ARTE DISEÑO & COMUNICACION VISUAL

O Encontro DAT – Design, Arte e Tecnologia, do Programa de Pós-Graduação em Design toda Universidade Anhembi Morumbi (UAM), tem por meta reunir pensadores de universidades nacionais e internacionais com
foco específico nos setores culturais e tecnológicos criativos que desenvolvam pesquisas, projetos, ideias, inovação e atividades empreendedoras. Explora o potencial de diluir as fronteiras entre design, arte
e tecnologia com referência específica para discutir a criatividade em design e tecnologia – examinando como a tecnologia digital é abordada pelos artistas e designers. O encontro busca também contribuir com discussões e
reflexões sobre como o Design e a Arte moldaram e moldam os valores, as estruturas sociais, as comunicações, o pensamento e a cultura. Envolve designers e artistas com seus trabalhos criativos, teóricos e práticos, para que apresentem novas perspectivas e  permitam entender mais sobre suas habilidades, processos, motivações e relacionamento com o mundo,
considerando a diversidade e a interdisciplinaridade destes trabalhos.

La Organización Mundial de la Salud (OMS, 2010) considera
una epidemia mundial el consumo excesivo de alcohol; la publicidad y sus diversas técnicas de mercadeo son factores que contribuyen a diseminarla. La presente investigación, tiene como objetivo el explorar de qué modo la publicidad de bebidas alcohólicas emplea argumentos emocionales y cuáles son los imaginarios que buscan instituir. Para ello, se analizó el contexto semiótico-discursivo de tres anuncios de bebidas alcohólicas, empleando tres métodos de investigación para la comunicación visual: la Argumentación pictórica de Kjeldsen, la Argumentación visual recurriendo a la Lógica natural de Grize y, por último, la Semiótica social visual de Kress y van Leeuwen. En dichas publicidades, se analizan los diversos argumentos emocionales que contribuyen a instituir un imaginario nocivo para la salud de los consumidores, así como los mecanismos de persuasión, cuyo principal objetivo es incrementar el consumo de alcohol. Los resultados obtenidos contribuyen a respaldar la advertencia emitida por la OMS, la cual relaciona la publicidad de bebidas alcohólicas con problemas de salud pública.

This panel set out to explore the popular and scholarly literature on graffiti and street art, to assess what has been accomplished in these fields, and where scholarly research in the fields of criminology, criminal justice and allied social sciences and humanities must go to better understand these largely urban phenomena.

El presente artículo presenta los resultados del proyecto “El Cibermuseo, un medio para reconocer el patrimonio urbano difuso de Tunja”, en lo concerniente al objetivo específico que busca “optimizar la interacción con los visitantes mediante la evaluación de las herramientas TIC y los ejercicios propuestos”. Dicho análisis se construyó a partir de datos cualitativos y cuantitativos. En primer término, se analizaron las opiniones recogidas a través de la herramienta de recopilación de comentarios del sitio web del Museo y de los formularios de Google Drive que fueron diligenciados en el marco de los talleres realizados con el fin de conseguir interacciones de los usuarios. Igualmente, se evaluaron los datos estadísticos cuantitativos de visitas al sitio web, obtenidos por medio de la herramienta de Google Analytics. Las principales conclusiones y recomendaciones se presentan organizadas en tres grupos. 1) Optimización desde el proyecto: misión y objetivos de un museo. Se plantea la necesidad de establecer objetivos operativos y metodologías acordes al área de conocimiento de cada etapa del proyecto. 2) Optimización desde la comunicación: diseño centrado en el usuario. Se propone construir un mensaje y organizar la información disponible con claridad de rutas para un acceso eficaz. 3) Optimización visual y tecnológica. Se examinan elementos visuales y tecnológicos que permitan una cómoda interacción de los usuarios; se plantea la evaluación de los mismos y las metodologías y características del equipo de trabajo. A su vez, se expresa la necesidad de contar con personas con habilidades especializadas para las tareas requeridas, sin descuidar la construcción colectiva, el ejercicio transdisciplinar y el diálogo de saberes.

Se muestra una parte del trabajo de investigación llevado a cabo sobre la colección Parkett desde el punto de vista del diseño, presente tanto en la revista, como especialmente en las ediciones que forman una importante colección de arte contemporáneo internacional presente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.
Mediante una selección de ocho contribuciones de esta colección se realiza un recorrido de su aportación artística en cada una de las obras.

Mujeres Públicas es un “grupo de activismo visual feminista” que comenzó sus acciones en 2003. Instalando un ethos de humor e ironía sus integrantes realizan acciones e intervenciones en la ciudad a partir de afiches y objetos pequeños, con los que indagan en los prejuicios y mandatos culturales que recaen sobre las mujeres contemporáneas. El afiche Mujer Colonizada responde a una acción que el grupo realizó en la Ciudad de Buenos Aires en 2004 y polemiza con ciertos mandatos asociándolos a la colonización de América. Se trata de una producción en la que temporalidad y espacialidad inciden en la construcción de sentido. Tener en cuenta estos aspectos plantea un dilema al analizar este tipo de discursividades: cómo definirlas. Este trabajo propone definir dos discursividades distintas, aunque complementarias, del mismo afiche. Por un lado, la imagen “neutra” del afiche en su formato digital, por otro, una imagen del afiche “situada” en un momento y lugar particular. Con la primera se siguen las reflexiones sobre el valor argumentativo de la metáfora según Le Guern (1981), profundizándose en la dimensión retórica de la expresión metafórica. Con la segunda, se busca la inscripción de Mujer Colonizada en la discursividad social, profundizándose en el problema ideológico involucrado en la interacción argumentativa. Aquí se contemplan el enfoque polémico de la metáfora según Angenot (1982) y se indaga en la discursividad social en tanto formación ideológica (Pêcheux, 1973) de un momento y un espacio histórico dado mediante un pequeño archivo de imágenes.

* Publicado en el 10° Congreso de la Asociación Internacional de Semiótica Visual: "Dilemas contemporáneos de lo visual" 2012.

Este libro, que se publica por primera vez en español, es la continuación  del exitoso proyecto Cartografía de los estereotipos del artista Yanko Tsvetkov, que inició en 2009 y pronto se convirtió en una sensación de internet.
Los ensayos que acompañan estos mapas aunan sátira y cartografía, y narran la historia del proyecto y las aventuras con los prejuicios que acompañan al hombre desde el alba de la civilización.

Obra fundacional que transforma la práctica semiótica en la ciencia semiológica, identifica las bases físicas y biológicas de la semiosis, así como da una explicación detallada de todas las partes y procesos de significación desde la interpretación de síntomas por los animales, pasando por la creación de significados a través del arte, hasta llegar al verdadero lenguaje humano, arbitrario y convencional. Una versión práctica y científica que permite aplicaciones prácticas en el arte, diseño, publicidad, comunicación y en el discurso académico, político o científico.

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El artículo, publicado como un capítulo del libro Carteles venezolanos de Santiago Pol, aborda la obra de este maestro del diseño latinoamericano desde cuatro paradigmas fundamentales: el cartel como discurso, el objeto imposible y provocador, la iconografía (cuerpo fragmentado, animales simbólicos, lo culinario y la alimentación) y el color.  El texto es resultado de una larga investigación y se trata del primer avance de un proyecto curatorial aún en proceso.

RESUMEN:
La deconstrucción irrumpe en el pensamiento de la escritura, como una escritura de la escritura, que por lo pronto obliga a otra lectura: no ya imantada a la comprensión hermenéutica del sentido que quiere-decir un discurso, a su fondo de ilegibilidad y de deseo de idioma–, a las fuerzas no intencionales inscritas en los sistemas significantes de un discurso que hacen de éste propiamente un “texto”, es decir, algo que por su propia naturaleza o por su propia ley se resiste a ser comprendido como expresión de un sentido, o más bien “expone” éste como efecto –y con su legalidad y necesidad específica– de una ilusión para la conciencia.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
/derridadeconstruccion.htm
VERSIONES [Ediciones]
1. VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “DERRIDA: DECONSTRUCCIÓN, DIFFÉRANCE Y DISEMINACIÓN; UNA HISTORIA DE PARÁSITOS, HUELLAS Y ESPECTROS”. En Revista OBSERVACIONES FILOSÓFICAS - Nº 19 / 2014 – ISSN 0718-3712. http://www.observacionesfilosoficas.net/derridadeconstruccion.htm
2.  VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “DERRIDA : DECONSTRUCTION, DIFFERANCE AND SPREAD; A HISTORY OF PARASITES, FOOTPRINTS AND SPECTRA”, En CASA LITTERAE, Universidad de Concepción, Abril de 2015,
http://www.casalitterae.cl/index.php/estadistica/83-derrida-deconstruction-differance-and-spread-a-history-of-parasites-footprints-and-spectra
3. VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “DERRIDA: DECONSTRUCCIÓN, DIFFÉRANCE Y DISEMINACIÓN; UNA HISTORIA DE PARÁSITOS, HUELLAS Y ESPECTROS”, En REDAZIONE ROSEBUD –Critica, Scrittura, Giornalismo– Enero 2015, Dublin, Ireland, http://rinabrundu.com/2015/01/05/derrida-deconstruccion-differance-y-diseminacion-una-historia-de-parasitos-huellas-y-espectros/
ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA D.Phil

This paper applied an ecocritical perspective on street art to expand on the notion that street art can have an impact on how we relate to urban public space. In doing so, it argued that street art is particularly well positioned to affect the way we think and act with regard to the environment.

En este documento, se exponen de manera concisa los requisitos necesarios y básicos para la instalación de un equipo de sublimación, enfocado en el textil. Además de los materiales auxiliares para el mecanismo de transferencia por sublimación; y cuáles son los tipos de textiles pueden pasar por este proceso.

Dentro del mismo, se incluye ejemplificaciones de cómo se realiza un estampado digital en el programa de Adobe Illustrator; para su aplicación a la transferencia or sublimación.

Se estudia la conexión entre Arte y Diseño. La propia permeabilidad de los límites entre Arte y Diseño determina que sea la dialéctica el único procedimiento para definir las coincidencias y disparidades entre uno y otro concepto. En conclusión, el diseño no pretende ni está concebido como arte, pero su resultado puede ser una de las más apreciadas obras del arte contemporáneo, mediante el mismo procedimiento de paso del signo al símbolo. El Diseño puede llegar a ser Arte, aunque no haya una intención de hacerlo, incluso podría decirse que es el estilo que mejor define el Arte de nuestro tiempo.

La época de las industrias culturales y creativas, que podríamos datar en 1997, combinaba muchos planteamientos culturales diferentes en torno a la urgente llamada a reconocer una nueva 'realidad que estaba ahí', que representaba el futuro, el cambio, la renovación y la re-vitalización de la economía. Sin embargo, esa energía transformadora fue erosionándose por ciertos factores que quizás rebajaron sus expectativas iniciales. Entre ellos podemos ci-tar su absorción por el desarrollo inmobiliario, su propia capacidad para integrarse con rapi-dez en los nuevos desafíos digitales y mediáticos, así como la escasez de recursos intelectua-les y financieros que la mayoría de los gobiernos municipales ponen en su desarrollo. En este artículo se sigue la pista a las complejas y contestadas narrativas sobre las industrias 'culturales y/o creativas', para tratar de establecer, si no lo que son 'en sí mismas', al menos por qué son una apuesta política que merece el esfuerzo. Es decir, cómo llegaron a ser 'moti-vos de preocupación' y qué clase de nueva preocupación pueden ser ahora. Kultura-eta sorkuntza-industrien garaia 1997an hasi zela esan dezakegu. Bada, garai hartan, hainbat kultura-planteamendu nahasten ziren 'bertan zegoen errealitate' berri bat aintzatesteko premiazko deiaren inguruan, etorkizuna, aldaketa, berritzea eta ekonomia suspertzea azaltzen zuela errealitate berri horrek. Hala eta guztiz ere, energia eraldatzaile hori apalduz joan zen, ha-sierako itxaropenak agian txikiagotu egin zituzten zenbait faktoreren ondorioz. Honako faktore hauek aipa daitezke, besteak beste: higiezinen garapenak xurgatu izana, erronka digital berrietan eta komunikabideen erronka berrietan bizkor integratzeko duen gaitasuna eta udal-gobernu ge-hienek hori garatzeko erabiltzen dituzten adimen-eta finantza-baliabide urriak. Artikulu hone-tan hurbiletik aztertu dira 'kultura-eta/edo sorkuntza-industriei' buruzko teoria konplexu eta eztabaidatuak, ahalegina merezi duten apustu politikoa zergatik diren ezartzen saiatzeko, 'berez' zer diren ezartzen saiatu beharrean. Hau da, jakin nahi dena da zergatik izan ziren 'kezkagai' eta nolako kezka berria izan daitezkeen gaur egun. The era of the cultural and creative industries, which can be said to date from 1997, brought together many different approaches to culture around an urgent call for recognition of a new reality that was «out there» and that represented the future, change, renewal and the revitalisation of the economy. However that energy for change was gradually eroded by a number of factors that reduced their initial expectations. Those factors included absorption by real-estate development, their own ability to integrate rapidly into new digital, media challenges and the scant intellectual and financial resources earmarked by most local authorities for their development. This article tracks the complex, disputed accounts of the «cultural and/or creative» industries and seeks to establish if not what they actually are at least why they are worthwhile in terms of political effort, i.e. how they came to be a «cause for concern», and what type of new concern they may now have become.

Final Degree Project in Advertising and Public Relations for the Complutense University of Madrid.

My objective is to analyze how the redesign of Balenciaga's corporate strategy was carried out after the appointment of Demna Gvasalia as the new creative director in 2015.

The research consists of an analysis of the marketing and communication tools that have been used. It also studies Balenciaga's positioning in the luxury market, its capital, code, and brand architecture, and performs an analysis of the visual identity and the type of advertising it carries out in digital media.

Grade: 9,7/10 (Honors)
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Trabajo de Fin de Grado de Publicidad y Relaciones Públicas para la Facultad de Ciencias de la Información (Universidad Complutense de Madrid).

Mi objetivo es analizar cómo se llevó a cabo el rediseño de la estrategia corporativa de Balenciaga a partir del nombramiento de Demna Gvasalia como nuevo director creativo en 2015.

La investigación consiste en un análisis de las herramientas de marketing y comunicación que se han utilizado. Asimismo, se estudia el posicionamiento de Balenciaga en el mercado de lujo, su capital, código y arquitectura de marca, y se realiza un análisis de la identidad visual y del tipo de publicidad que lleva a cabo en los medios digitales.

Nota: 9,7/10 (MH)

Tras décadas de experiencia como profesor de educación artística, reviso las oportunidades que hemos perdido, así como los logros conseguidos, y planteo la posibilidad de reinventarnos a partir de distintas urgencias tecnológicas, sociales, culturales y comunicativas, esencias que están reubicando todas las parcelas del saber. Ante tal escenario, propongo un territorio mucho más creativo y de mayor libertad para quienes somos docentes. Para ello incorporo siete geografías desde las cuales intentaré ubicar y explicar mis planteamientos educativos y artísticos, a saber: el alfabeto; la ciudad; Museari; miedos y cuerpos; la muerte; Artografías; el cine. A modo de conclusión proponemos el nuevo concepto de Currículum Vibrante.

El detrás de cámara forma parte del contexto de subjetivación que son los ámbitos de las instituciones culturales y los museos. Toda exhibición implica, para el diseñador, un compromiso y requiere de una ética de diseño consciente que dé respuesta y que haga visibles las contradicciones y la complejidad de los contextos socio-político y culturales. El motivo de reflexión de este artículo es el impacto del criterio museológico en la experiencia del visitante.

Muro, Claudio Tam. (2017). El detrás de cámara del diseño museográfico. Códice (32): 86-93, ISSN 1692-3766

Boletín de divulgación científica y cultural del Museo Universitario Universidad de Antioquia (Muua), Colombia.

El texto que tiene en sus manos responde a la voluntad de condensar, en una única obra, resultados de diferentes investigaciones en torno al diseño gráfico publicitario que sólo podrá encontrar dispersos en diversas fuentes.
La publicidad y el diseño gráfico aúnan aspectos relacionados con el color, la tipografía, la percepción o la semiótica que rara vez se conjugan en una misma obra.
Además, exponemos un sencillo método para afrontar
la elaboración de un mensaje visual -compatible con los
clásicos procesos de creatividad- que demanda, en primer lugar, desarrollar la capacidad analítica, en atención a los diversos presupuestos teóricos aquí recogidos, como paso previo y necesario para favorecer la labor creadora.
Por otro lado, esta obra intenta cubrir una demanda de los alumnos universitarios que nos han manifestado en reiteradas ocasiones: la de disponer de un libro -un manual, empleando tu terminología- que les permitiera seguir las asignaturas relacionadas con el diseño gráfico.

The Via Dolorosa in Jerusalem begins with commemorating Jesus's condemnation by Pilate in the traditional site of Pilate's Praetorium and ends at the Holy Sepulcher with remembering his interment in the tomb. At each of the 14 stations in this "Way of the Cross," pilgrims are urged to meditate on the events and meaning of Jesus' death.

Yet Jesus's path to the cross did not really begin in Jerusalem. Jesus' teachings and ministry were the first stages of his path to the cross in Jerusalem, as prefigured in Mary's Magnificat and proclaimed in Jesus' inaugural sermon in his hometown of Nazareth. The seeds planted in verses read during Advent thus prepare us for Jesus's ministry, and Jesus's proclamation of good news for the poor and his critiques of power, wealth and oppression led inexorably to the Way of the Cross that we commemorate during Lent.

Jesus's core message of the kingdom of God engages with the harsh social realities of his hearers' daily lives and proclaims how life should be when God's reign is fully realized. He proclaims not just remission of debts to those who are broken down by oppression — the root of the Greek word for oppression that Luke uses here means broken or shattered — but also liberation and restoration.

Pérez Esquivel's "Stations of the Cross," created for the 500th anniversary of the colonization of the Americas and made available with commentary by Alastair McIntosh, reflects on Jesus's death and connects his suffering with contemporary Latin American people suffering from colonialism, poverty, hunger, illiteracy, economic inequality and other oppression. These contexts mirror the oppression of the Jewish people during the time in which Jesus lived, taught and was martyred, so Pérez Esquivel's series of paintings seeks to provide a mode of response to such oppression — one espoused by Jesus — that bridges the gap between Jesus' era and our own.
[main arguments]
Pérez Esquivel's "Stations of the Cross" thus modernizes Jesus and his message authentically, without, as Christian interpreters have tended to do over the centuries, domesticating Jesus — a first-century Jewish prophet of an oppressed people — or anachronizing his radical message. Pérez Esquivel's work should encourage all those who walk the Stations of the Cross this Lenten season also to meditate on Jesus' message of liberation of the oppressed.

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En este trabajo de reflexión derivado de una investigación, nos hacemos la siguiente pregunta: ¿cómo medir el gusto estético, aplicado a un objeto, producto u artefacto de diseño industrial? La respuesta metodológica resulta de ajustar los Marcos Teóricos de dos ciencias: estética (filosofía del arte) y diseño industrial con estadística y probabilidad. Para lo cual se combinaron las ideas filosóficas de la belleza, estética y semiología con el estudio de teoremas matemáticos, estadísticos y probabilísticos. Para la comprobación (test) de las hipótesis orientadas a la medición de la variable (x) de: LoBello. En efecto, fue posible aplicar el Teorema Cental del Límite (TCL) y la técnica o prueba (test) Chi-cuadrado a los objetos de diseño industrial.

Catálogo de la exposición en homenaje a Gillo Dorfles, crítico de arte y pintor italiano (Trieste, 1910–2018), una de las personalidades más destacadas e influyentes de la cultura italiana del último siglo, reconocida como uno de los sujetos más poliédricos del panorama artístico-cultural contemporáneo.
Junto con otros artistas de la talla de Melotti, Fontana o Munari, fundó en 1948 el Movimiento de Arte Concreto (MAC). Tras un período de abandono de la producción artística entre finales de los 50 e inicios de los 80, retoma esta vía, pero alejándose de la “pintura concreta” defendida en los 50, para optar por una mayor hondura en otras composiciones, ritmos y simbolismos que consiga una “espacialidad rítmica”.
La evolución de su imaginario en los últimos años le ha llevado a buscar la complejidad humana que se dispersa en múltiples y laberínticos matices que se remontan al interés de Dorfles por Kafka. Logra así una atmósfera sugerente en este período de mayor intensidad que comprende sus últimas dos décadas de producción de obra gráfica, versionadas por alumnos del IED como variaciones sobre un tema musical en la exposición desarrollada en el Palacio de Altamira en septiembre-octubre de 2016.

El ya famoso experto en creatividad e inventor del proceso del pensamiento lateral Edward De Bono demuestra en esta obra, ya definitiva, que referirse al pensamiento creativo no es ninguna utopía: en el fondo, las herramientas formales de la creatividad se basan en la lógica de los sistemas de autoorganización, lejos del modelo «fantasioso» al que nos han acostumbrado ciertos investigadores con sus teorías. Éste es un libro, pues, que se convertirá con el tiempo en un imprescindible manual de creatividad. Los más de veinticinco años de experiencia, investigación y reflexión de su autor hacen de él una obra poderosa y fundamental para los que deban utilizar el pensamiento creativo en su vida cotidiana, tanto en la empresa como en otros lugares. Y en la efectividad de las técnicas que expone nos reafirma que este tipo de pensamiento no es ya cuestión de talento, temperamento o suerte, sino una habilidad más que podemos cultivar y desarrollar.

Se trata de un estudio del arte geométrico en Espña, Iberoamérica y el resto del mundo, realizado por el artista y profesor Sebastián García Garrido, con motivo de celebrarse los cien años de la publicación del Manifiesto Cubista, por G. Apollinaire, a partir de la creación de esta vanguardia por Picasso, que generará la mayoría de las vanguardias del siglo XX. Es un catálogo razonado de la exposición en la sala del Instituto de Investigaciones Multidisciplinares de la Universidad de Querétaro, México.

Existe una obra estrechamente vinculada al uni- verso de la Bauhaus, Das Triadische Ballett, ballet creado en gran parte por Oskar Schlemmer, cuyo diseño, desde el escenario, el vestuario, la coreo- grafía, e incluso la música, comenzó sin embargo a nacer antes de la aparición de la institución fun- dada por Walter Gropius. Cuál fue su génesis, cuál fue el papel del diseño en el proceso creativo que le dio forma, hasta qué punto llegó la implicación de Schlemmer en esta obra y cómo ha pasado a estar su nombre tan íntimamente unido a la Bauhaus, son algunos de los objetivos de este estudio. Asi- mismo, es esta puesta en escena una ocasión cons- tante para ver actualizados los parámetros en los que se movería la escuela artística alemana, pues se trata de una obra de la que aún hoy, desde que la idea surgiera en 1912, pueden seguir viéndose representaciones.

El contenido fotográfico puede considerarse una evocación de sentamientos sugerida por una mente que trabajo con los objetos el espacio, de una fotografía pueden extraerse pruebas de condiciones materiales de otras culturas y épocas. por si mismos los hechos visuales refieren a la realidad de su época: su composición y encuadre reflejan un deseo narrativo  de su tiempo.

El propósito de  este trabajo es acerca un poco más al lector acerca de lo que es el diseño gráfico y su historia, así como dar a conocer el proceso evolutivo de las artes gráficas en nuestro país, en donde cada uno de los futuros educandos colegas de X semestre conozcan la relación de las artes gráficas con la educación, la política y la economía, entre otras.

El problema de la enseñanza de la Historia del Diseño Industrial radica en el enfrentamiento entre el capitalismo industrial y otros “modos de producción” anteriores al capitalismo industrial (comunismo primitivo, esclavitud y feudalismo) que generaron muebles y objetos como producto de su cultura material doméstica. Utilizando como fuentes toda la historia del diseño de muebles en general y de sillas en particular y a partir de aplicar una metodología de análisis cualitativo o hermenéutico de la historia del diseño, sustentado en el análisis histórico-económico del materialismo histórico marxista; se arribó a las conclusiones sobre la importancia para el proyecto de diseño, del estudio de la historia antes de la Revolución Industrial. Salteando la epistemología moderna e industrial, como única vía de análisis para la cultura del diseño industrial de mobiliario moderno.

Estudio por parte del obrero artístico Efrén De la cruz, sobre los aspectos características, ejercicios, temas con relación y percepciones sobre la Inspiración.

Por falta de información al respecto, me di a la tarea de recabar información del tema y expandirlo a partir de mi experiencia como persona y como artista plástico, llegando a temas que a priori pueden verse como poco relacionados entre si, pero con mas detalle se revelan enlaces en diferentes tipos de conocimiento y percepciones