Dificultades para la superveniencia estética

Blog El Caballo de Nietzsche, El diario.es, http://www.eldiario.es/caballodenietzsche/paradoja-estetica_6_274432577.html, 2014

Cuando nos preguntamos por qué la especie humana explota y maltrata de forma sistemática a tantas otras especies de animales, encontramos varias causas que se entrelazan entre sí. Las razones económicas son las más obvias, pues el capitalismo desalmado en el que vivimos, que explota a millones de seres humanos con una crueldad sin límites y desecha a muchos otros como si nada valieran, se sostiene sobre la explotación de la naturaleza, y especialmente sobre los animales. Los criamos para producir alimento y tejidos; los utilizamos como herramientas de experimentación, medios de transporte e instrumentos de trabajo. Otras veces los animales son un estorbo para las actividades económicas humanas, por ejemplo la agricultura, y entonces se los elimina antes de que produzcan pérdidas. A eso hay que añadir la violencia ritual de todo tipo de fiestas en que se tortura y mata animales, y también el maltrato cotidiano, por ejemplo a animales de compañía. En estos últimos casos necesitamos explorar tanto las causas psicológicas, como aquellos valores sociales que priman la agresividad sobre la empatía. Pero existe otro tipo de violencia más paradójica: la que realizan algunas personas a quienes los animales "les gustan mucho".

Habría que ser muy necio para discutirle a Artaud la materialidad del pensamiento, máxime cuando la cultura es un sistema de aplazamiento y tránsito, caracterizado por una presencia sin traducción posible, a saber, el aura insoportable del sujeto (Ignacio Castro en Cultura y singularidad). Así considera la obra de arte como un devenir minoritario, una singularidad que pone en suspenso la historia y al mismo arte, una variación imprevista en la situación mayoritaria, aquella donde la obra de arte era el precipitado de una exterioridad sin paliativos, un punto de fuga inmanente que funde lo sensible con una universalidad imperceptible (estado insuficiente de estética de Deleuze). Este paralelismo con la afirmación no positiva de Foucault nos hace dudar sobre la singularidad del perpetuo recomienzo como preliminar referencial de un sistema abierto (la primacía de lo desconocido, una trascendencia "desértica"), donde no se termina nada y todo está por venir. Sin embargo como bien dice Felix Guattari, la esencia de la creatividad estética reside en la instauración de focos parciales de subjetivación, de una subjetivación que se impone fuera de las relaciones intersubjetivas, fuera de la subjetividad individual.

Kilometro111

El posicionamiento ubica a Seles en lo que podría ser un lado B del cine de Martín Rejtman, donde —siguiendo a David Oubiña y sobre todo si pensamos en Silvia Prieto—, los nombres propios no operan una singularización, sino que constituyen más bien un dato anónimo, lo cual se completa con una tendencia de los personajes a hablar con frases hechas, mediante las cuales ningún contenido es expresado. En la tetralogía inconclusa, en cambio, el contenido de verdad que expresa el lenguaje no solo aparece en la aparente ridiculez de la repetición, sino también en la forma que adquiere el lenguaje. El uso del lenguaje va mucho más allá de la prescindencia de frases hechas, porque se trata de frases que nadie jamás había osado —hasta ahora— formular.

En el presente artículo nuestra intención es la de discutir el concepto de presencia, tal como es entendido por Jean-Luc Nancy. Nuestro campo de interés es el campo de la estética, siendo nuestra hipótesis la posibilidad de considerar la presencia como la idea central de la experiencia del arte, y por ello irreducible a las aproximaciones teóricas. Con este fin, comenzaremos por definir algunos aspectos claves sobre dicha noción de presencia; tras esto, ayudados por textos de Nancy sobre la materia, veremos cómo esta experiencia puede ser resistente de un modo efectivo a los esfuerzos interpretativos y las consecuencias sobre el sujeto y su relación con el arte.

Enfocarte

Enfocarte.com -n°33-Pensamiento: Apuntes para una estética de lo digital. Guillermo Yáñez T.

Seminario semanal de grado, Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, 8 al 12 de Setiembre, 2008

Sabido es que los algoritmos y técnicas que constituyen el campo de las ciencias de la complejidad y el caos se precian de ser independientes de objeto y por lo tanto constitutivamente transdisciplinarios. Un algoritmo genético, por ejemplo, a despecho de su nombre, no tiene que ver necesariamente con la biología, aunque sí con el cambio y la adaptación. Una gramática compleja, de igual modo, no sólo es capaz de procesar texto, sino que admite interpretaciones gráficas, volumétricas o sonoras en el despliegue recursivo de las reglas que la conforman. Con eso en mente, este workshop se propuso concentrar las potencialidades todavía inexploradas de los formalismos de la complejidad en la comprensión teórica y la articulación práctica de técnicas de creación artística. Antes que abordar la problemática en términos discursivos, se privilegió el trabajo con herramientas que permiten aproximarse desde el vamos, sin retóricas, sin mediaciones pedagógicas, al núcleo inexpresable de la complejidad misma. Una película especialmente filmada y con la participación del arq. Carlos Hernández, Iliana Hernández, Raúl Niño Vela, Carlos Eduardo Maldonado y Carlos Reynoso documenta la experiencia

Pese a la crisis del (alto) modernismo la “experiencia estética” sigue operando como paradigma para la percepción e interpretación del hecho artístico. Esta contradicción –que determina el hecho de que la inmensa mayoría del arte contemporáneo resulte difícilmente comprensible tanto desde la óptica de la Estética como de la Historia del arte- se ha resuelto a menudo con la descalificación genérica de la “lectura”, interpretada como una actitud meramente receptiva, privada y políticamente depotenciada: en términos beuysianos, la obra de arte ya no demandaría lectores e interpretaciones sino participantes y acciones. Mucho antes del nacimiento de la Estética, la Retórica, que posteriormente se vio limitada a sus funciones normativas, ofrecía mecanismos alternativos para la interpretación del hecho artístico en clave políticamente emancipadora. Hoy la retórica del arte parece empeñada en encontrar en las artes plásticas figuras análogas a las del lenguaje, cuando parece menos productivo preguntar qué recursos retóricos podemos encontrar en una obra de arte que preguntar qué recursos podemos encontrar (para la vida) si nos acercamos a la obra de arte con una actitud retórica. En este artículo tratamos de definir una “experiencia retórica” acercándonos al arte desde una gramática filosófica de los tropos que nos ayude a comprender la naturaleza política del lenguaje.

En la modernidad se concibió el conocimiento como el reflejo interno en el sujeto del mundo externo, al que se suponía objetivo e independiente. El espacio del pensamiento moderno nació de una estética dicotómica que escinde al sujeto del objeto, al conocimiento de la realidad, a la forma del contenido. De este modo, el saber es una mera versión virtual de lo real. Esta forma dualista, polarizada y excluyente, es más bien un monismo esquizofrénico, pues cada uno de los polos es pensado como absolutamente independiente del otro. Desde esta mirada se hace imposible pensar los vínculos, la afectación mutua, los intercambios. Esta forma de ver el mundo fue asumida como natural. Al tal punto que ni siquiera se la considero "una forma de ver". Esto hizo imposible tener en cuenta los aspectos formativos de la actividad cognitiva, puesto que ellos mismos quedaban excluidos del campo de visibilidad. De este modo, la teorías clásicas sobre el conocimiento ni siquiera se consideran teorías, o interpretaciones, sino una descripción "obvia" de la forma del proceso cognitivo "en sí". Su presunta obviedad generó una transparencia. Podemos bautizar a este proceso como la "Paradoja de la evidencia" a partir de la cual lo evidente se hace invisible.

Xlvii Congreso De Filosofia Joven, 2010

Resumen: El presente escrito pretende mostrar la necesidad de retornar el arte a la vida, y para ello, en primer lugar, se considerarán los pasos recorridos por el autor norteamericano John Dewey. Filósofo, que aunque murió en los años 50, no sólo supo anticipar un avanzado diagnóstico acerca de la escisión entre arte refinado y arte popular, sino que también confeccionó una teoría del arte que pretendía disolverlas. En segundo lugar, se trazará una línea que une arte y vida a través de una estética de lo cotidiano, la cual permitirá incluir como prácticas estéticas actividades no consideradas como tales: artesanía, artes de lucha, arte floral, caligrafía, diseño industrial, etc.

2018

Aunque todo el pensamiento de Santayana está transido de un deseo expreso de intemporalidad, tal vez sean sus refl exiones estéticas las que interpelan más directamente a nuestro tiempo. Ya el propio término estética adquiere en este pensador un cariz decididamente problemático, al igual que el arte en absoluto alcanza para él el privilegio ontológico de un tipo de actividad con un grado especial de superioridad: de la misma forma que, según afi rma en su imprescindible artículo del año 1904 «¿Qué es estética?», «la experiencia estética es tan amplia y fortuita que se extiende por la totalidad de la vida», también podrá, posteriormente, y en perfecta concordancia con estos presupuestos, defender que el arte no se circunscribe en absoluto a un conjunto de actividades específi cas determinadas de forma más o menos convencional, sino que, al modo en que lo entendía el mundo griego, constituye «una acción que, al trascender el cuerpo, convierte el mundo en un estímulo cercano al alma». En consecuencia, «todo arte es útil y práctico, y por ello el extraordinario valor estético de determinadas obras -por razones que tienen que ver sobre todo con su signifi cación moral-es una de las satisfacciones que el arte ofrece a la naturaleza humana en general». De todo ello nos habla Raimundo Lida en su tesis doctoral Belleza, arte y poesía en la estética de George Santayana que, publicada

2017, 2017

Resumen El presente artículo pretende rastrear los aportes al campo de la estética que se pueden encontrar en la obra de Henry David Thoreau, especialmente en Walden o La vida en los bosques. En la primera parte, se menciona su crítica al modo de vida moderno, que se relaciona con la actual sobrevaloración de la riqueza, el consumo, el espectáculo y la acumulación. En la segunda, su búsqueda de la sencillez, se menciona su afecto extraordinario por la intemperie y el ejercicio constante de oficios que en nuestra sociedad parecen inútiles, como ser guardián del bosque o vigilante de tormentas de nieve. Finalmente, se señalan una serie aportes a la estética, entre los cuales se encuentra su reivindicación de la sensibilidad y su exploración de las distintas maneras en que experimentamos, pensamos, sentimos y le damos sentido a la naturaleza. Palabras clave: Arte, Estética, Sencillez, Thoreau Rojas, PA. (2017) .La estética de la sencillez. Una reflexión a propósito de "La vida en los bosques" de Thoreau. En: Revista (Pensamiento), (Palabra) ... y obra . 19. Disponible en: https://goo.gl/oVF63U , DOI: http://dx.doi.org/10.17227/2011804X.7385

2002

Abstract En la poética de Ospina la poesía es el ámbito en que se despliega la capacidad humana de responder al amor con el don de sí, esto es, con lo gratuitamente recibido, con la belleza. En ese ámbito de búsqueda del amor surge la creación como unificación intrínseca de fondo y forma. La experiencia estética queda rescatada como contemplación y gozo de la forma pura en el poema, fácil de percibir en esta poesía pura, austera en palabras y libre de erudiciones. Ospina apuesta por un verso prístino y corto que, más que decir, sugiere. El corazón de la estética ospiniana puede calificarse como una búsqueda infatigable de la unidad originaria. En la medida en que es, la obra de arte tiene una unidad y unicidad semejante a la que proporciona el acto de ser a los entes. Para explicar la relación fondo-forma en el poema, la escritora sugiere la analogía entre carne y espíritu como una búsqueda más personal y profunda del creador. Perseguir esta unidad supone no sólo un don recibido gratuitamente, sino también una tarea extraordinaria para el artista que la acomete.

Magotzi boletín científico de artes del IA, 2020

This document presents an explanation about the relationship between fashion and aesthetics, through a brief overview of different theories that allow the analysis of aesthetic objects outside art. One of the most important links in the fashion-aesthetic relationship is the ornament, a significant element within cultural discourses. This phenomenon builds a production system dominated by fashion, trends, and styles in a hierarchy of power. As art moves away from the masses, fashion popularizes the production of aesthetic discourses validated by marketing and spectacle.

Atlas de lo ordinario BRASIL/CHILE. Dibujos y fotografías de arquitectura moderna, 2021

Una estética de lo ordinario se nutre de las experiencias sensoriales más básicas, pero no como de una herencia bastarda desde la cual anhela remontarse hacia la síntesis ideal entre estética y arte, sino más bien como una huella de la condición humana cuyo valor se sugiere más profundo y, a la vez misterioso, que el escaso reconocimiento que ha recibido formalmente. Por ello, una estética de lo ordinario implica poner en entredicho y desafiar el énfasis, la selección, el rechazo o el descuido de las cualidades de nuestra percepción que hemos aprendido a expresar, a organizar y a recrear, tantas veces acríticamente, como una verdad indiscutible y palmaria.

Literatura Mexicana, 2013

REsuMEN: El presente articulo analiza el estridentismo mexicano como una expresi6n art!stica de vanguardia, desde un pun to de vista que busca un equilibrio entre las interpretaciones que se apegan al desarrollo progresivo de las formas y las de corte sociol6gico. Para ello, utiliza Ia "dialectica de los movimientos" (actitudes activista, antagonista, nihilista y agonista), descrita por Renato Poggioli en su Teoria dell'arte d'avanguardia (1962).