Art History and Criticism. An Attemp to Alter Its Recent Changes

2009

El presente texto pretende llamar la atención acerca de la necesidad de encontrar marcos generales y teóricos para los estudios y las prácticas del diseño. La historia del diseño es considerada como uno de esos marcos, y es desde la disciplina histórica desde donde actualmente se está desarrollando un pensamiento básico para el diseño, a falta de mayor empeño y visibilidad de los posibles intentos desde las ciencias sociales y humanas, como la antropología, la sociología, la economía, la semiótica o la comunicación, entre otras posibles. Una pequeña investigación acerca del los principales textos en uso en los centros de enseñanza permite encontrar tipologías y tendencias en las posibles orientaciones de la disciplina y las prácticas del diseño.The present text tries to draw attention on the need to find general and theoretical frameworks for the studies and the practices of design. The history of the design is considered one of those frames, and is from the historical discipline fr...

Mieke Bal y la Historia del Arte. Una aproximación. , 2019

Resumen La obra de MiekeBal, con su enorme profundidad, diversidad y capacidad de seducción, aparece como un reto para la actual historia del arte. A través del análisis crítico de parte de sus escritos publicados en castellano reflexionaremos sobre su relevancia, y evaluaremos su contribución y legado a la historia del arte. A lo largo de los tres capítulos que componen este trabajo se hablará de las ideas y conceptos más importantes de Bal, como el objeto teórico, la historia trastornada, la narratividad, la visión y la mirada, la memoria cultural, o la autorreflexión—del artista, el espectador, el erudito—.

2019

Este libro de cátedra presenta textos de carácter introductorio sobre distintas problemáticas y figuras en la historia disciplinar de la historia del arte. Los capítulos incluidos en el volumen cubren un vasto marco espacial y temporal que se corresponde con el de las asignaturas Historiografía del arte I, II y III, dictadas en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. La obra se estructura en tres secciones que abordan diferentes escenarios en la historia de la disciplina: sus comienzos y su proceso de formalización entre el Renacimiento y el siglo xix, la formulación de categorías y programas metodológicos entre finales del xix e inicios del siglo siguiente y la introducción de perspectivas historiográficas y estéticas en Argentina a través de distintos agentes. El objetivo principal de la publicación es poner a disposición de los estudiantes de Historia del Arte un material didáctico que ofrezca diferentes herramientas para pensar la disciplina. Las pers...

2012

Resumen A partir de las reflexiones de dos conocidos historiadores del arte del siglo , XXHeinrich Wolfflin y Aby Warburg, se examina la vigencia de dos aspectos centrales de la teoria estetica kantiana: por un lado, la posibilidad de emitir juicios de gusto plenamente acabados, lo que justificaria la empresa de una deduccion trascenden-tal de los mismos, y, por el otro, su implicacion en el conjunto de la vida cultural y social, es decir, la significacion de la experiencia estetica de la forma, tan enfatizada en la doctrina kantiana del gusto. Palabras clave: I. Kant, H. Wolfflin, A. Warburg, estetica, historia del arte. Abstract On the basis of the reflections of two well-known art historians of the 29 th cen-tury, Heinrich Wolfflin and Aby Warburg, the article examines the validity of two central aspects of Kantian aesthetic theory: on the one hand, the possibility of providing fully complete judgments of taste, which would justify their transcen-dental deduction, and, on the oth...

Ramón R. y Molina, M. C. (Eds.), Rura cano, rurisque deos. Homenaje a José Luis Cantón Alonso. Córdoba: Ucopress, 2020

Rura cano, rurisque deos Tibulo, Elegías, libro II. Resumen La crítica ética suele formar parte de la evaluación que la gente hace de las obras de arte. A pesar de ello, no es un tema muy común en la filosofía moral. Sin embargo, la relación entre arte y moralidad puede abordarse respecto de tres maneras en que una obra de arte puede ser alabada o criticada: su origen, su impacto y su significado. Se concluye que la crítica ética del arte pone de manifiesto los problemas que pro-voca el pluralismo axiológico. Palabras clave Juicio moral, juicio estético, J. S. Mill, David Hume, eticismo. Abstract The ethical criticism of art is often part of the evaluations that people make about artworks. However, it is not a quite common topic in moral philosophy. Nevertheless , the relation between art and morality can be addressed regarding three ways in which an artwork can be morally praised or criticized: its origin, its impact and its meaning. It is concluded that the ethical criticism of art highlights the problems raised by the axiological pluralism.

2016

El presente artículo tiene como objetivo evaluar desde la teoría del arte la obra Historia y estilo, del autor cubano Jorge Mañach, escrita en 1944. Bajo una perspectiva hermenéutica, se analizan los ensayos contenidos en el volumen para identificar tanto el método empleado como el paradigma historiográfico empleados por este autor. El electivismo, es el método articulador de su propuesta y se revela en los conceptos que toma prestados de otras ciencias. Por otra parte, la Larga Duración es el paradigma historiográfico que sirve a su reflexión sobre la evolución del estilo. De este modo, se presentan las bases de una teoría de la circunstancialidad histórica del estilo, en Historia y estilo, de 1944.

2006

El artículo explora algunos de los ejemplos iniciales de la crítica de arte en Colombia. Rastrea los rasgos más relevantes en términos de lenguaje, y muestra que en el nacimiento de la crítica en Colombia a partir de la segunda mitad del siglo XIX se estableció un procedimiento corriente en los críticos. A partir de la reconstrucción de las polémicas de 1886 y 1899, indica que los críticos de arte trabajaban desde un horizonte de expectativas compartido, que enmudeció frente a las primeras obras modernas presentadas en el país por Andrés de Santa María y sostiene la tesis de que los críticos se vieron forzados a ampliar su horizonte de expectativas para poder leer este tipo de obras. Si bien este proceso fue gradual, indica la necesidad de revaluar el ejercicio de la crítica en esa época, que ha sido juzgado como superficial y anecdótico y por lo tanto, como carente de intereses. En este artículo se toma el partido contrario y se defiende la necesidad de releer adecuadamente los antecesores en la tradición de la crítica, con el fin de evitar lecturas precipitadas y errores en la percepción de nuestra historia.

Arte, Individuo y Sociedad, 2010

This article presents a number of models which enable to analyze the works of art from a critical perspective. These models are the School of Warburg and specifically the iconographic model presented by Erwin Panofsky, the sociological model of Pierre Bourdieu, and the genealogical model or historical sociology, a model developed by Norbert Elias and Michel Foucault, among others, and implemented by Julia Varela and Fernando Alvarez-Uría. We consider that works of art are cultural artefacts with features that vary depending on the historical period in which they are analyzed. For this reason, we need to use tools which keep us away from formal conceptions and which allow us to reveal the complex relationships established between art and its producers, buyers, audiences, critics and cultural industries which today more than ever compose a confused picture that is necessary to uncover.

ROCOCÓ: Es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1720 y 1740. Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista deja de ser un servidor del poder y trabaja con más libertad, iniciándose en el mercado del arte. Pasa a ser un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida. Consigue su máximo esplendor en la década de 1730. Su fin se inicia en torno al 1760, cuando personajes del nivel de Voltaire y Jacques-François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas, dragones, cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneo. En 1780 deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo Neoclásico, impulsado por Jacques-Louis David. Se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del gobierno napoleónico. Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en revalorar el estilo Luis XIV, que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes para comprar objetos Rococó de segunda mano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia redescubren el valor de la gracia y de la ligereza aplicada al arte y al diseño.-CARACTERÍSTICAS: La pintura es ante todo decorativa; Se decoran paredes y techos mediante grandes frescos de las casas de la nobleza y de la burguesía, por lo que el cuadro se adaptaba a los espacios de las casas. Se mantiene la pintura al óleo y se populariza como medio de expresión la pintura al pastel, (esto es, dibujo en color sobre una hoja de papel). La pincelada era fina, no suele por lo general apreciarse. En cuanto al cromatismo, es una pintura muy colorista; se prefieren los colores vivos, luminosos, suaves y claros. Hay un esfuerzo consciente por evitar las sombras, prefiriendo la luz. Predominan las formas curvilíneas, las inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, y especialmente en los temas galantes y amorosos. Las figuras son jóvenes, idealizadas, graciosas. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas. La escenas mitológicas se vuelven galantes, prefiriéndose representaciones idílicas de la diosa Venus y mitos relacionados con el amor. En semejantes obras a menudo se representaban comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura. El género del paisaje se renueva, incluyendo paisajes urbanos. Se incluyen en los panoramas urbanos pequeñas figuras, dando lugar al llamado «Paisaje con figuras». Se cultivó extensamente el retrato, un retrato no idealizado sino por lo general más bien cotidiano y sencillo, teniendo como comitentes ya no sólo a la corte, sino también a la burguesía. Los personajes son representados con mucha elegancia, basada en la artificialidad de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos, reflejando una imagen amable de la sociedad en transformación. Se prestaba especial atención a las vestimentas, pues en sus formas debía reflejarse la moda; los tejidos se representaban con minuciosidad para transmitir con precisión las cualidades táctiles de la tela; se ponía cuidado en representar fielmente los ornamentos (cintas, flores, lazos, o plumas). Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual. Desaparece así el dramatismo que caracteriza a la pintura barroca. Es desenvuelto y jovial. Apela a los sentidos, al sentimiento y la emoción, más que a la razón. NEOCLASCISISMO: La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830 donde, después de la caída de Napoleón, los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo.

1967

Re-visiones, 2010

El ensayo curatorial de Diana Wechsler titulado "Imágenes entre la realidad y la utopía. Arte e historia en la Argentina" plantea una incisiva mirada sobre dos siglos de producción artística en el país austral. En su escritura de la historia, Wechsler reconcilia lo abarcativo del conjunto con lo punzante de cada uno de los episodios que conforman el Bildatlas con el que invoca la figura de Aby Warburg. Más que una réplica a su enfoque, las palabras que siguen remiten a las respuestas provisionales que, al pensarme políticamente como historiador, he alcanzado en el transcurso de mi investigación doctoral sobre las relaciones entre arte y política en Argentina desde los años sesenta hasta la crisis del 2001 -dos de los momentos en los que Wechsler se detiene-. Creo que no me equivoco si digo que son respuestas posibles a preguntas compartidas. Aun sobre la base de una coincidencia general en nuestros puntos de vista, espero que su exposición despierte el diálogo o complemente humildemente las ideas que con solidez plasma el texto de Wechsler.

anclajes, 2017

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Alarife Revista De Arquitectura, 2009