson, entre outros, a pesquisa mostra uma distância desproporcional entre políticas públicas de ensino e fomento, problematizando o papel da formação na constituição do profissional da música.

A presente pesquisa investiga os materiais didáticos e metodologias presentes
no Programa de Bandas e Fanfarras de Blumenau no ensino de instrumentos
musicais de sopro, com base em pesquisa com professores de três bandas
escolares. Por meio de levantamento de dados com a Secretaria Municipal de
Educação de Blumenau e questionário com os professores de música, foi
traçado um panorama dos os materiais didáticos e processos de ensino e
aprendizagem presentes nestas bandas musicais.

O artigo apresenta levantamento de referencial teórico para um futuro TCC sobre canções de câmara de José Siqueira, com poesias de Manoel Bandeira. Além de livros tradicionais como base de pesquisas em música brasileira erudita, como NEVES (1981) e MARIZ (1985), foram encontradas 15 publicações acadêmicas recentes sobre obras do compositor, entre artigos e dissertações. Foram selecionadas aquelas que possuem relação mais estreita com o assunto específico. Apresenta-se um breve perfil do compositor, sua trajetória e características inerentes a sua obra. A pequena canção "Acalanto" é comentada, a partir dos dados da Ficha Técnica usada na metodologia do grupo de pesquisa Resgate da Canção Brasileira.

Página 2 | 22 Resumen Este trabajo tuvo como propósito explorar entornos virtuales desde un sistema interactivo que permitiera interpretar los gestos manuales hacia una aproximación musical. La metodología implementada se realizó desde un enfoque cuantitativo, donde se establecieron tres fases de recolección de datos: secuencialidad de gestos, signos de Curwen y aproximación a la realidad. Este estudio fue dividido en tres etapas longitudinales conceptualización, diseño e implementación y evaluación para ampliar el espectro en la interpretación de los gestos. El método Kodály implementado en este trabajo, el cual ha sido adaptado en Colombia, utiliza los gestos manuales para asimilar con mayor rapidez conceptos musicales. La evaluación fue desarrollada con una muestra poblacional de 15 usuarios en cada fase para la recolección de datos. Los resultados se identificó una rápida adaptación en la interpretación de los gestos en relación con las notas musicales. Los tiempos y errores obtenidos permitieron medir aspectos en la ejecución de los gestos. Se adaptó un conjunto de gestos de la mano a un entorno virtual en el que los usuarios pueden tocar la melódica mediante la interpretación gestual, lo que demostró que el reconocimiento de gestos puede ayudar hacia una aproximación musical. Finalmente, los usuarios lograron un alto nivel de comprensión gracias al uso de movimientos naturales de la mano, lo cual fue un proceso significativo para los usuarios en una primera experiencia mediante el reconocimiento de gestos manuales.

Este resumo é uma parte da pesquisa de doutorado intitulada Evas ou Marias: Sociabilidades e atuações de professoras cantoras no Rio de Janeiro oitocentista (1831-1873) desenvolvida no programa de pós-graduação em música da UNIRIO, na linha Ensino e Aprendizagem, área História da Educação Musical, orientada pela professora doutora Inês Rocha. Este recorte trata da participação das alunas do Conservatório de Música nos septenários e festas organizadas pela Devoção da Piedade, nos anos de 1856 a 1860, na Igreja da Santa Cruz dos Militares.

O principal objectivo deste volume é o de contribuir para a discussão em torno de novas formas de abordar e apresentar a investigação sobre a performance musical. Através de uma atividade musical criativa e sistemática, e partindo da aplicação ou incorporação de novos conhecimentos (por exemplo, em termos de interpretação, prática performativa historicamente informada ou inovação técnica), pretende-se estimular não só a performance musical, mas também o debate teórico, estético e filosófico sobre a prática artística, integrando assim conhecimentos processuais e declarativos.

Nas relações emocionais que se estabelecem entre o estudante de música e sua prática diária, sua família e amigos, o ambiente da escola de música que frequenta, seu professor, e as práticas competitivas estabelecidas pela tradição do ensino musical, desconfortos que afetem a relação dele com seu fazer musical, incluindo sua performance, podem surgir. A pesquisa Desatando nós: estudo a respeito de desconfortos gerados no processo de aprendizado performático--pianístico (GLASER, 2020) teve por objetivo principal conhecer alguns desses desconfortos sob o ponto de vista do estudante. Este artigo apresenta revisão
bibliográfica desenvolvida no estudo e aborda, dentre outros, Gainza (1988), Osborne e Kenny (2008), Kenny (2011), Nogaj e Ossowski (2017) e Papageorgi e Kopiez (2018).
Palavras-chave: Estudo do Piano, Psicopedagogia Musical, Performance Musical.

Wilhanson é professor de violino, natural de Teresina-Pi. Mudou-se para o estado de São Paulo ainda na infância, crescendo na periferia da zona leste da cidade de São Paulo. Teve seu primeiro contato formal musical na igreja Congregação Cristã do Brasil, vindo a estudar posteriormente na Antiga ULM (Universidade Livre de Música), atual EMESP. Na adolescência estudou no Projeto Guri com José Márcio Galvão, que teria forte influência em sua atuação profissional no futuro. Foi ainda aluno particular de Tiago Paganini e Djavan Caetano. Estudou na Faculdade Mozarteum, com bolsa de estudos integral, pelo programa prouni, no curso de bacharelado em música, tendo auls com Alejandro de Leon e Cláudio Michelleti. Foi violinista das orquestras: Jovem de Atibaia e Tom Jobim, além de atuar como professor de violino no Projeto Guri por quase 10 anos, e também nas escolas regulares: Ipê Amarelo, Cacau e Guaiy, que utilizam a pedagogia Waldorf.
Atualmente é professor de violino e coordenador das cordas friccionadas da Escola Técnica de Música e Dança Ivanildo Rebouças da Silva.

Resumo. Este trabalho discute aspectos fundamentais que têm norteado as definições para a formação do professor de música na atualidade, apresentando e refletindo sobre as diretrizes e as bases metodológicas que alicerçaram a elaboração do Projeto Político Pedagógico do Curso de Licenciatura em Música da Universidade Federal da Paraíba (UFPB). O estudo tem como suporte uma pesquisa bibliográfica que contemplou publicações da área de educação musical, diretrizes do Ministério da Educação (MEC) para a área de música e para as licenciaturas em geral, e documentos específicos para os cursos de licenciatura da UFPB. A partir de nossas reflexões foi possível concluir que os cursos de formação de professores de música devem possibilitar uma formação ampla, capaz de possibilitar ao seu egresso conhecimentos metodológicos e éticos do campo educacional, somados a uma sólida base musical, garantindo, assim, as competências necessárias para o ensino da música nos seus distintos contextos.

Coordenador do Curso de Pós-Graduação em Música/Head of the Graduate Music Program/ Responsable du programme de Master 2 et Doctorat Zélia Chueke Editora chefe/Editor-in-chief/Editeur-en chef Zélia Chueke Conselho Editorial/Editorial Board/Comité éditorial Véronique Alexandre Journeau (Langarts et Université Paris-Sorbonne/CREOPS) Poundie Burstein (CUNY, SMT) Roseane Yampolschi (UFPR) Conselho Consultivo para este volume/Board of Advisors for this volume/Conseil consultatif pour ce volume Cristina Gerling (UFRGS) Cristina Tourinho (UFBA) Isaac Chueke (EMBAP/UNESPAR) Jean-Yves Bosseur (Paris

A história da musicologia no Brasil evoluiu desde o século XIX, inicialmente focada em biografias e dicionários musicais. A década de 1970 marcou o início dos cursos de graduação em música e financiamentos para pesquisas. A Escola de Música da UFRJ estabeleceu o primeiro mestrado em música no Brasil em 1980, onde Margarida Furtado-Weinberger apresentou a primeira dissertação do país. Dividido em quatro capítulos, esse trabalho inaugurou a evolução da pesquisa em música no Brasil, abrindo caminhos para a trajetória posterior de sua musicologia. A partir de então, houve uma evolução na criação de novas linhas de pesquisa, moldando a visão contemporânea da interpretação musical e do desenvolvimento acadêmico na área.

A sistematização e consolidação de um conjunto de normas para a pronúncia do idioma português brasileiro cantado na música erudita, conforme a proposta aqui apresentada, é fruto da colaboração de um grupo de pesquisadores e cantores brasileiros que tiveram como ponto de partida as atividades do Grupo de Trabalho

Resumo: O presente artigo trata da formação instrumental conhecida como Grupo de Percussão, abordando de forma sucinta aspectos históricos, primeiras obras escritas para esta formação e as primeiras performances destes grupos no Brasil, apresentando um recorte histórico do período compreendido entre 1964 e 1980. Palavras-chave: Percussão, Grupo de Percussão, Grupo de Percussão no Brasil. Abstract: This article is regarding the instrumental group known as Percussion Ensemble. It deals with historical aspects, first works written and first performances in Brazil.

Já há algum tempo, quando resolvi me dedicar mais seriamente ao piano jazz, estabeleci para mim mesmo um programa que envolvia um tipo de exercício um tanto quanto peculiar. Nessa época (início da década de 1980) pré-Internet, apesar de serem ainda raras as publicações de transcrições, já estavam disponíveis vários volumes com as partes de piano de Bill Evans em trio. Um deles, Bill Evans 3, continha as transcrições completas de piano de três performances de suas composições-"Show-Type (Tune for a Lyric)", "Re : Person I Knew" e "Peri's Scope"as duas primeiras foram gravadas respectivamente em 29 de maio de 1962, (Chuck Israels no baixo e Paul Motian na bateria) 1 , e a terceira, em 19 de junho de 1970 (Eddie Gomez no baixo, Jack DeJohnette na bateria). Num primeiro momento, eu trabalhava sobre cada um dos solos, sempre procurando me manter o mais próximo possível da partitura. Em seguida, assim que tivesse alcançado um domínio suficiente, eu passava a tocar junto com o disco, com o objetivo de tocar da forma mais exata e alinhada possível, considerando todos os parâmetros indicados na partitura, certamente, mas considerando também a intensidade, o fraseado, a acentuação, etc., num tipo de atitude mimética levada ao extremo. Devo dizer, hoje, que essa foi uma das experiências mais benéficas para a minha formação, e que ela me trouxe muitos ensinamentos. O primeiro deles foi, naturalmente, um certo grau de conhecimento intelectual sobre o estilo pianístico e improvisativo de Bill Evans. Outro ensinamento significativo consistia no conjunto de sensações provadas no próprio ato, relacionadas ao ritmo e à energia, que apenas uma experiência musical in tempo, poderia trazer 2. Minha proposição aqui é colocar em foco alguns benefícios dessa experiência no âmbito da análise musical, buscando formar, a título heurístico, a hipótese de dois planos, um que eu chamo de "textual-visivo" 3 , e outro energético. 1 Bill Evans 3, TRO-Ludlow Music, New York, data da primeira publicação não conhecida. 2 Eu iria escrever in vivo, o que seria inapropriado uma vez que não se trata de tocar com os músicos em uma experiência compartilhada, mas ao contrário, com uma gravação fixada, e por isso, congelada. No entanto, trata-se de uma experiência em tempo real, que apresenta uma dimensão dinâmica, que não existe na análise de uma notação, e produtiva. 3 Distinguimos aqui dois tipos de texto. O "texto-visivo", produzido pela transcrição, analisável pela via (visual) da partitura. Esse texto secundário opõe-se àquele produzido pela gravação, primário, que retêm todos os aspectos da produção sonora, em particular, os contínuos e não notáveis. Este último é analisado pela audição, diferentemente da "análise textual-visiva" consistindo na análise do texto-visivo, transcrito. 8 Essa distinção entre base de competências e referente é deriva das ideias de Jeff Pressing, e é teorizada em L. Cugny, Analyser le jazz..., p. 134-141. 9 Em relação a isso, a noção de "lugar interacional-formativo" desenvolvida por Fabiano Araújo Costa é de grande utilidade (F. Araújo Costa, Poétiques du "Lieu Interactionel-Formatif"...). 10 Procurei recapitulá-los em L. Cugny, Analyser le jazz... 11 Este é o caso do jazz de prática comum, do pop, do rock, do rap, da canção francesa, das músicas populares brasileiras. As excessões se encontram no âmbito do free jazz ou das músicas improvisadas (mas o estatuto de música audiotátil destes últimos é sujeito a reservas de caráter ambíguo em relação à fonografia-ver, por exemplo,

Já há algum tempo, quando resolvi me dedicar mais seriamente ao piano jazz, estabeleci para mim mesmo um programa que envolvia um tipo de exercício um tanto quanto peculiar. Nessa época (início da década de 1980) pré-Internet, apesar de serem ainda raras as publicações de transcrições, já estavam disponíveis vários volumes com as partes de piano de Bill Evans em trio. Um deles, Bill Evans 3, continha as transcrições completas de piano de três performances de suas composições-"Show-Type (Tune for a Lyric)", "Re : Person I Knew" e "Peri's Scope"as duas primeiras foram gravadas respectivamente em 29 de maio de 1962, (Chuck Israels no baixo e Paul Motian na bateria) 1 , e a terceira, em 19 de junho de 1970 (Eddie Gomez no baixo, Jack DeJohnette na bateria). Num primeiro momento, eu trabalhava sobre cada um dos solos, sempre procurando me manter o mais próximo possível da partitura. Em seguida, assim que tivesse alcançado um domínio suficiente, eu passava a tocar junto com o disco, com o objetivo de tocar da forma mais exata e alinhada possível, considerando todos os parâmetros indicados na partitura, certamente, mas considerando também a intensidade, o fraseado, a acentuação, etc., num tipo de atitude mimética levada ao extremo. Devo dizer, hoje, que essa foi uma das experiências mais benéficas para a minha formação, e que ela me trouxe muitos ensinamentos. O primeiro deles foi, naturalmente, um certo grau de conhecimento intelectual sobre o estilo pianístico e improvisativo de Bill Evans. Outro ensinamento significativo consistia no conjunto de sensações provadas no próprio ato, relacionadas ao ritmo e à energia, que apenas uma experiência musical in tempo, poderia trazer 2. Minha proposição aqui é colocar em foco alguns benefícios dessa experiência no âmbito da análise musical, buscando formar, a título heurístico, a hipótese de dois planos, um que eu chamo de "textual-visivo" 3 , e outro energético. 1 Bill Evans 3, TRO-Ludlow Music, New York, data da primeira publicação não conhecida. 2 Eu iria escrever in vivo, o que seria inapropriado uma vez que não se trata de tocar com os músicos em uma experiência compartilhada, mas ao contrário, com uma gravação fixada, e por isso, congelada. No entanto, trata-se de uma experiência em tempo real, que apresenta uma dimensão dinâmica, que não existe na análise de uma notação, e produtiva. 3 Distinguimos aqui dois tipos de texto. O "texto-visivo", produzido pela transcrição, analisável pela via (visual) da partitura. Esse texto secundário opõe-se àquele produzido pela gravação, primário, que retêm todos os aspectos da produção sonora, em particular, os contínuos e não notáveis. Este último é analisado pela audição, diferentemente da "análise textual-visiva" consistindo na análise do texto-visivo, transcrito. 8 Essa distinção entre base de competências e referente é deriva das ideias de Jeff Pressing, e é teorizada em L. Cugny, Analyser le jazz..., p. 134-141. 9 Em relação a isso, a noção de "lugar interacional-formativo" desenvolvida por Fabiano Araújo Costa é de grande utilidade (F. Araújo Costa, Poétiques du "Lieu Interactionel-Formatif"...). 10 Procurei recapitulá-los em L. Cugny, Analyser le jazz... 11 Este é o caso do jazz de prática comum, do pop, do rock, do rap, da canção francesa, das músicas populares brasileiras. As excessões se encontram no âmbito do free jazz ou das músicas improvisadas (mas o estatuto de música audiotátil destes últimos é sujeito a reservas de caráter ambíguo em relação à fonografia-ver, por exemplo,

O CEGeME - Centro de Pesquisa em Gesto e Expressão Musical é filiado ao Programa de Pós-Graduação em Música da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), sediado na Escola de Música de Belo Horizonte, Brasil, desde 2008 é dedicado à pesquisa empírica da performance musical, que partem de informação de conteúdo musical extraída de sinais de áudio e da posição espacial tridimensional dos músicos, registradas durante uma performance musical. Com o objetivo de estabelecer uma abordagem musicológica a diferentes aspectos da expressividade musical, investigamos relações causais entre a intenção expressiva dos músicos e a forma como manipulam o material acústico e como se movem durante a execução de uma peça musical. O grupo atraiu postulantes de estudos de diversas áreas de conhecimento e músicos profissionais instigados por questões específicas envolvidas na expressividade musical, tais como, estudos sobre o uso da segunda válvula do trombone baixo moderno...

O presente trabalho apresenta as estratégias adotadas pela classe de oboé da Universidade Federal da Paraíba (UFPB) durante a pandemia. Essas atividades fazem parte do Projeto de Capacitação e Aperfeiçoamento em Performance Musical, criado em 2018. O projeto tem como objetivo fomentar atividades que contribuam para o desenvolvimento integral da performance de instrumentistas e cantores brasileiros. Nas duas primeiras edições do projeto foram realizadas mais de 50 ações cujo foco principal foram os aspectos psicofísicos da performance através de workshops sobre Yoga, Tai-Chi Chuan, Meditação e Psicologia da Performance, além de recitais  em diferentes espaços da cidade de João Pessoa. Em 2020, devido às restrições de isolamento social impostas pela pandemia de COVID-19, todas as atividades do projeto foram adaptadas ao formato remoto, com o intuito de mantermos "atividades de resistência" que pudessem contribuir para a motivação e desenvolvimento dos estudantes de músi...

O presente trabalho apresenta as estratégias adotadas pela classe de oboé da Universidade Federal da Paraíba (UFPB) durante a pandemia. Essas atividades fazem parte do Projeto de Capacitação e Aperfeiçoamento em Performance Musical, criado em 2018. O projeto tem como objetivo fomentar atividades que contribuam para o desenvolvimento integral da performance de instrumentistas e cantores brasileiros. Nas duas primeiras edições do projeto foram realizadas mais de 50 ações cujo foco principal foram os aspectos psicofísicos da performance através de workshops sobre Yoga, Tai-Chi Chuan, Meditação e Psicologia da Performance, além de recitais  em diferentes espaços da cidade de João Pessoa. Em 2020, devido às restrições de isolamento social impostas pela pandemia de COVID-19, todas as atividades do projeto foram adaptadas ao formato remoto, com o intuito de mantermos "atividades de resistência" que pudessem contribuir para a motivação e desenvolvimento dos estudantes de música no...

finalmente, quando Deus o quis, me desobriguei daquela séria ocupação que me impedia de manter-lhe a minha promessa 2 , embora muito me estivesse no coração, porque de fato me afligia a falta de tempo. Comecemos, portanto, com Deus, por carta, e se o que exponho aqui não for suficientemente entendido pela senhora, escreva-me e peça uma explicação de tudo aquilo que não entende. Sua prática e estudo principal devem ser voltados ao arco em geral, para que se torne mestra absoluta dele para qualquer uso, sonoro ou cantado [o suonabile, o cantabile] 3 4 . O primeiro estudo deve ser o apoio do arco na corda com uma leveza suficiente para que o primeiro início do som, que se cava, seja sobre a corda como um sopro, e não como uma percussão. Isto advém da leveza do pulso, e em continuar imediatamente a arcada após o apoio, reforçando-a tanto quanto se desejar, pois após o apoio leve não há mais perigo de aspereza, e de rudeza. Deste apoio assim leve a senhora deve tornar-se mestra em qualquer local do arco; seja no meio, seja nas extremidades, e deve ser mestra com a arcada para cima e com a arcada para baixo. Para fazer isso tudo de uma só vez inicia-se com a emissão vocal [messa di voce] em uma corda solta, por exemplo sobre a segunda, que é a lá 5 . Inicia-se do pianíssimo, crescendo sempre aos poucos até que se chegue ao fortíssimo; e este estudo deve ser feito igualmente com a arcada para baixo e com a arcada para cima.

O livro “Dançar com a Raiz: Documentar a Memória dos Ranchos Folclóricos de Castro Daire” reúne o imenso tesouro patrimonial que constitui o acervo documental dos onze ranchos folclóricos do concelho de Castro Daire (Viseu Dão Lafões, Portugal), entre textos, registos sonoros, documentos e fotografias da história, trajes e sua descrição, objetos etnográficos, letras e descrição de modas, etc.

Esta publicação, coordenada por Luís Gomes da Costa, insere-se no projeto Memória sobre Rodas, uma coprodução entre a associação Binaural Nodar e o Município de Castro Daire, através da sua Biblioteca Municipal, consistindo em recolhas sonoras, fotográficas e audiovisuais de aspetos do património cultural do Município de Castro Daire e na sua disseminação e valorização, através de um arquivo digital em linha (https://memoria-sobre-rodas.org), assim como de outras iniciativas associadas, como publicações, ateliês, exposições, residências artísticas, espetáculos, etc.

A publicação inclui os seguintes ranchos folclóricos:

Rancho Folclórico de Almofala
Rancho Folclórico Morenitas de Alva
Grupo Folclórico de Santa Maria de Cabril
Rancho Folclórico da Granja
Rancho Folclórico da Casa do Concelho de Castro Daire (Lisboa)
Grupo de Cantares, Danças e Arte de Bem Falar do Montemuro (Mezio)
Rancho Folclórico Santa Maria de Moledo
Rancho Folclórico Flores d'Aldeia de Mosteirô
Rancho Folclórico e Etnográfico de Picão “Alegria do Montemuro”
Rancho Folclórico e Etnográfico da Associação Desportiva, Cultural e
Recreativa Relvense
Rancho Folclórico das Termas do Carvalhal

Resumo: Pretendemos identificar neste estudo a visão do estudante de psicologia sobre o fenômeno criativo e sua participação na formação, já que para ser psicólogo são necessários: autoconhecimento, desenvolvimento de potencial e compreensão de todo o processo de desenvolvimento humano, que é criador e apresenta uma série de novas expressões da realidade, amplia a consciência sobre si mesmo, de sentimentos e ações. Convidamos estudantes de uma universidade de São Paulo, do 1.º ao 10.º semestre, e tivemos um total de 124 participantes, divididos em dois subgrupos: 78 alunos do 1.º ao 8.º semestre e 46 alunos do 9.º e 10.º semestres. Utilizamos um questionário com um total de 7 questões abertas e fechadas. Os resultados mostraram que a maioria dos alunos tem o mesmo pensamento sobre o termo criatividade, entendendo-o como "resolução de problemas". A maioria acredita na existência de um potencial criativo que necessita ser desenvolvido e pode ser direcionado para áreas específicas, sendo que se mencionou que a psicologia poderia estimular mais o estudo deste fenômeno, ajudando a compreender melhor as pessoas e contribuindo no desenvolvimento do potencial criativo. Os resultados surpreenderam as expectativas devido à grande valorização da criatividade, o que consideramos que, diante da pesquisa, o estudante se sentiu estimulado a isso. Encontramos, ainda, que a psicologia poderia contribuir para o conhecimento da criatividade por meio do sentimento, dado que embora não seja novo traz uma ênfase interessante nas relações entre desenvolvimento emocional e do potencial criativo. Concluímos ser necessária a realização de novas pesquisas sobre o assunto, para poder compreender melhor as relações entre utilização do potencial criativo e formação do psicólogo. Palavras-chave: criatividade; desenvolvimento humano; formação do psicólogo.

Resumo: O presente artigo é resultado parcial de pesquisa de doutoramento. Tem-se como objetivo demonstrar de forma aplicada a ferramenta para transcrição descritiva da expressividade na performance ao violão, que tem sido desenvolvida com a finalidade de descrever, de forma sistematizada, os recursos expressivos em registros fonográficos de intérpretes. Metodologicamente, foi realizada uma discussão em torno da terminologia "expressividade" e da ideia de transcrição descritiva, tendo a última sido desenvolvida pelo etnomusicólogo John Blacking (2007). Ademais, realizamos uma exposição dos recursos expressivos que serão descritos (tempo, dinâmica, timbre, articulação, vibrato), assim como apresentamos uma proposta aplicada demonstrando o uso da "Ferramenta" em uma gravação da obra Insistência-Ponteio nº 1, do compositor Orlando Fagnani (1960), feita pelo violonista Milton Nunes (RECITAL, 1961). Em conclusão, consideramos que a aplicação dessa "Ferramenta" em um amplo número de fonogramas de diferentes intérpretes e em diversos períodos possa auxiliar na identificação de escolhas interpretativas recorrentes, o que, por sua vez, apontaria semelhanças e diferenças em distintas escolas interpretativas.

O presente trabalho tem como objetivo apresentar a importância dos repertórios tradicionais populares brasileiros no canto coral infantil. Consideramos que essa relevância existe por diversos aspectos, a saber alguns como a valorização da cultura regional, o amplo acervo para a educação musical, o desenvolvimento vocal das crianças e o fazer musical em grupo. A análise se dá a partir dos processos de ensaios e das performances de canções selecionadas do Guia Prático de Heitor Villa-Lobos pelo Coral Infantil da UFRJ em 2022. As peças são: Carneirinho, Carneirão; Constante; e A Cotia.