Ästhetik

Nach einer kurzen Erörterung der Frage, inwieweit Spektakel zur Populärkultur zu zählen seien, wird zentral das Thema der Gewinnung von Wissen bei der Rezeption von Spektakeln behandelt. Ästhetisches Erleben, so die These, ist wesentlich körperliches Erleben, und bezieht sich wesentlich auf körperlich-sinnliches Wissen. Spektakel als Unterhaltungsangebote werden nicht nur kognitiv-rational, sondern gleichermaßen sinnlich-affektiv angeeignet. Vor allem das bezeichnet "aisthesis" als sinnliche Erkenntnis.
Konkreter wird die These mit Intepretationen von Richard Dyer belegt, die die Effekte nicht-sprachlicher, nicht-begrifflicher Dimensionen von Filmen demonstrieren. Farben, Bewegungen, Rhythmen, Räume, Musik und Schauspieler*innen-Images wirken über affektive Codes auf bedeutungsgeladene Stimmungen hin - etwa auf die Erzeugung "utopischer" Energien.

Die vorliegende kleine Einführung in Adornos Ästhetik ist entstanden aus der Überarbeitung und Aktualisierung von Seminarskripten zur „Einführung in die Philosophie der Gegenwart“, eine Veranstaltungsreihe, das ich in 2002 und den folgenden Jahren durchgeführt habe. Wesentliche Impulse für die Veranstaltungen waren Fragen nach der Relevanz zeitgenössischer philosophischer Positionen auf das konkrete Leben jedes Einzelnen in einer immer komplexer werdenden Gesellschaft: Inwieweit kann Philosophie hier und heute Orientierung bieten, wie kann Philosophie ihrer ursprünglichen Intention als Weisheitssuche, Lebensform und Menschenbildung gerecht werden? Die Erfahrungen aus den fruchtbaren Diskussionen mit „nichtprofessionell Philosophierenden“ zu Fragen der Kunst haben mich bewogen dieses kleine Büchlein als Einführung in Adornos Theorie der Kunst zu veröffentlichen, wohl wissend um die bereits bestehende und ganze Bibliotheken füllende Literatur zum Thema. Anspruch dieses Buches ist der Spagat zwischen Lebenspraxisbezug und wissenschaftlicher Redlichkeit, zwischen Vereinfachung und Zuspitzung ohne dabei die Komplexität Adornos Denken aus den Augen zu verlieren. Die Einführung schlägt erste Schneisen in das Theoriedickicht und gibt Hilfestellungen an die Hand ohne dabei allzu eng zu führen und auf einseitige Interpretationen festzulegen. Zielgruppen dieser Einführung sind insofern alle Philosophierende, Menschen, die sich auf den Weg des Selbstdenkens gemacht haben, die in die Bewegung des Denkens hineingefunden haben bzw. hineinfinden wollen. Damit eignet sich das Büchlein besonders für Schüler, Lehrer und Studierende der ersten Semester sowie für die außeruniversitäre Erwachsenenbildung.

Karl Philipp Moritz reste encore plutôt confidentiel en France, alors qu’il est un auteur essentiel pour comprendre ce qui se joue au XVIIIe s. autour de la formation de l’esthétique comme discipline philosophique, mais aussi comme recherche expérimentale, terrain littéraire et lieu d’expression d’une critique d’art. Précurseur d’une vision pédagogique de l’expérience de l’art, il ancre le débat esthétique d’emblée dans une dimension qui dépasse le strict champ de l’art pour aller vers la psychologie et l’anthropologie. Moritz était d’abord connu de son vivant en tant que psychologue et écrivain. Il crée la première revue de psychologie expérimentale où des écrits de spécialistes – médecins ou philosophes – côtoient des rapports de police, des autobiographies réelles ou imaginaires, des récits de rêves par des anonymes et des extraits littéraires. Moritz se fait connaître également par ses écrits sur l’art dont le plus connu fut rédigé à Rome en 1786 aux côtés de Goethe qui reprendra à son compte plusieurs de ses idées. Moritz devient par la suite professeur à l’Académie des Beaux-arts de Berlin où il enseignera la théorie de l’art. Son éclectisme marquera ainsi toute une génération d’artistes et de théoriciens comme Jean Paul, Friedrich Schlegel ou Schiller.

Le mérite de Moritz est d’avoir su marier, grâce à une définition dynamique de l’œuvre d’art, une théorie de la création avec une théorie de la réception faisant de l’artiste un spectateur face à la nature et du spectateur l’artisan de la relation qu’il construit avec l’œuvre d’art.

En effet, chez Moritz, l’œuvre acquiert pour la première fois dans l’histoire de la théorie de l’art le statut d’un objet radicalement autonome dont le corps reste pourtant fragmentaire, incomplet, car assimilé à la trace restant d’un mouvement créateur qui ne saurait être plein que dans l’acte présent. Moritz pose ainsi les jalons d’un débat sur la part d’histoire et la part d’expérience immédiate dans l’art qui se poursuit encore aujourd’hui.

Gegen die scharfen Grenzen, die in der ästhetischen Forschung und Theorie meist zwischen Wahrnehmen, Erfahren und Erleben gezogen, skizziert der Aufsatz aus der Perspektive empirischer Kulturforschung ein Modell, das diese Elemente ästhetischer Interaktion als 'Module' eines Prozesses versteht. Sinnliches Wahrnehmen, Mikroerlebnisse, Reflexion, körperliche Selbstwahrnehmung, Wissenserwerb, Vergleichen, Versprachlichung und Kommunikation können sich auf die unterschiedlichste Weise verbinden. Während die Forschung zu einer hierarchischen Ordnung neigt, die versprachlichtes Reflektieren und verbale Kommunikation zum Maßstab des Aufsteigens vom Wahrnehmen über das Erleben zur eigentlichen ästhetischen Erfahrung nimmt, fokussiert empirische Kulturforschung mit ihrer Aufmerksamkeit für die sinnnlich-körperlichen Dimensionen gerade die Vielfalt und Beweglichkeit in der Verknüpfung der Elemente eines Prozesses, der vielleicht am besten unter dem Oberbegriff ästhetischen Erlebens zu beschreiben ist.

Die Ästhetik der Grenze ist entsprechend der Zwiefalt des Ästhetischen eine doppelte: Sie ist sowohl eine Frage der allgemeinen Wahrnehmung (als aisthesis) als auch eine der besonderen Erfahrung. Kurz gesagt, handelt es sich um die beiden Aufassungen von Ästhetik, welche Immanuel Kant in der Kritik der reinen Vernunt und in der Kritik der Urteilskrat formuliert: Während er in der ersten Kritik von 1781 noch die Aufassung vertrat, Ästhetik könne sich nur auf die Anschauungs-formen von Raum und Zeit als der ‹äußeren› bzw. ‹inneren› Wahrnehmungsmodalität beziehen, so ist Kant neun Jahre später der Ansicht, dass es Erfahrungsweisen gibt, durch die sich einzelne Wahrnehmungen von anderen unterscheiden, nämlich dann, wenn sie vom Gefühl der Harmonie oder Disharmonie der Fakultäten von Verstand, Vernunt und Einbildungskrat, in jedem Fall aber von der Erfahrung eines besonderen Zustandes begleitet werden. Entsprechend kann die Grenze im Computerspiel unter ästhetischen Gesichtspunkten zweimal thematisiert werden: einmal als allgemeine räumliche Form, wie insbesondere der Spielbegrenzung, die allgemein als das Verhältnis von Onscreen- zu Offscreen-Bild beschrieben werden kann; das andere Mal als besondere Erfahrung einer signiikanten Situation im Spiel, etwa des Todes als ultimativer Grenze des Spiels oder überhaupt des Eintritts in das Spiel. Dies wiederum geht aus dem allgemeinen Grundzug aller Spiele hervor: Sie bilden eine Ausnahme vom Alltag und ermöglichen eine besondere Erfahrung. Hierfür leitend ist ein klassischer Topos aus der Spieleanthropologie, der auch für die gegenwärtige Spieleforschung zentral ist: der ‹Zauberkreis› oder ‹Magic Circle›.

Der Wiener Philosoph und Politiktheoretiker Oliver Marchart legt mit »Conflictual Aesthetics – Artistic Activism and the Public Sphere« ein ergiebiges Konfliktkunstkonzept vor. Diese Ästhetik gilt nicht dem Schönen, Sinnlichen oder Ambivalenten, sondern den Dynamiken einer Politik der Positionierung. /// auf Skug MUSIKKULTUR – Upload 19.8.2020 /// https://skug.at/die-feindlichen-unterschiede/

Angesichts der todbringenden Gräuel, die Menschen anderen Menschen antun, kann jedes Feilen an sprachlichen Formulierungen obszön wirken und könnte der Schluss gezogen werden, dass nicht nur dieses sinnlos, sondern jede diesbezügliche Arbeit am Begriff oder Suche nach Genauigkeit zum Scheitern verurteilt ist und in Absurdität endet. Noch die unscheinbarste Anstrengung, einen angemessenen Stil zu finden, könnte von Adornos berühmtem Diktum affiziert sein, nach Auschwitz ein Gedicht zu schreiben sei barbarisch. Dabei sollte nicht vergessen werden, dass dieses ganz am Ende seines Aufsatzes Kulturkritik und Gesellschaft zu finden ist, in dem die Unmöglichkeit aufgezeigt werden soll, dass sich Kulturkritik als gesellschaftliche Funktion von der Abhängigkeit von der Gesellschaft und der mit ihr einhergehenden Korruption befreit. Damit wirft Adorno allerdings auch die Frage auf, ob seine fundamentale Kritik an der Kritik von dieser Unmöglichkeit betroffen ist. Nicht nur auf sinnliche Wirkung ausgerichtetes Wortspiel, Zeichenrätsel und sprachlich motivierte assoziative Überlagerung, sondern jede Art von Kunst und ihr Genuss kann hier unter Gedicht subsumiert werden. Kunst, die sich dem Erinnern an das Grauen und den Terror, die aus moralischem Versagen der Gesellschaft resultierten, widmen will, kann sich nur dadurch retten, dass sie als Intervention die kritische Funktion zu übernehmen sucht, die den sprachlichen Schablonen der Kulturkritik durch die gesellschaftliche Vereinnahmung unmöglich gemacht wurde oder wird. Daraus, nämlich dass sowohl Genuss als auch Verstehen unter Verdacht stehen, erklärt sich der Minimalismus der Kunstwerke, die Benjamin Kaufmann 2016 in Wien für eine Ausstellung ausgesucht hatte, um der Shoah zu gedenken, erklärt sich die Klarheit, der Grad an Abstraktion und die Reduktion der eingesetzten bildnerischen Mittel.

Tra le varie ricorrenze dell'anno in corso, una delle più significative e attraenti è, forse, quella del ventennale della morte del grande Maestro Federico Fellini, regista che guardava agli uomini con ironia e solidarietà, che credeva nella bellezza e nella forza narrativa del cinema, la cui materia -ha dichiarato -è la luce, che egli ha definito ideologia, sentimento, colore, tono, profondità, atmosfera, racconto. Lo vogliamo ricordare parlando di lui e di uno dei suoi capolavori maggiori, Casanova.

Da Cage ai Pink Floyd, da Schaeffer e i suoi eredi ai Soft Machine, da Edgar Varèse a Iannis Xenakis, dai compositori acusmatici ai DJ contemporanei, la ricerca elettroacustica ed elettronica ha vissuto e continua a vivere una felicissima stagione in ogni parte del globo; una stagione che è il momento di ricostruire in modo più ampio e, laddove possibile, interpretare, non solo all'interno dei confi ni della storia della musica.

Resumen Traducción al español del artículo "Vor dem Schein kommt das Erscheinen. Bemerkungen zu einer Ästhetik der Medien", de Martin Seel. Versión original publicada en Merkur, Heft 9/10, Sept/Okt. 1993, 47. Jahrgang, pp. 770-783. Versión revisada y ampliada: "Vor dem Schein kommt das Erscheinen. Bemerkungen zu einer Ästhetik der Medien", en M. Seel, Ethisch-ästhetische Studien, Frankfurt a./M., Suhrkamp, 1996, pp. 104-125. Traducido y publicado con autorización del autor. Palabras claves: estética del aparecer, estética de los medios, medios electrónicos, arte medial BEFORE THE APPEARANCE IS APPEARING. CONSIDERATIONS ABOUT A MEDIA AESTHETIC Abstract Spanish translation of the article "Vor dem Schein kommt das Erscheinen. Bemerkungen zu einer Ästhetik der Medien ", by Martin Seel. Original version published in Merkur, Heft 9/10, Sept / Okt. 1993, 47. Jahrgang, pp. 770-783. Revised and expanded version: "Vor dem Schein kommt das Erscheinen. Bemerkungen zu einer Ästhetik der Medien ", in M. Seel, Ethisch-ästhetische Studien, Frankfurt a./M., Suhrkamp, 1996, pp. 104-125. Translated and published with permission of the author.

Marina Martinez Mateo diskutiert klassische Theorien politischer Repräsentation von Hobbes bis Mill anhand folgender These: Repräsentation stellt eine fundamentale, aber paradoxe Figur der Begründung staatlicher Souveränität dar. Das ‚Volk‘, das repräsentiert wird, muss zunächst formiert und zugleich als vorgängig vorausgesetzt und abgebildet werden. In dieser Paradoxie liegt allerdings auch die politische Produktivität der Repräsentation. Durch ihre krisenhafte Struktur wird Repräsentation zu einem Instrument der Kritik: sowohl am Staat, den sie begründet, als auch am Volk, das sie repräsentiert. So mündet die Untersuchung in der Verteidigung einer Politik der Repräsentation gegen institutionalisierte Formen politischer Repräsentation.

In dieser Arbeit untersuche ich Gotthold Ephraim Lessings (1729-1781) Werk Laokoon oder über die Grenzen der Malerei und der Poesie (1766) . Die Arbeit gliedert sich in drei Teile: Zunächst betrachte ich kurz das Werk und analysiere seine Hauptpunkte und zwar Lessings Grenzziehung zwischen der Malerei und der Poesie. Als Beispiel dafür wird ein Vergleich zwischen Winckelmann und Lessing hinsichtlich der Laokoon-Gruppe gemacht. Als nächstes wird die Rezeption von Lessings Laokoon in Betracht gezogen und zwar in den Fällen J.W. Goethes, Aby Warburgs und Rudolf Arnheims. Mit Hilfe dieser Untersuchungen möchte ich einen Beitrag für ein umfassenderes Verhältnis von Lessings Werk leisten. Anschließend füge ich einen kurzen Überblick ein und widme mich der Frage nach der Gültigkeit Lessings Darlegungen heutzutage, nämlich im Laufe der modernen Kunstentwicklungen am Beispiel der Medien und des Films.

In diesem Kapitel soll diskutiert werden, welche filmkünstlerischen Entscheidungen Filme prägen, die zur Postmoderne gezählt werden können. Es handelt sich vor allem, aber nicht ausschließlich um Kinofilme, die den im vorangegangenen Kapitel dargelegten Kriterien folgen. Auch für den Film gilt – wie im einführenden Kapitel über die Koexistenz von Moderne und Postmoderne dargelegt –, dass mehrere filmästhetische Ausprägungen parallel vorzufinden sind. Nicht alle Filme, die heute gedreht werden, sind postmodern. In anglo-amerikanischen Publikationen werden Filme dieser Art ebenso wie schlichtweg dramaturgisch offene oder episch gestaltete Filme gleichermaßen als Post-Classical Cinema bezeichnet. Man kann die Gestaltung von Filmen, die zur Postmoderne zu zählen sind, mit David Bordwell auch als stylish style bezeichnen.

Der Artikel stellt verschiedene Verbindungen zwischen Wittgenstein und der Literatur bzw. der Philosophie der Literatur dar und gibt im zweiten Teil eine Einleitung zu den Artikeln des Sammelbandes "Wittgenstein und die Literatur" (hrsg. von John Gibson und Wolfgang Huemer, Suhrkamp 2006)

Nonostante la sua centralità nel contesto filosofico internazionale da mezzo secolo a questa parte, Arthur Coleman Danto è entrato nel dibattito culturale italiano solo da pochi anni. La sua improvvisa scomparsa -il 25 ottobre scorso -ci offre l'opportunità di ripercorrere alcuni motivi di un pensiero tra i più lucidi e originali dell'orizzonte filosofico degli ultimi decenni.

Nils Kühl geht in seinem Beitrag anhand der ästhetischen Theorie Rancières der Frage nach, inwiefern Kunst politisch ist. Hierbei eröffnet er ausgehend von Rancières Interventionen eine kritische Diskussion der gegenwärtig viel besprochenen Aktionskunst des Zen trums für Politische Schönheit. Dabei zeichnet er nach, inwiefern die Programmatik der Aktionskünstler_innen dem Begriff des Populismus in der Hegemonietheorie Laclau und Mouffes nahe steht und weitet die kritische Diskussion des Gegenstandes auf die Ebene des Theorievergleichs aus.

It.Estetica della musica elettroacustica; Fr. Esthétique de la musique électroacoustique; Germ. Ästhetik der Elektroakustischen Musik; Span. Estética de la música electroacústica. This expression refers to a branch of the aesthetics of music which deepens musical thinking on electroacoustic music and the conceptual frameworks in which it can be located. Electroacoustic music, not least from an aesthetic point of view, has been studied above all by composers and much less by philosophers. For this reason, the label “aesthetics of electroacoustic music” has often been used not in reference to a specific theoretical context (subjective genitive) but rather in reference to the aesthetic qualities and the poetics of a work of electroacoustic music (objective genitive).

En este artículo se describe cuál es la aportación del trabajo experimental del artista húngaro László Moholy-Nagy al mundo de la fotografía en el seno de la Bauhaus. Para ello, se presta especial atención a los orígenes de sus prácticas fotográficas más interesantes y cruciales respecto a la progresiva consideración de esta técnica como arte, tanto en su época como en años posteriores. De este modo, desde los primeros pasos de Nagy en el mundo del arte, hasta su llegada a la Bauhaus y su trabajo en ella, se han buscado los presupuestos originarios que le llevan a la realización de sus fotogramas y fotomontajes. Igualmente, se exponen en este texto las diferencias de ambas formas de experimentación fotográfica respecto a otras similares, como puedan ser el rayograma de Man Ray, o los fotomontajes del movimiento Dadá. A lo largo de todo este recorrido se revela la creación de un nuevo lenguaje artístico, escrito con un material que deja de ser tal para convertirse en presencia real en las imágenes: la luz. Y para aprenderlo junto al artista que da la pauta de esta nueva gramática lumínica en el universo fotográfico, se apuntan en cada paso sus propios testimonios personales al respecto.

This paper recreates some of the most relevant theoretical moments of the development of philosophical analysis of issues about food, nutrition, gastronomy and cuisine, in particular: (1) cognitive approach proposed by Carolyn Korsmeyer; (2) the reflection of Jèssica Jaques, who has been focusing on two aspects: what she called "Gustatory Philosophy" and "Aesthetics of Gastronomy"; (3) the main theses proposed by Nicola Perullo, who has introduced in Italy the aesthetics of food intended as a philosophical discipline.

Warum ist Landschaft schön? Diese Frage nach Wahrnehmung und Ästhetik der Landschaft umreißt den Forschungsgegenstand der von Lucius und Annemarie Burckhardt entwickelten Spaziergangswissenschaft.
Lucius Burckhardt (Davos 1925 – Basel 2003) entwickelte die Inhalte der auch ‚Promenadologie’ oder englisch ‚Strollology’ genannten Wissenschaft nicht nur in wissenschaftlichen Texten, sondern auch mit künstlerischen Methoden wie Spaziergängen, Zeichnungen oder Karikaturen, sowie den landschaftstheoretischen Aquarellen. Mit diesen cirka 250, bislang wenig beachteten Aquarellen kann eine wichtige und überaus reiche Quelle der Überlegungen Burckhardts zur Landschaftsästhetik erschlossen werden.
Die vorliegende Untersuchung referiert grundlegend die Entstehungsgeschichte der Spaziergangswissenschaft, stellt ihre Theorien und Themen vor und analysiert ihre Praxis
anhand einzelner, repräsentativer Spaziergänge. Im Zentrum des Interesses stehen die landschaftstheoretischen Aquarelle: In diesen hoch konzentrierten theoretischen
Verdichtungen, die entlang der Begriffe Landschaft, Wildnis und Ökosystem gegliedert werden, umreißt Burckhardt die Konstrukthaftigkeit der Landschaft und die damit
verbundenen Probleme der modernen Landschaftswahrnehmung. Die Bandbreite dieser
Probleme reicht von Fragen nach der Erfindung der Landschaft, der Dialektik von Landschaft und Wildnis bis hin zum Spannungsverhältnis von Ästhetik und Ökologie,
sowie auf neuen Techniken des Betrachters basierenden Veränderungen des menschlichen Begriffs- und Wahrnehmungsapparates.

[Published in French - May 2017 - Presses du réel: http://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=5513&menu=]

This book is an essay conceived as an intellectual portrait of the German writer, psychologist and art theorist Karl Philipp Moritz (1756-1793), whose purpose is to investigate the relationships between aesthetics, psychology and anthropology in the second half of the 18th century, and the importance of their simultaneous development for the debates about art after 1800.

Summary
Moritz remains rather unknown outside of Germany, where he is considered as an essential author for understanding the formation of aesthetics as a philosophical discipline, but also as experimental research, literary field and art critic in the 18th century. By foreshadowing an educational vision of the art experience, Moritz anchored the aesthetic debate in a psychological and anthropological dimension, which went beyond the narrow field of art.

Moritz was first known in his lifetime as a psychologist and a writer. He funded the first journal of experimental psychology where the writings of specialists – doctors or philosophers – were collected together with police reports, real or imaginary autobiographies, anonymous accounts of dreams, literary extracts or texts of mystics. Moritz also won recognition for his writings on art; the most famous was written in Rome in 1786 alongside Goethe who would, some years later, use many of his ideas. After his stay in Italy, Moritz taught art theory at the Academy of Fine Arts in Berlin. His eclecticism influenced a generation of artists and theorists such as Jean Paul, Friedrich Schlegel and Schiller.

The merit of Moritz is that of having been able to combine, thanks to a dynamic definition of the work of art, a theory of creation with a theory of reception. In the artist, he saw a spectator in front of nature, while the spectator became the architect of the relationship he built with the artwork. Indeed, with Moritz, the artwork acquired for the first time in the history of art theory the status of a radically autonomous object whose body nevertheless remains fragmentary, because its assimilation to the remaining traces of a creative movement can be completed only in the present act. Moritz thus laid the foundations for a debate on the part of history and the part of direct experience in art that continues today.

A direct experience of God’s presence, identified as “uncreated light” is found in the theophanic experiences. In this “mystical realism”  of the divine-human communion, God is manifesting Himself as absolutely transcendent and immanent at the same time.  This theological description of the light of Christ’s Face, consisting in different views of God, is a theology of facts. Such an “aesthetics of apophaticism” (the beauty of the body, participating in the light of grace) “visible” in the bodies of ascetics, a theology of “brightness”, may explain, also, the spirituality of light founded in the contemporary monastic theology (Seraphim of Sarov, Siluan the Athonite, Sophrony Sakharov or Paisios the Athonite). Anthropo-phanie as “aesthetics of apophaticism”, i.e. theophanic experience of the past and present “Holy Fathers”, is also reflected in mystical theology of Father Stăniloae by: 1) “intermediary apophaticism” 2) “transfiguration” of the heart 3) “blazing face” of man 4) “Face of Christ” (divine energies, irradiated in His human face).

This special issue of "kritische berichte" contains seven interdisciplinary essays on the human face.

CONTENTS
Jeanette Kohl and Dominic Olariu: Editorial 3

Jean-Claude Schmitt: For a History of the Face: Physiognomy, Pathognomy, Theory of Expression 7

Bernard Andrieu: Appearance-Based Prejudice. Between Fear of the Other and Identity Hybridization 21

Sigrid Weigel: Phantom Images: Face and Feeling in the Age of Brain Imaging 33

Georges Didi-Huberman: Near and Distant: The Face, its Imprint, and its Place of Appearance 54

Claudia Schmölders: Eye Level. The Linear Perspective in Face Perception 70

Jonathan Cole: Facial Function Revealed through Loss. Living with the Difference 83

Jeanette Kohl, Dominic Olariu and Rainer Schmelzeisen: Face Matters. Facial Surgery from the Inside 95

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The following study aims to address the relationship between values and aesthetics in Germany at the beginning of the 2000s. Its first thesis is that sociocultural values, which appear in poetic texts in an affirmative or critical way, are inextricably linked to the aesthetics of these texts. This viewpoint, which is advanced by Theodor W. Adorno in his "Ästhetische Theorie" (1970), constitutes the theoretical foundation of this study, while Feridun Zaimoglu’s "Kanak Sprak – 24 Mißtöne vom Rande der Gesellschaft" (1995) serves as a literary case study. Although the arson attacks that occurred in Germany between 1991 and 1993, especially in Mölln and Solingen, are not explicitly referenced in Zaimoglu’s text, they presumably contributed to ist genesis. Thus, with Adorno, the autonomous aesthetics of "Kanak Sprak" is no coincidence. By knowing the background of these tragic events, one can begin to understand how the monologic structure of the text, its complex language use, and its aggressive sound work together to develop the text’s original meaning, which – according to the second thesis of the following work – is deeply connected with the renegotiation of sociocultural values.

Das Konzert spielt im „Haushalt“ bürgerlicher Kultur in Europa eine zentrale Rolle. Dass sich dabei auch eine religiöse Dimension zur Geltung bringt, legt eine Idee nahe, die bereits im 18. Jahrhundert geboren und heute noch in der Musikliteratur in Anspruch genommen wird: die Idee der „Musikandacht“. Martin Fritz stellt die Anfänge der Musikandachtsidee im Zeitalter von Pietismus und Aufklärung dar (Niemeyer, Reichardt, Herder) und verfolgt sie bis in Romantik (Wackenroder, Schleiermacher, E. T. A. Hoffmann) und Idealismus (Hegel) weiter. Dabei wird deutlich, dass das berühmte Konzept der „absoluten Musik“ (Dahlhaus) dahingehend zu korrigieren ist, dass gegenüber der reinen Instrumentalmusik gerade auch der geistlichen Vokalmusik für die musikalische Kunstreligion eine unverzichtbare Funktion zukommt.

Der Beitrag zeigt die enge Verflechtung von neueren Entwicklungen in der naturwissenschaftlichen und philosophischen Theoriebildung und den Poetiken der Autoren der Prager Moderne. Zurückgewiesen wird das Klischee des 'Magischen Prags' und statt dessen die Schreibexperimente der Prager Autoren im Kontext der empirischen Psychologie und Phänomenologie verortet.