Rafael Bueno, the "Nexor"

Revista Vórtex, 2021

Paulo Nenflidio, in his biographic note, presents himself as an artist who works at the intersection between art, science and technology. A multiple and inventive artist, his works comprise sculptures, installations, objects, instruments and drawings in which sound, electronics, movement, construction, invention, randomness, physics, control, automatons, and workaround come together as elements of artistic expression. Paulo Nenflidio holds a degree in Fine Arts from the School of Communication and Arts of the University of São Paulo and is an electronics technician graduated from the Lauro Gomes Technical School in São Bernardo do Campo. Born in São Bernardo do Campo, the artist maintains his studio in this city. In this interview, we seek to deepen our study about the poetics of Paulo Nenflidio's works. How his creative trajectory developed, conceptual inspirations that guided the development of his creative processes and his artistic research, as well as the role of sound and ...

Durante los años transcurridos entre los siglos XIX y XX en muchos países existía una tendencia o de alguna forma el interés por parte de los artistas de todo tipo y sobre todo en sitios en los cuales era marcado un evidente desarrollo sobretodo industrial donde se buscó romper con los estilos que venían impuestos del pasado, lo nuevo venía acompañado por esa permanencia del arte previo, momentos en los cuales había agitación social y anarquismo con los cuales al mismo tiempo se consolidaban los valores culturales, la crisis arte-sociedad fue la característica que conlleva la vanguardia.

The text offers an overview about Mexican rock art research during the period 2005-2009

Arizona Journal of Hispanic Cultural Studies, 2014

He is the current President of the Organización de Profesionales del Audiovisual Paraguayo (OPRAP), which could be described as the Paraguayan Director's Guild. He is also the owner of Ficticia, a production company specializing in feature film development, film and TV production services. In this interview we talk about his digital art, painting and drawing, (the Monsters series, the Punto húmedo series, the Frida series and its reception), his last feature-length film on sexual deviance, (Semana capital, 2010), his next feature-length film on innocence in love (La chiperita, 2015), and filmmaking in contemporary Paraguay. This volume of the Arizona Journal of Hispanic Cultural Studies features works of art from the Frida series; a series that began as strictly digital variations on the theme of iconic images of Frida Kahlo, yet quickly moved beyond that as art collectors requested prints and later painted versions. Once Cataldo began producing the painted adaptations of these digital originals, demand for the pieces exploded. In this interview Cataldo speaks a little about the sometimes ironic implications of this situation in terms of the market's treatments of pieces qualified as "originals" versus "copies." This interview took place in July 2013. More of Cataldo's selected digital art can be seen here: http://hugocataldo.blogspot.com/

Intermédialités: Histoire et théorie des arts, des lettres et des techniques, 2021

Brazilian musicians Milton Nascimento and Nivaldo Ornelas began working together in the 1960s in Belo Horizonte. This was a decade of great transformations for global geopolitics as well as Brazilian society, which was undergoing a rapid growth of urban centers coupled with rural outmigration. During this period, two fields of cultural production emerged in popular music that would become paradigmatic for Brazilian music, namely, música popular brasileira, or MPB, and Brazilian Instrumental Music. This article aims to describe the intersections of these two fields of artistic production by examining the contributions of saxophonist Nivaldo Ornelas to the recordings of Nascimento's song “Hoje É Dia de El Rey,” understood as manifestations of resistance and resilience of subaltern voices as a decolonial alternative to hegemonic projects—whether within aesthetic, political, racial, or economic scenarios.

Bridgewater Review, 1995

Latin American Music Review, 2011

S i es verdad que ya no existe un centro del mundo del arte internacional, Nueva York continúa siendo, cuando menos, uno de los pocos sitios selectos para lo que Pierre Bourdieu definió hace ya tiempo como una "toma de posiciones": la articulación de una postura estética con relación a un campo más vasto de producción cultural. 1 La primavera pasada fue testigo de la institucionalización de la performance y de los artistas participativos por parte de varias entidades artísticas en la ciudad misma y en sus alrededores, en un intento de conciliar la obra de arte de acción con su peor enemigo histórico: el museo. 2 Como resultado, distintas prácticas consideradas previamente opuestas se encontraron de pronto embarcadas en un diálogo, a saber: el arte de performance autobiográfico que se exhibió en The Artist Is Present (El artista está presente), la retrospectiva de Marina Abramovic en el MoMA; la "estética relacional" encarnada por la conversación entre dos obras de Tino Sehgal en la rotonda del Guggenheim, desocupada a tal efecto; y el Arte de Conducta de Tania Bruguera, basado en la provocación tanto de los espectadores como de las instituciones, en su retrospectiva como artista de generación intermedia en la Galería Neuberger de la Universidad del Estado de Nueva York en Purchase (evento que formaba parte del Primer Premio Anual Neuberger para Artistas Emergentes). 3 Si existe un nexo entre los dos artistas nombrados en primer término, éste está constituido por el énfasis en la presencia que ambos comparten-en el caso de Abramovic, la de la artista misma (la obra homónima exhibida en el MoMA mostraba a la artista sentada a una mesa que compartía con espectadores durante todo el transcurso de la muestra) y en el de Sehgal, la del espectador, que toma parte en un encuentro social coreografiado con participantes entrenados. En contraste con estos dos artistas, cuya obra es de naturaleza efímera, Bruguera ofrece una crítica incisiva, aunque algo ignorada, con respecto a la presencia en el contexto del arte de acción, una crítica que en última instancia no perdona ni siquiera sus propias estrategias. Curada por Helaine Posner, Tania Bruguera: On The Political Imaginary (Tania Bruguera: Sobre el imaginario político) podría resumirse como una interrogación radical por parte de la artista. Se advierte el primer indicio que apunta a esta intención en la elección de hacer actuar a otros participantes en reemplazo de la artista en varias de sus acciones plásticas. La carrera artística de Bruguera comenzó con Homenaje a Ana Mendieta (1985Mendieta ( -1996, una serie de reconstrucciones de las performances de su predecesora presentadas con dos décadas de anterioridad a la presentación de Siete piezas fáciles (2005), el ciclo de "reperformances" de obras de artistas de performance ortodoxos presentado por Abramovic. Desde un principio, Bruguera comprendió el potencial que representaban las performances anteriores. Ambas artistas recurrieron a otros actores para que las sustituyeran en las muestras

Review of Tomas Sanchez first photographic exhibition in Miami. Oct - Nov 2011

Sound art activity in Colombia has proliferated in the last decade, as evidenced by the considerable number of shows focusing on sound works by Colombian artists in recent years. The author presents three artists—Rodrigo Restrepo, Leonel Vásquez and Ícaro Zorbar—each of whom represents a distinct point in the continuum between music and sound art. The artists’ individual and distinct approaches to the use of technology and their very personal conceptions of space and time are discussed.