Arte Textil

En el presente escrito nos proponemos reflexionar acerca del grado de influencia que las prácticas visuales tienen sobre el arte textil,  evidenciando formas supervivientes latinoamericanas que resurgen en la producción artística contemporánea. Asimismo, se persigue exponer cómo construye una imagen cargada de significaciones, en respuesta al sincretismo con diferentes disciplinas de las artes visuales, entre ellas el
diseño de indumentaria. El tejido protege, viste y decora, participa de nuestra vida de manera omnipresente. Su uso, formas y conceptos, cambian de acuerdo a los diversos contextos culturales, religiosos, simbólicos y sociales.

Resumen Las prácticas textiles han adquirido una fuerte implicación en los procesos sociales propios de los lugares donde se desarrollan. Numerosos estudios muestran que esta orientación predominante en la historia del arte textil ha sido protagonizada principalmente por el trabajo colectivo de mujeres. En esta investigación se analizan los procesos por los que han pasado las arpillera para ser categorizadas como obras de arte, teniendo en cuenta sus características particulares y su constante acercamiento a las prácticas artesanales, lo que genera una nebulosa en el camino que legitima su entrada al mundo del arte. Para llevar a cabo este objetivo, se revisaron diferentes fuentes bibliográficas con el fin de comprender cómo se definen las arpilleras al momento de escribir sobre ellas. Se cree que las últimas exposiciones y colecciones de arpillera en instituciones de renombre artístico, podrían generar un incremento en su reconocimiento. En razón de lo mismo, se consideraron los mecanismos de validación a través de diferentes mediadores e investigadores que estarían impulsando la entrada de las arpilleras al campo artístico. Finalmente, se tendrá en cuenta cuáles son los grupos de arpilleras que se encuentran actualmente activos y cómo se posicionan dentro de lo que se conoce como artivismo textil. Este artículo sostiene que las arpilleras están próximas al sistema tradicional de valoración del arte, pero también tienen concordancia con mundos de lo no artístico, lo que acaba por otorgarles distintas validaciones. Por lo anterior, su proceso de artificación es una discusión que no está completamente resuelta. Palabras clave Historia del Arte textil| arpilleras| validación textil. Abstract Textile practices have become strongly embedded in the social processes of the places where they are developed. Several studies show that the collective work of women has been a driving force of this trend in the history of textile art. This research anlyzes the processes arpilleras have undergone to be categorized as works of art, taking into account their particular characteristics and proximity to handmade crafts. This fuzzy process legitimizes their entry into the art world. To carry out this goal, an extensive literature review surveys how arpilleras are self-defined when writing about themselves. Possibly the recent in crease Recibido: 30-6-20 | Aceptado: 31-8-20

Este artigo apresenta uma breve discussão acerca das narrativas de memória evocadas pelas artes têxteis na América Latina, abordando tanto os problemas que surgem em decorrência das tentativas de historicizar a prática no contexto latino-americano, quanto os reflexos do papel social de tais ofícios em seu deslocamento para o campo
das artes visuais. A partir de uma leitura de experiência relacionada à obra La libertad, da cineasta colombiana Laura Huertas Míllan, e da trajetória da artista brasileira Marlene Trindade, as questões de gênero e os discursos institucionais da arte serão ressignificados, considerando
também a força política da memória entrelaçada aos saberes têxteis.

Es esta una reflexión sobre la memoria plasmada en una serie de arte textil en técnica de arpillería realizada por la Asociación de Mujeres Desplazadas de Huaycán, Mamaquilla.
En el año 1987 ellas se desplazan desde sus comunidades de origen en los andes hacia Lima, huyendo de la violencia originada por el enfrentamiento entre el grupo subversivo Sendero Luminoso y las fuerzas armadas. Desafortunadamente en la ciudad, son blanco de discriminación por ser campesinas, andinas y quechua hablantes, además de encontrarse en el medio de un patrón similar de violencia al de sus propias comunidades.
Veinte años después, en el marco de un taller realizado por asociaciones de derechos humanos, logran contar su historia de lucha y sobrevivencia a través de una serie de siete arpilleras (técnica textil de arte popular contemporáneo). Esta memoria se negocia y se produce de forma colectiva durante varios meses y este proceso pone en evidencia las formas tan complejas en las que las memorias del pasado se resignifican y se re-construyen en el presente.

Distintos actores hacen uso del patrimonio inmaterial indígena sin reconocer a sus legítimos creadores y propietarios. En el caso de los usos mercantiles, estos se llevan a cabo sin rendir cuentas ni otorgar el justo pago de regalías. El presente artículo revisa algunos motivos que explican el uso discriminatorio de las creaciones a las que apenas suele concedérseles el rango de “diseños” folclóricos que adornan “artesanías”. Al tiempo que se suma a las exigencias dirigidas a las institucio- nes encargadas de proteger ese patrimonio inmaterial y los derechos de sus creadores, este documento propone recono- cer ese trabajo en tanto creación artística susceptible de ser analizada como iconografía indígena, mediante la cual se lee y se transmite la memoria colectiva de un grupo. Asimismo, se explicará el caso específico del plagio de los bordados otomíes llamados “tenangos”, por empresas extranjeras.

Resumen La Exposición Vaticana Mundial, auspiciada por León XIII, constituyó un acontecimiento excepcional destinado a romper el aislamiento internacional del Vaticano y demostrar la vigencia de las artes y la industria católicas frente a un mundo donde comenzaba a dominar el laicismo. España, junto con sus posesiones de ultramar, Filipinas, participó en la muestra haciendo llegar un repertorio artístico de talante tradicional, dominado por la orfebrería, el bordado y otras artes decorativas, en el que reflejó, de la mano de los mejores artistas del momento, su particular carácter como nación católica y de espíritu conservador. A su vez, en esa representación española se materializaron elementos identitarios y simbólicos de cada una de las regiones y territorios españoles que el imaginario colectivo de la sociedad burguesa de la Restauración había asumido como propios. Palabras clave: Exposición Mundial Vaticana, España, orfebrería, bordado, arte litúrgico católico. Abstract: The Vatican World Exhibition, sponsored by Leon XIII, constituted an outstanding event devoted to break the international isolation of the Vatican and show the validity of the catholic art and industry in front of a world where the secularism began to dominate. Spain with her overseas possessions were very important at that time; the Philippines for example, participated in the exhibition with an artistic repertoire with a traditional style which was dominated by the goldsmith and embroidery arts which show the craft of the best artists at those times with her particular character as a Catholic and conservative nation. At the same time in that Spanish participation identity elements and symbols of each counties and regions of Spain where the imaginary collective of the bourgeois society in the Restauration had taken on as own.

The collection of liturgical vestments of the Basilica Chatedral of Lima has great value, despite the fragility of the materials and its continued use. These ornaments have persisted through the centuries and are distinguished by their technical singularity, aesthetic and luxury qualities, expressed both in the materials selection and the wealth of  iconographic themes; at the same time reflecting Christian practices developed during the viceroyal period and the early republican life. However their importance, these garments have not yet attracted the interest of researchers.

México enfrenta una fuerte crisis de seguridad que se refleja en el debilitamiento del tejido social. De acuerdo con José Luis Solís, de la Universidad Autónoma de Coahuila, entre los rasgos más sobresalientes del actual régimen político están la omnipresencia del crimen organizado en las instituciones públicas, el uso de recursos públicos en el sector privado, la corrupción e impunidad en relación con la acumulación del capital. Producto de la (así llamada) guerra contra el narcotráfico iniciada en 2007 por el presidente Felipe Calderón, 2 para 2012 entre 45 y 70 mil personas serían asesinadas, más de 25 mil desaparecidas y 100 mil desplazadas en México.
Las vidas perdidas durante este tiempo fueron justificadas como daños colaterales o pérdidas justificadas en pos de lograr ganar la guerra, que más que nada se debe considerar una guerra civil, en contra de aquellos individuos y organizaciones que tienen vínculos en contra del crimen organizado.

Explica el origen y función de los ornamentos litúrgicos, centrándose en la casulla y específicamente en los aspectos relacionados con la iconografía y el simbolismo del color. También se refiere a algunos rituales post-mortem durante el siglo XVIII en la ciudad de Lima y se destaca la importancia del sermón en el que se reflexionaba acerca de la muerte y el destino del alma; se presentan además, fragmentos de un sermón de 1770. Finalmente, se realiza la lectura iconográfica de una casulla de luto de la catedral de Lima, del siglo XVIII, y se establece la relación con el sermón fúnebre. El texto se complementa con cuatro imágenes.

realizados por mujeres, conocidos por el nombre de la tela sobre la que se cosían y bordaban escenas de la vida en dictadura: arpilleras. Este artículo reconstruye la compleja y fragmentada historia de un conjunto de arpilleras en Chile vinculadas al arte contemporáneo a través de la Galería Paulina Waugh; su circulación por Europa gracias al esfuerzo de manos solidarias como las de las galeristas Paulina y Carmen Waugh, la gestora del Museo de la Resistencia Salvador Allende, Miria Contreras, el artista Roberto Matta y el crítico de arte inglés, Guy Brett; y la labor del artista norteamericano asentado en Londres, John Dugger, de transformar un pequeño textil, hoy anónimo, en una pieza de grandes dimensiones, destinada a capturar y reforzar los testimonios contados, entre puntada y puntada, en una arpillera. Poniendo el acento tanto en la materialidad de estos textiles, así como en su historia de exhibición, el objetivo de este artículo es vincular las arpilleras con el arte de su época y

Conocimientos tradicionales (CT) o conocimientos indígenas (CI), son conceptos relativamente recientes si los vemos como uno de los ámbitos centrales de la cultura, el cual ha sido la base de toda investigación antropológica. Actualmente, estos conceptos se han convertido en un “problema” para algunos sectores que empleaban estos saberes para satisfacción de intereses personales. De un tiempo a esta parte, los grupos denominados étnicos, tradicionales u originarios tomaron las riendas de su propia defensa ante la usurpación de sus conocimientos; mientras por otro lado, las políticas nacionales e internacionales discuten el reconocimiento de estos grupos y la posibilidad de su participación, siempre y cuando “no afecten” a ciertos intereses ¿Cuáles? es la interrogante. Este adelanto es sólo un parpadeo de los elementos que componen la problemática en torno a los conocimientos y saberes tradicionales. Es así que mediante este ensayo buscamos dar un panorama de las principales directrices involucrados en la “disputa” de la propiedad de los conocimientos tradicionales, su uso y las estrategias de protección existentes, o que se proyectan, en Bolivia. Dado que el problema es amplio y puntilloso nos remitiremos a tocar los aspectos más concretos.

Resumen El siguiente trabajo tiene por objetivo reflexionar en torno al caso de las arpilleras chilenas, piezas textiles de denuncia producidas clandestinamente por mujeres en situación de vulnerabilidad durante la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990). Se analiza el modo en que la irrupción de este arte popular-mediante la adopción de temáticas políticas, de protesta y compromiso social-habilitó un espacio no sólo de resistencia sino de encuentro, participación, creación y organización colectiva. En esta línea, se indaga en la reconfiguración de los lazos sociales para dar cuenta de cómo la conformación de una red de apoyo solidario permitió sortear los mecanismos institucionales de aquel marco represivo e interpelar al presente desde el presente. Así, el cuerpo ausente del desaparecido motivó la intervención desinteresada de distintos agentes tanto dentro como fuera de Chile, permitiendo que el testimonio en primera persona del terrorismo de Estado (hecho manifestación plástica de su momento) deviniera documento y registro artístico para hacer su aporte en la construcción de la memoria.

16 de marzo al 7 de abril de 2017-Granada Gallery-Buenos Aires El denominador común en el corpus de obras de Silvia Gai es la experimentación con lo orgánico que fluctúa entre lo humano, lo animal y lo vegetal según las variaciones de las búsquedas que la ocupen en cada momento. Se posiciona en el arte textil desde los noventa hasta la actualidad como una artista inagotable que increpa permanentemente materiales y técnicas creando métodos propios de producción, que incluso trascienden al objeto-obra e involucran al emplazamiento. En esta exposición conviven dos series precisamente vinculadas desde sus diseños orgánicos. El enorme Nido 1 de la intervención Bosque mineral 2 configurado a modo de una red, que puede expandirse o encogerse de acuerdo al espacio, admite incontables aspectos. Con esta pieza Gai llega por primera vez a desarrollar una obra textil de grandes dimensiones-400 x 200cm-siguiendo a aquellas de los cortes histológicos que realizó durante la década de 2000. Nido con doble entrada, Nido con huevo y Nido ocupado están tejidos con hilos y alambre de cobre y lurex, y se asemejan a los nidos colgantes que las aves construyen en las ramas de los árboles. En estos se hace evidente la estructura protectora a modo de ambiente contenedor que alberga la vida cual útero desde la gestación y que, con la apariencia de

El propósito de este texto es compartir algunos resultados de una investigación artística realizada en el espacio del taller de textiles. Conjuga práctica docente con la experiencia  artística mediadas por el aprendizaje y resignificación de los oficios y prácticas artesanales del contexto mexicano. Trabajada desde la Investigación Basada en la Artes, este proyecto busca sensibilizar al estudiantado hacia las problemáticas y estereotipos en torno a la práctica textil, ya sea la tradicional cuanto la contemporánea. Y así, fomentar miradas más críticas e inclusivas dentro y fuera de la universidad, basadas especialmente, en sus experiencias prácticas con este lenguaje.

GÉNERO EN DISPUTA es una muestra de obras en diversos formatos y técnicas contenida en un libro, que reflexiona en torno al amplio significado del concepto de género, en sus múltiples campos semánticos. En este contexto, 14 artistas visuales se reúnen a través de seis núcleos curatoriales explorando los diferentes campos en disputa de esta terminología.

Resumen
El artículo tiene como propósito contribuir al conoci- miento de los ornamentos litúrgicos en general y acercar a los lectores a la comprensión de la valiosa colección de obras de arte textil religioso peruano del Convento de San Francisco de Lima, que refleja las prácticas cristianas desarrolladas durante los períodos virreinal y republica- no. Asimismo, se propone una metodología para el estu- dio de dichas prendas desde la historia del arte.

Abstract
The purpose of the article is to contribute to our under- standing the liturgical ornaments in general, and to ac- quaint readers with the valuable collection of works of Peruvian religious textile art held at the Convent of San Francisco de Lima which reflects Christian practices de- veloped during the viceregal and republican periods. A methodology for the study of these garments from the history of art is also proposed.

Resumo
O artigo tem como propósito aportar ao conhecimento geral dos ornamentos litúrgicos e, mesmo, aproximar aos fiéis à compreensão da valiosa coleção de obras de arte têxtil religiosa peruana do Convento de San Francis- co de Lima, que reflete as práticas cristãs desenvolvidas durante os períodos vice-real e republicano. Também, o artigo propõe uma metodologia para o estudo da cole- ção desde a história da arte.

Algunos aspectos del arte textil de ostentación en Murcia: alfombras, colgaduras y tapices de los siglos XVII y XVIII SUMMARY Thispaper concerns the strrdy, in a local Miircian context, of the development and importante oJ'textile coverings (riigs, drapes, canopies. cloths ornamented with the coat of arms and tapisteries) in the decoration oJ'civil and domestic as well as religiorrs interiors throughout the 17th and 18th centuries. The high quality o f these objects o f luxury made the owners demand more siimptuolrs pieces in which there were borders in precious materials as well as textiles qf'extraordinary value. As important are the interiors ofpalaces and noble houses, the jorm, arrangement andplacing of the drapery and textiles as well as the crajtsmen responsable.for them and the artistic centres where they were made, that were not always in the city of'Murcia. Apart,from an abundan1 doc~rmentation , hitherto unedited. the existence in the Murcian cathedral freasury oJ'a splendid Rococo rugjabricated in the Roya1 Factory of Carpets in Cuenca is commented upon, dated in 1783 and used in the most solemn acts that took place in that sacred religio~rs space. La historiografia artística no ha prestado siempre la debida atención al estudio de una serie de cuestiones y elementos de gran interés, que durante siglos constituyeron una parte fundamental del entorno y el marco cotidiano en el que se desenvolvió un estilo de vida no tan lejano en el tiempo, como fue el de aquella sociedad del Antiguo Régimen, cuyos ecos e influencias, con más o menos ímpetu, han logrado perpetuarse en algunos casos hasta bien entrada la actual centuria. Este escaso interés por entender, comprender y valo-rar toda esa serie de señales externas que todavía, en muchas ocasiones, sólo se contem-plan bajo simplistas conceptos meramente ornamentales y que suelen agruparse en ese auténtico "cajón de sastre" que suele denominarse como Artes Suntuarias o Decorativas,

Mario Ara L'editore si dichiara pienamente disponibile a soddisfare eventuali oneri derivanti da diritti di riproduzione per le immagini di cui non sia stato possibile reperire gli aventi diritto. È vietata la riproduzione, con qualsiasi procedimento, della presente opera o parti di essa.

Heart Unifying Communities combina la literatura, escritura creativa en Español, arte textil e Inglés como segunda lengua. El proyecto surge en el 2021, auspiciado por Vanderbilt University, Tennessee State University, el Curb Center y la fundación Andrew W. Mellon, y parte de los esfuerzos de Elvira Aballí, Marcela Castaño y Vladimir Betancur. Este volumen compila textos creados por sus participantes durante la primera edición.

Heart unifying Communities combines literature, creative writing in Spanish, textile art, and English as a second language. The project was born in 2021 under the patronage of Vanderbilt University, Tennessee State University, The Curb Center, and the Andrew W. Mellon Foundation, and as a result of the efforts of Elvira Aballí, Marcela Castaño, and Vladimir Betancur. This volume gathers some of the texts created by their participants during the first edition.

Resumen Las prácticas textiles han adquirido una fuerte implicación en los procesos sociales propios de los lugares donde se desarrollan. Numerosos estudios muestran que esta orientación predominante en la historia del arte textil ha sido protagonizada principalmente por el trabajo colectivo de mujeres. En esta investigación se analizan los procesos por los que han pasado las arpillera para ser categorizadas como obras de arte, teniendo en cuenta sus características particulares y su constante acercamiento a las prácticas artesanales, lo que genera una nebulosa en el camino que legitima su entrada al mundo del arte. Para llevar a cabo este objetivo, se revisaron diferentes fuentes bibliográficas con el fin de comprender cómo se definen las arpilleras al momento de escribir sobre ellas. Se cree que las últimas exposiciones y colecciones de arpillera en instituciones de renombre artístico, podrían generar un incremento en su reconocimiento. En razón de lo mismo, se consideraron los me...

Mimetizando a estrutura da derradeira exposição Construtivista, “5 x 5 = 25” (Moscovo, 1921), pensam-se três particulares obras das três mulheres artistas aí presentes (assim, 3 x 3 = 9). Partindo da produção artística e ideológica de Popova, Ekster e Stepanova, se cartografa um percurso feminino pelo Construtivismo Russo e pelas suas coordenadas contextuais. Da superfície da tela ao espaço do real, da representação à construção, do atelier à fábrica, e da pintura a uma arte útil, se constrói o presente ensaio e se construía, primordialmente, um ímpar momento na história da arte, no qual as mulheres artistas reflectiam e impulsionavam profundas – e, porventura, irrepetíveis – transformações nas dinâmicas sociais.

La Exposición Vaticana Mundial, auspiciada por León XIII, constituyó un acontecimiento excepcional destinado a romper el aislamiento internacional del Vaticano y demostrar la vigencia de las artes y la industria católicas frente a un mundo donde comenzaba a dominar el laicismo. España, junto con sus posesiones de ultramar, Filipinas, participó en la muestra haciendo llegar un repertorio artístico de talante tradicional, dominado por la orfebrería, el bordado y otras artes decorativas, en el que reflejó, de la mano de los mejores artistas del momento, su particular carácter como nación católica y de espíritu conservador. A su vez, en esa representación española se materializaron elementos identitarios y simbólicos de cada una de las regiones y territorios españoles que el imaginario colectivo de la sociedad burguesa de la Restauración había asumido como propios.

Consideramos importante dejar huellas de las transformaciones que estamos atravesando, como posibles testigos de procesos vitales y creativos de pérdida de posiciones dominantes y creación de imaginarios “otramente comunitarios”. A lo largo del tiempo la creación compartida se ha revelado la más capaz para resistir y representar una alternativa real a la creación individual que occidente sostiene. Creemos necesario valorar estos procesos capaces de guiar nuestra investigación ya que la subjetividad encarnada necesita continua confrontaciones como en la vida, para poder profundizar cada vez más la búsqueda, verificar su honestidad y averiguar su utilidad y capacidad real de desplazar los imaginarios.
Proponemos por ello, como método de análisis el proceso creativo del trabajo a uncinetto, o sea a ganchillo. El ganchillo ha sido una de esas prácticas pertenecientes al mundo artesanal rural de las mujeres, en nuestro caso es el legado de nuestra niñera. Ella nació en el Polesine (un territorio en la región Véneto entre el rio Po y el rio Adige) cerca del mar Adriático. El ganchillo es un continuo punto de llegada e inicio. Nos permite reanudar, tanto concreta como simbólicamente, los cortes que han habido entre las tres generaciones que antes y después de la Segunda Guerra Mundial se han visto implicadas en los procesos de construcción de lo contemporáneo (tanto desde una perspectiva personal familiar cuanto de una más colectiva, propia del Véneto, nuestro contexto de referencia). Finalmente, nos permite volver a reflexionar sobre la Guerra Fría, el Fascismo y el modelo proto-capitalista veneciano; cerrando así un ciclo que nos vuelve a llevar al capitalismo contemporáneo. El ganchillo, será nuestra metodología en cuanto nos permite desmontar tramas que se nos presentan hechas y re-tejer, con una cierta simultaneidad, cada cosa con un orden y un sentido diferente, no estructurado por las perspectivas ideológicas y económicas, propias del contexto de referencia, sino genealógicas. Por esto la cronología de esta tesis es contraria a las series temporales al uso y termina con el estudio de la Serenissima (la República de Venecia) un ejemplo de organización proto-capitalista que nos devuelve al día de hoy.

Mesa redonda: Conversaciones en torno al Arte, la música y el género Congreso Nacional de Músicas antiguas y planteamientos recientes: La historia desde la perspectiva de género. Título de la comunicación: El proyecto de Águeda (2017-2019) Obra textil colaborativa realizada por Mujeres con diversas capacidades Resumen: El taller de costura creativa comenzó desde la demanda de un grupo de usuarias de ASSIDO (Asociación para personas con síndrome de Down y otras discapacidades intelectuales) que disfrutaban de estas labores, y que además solían servirse rudimentariamente de la costura como un elemento creativo en sus obras dentro del taller de expresión libre y creatividad del mismo centro. Francisca Pérez y Mº Carmen Ortiz son madres de dos usuarios del centro y, aunque no tienen ninguna formación artística, se ofrecieron para ser el soporte técnico para que este grupo de mujeres, con diversas capacidades, pudieran llevar a cabo sus inquietudes artísticas a través de la costura. El taller de costura creativa es, sobre todo, una experiencia artística compartida entre dos generaciones de mujeres donde, a través del intercambio de saberes, lo que emergió en todas ellas fue el autodescubrimiento de la propia creatividad. Un día a la semana, durante más de dos años, el taller de costura creativa se convertía en un lugar para compartir experiencias y conocimientos, un lugar de acompañamiento y de diálogo creativo, donde este grupo de tejedoras, reunidas alrededor de una mesa, se dieron cuenta que el acto en sí de coser era más importante que cualquier resultado. Y así fue como el propio hacer fue revelando un proyecto artístico colaborativo, entre mujeres diversas, que se alejaba de lo ocupacional y se acercaba a lo artístico y terapéutico. El acto de coser resulta terapéutico en sí mismo, este acto repetido de pasar una y otra vez la aguja a través de la tela tiene que ver con el automatismo. Se trata de una actividad pausada que abandona el cuerpo a la repetición mientras entrega la mente a los pensamientos libres. Al mismo tiempo, permite un estado de concentración absoluta y tranquilidad. La repetición permite afianzar, nos da seguridad y la necesidad de control que muchas veces necesitamos. Entretanto, cosiendo y recosiendo es fácil entrar en un estado de conexión íntima donde sin darnos cuenta hilvanamos también las propias roturas. Y es que el acto de coser tiene, inevitablemente, que ver con reparar y esta carga simbólica está presente en el trabajo textil de muchas artistas. Águeda es una obra de arte textil colaborativa, pero también una obra de arte outsider que de algún modo, quizás inconsciente para la autoras, reivindican la costura y los trabajos realizados artesanalmente desde un giro subversivo contemporáneo. Y Así, desde la inocencia artística y la ausencia de planificación nace Águeda, puntada a puntada crece y recibe un nombre. Hasta que un día se desborda y emerge como una criatura textil, casi como un ser vivo, a punto de echar a andar pesadamente hacia el espectador. Palabras clave: Arte, perspectiva de género, diversidad funcional, arte colaborativo, arte textil

Kennedy Bahía fue un artista chileno que desarrolló una singular obra de tapicería por espacio de tres décadas en Brasil. A dieciséis años de su muerte se esboza una breve biografía que busca rescatar su vida marcada por el color, el paisaje humano y natural de Bahía, estado de la costa del Nordeste que eligió como su hogar.

Mariu F. Lacayo es una artista visual nicaragüense, que desde siempre se ha fascinado por los tejidos, pero no cualquier tejido, sino los textiles originarios, los lampazos mexicanos, las urdimbres de algodón antiguas o populares, pero no para tejerlas ella, sino para reproducirlas a través de la pintura, en la que realizaba acercamientos para representar las costuras, los pompones, los movimientos de la tela. Esta fue su primera incursión en los tejidos a través de la pintura. Más adelante, quiso prácticamente urdirlos, pero no con telares, sino con pincel  al óleo,  en detallado hiperrealismo. Más adelante, entró en contacto con las Teoría M, que fue esbozada por el físico Edward Witten, y se origina en la teoría de las cuerdas, según la cual las partículas se pueden comportar como cuerdas y su vibración conforma los universos. Mariu quedó fascinada con la Teoría M, de la física cuántica, que parte de la vida cotidiana hasta el mundo de las micropartículas.

Azkenik, hirugarren eredua Haria Galtzen Kristina Eneako 2016ko erakusketa da, non arte moduen hierarkiak nahasturik agertzen diren, erakusketa honen helburuetako bat artea eta artisautzaren arteko aldea bereizteko zailtasunak aditzera ematea izanik. Aldi berean, azken erakusketa honetan gorputzaren inplikazioa askoz ere garrantzitsuagoa da, bertan erakusgarri dauden ehun-lanen arteko hierarkiak nahiko ezabaturik daudelarik. 5 AURKIBIDEA 1-Sarrera, metodologia eta helburuak…………………………………………..7 2-Arte teoria bestelako baten egitekoa: izena eman izan dadin……….............9 2.1-Artearen teoria sozial feminista eta ehun-artearen arteko harremana. 2.2-Ehun-Artearen lotura genero femeninoarekin. 2.3-Artearen definizio hertsia: Ehun Artearen zilegitasuna, arte edo artisautza moduan? 3-Erakusketaren indarra: Ikus daitekeen guztia da……………….….