Videos by Bohdan Syroyid Syroyid
Bohdan Syroyid Syroyid. 2021, Avant-Garde and Experimental Creative Considerations in Art Music (... more Bohdan Syroyid Syroyid. 2021, Avant-Garde and Experimental Creative Considerations in Art Music (July 2021). Nanhua University. Panayiotis Kokoras (Greece, 1974) is an active composer whose compositions were selected in over 280 international calls for scores, awarded over 70 prizes, and received more than 850 performances. In the oeuvre of Kokoras, instrumental chamber music and electronics play a prominent role. One can find spectralist influences in his style, as his compositions usually develop timbre-based musical structures. The scores of Kokoras meticulously explore the usage of extended techniques with continuous timbrical permutations. Kokoras self-defines his musical style under the umbrella term “holophony”. Holophony implies a musical texture where independent events (“φωνή”, “phone”, in Ancient Greek, “voice” or “sound”) lose their individual identity to be perceived as a whole (“όλος”, “holos”, which means “entire” or “whole”). 13 views
SATMUS: Sociedad de Análisis y Teoría Musical
DATOS DEL WEBINAR DEL 6 DE NOVIEMBRE
(11:00 A.... more SATMUS: Sociedad de Análisis y Teoría Musical
DATOS DEL WEBINAR DEL 6 DE NOVIEMBRE
(11:00 A.M. UTC+1)
“Introducción al análisis de los silencios en la música”.
Ponente: Bohdan Syroyid.
Resumen:
En esta ponencia se expone el método para el análisis de los silencios escritos y acústicos tal y como se presenta en el segundo capítulo de la tesis doctoral en musicología “Analysis of Silences in Music” (Análisis de los silencios en la música). Este método analítico parte de una revisión de diez taxonomías desarrolladas por Riemann (1884, 1903), Braman (1956), Lissa (1964), Clifton (1976), Dougherty (1979), Gaudibert (1995), Littlefield (1996), Alepin (2001), Margulis (2007) y Lo (2015). El método propuesto consta de tres fases: identificación, descripción y análisis de los silencios musicales. 4 views
Papers by Bohdan Syroyid Syroyid
Publicaciones, 2022
How to cite: De Moya-Martínez, M. V., Hernández-Bravo, J. R., Hernández-Bravo, J.A. y Syroyid-Syr... more How to cite: De Moya-Martínez, M. V., Hernández-Bravo, J. R., Hernández-Bravo, J.A. y Syroyid-Syroyid, B. (2022). TIC, estilos de aprendizaje y usos musicales en la universidad de 9'Bretaña occidental. Publicaciones, 52(2), 209–226. https://doi.org/10.30827/publicaciones.v52i2.22313
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Este artículo analiza los usos y costumbres musicales de los universitarios bretones, teniendo en cuenta cómo emplean la música mediante las nuevas tecnologías (TIC) y sus estilos de aprendizaje predominantes. Para ello, se indagó en cómo influyen las características personales y el manejo de determinadas herramientas TIC en la adquisición de conocimientos y en el aprendizaje de contenidos musicales tras escuchar y compartir diferentes tipos de música. La investigación siguió un enfoque de tipo cuantitativo con un diseño no experimental descriptivo mediante encuesta. Con el fin de averiguar los estilos predominantes y los patrones de uso y consumo musical utilizando las TIC, se aplicaron dos cuestionarios a una muestra formada por 308 estudiantes de las Facultades de Educación de la Universidad de la Bretaña Occidental. Tras analizar los datos, los resultados revelaron la existencia de diferencias estadísticamente significativas en los usos musicales en cuanto a los estilos de aprendizaje y campus de procedencia, evidenciando que la forma particular de aprendizaje es un factor condicionante entre la población juvenil cuando consume música mediante las nuevas tecnologías.
Rastros Rostros, 2021
How to cite: De Moya Martínez, M. V. y Syroyid Syroyid, B. (2021). La opinión de los estudiantes ... more How to cite: De Moya Martínez, M. V. y Syroyid Syroyid, B. (2021). La opinión de los estudiantes de Educación Musical del grado en educación primaria sobre la repercusión del COVID-19 en la actividad formativa del cuento musical. Rastros Rostros, 22(1), 1-18. https://doi.org/10.16925/2382-4921.2020.01.01
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RESUMEN:
Introducción: En España, con motivo del COVID-19, se declaró un estado de alarma que obligó a transformar la docencia presencial en un modelo telemático. El presente artículo reflexiona sobre esta súbita transición y su repercusión en el recurso didáctico del cuento musical, entendido como una narración o representación teatral con presencia de aspectos musicales y un enfoque interdisciplinar dirigido a adquirir competencias clave. Metodología: En el tercer curso del Grado en Educación Primaria, los alumnos realizaron un trabajo grupal sobre el cuento musical en formato telemático, que en ediciones anteriores era presencial. Para conocer la opinión del alumnado sobre la transición digital citada se encuestó a una muestra de 86 participantes de una población de 116 alumnos de la Facultad de Educación de Albacete (UCLM). Resultados: Se valoró positivamente el esfuerzo del profesorado de Educación Musical en la transición a la metodología telemática, aunque se reportó una preferencia de la docencia presencial frente a la virtual. Se identificaron dificultades y beneficios clave en la realización del cuento musical en formato no presencial, así como otros aspectos que resaltan el valor didáctico del mismo. El 90,1 % del alumnado encuestado expresó sentirse preparado para llevar al aula de Primaria esta actividad. Conclusiones: El recurso didáctico del cuento musical fue positivamente valorado por los estudiantes, siendo satisfactoria su implementación en formato digital.
ArtsEduca, 31, pp. 223 - 236, 2022
How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2022). ¿Por qué se pierde tanto tiempo ante el instrumento? : E... more How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2022). ¿Por qué se pierde tanto tiempo ante el instrumento? : El método de Coso Martínez para aprender a estudiar y tocar un instrumento musical de forma más efectiva. ARTSEDUCA, (31), 223 - 236. https://doi.org/10.6035/artseduca.6091
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RESUMEN: Tocar un instrumento (1992/2014) de José Antonio Coso Martínez se ha convertido en un clásico de la literatura española en el ámbito de la didáctica de los instrumentos musicales. En el presente artículo se incluyen fragmentos de una entrevista realizada a su autor en junio de 2021, donde se relata el largo proceso de gestación del libro y las fuentes de inspiración que motivaron su escritura. Además, se profundiza en el método de estudio propuesto en Tocar un instrumento destacando dos necesidades clave. Primero, la necesidad de organizar el estudio de modo que se aproveche al máximo el tiempo invertido con una atención sostenida. Segundo, la necesidad de desarrollar hábitos de estudio adecuados que fomenten un aprendizaje más autónomo, más consciente y menos dependiente de una retroalimentación constante por parte del profesor. Finalmente, se aportan algunas breves reflexiones personales contextualizando el método de Coso Martínez en relación a los cuatro niveles de aprendizaje de Broadwell y las fases del desarrollo cognitivo piagetiano.
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ABSTRACT: Tocar un instrumento [To Play an Instrument] (1992/2014) by José Antonio Coso Martínez has become a classic of the Spanish literature in the field of didactics of musical instruments. This article includes fragments of an interview held with its author in June 2021, which narrates the long preparation of his book and the sources of inspiration that motivated him to write it. In addition, a commentary is provided on the method described in the book for learning how to practice a musical instrument highlighting two key needs in the instrumental practice. First, the need to organize practice time in a way that it allows to make the most out of the invested time with sustained attention. Second, the importance of developing adequate study habits that promote a more autonomous and more conscious learning, and less dependent on continuous feedback from the teacher. Finally, some brief personal conclusions are provided reflecting on Coso Martínez's method in relation to Broadwell's four levels of learning and the stages of the Piagetian cognitive development.
Cuadernos de Investigación Musical, 8, pp. 136-159, 2019
Frédéric Devreese (b. 1929) is a prominent Belgian classical and film composer who has written ov... more Frédéric Devreese (b. 1929) is a prominent Belgian classical and film composer who has written over 200 musical compositions, including 22 film scores. In this article, we approach the analysis of four of his compositions, including one film score cue, by examining the presence and absence of silence. The chosen pieces were personally recommended and selected by the composer himself, as being relevant for their usage of silence. Our subject of study is primarily focused on silences that are represented in the score (i.e. rests, phrase marks, staccati, breath marks, etc.). However, a brief comparison with two selected recordings for each score will be made, as part of a comparative analysis. Two new musicological tools are presented and tested in this study, namely: Barcode of Synchronized Rests (BSR), and Barcode of the Silent Waveform (BSW). Consequently, a better understanding of the analyzed compositions is achieved, and an analytical method for studying functions of silence is suggested, opening horizons to future silence-based musicological studies.
Revista Electrónica Educare (Educare Electronic Journal), 2022
How to cite: De Moya-Martínez, M. V., Syroyid-Syroyid, B., & López-García, N. J. (2022). El traba... more How to cite: De Moya-Martínez, M. V., Syroyid-Syroyid, B., & López-García, N. J. (2022). El trabajo de fin de grado de temática musical en la Facultad de Educación de Albacete-España (Universidad de Castilla-La Mancha). Revista Electrónica Educare, 26(2), 1-17.
ABSTRACT
Objective. To collect and analyze the bachelor theses supervised and defended in the Department of Music of the Faculty of Education in Albacete, Spain (UCLM). The study covered the period from the department implementation in 2012-2013 to the academic year 2018-2019. Methodology. The approach used was mainly quantitative and descriptive with a sample of 102 final year dissertations, of which 66 belong to the bachelor’s degree in Primary Education, 33 to the bachelor’s degree in Early Childhood Education, and 3 to the bachelor’s degree in Bilingual Primary Education (English). The following variables were analyzed: number of theses, academic years, research lines, and keywords in titles. Results. A steady continuity in the research output was observed in the overviewed period. The most researched lines included music and emotions (19.61%), music and information and communication technologies (15.69%), and music and special education (14.71%), while the least researched one was legislation on music education (2.94%). The analysis of the keywords of the titles showed a strong presence of the term emotion(s)/(al) in the bachelor’s degrees of Early Childhood and Primary Education Teaching. Some substantial differences were also found in the thematic preferences of both degrees, pointing to more theoretical and technical studies in Primary Education and more practical studies in Early Childhood. Conclusions. This paper analyzed and discussed the research lines of a sample of bachelor theses. The limitations of the sample offered preliminary results on the evolution of the research lines, which suggests differences between the thematic preferences between both degrees.
RESUMEN
Objetivo. Recopilar y analizar los trabajos fin de grado (TFG) dirigidos y defendidos en la Unidad Departamental de Música de la Facultad de Educación de Albacete-España (UCLM) desde su implementación, curso 2012-2013, hasta el curso 2018-2019. Metodología. El enfoque utilizado ha sido principalmente cuantitativo y descriptivo con una muestra de 102 TFG de los cuales 66 pertenecen al Grado en Educación Primaria, 33 al Grado en Educación Infantil y 3 al Grado en Educación Primaria Bilingüe (inglés). Se han analizado las siguientes variables: número de TFG, cursos académicos, líneas de investigación y palabras clave de los títulos. Resultados. Se ha observado una continuidad en la investigación realizada en el área de música en el periodo analizado. Las líneas de investigación más trabajadas fueron música y emociones (19,61%), música y tecnologías de la información y comunicación (15,69%) y música y educación especial (14,71%), mientras que la línea menos trabajada fue la legislación educativa musical (2,94%). EL análisis de las palabras clave de los títulos muestra una fuerte presencia del término emoción(es)/(al) en las especialidades de Educación Infantil y Primaria. También se han constatado algunas diferencias sustanciales en las preferencias temáticas de ambos grados, apuntando a estudios más teórico-técnicos en Primaria y prácticos en Infantil. Conclusiones. Con este trabajo se ha examinado y reflexionado sobre los TFG de temática musical en la muestra analizada. Las limitaciones de la muestra ofrecen unos resultados preliminares sobre la evolución de las líneas temáticas investigadas y las preferencias temáticas en ambos grados.
Sul Ponticello, 2021
How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2021). Traité des objets musicaux de Pierre Schaeffer: Breve gu... more How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2021). Traité des objets musicaux de Pierre Schaeffer: Breve guía conceptual para las correlaciones entre la señal física y el objeto musical. Sul Ponticello, Cofa del vigía, 79, pp. 1-16. ____________________________________________________________________________________ Este artículo profundiza en el segundo libro del Tratado de los Objetos Musicales (1966) de Pierre Schaeffer (1910-1995) "Correlaciones entre la señal física y el objeto musical", proponiendo un resumen comentado de sus cuatro respectivos capítulos. El objetivo de este segundo libro consiste en reflexionar acerca de las intersecciones, límites y posibilidades de la física y la música. Se articula en cuatro secciones: equívocos de la acústica musical, umbrales y transitorios, anamorfosis temporales y tiempos y duraciones. En la introducción del presente artículo se explora el concepto de objeto sonoro en relación a la escucha reducida.
Revista ACIM Somos, 2, pp. 45-79, 2012
La oportunidad de escribir un artículo sobre esta ingeniosa joya de la composición del Clasicismo... more La oportunidad de escribir un artículo sobre esta ingeniosa joya de la composición del Clasicismo, nació en una matinal clase de Taller de Música Contemporánea, en el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Fue el momento en el que sentimos la necesidad de profundizar sobre la corriente aleatoria del siglo XX. Sin embargo, ya nos habían llegado rumores de la existencia de obras encuadradas en este estilo de una época muy anterior: el Clasicismo. Esta información despertó una gran curiosidad que se materializó en un proceso de investigación continuado, hasta que finalmente se llegó a la comprensión del procedimiento aleatorio empleado. El descubrimiento causó inicialmente cierta euforia, ya que tardamos un tiempo en encontrar algún escrito significativo en ese sentido respecto al tema. Sin embargo, algo más adelante, ya pudimos percatarnos de que la sigilosa aleatoriedad de Mozart había sido bien investigada, incluso con el desarrollo de algunos programas online. En realidad, el juego musical de los dados K.516f, no era más que otro de los muchos juegos aleatorios de la época, denominados de forma genérica bajo el nombre de: Musikalisches Würfelspiele. Este dato implicó un cambio de enfoque del artículo, ya que lo que en un principio se pensaba que se descubría casi de cero, ofrecía solo una pequeña ampliación a lo que ya estaba investigado. En cualquier caso, la carencia de información en español respecto al tema, animó al desarrollo del presente artículo. En resumen, en este artículo intentaremos explicar el procedimiento empleado para la composición de los Musikalisches Würfelspiel, centrándonos en el K.516f, atribuido a Mozart, en la edición de 1787 de N. Simrock
AV Notas, Vol. 9, 2020
How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2020). Csound como herramienta didáctica para una introducción ... more How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2020). Csound como herramienta didáctica para una introducción a la composición eletrónica: Estudio de caso de una miniatura musical "(In)harmonic Study". AV Notas, 9, 106-139 ____________________________________________________________________________________ (English below) Csound es un lenguaje de programación que facilita la composición de música electrónica a través de una interfaz de código mediante el programa CsoundQt. A pesar de su potencial técnico y musical para la creación de música electrónica, CsoundQt es una aplicación que actualmente cuenta con una difusión algo limitada en las aulas de composición. El objetivo de este artículo es presentar aspectos que puedan resultar de utilidad para la docencia de la composición electrónica mediante Csound. Como estudio de caso, se proporciona un análisis tímbrico con Sonic Visualiser de "(In)harmonic Study", una breve composición original que explora diversos modelos de síntesis de sonido en una estructura musical que alterna estados de armonicidad e inarmonicidad. Asimismo, en los anexos se facilita la partitura completa y el audio en formato mp3 de la pieza con la finalidad de facilitar un estudio más detallado de las posibilidades musicales de Csound. ABSTRACT IN ENGLISH. Csound is a programming language that facilitates the composition of electronic music by means of a coding interface in the software CsoundQt. In spite of its technical and musical potential for the creation of electronic music, Csound is a software that currently has a rather limited spread in composition classrooms. The main goal of this article is to present aspects that might be useful for the teaching of electronic composition by means of Csound. As a case study, a timbrical analysis by means of Sonic Visualiser is provided for the piece “(In)harmonic Study”, an original composition that explores diverse sound synthesis models in a musical structure that alternates between states of harmonicity and inharmonicity. Likewise, the full score and mp3 audio of the piece is provided in the annexes with the aim of listening to and illustrating the musical possibilities of Csound.
Eufonía, 85, 2020
How to cite: De Moya Martínez, M. V., López Núñez, N., Syroyid Syroyid, B. (2020). Educación musi... more How to cite: De Moya Martínez, M. V., López Núñez, N., Syroyid Syroyid, B. (2020). Educación musical y alumnado con necesidades específicas de apoyo educativo. Eufonía: Didáctica de la música, 85, 53-62 doi.org/10.13140/RG.2.2.29457.04960 _______________________________________________________________________________________ El presente estudio tiene como objetivo determinar las principales líneas de investigación y estudio presentes en la producción científica escrita en castellano sobre la Educación Musical y el alumnado con necesidades específicas de apoyo educativo (ACNEAE). Se ha llevado a cabo una revisión bibliográfica de 99 artículos en diversas bases de datos electrónicas nacionales e internacionales. Los resultados revelan que la producción científica sobre el tema, aunque escasa, se centra en función de cinco temáticas principales: (a) Necesidades Educativas Especiales (NEE); (b) Altas Capacidades (AC); (c) Incorporación Tardía al Sistema Educativo (ITSE); (d) Dificultades Específicas de Aprendizaje (DEA); y (e) Trastorno y Déficit de Atención o Hiperactividad (TDAH). Se ha observado un mayor número de publicaciones sobre NEE, en contraste con las demás categorías. Los estudios encontrados en esta búsqueda sistemática insisten en la idea de considerar la música como una herramienta educativa y formativa muy beneficiosa para trabajar con ACNEAE.
Revista Hoquet, 8, pp. 142-165, 2020
Este artículo surge de la necesidad de plantear una disquisición sobre los acordes complejos, que... more Este artículo surge de la necesidad de plantear una disquisición sobre los acordes complejos, que a menudo presentan una ambigüedad de interpretación que nos lleva a rehusarlos. Nuestra apuesta por la visión sustractiva de la armonía, frente a la tradicional-constructiva, se encauza en la vertiente esencial de la armonía del Jazz. Esta última está enfocada a una situación práctica con el fin de la composición e improvisación a partir de secuencias armónicas. Dependiendo de la modalidad, hay una determinación de las características estilísticas que fijan lo permitido y lo prohibido, lo recomendado, y lo evitado. En nuestro caso, no podemos emplear estos términos absolutos; pretendemos explicar todos los acordes del sistema temperado, de modo que intentamos administrar una mayor o menor afinidad con la sensación armónica deseada (acorde mayor, menor, dominante…) sin censurar ninguna combinación sonora. La búsqueda de una forma de cifrado abreviado que provea rápidamente la interpretación de un acorde no escrito está fuera de los objetivos del artículo. Nos limitamos a teorizar las interrelaciones, entre notas, de tres a doce sonidos, proponiendo una teoría para su organización: la teoría de la doble bordadura. Este proceso supone replantear algunos conceptos tradicionales de la armonía como la construcción de los acordes, el concepto de consonancia-disonancia, las inversiones o la tensión que define la sensación de dominante. Palabras clave: sistemas armónicos, acordes, teoría de la doble bordadura
Hoquet, 10, 2012
El presente articulo propone una breve introducción al pensamiento sinestésico musical (unión de ... more El presente articulo propone una breve introducción al pensamiento sinestésico musical (unión de los sentidos). Se presenta una aproximación a las relaciones entre nota musical y color propuestas por Arcimboldo, Castel y Bishop; así como las relaciones entre centro tonal y color por Skriabin, Rimsky-Korsakov y Asaf'ev. Un parte central del artículo está dedicada al comentario de las ideas sinestésicas del compositor Alexander Skribian.
Hoquet 9, pp. 85-90, 2011
La música existe en tanto en cuanto existe la humanidad. La fuerza mágica de la música puede llev... more La música existe en tanto en cuanto existe la humanidad. La fuerza mágica de la música puede llevar al hombre a la desesperación, obligarlo a reír o al contrario a tranquilizarse. Ya en la antigüedad se conocía y quería alcanzar y utilizar la música para fines milagrosos.
Sul Ponticello, 71, pp. 1-10, 2020
El Tratado de los Objetos Musicales de Pierre Schaeffer (1966/2008) es una obra que ha moldeado l... more El Tratado de los Objetos Musicales de Pierre Schaeffer (1966/2008) es una obra que ha moldeado la estética del arte sonoro actual mediante un nuevo paradigma para concebir la música a través del prisma del objeto sonoro. Schaeffer fue un hombre muy polifacético, recordado en las esferas de música electroacústica como fundador de la musique concrète [música concreta]. Una de sus obras musicales más emblemáticas en este género es Cinq études de bruits [Cinco estudios de ruido] (1948), obra compuesta en el Studio d'Essai de la Radiodiffusion Nationale de Paris. El principal objetivo del presente artículo es proporcionar una guía orientativa a modo de recorrido sintético sobre las ideas más relevantes del primer libro "Hacer y oír. Incitar a la escucha de los sonidos" del Tratado de Objetos Sonoros de Pierre Schaeffer.
Sul Ponticello, 68, pp. 1-10, 2020
“Los bosques de cemento” es una composición musical para orquesta sinfónica de unos 6 minutos de ... more “Los bosques de cemento” es una composición musical para orquesta sinfónica de unos 6 minutos de duración compuesta a finales de 2013. Esta obra resultó ganadora en el I Concurso de Composición para Orquesta Sinfónica “Emilio Lehmberg” organizado por el Conservatorio Superior de Música de Málaga. La obra fue estrenada el 7 de febrero de 2014 en la Sala Falla del Conservatorio Superior de Música de Málaga por la orquesta sinfónica del Conservatorio Superior de Música de Málaga, compuesta por alumnos del centro, bajo la batuta del profesor de dirección de orquesta, David García Carmona. A continuación, se incluye la videograbación del estreno.
Sul Ponticello, 69, pp. 1-12, 2020
El presente artículo propone un acercamiento a una herramienta didáctica gratuita, que, desde el ... more El presente artículo propone un acercamiento a una herramienta didáctica gratuita, que, desde el punto de vista del autor, merecer recibir una mayor difusión y estudio dentro de los ámbitos educativos de la composición electroacústica. Más concretamente, dentro de la composición generativa modular, una de las últimas tendencias del arte sonoro que con el desarrollo de las tecnologías digitales está adquiriendo mayor relevancia. El propósito de este artículo es describir las funcionalidades de la aplicación “Blokdust: Interactive music-making”, así como proporcionar una serie de recomendaciones acerca de posibles aplicaciones didácticas en composición modular.
Education Sciences, 2021
This paper elaborates on the didactic implementation of musical theater with undergraduate educat... more This paper elaborates on the didactic implementation of musical theater with undergraduate education students. Students had to select, prepare, justify, design, elaborate, rehearse, stage, and record an educational tale that targets ecological and environmental values in its main plot or storyline. Due to the COVID-19 pandemic, the implementation of this didactic proposal went online, and the interactions between students took place through video calls. This study surveyed a sample of 86 participants (n = 86) from a population of 116 students (N = 116) from the Faculty of Education of Albacete (UCLM) to investigate the advantages and disadvantages of carrying out this activity in an online format. The main challenges exposed the complexity of coordinating a team in a completely online format, problems related to physical isolation, and the limited access to a high-quality internet connection. The reported benefits included the development of digital competences, the interactions through social media, and creative thinking. Most students viewed this activity as didactically innovative and 98.84% agreed that musical tales and musical theater can be useful for promoting environmental awareness.
Book chapters by Bohdan Syroyid Syroyid
Periodismo mojo: Manual del periodista móvil y ciudadano, 2023
Como citar: Syroyid Syroyid, B. (2023). Compositores, comunicación y sociedad. El caso de ACIM Má... more Como citar: Syroyid Syroyid, B. (2023). Compositores, comunicación y sociedad. El caso de ACIM Málaga. En A. Sandulescu Budea (Coord.) Periodismo mojo: Manual del periodista móvil y ciudadano (pp. 193-202). Editorial Fundamentos.
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La música es un lenguaje de comunicación con un papel clave para el desarrollo integral del ser humano. Desde el prisma del compositor, este proceso de comunicación no está exento de obstáculos. Algunos de estos aspectos incluyen la edición de partituras, la búsqueda de músicos interesados en interpretar la pieza, el auditorio, el público, entre otros. Todo ello apunta hacia la necesidad de espacios de trabajo concretos donde se aborde la composición de forma profesional. En España, existen varias asociaciones de compositores que intentan promover la creación musical ayudando a los compositores a que su música sea estrenada, editada y grabada. En este capítulo, se examinará más concretamente el caso de ACIM Málaga, la Asociación de Compositores e Intérpretes Malagueños, revindicando la importancia que tiene este tipo de proyectos para el desarrollo cultural de la sociedad.
Innovación en la práctica educativa universitaria, 2023
CÓMO CITAR: Syroyid Syroyid, B. (2023). Los vídeos didácticos en Magisterio a través del modelo S... more CÓMO CITAR: Syroyid Syroyid, B. (2023). Los vídeos didácticos en Magisterio a través del modelo SAMR. En P. Membiela y M. I. Cebreiros (Eds.) Innovación en la práctica educativa universitaria (pp. 659-668). Educación Editora.
RESUMEN: En Magisterio las prácticas musicales presenciales se vieron particularmente afectadas por el COVID-19. Este trabajo sugiere el uso de vídeos didácticos desde el modelo SAMR (sustitución, aumentación, mejora y redefinición), aportando recomendaciones generales para su grabación y evaluación.
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DATOS DEL WEBINAR DEL 6 DE NOVIEMBRE
(11:00 A.M. UTC+1)
“Introducción al análisis de los silencios en la música”.
Ponente: Bohdan Syroyid.
Resumen:
En esta ponencia se expone el método para el análisis de los silencios escritos y acústicos tal y como se presenta en el segundo capítulo de la tesis doctoral en musicología “Analysis of Silences in Music” (Análisis de los silencios en la música). Este método analítico parte de una revisión de diez taxonomías desarrolladas por Riemann (1884, 1903), Braman (1956), Lissa (1964), Clifton (1976), Dougherty (1979), Gaudibert (1995), Littlefield (1996), Alepin (2001), Margulis (2007) y Lo (2015). El método propuesto consta de tres fases: identificación, descripción y análisis de los silencios musicales.
Papers by Bohdan Syroyid Syroyid
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Este artículo analiza los usos y costumbres musicales de los universitarios bretones, teniendo en cuenta cómo emplean la música mediante las nuevas tecnologías (TIC) y sus estilos de aprendizaje predominantes. Para ello, se indagó en cómo influyen las características personales y el manejo de determinadas herramientas TIC en la adquisición de conocimientos y en el aprendizaje de contenidos musicales tras escuchar y compartir diferentes tipos de música. La investigación siguió un enfoque de tipo cuantitativo con un diseño no experimental descriptivo mediante encuesta. Con el fin de averiguar los estilos predominantes y los patrones de uso y consumo musical utilizando las TIC, se aplicaron dos cuestionarios a una muestra formada por 308 estudiantes de las Facultades de Educación de la Universidad de la Bretaña Occidental. Tras analizar los datos, los resultados revelaron la existencia de diferencias estadísticamente significativas en los usos musicales en cuanto a los estilos de aprendizaje y campus de procedencia, evidenciando que la forma particular de aprendizaje es un factor condicionante entre la población juvenil cuando consume música mediante las nuevas tecnologías.
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RESUMEN:
Introducción: En España, con motivo del COVID-19, se declaró un estado de alarma que obligó a transformar la docencia presencial en un modelo telemático. El presente artículo reflexiona sobre esta súbita transición y su repercusión en el recurso didáctico del cuento musical, entendido como una narración o representación teatral con presencia de aspectos musicales y un enfoque interdisciplinar dirigido a adquirir competencias clave. Metodología: En el tercer curso del Grado en Educación Primaria, los alumnos realizaron un trabajo grupal sobre el cuento musical en formato telemático, que en ediciones anteriores era presencial. Para conocer la opinión del alumnado sobre la transición digital citada se encuestó a una muestra de 86 participantes de una población de 116 alumnos de la Facultad de Educación de Albacete (UCLM). Resultados: Se valoró positivamente el esfuerzo del profesorado de Educación Musical en la transición a la metodología telemática, aunque se reportó una preferencia de la docencia presencial frente a la virtual. Se identificaron dificultades y beneficios clave en la realización del cuento musical en formato no presencial, así como otros aspectos que resaltan el valor didáctico del mismo. El 90,1 % del alumnado encuestado expresó sentirse preparado para llevar al aula de Primaria esta actividad. Conclusiones: El recurso didáctico del cuento musical fue positivamente valorado por los estudiantes, siendo satisfactoria su implementación en formato digital.
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RESUMEN: Tocar un instrumento (1992/2014) de José Antonio Coso Martínez se ha convertido en un clásico de la literatura española en el ámbito de la didáctica de los instrumentos musicales. En el presente artículo se incluyen fragmentos de una entrevista realizada a su autor en junio de 2021, donde se relata el largo proceso de gestación del libro y las fuentes de inspiración que motivaron su escritura. Además, se profundiza en el método de estudio propuesto en Tocar un instrumento destacando dos necesidades clave. Primero, la necesidad de organizar el estudio de modo que se aproveche al máximo el tiempo invertido con una atención sostenida. Segundo, la necesidad de desarrollar hábitos de estudio adecuados que fomenten un aprendizaje más autónomo, más consciente y menos dependiente de una retroalimentación constante por parte del profesor. Finalmente, se aportan algunas breves reflexiones personales contextualizando el método de Coso Martínez en relación a los cuatro niveles de aprendizaje de Broadwell y las fases del desarrollo cognitivo piagetiano.
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ABSTRACT: Tocar un instrumento [To Play an Instrument] (1992/2014) by José Antonio Coso Martínez has become a classic of the Spanish literature in the field of didactics of musical instruments. This article includes fragments of an interview held with its author in June 2021, which narrates the long preparation of his book and the sources of inspiration that motivated him to write it. In addition, a commentary is provided on the method described in the book for learning how to practice a musical instrument highlighting two key needs in the instrumental practice. First, the need to organize practice time in a way that it allows to make the most out of the invested time with sustained attention. Second, the importance of developing adequate study habits that promote a more autonomous and more conscious learning, and less dependent on continuous feedback from the teacher. Finally, some brief personal conclusions are provided reflecting on Coso Martínez's method in relation to Broadwell's four levels of learning and the stages of the Piagetian cognitive development.
ABSTRACT
Objective. To collect and analyze the bachelor theses supervised and defended in the Department of Music of the Faculty of Education in Albacete, Spain (UCLM). The study covered the period from the department implementation in 2012-2013 to the academic year 2018-2019. Methodology. The approach used was mainly quantitative and descriptive with a sample of 102 final year dissertations, of which 66 belong to the bachelor’s degree in Primary Education, 33 to the bachelor’s degree in Early Childhood Education, and 3 to the bachelor’s degree in Bilingual Primary Education (English). The following variables were analyzed: number of theses, academic years, research lines, and keywords in titles. Results. A steady continuity in the research output was observed in the overviewed period. The most researched lines included music and emotions (19.61%), music and information and communication technologies (15.69%), and music and special education (14.71%), while the least researched one was legislation on music education (2.94%). The analysis of the keywords of the titles showed a strong presence of the term emotion(s)/(al) in the bachelor’s degrees of Early Childhood and Primary Education Teaching. Some substantial differences were also found in the thematic preferences of both degrees, pointing to more theoretical and technical studies in Primary Education and more practical studies in Early Childhood. Conclusions. This paper analyzed and discussed the research lines of a sample of bachelor theses. The limitations of the sample offered preliminary results on the evolution of the research lines, which suggests differences between the thematic preferences between both degrees.
RESUMEN
Objetivo. Recopilar y analizar los trabajos fin de grado (TFG) dirigidos y defendidos en la Unidad Departamental de Música de la Facultad de Educación de Albacete-España (UCLM) desde su implementación, curso 2012-2013, hasta el curso 2018-2019. Metodología. El enfoque utilizado ha sido principalmente cuantitativo y descriptivo con una muestra de 102 TFG de los cuales 66 pertenecen al Grado en Educación Primaria, 33 al Grado en Educación Infantil y 3 al Grado en Educación Primaria Bilingüe (inglés). Se han analizado las siguientes variables: número de TFG, cursos académicos, líneas de investigación y palabras clave de los títulos. Resultados. Se ha observado una continuidad en la investigación realizada en el área de música en el periodo analizado. Las líneas de investigación más trabajadas fueron música y emociones (19,61%), música y tecnologías de la información y comunicación (15,69%) y música y educación especial (14,71%), mientras que la línea menos trabajada fue la legislación educativa musical (2,94%). EL análisis de las palabras clave de los títulos muestra una fuerte presencia del término emoción(es)/(al) en las especialidades de Educación Infantil y Primaria. También se han constatado algunas diferencias sustanciales en las preferencias temáticas de ambos grados, apuntando a estudios más teórico-técnicos en Primaria y prácticos en Infantil. Conclusiones. Con este trabajo se ha examinado y reflexionado sobre los TFG de temática musical en la muestra analizada. Las limitaciones de la muestra ofrecen unos resultados preliminares sobre la evolución de las líneas temáticas investigadas y las preferencias temáticas en ambos grados.
Book chapters by Bohdan Syroyid Syroyid
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La música es un lenguaje de comunicación con un papel clave para el desarrollo integral del ser humano. Desde el prisma del compositor, este proceso de comunicación no está exento de obstáculos. Algunos de estos aspectos incluyen la edición de partituras, la búsqueda de músicos interesados en interpretar la pieza, el auditorio, el público, entre otros. Todo ello apunta hacia la necesidad de espacios de trabajo concretos donde se aborde la composición de forma profesional. En España, existen varias asociaciones de compositores que intentan promover la creación musical ayudando a los compositores a que su música sea estrenada, editada y grabada. En este capítulo, se examinará más concretamente el caso de ACIM Málaga, la Asociación de Compositores e Intérpretes Malagueños, revindicando la importancia que tiene este tipo de proyectos para el desarrollo cultural de la sociedad.
RESUMEN: En Magisterio las prácticas musicales presenciales se vieron particularmente afectadas por el COVID-19. Este trabajo sugiere el uso de vídeos didácticos desde el modelo SAMR (sustitución, aumentación, mejora y redefinición), aportando recomendaciones generales para su grabación y evaluación.
DATOS DEL WEBINAR DEL 6 DE NOVIEMBRE
(11:00 A.M. UTC+1)
“Introducción al análisis de los silencios en la música”.
Ponente: Bohdan Syroyid.
Resumen:
En esta ponencia se expone el método para el análisis de los silencios escritos y acústicos tal y como se presenta en el segundo capítulo de la tesis doctoral en musicología “Analysis of Silences in Music” (Análisis de los silencios en la música). Este método analítico parte de una revisión de diez taxonomías desarrolladas por Riemann (1884, 1903), Braman (1956), Lissa (1964), Clifton (1976), Dougherty (1979), Gaudibert (1995), Littlefield (1996), Alepin (2001), Margulis (2007) y Lo (2015). El método propuesto consta de tres fases: identificación, descripción y análisis de los silencios musicales.
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Este artículo analiza los usos y costumbres musicales de los universitarios bretones, teniendo en cuenta cómo emplean la música mediante las nuevas tecnologías (TIC) y sus estilos de aprendizaje predominantes. Para ello, se indagó en cómo influyen las características personales y el manejo de determinadas herramientas TIC en la adquisición de conocimientos y en el aprendizaje de contenidos musicales tras escuchar y compartir diferentes tipos de música. La investigación siguió un enfoque de tipo cuantitativo con un diseño no experimental descriptivo mediante encuesta. Con el fin de averiguar los estilos predominantes y los patrones de uso y consumo musical utilizando las TIC, se aplicaron dos cuestionarios a una muestra formada por 308 estudiantes de las Facultades de Educación de la Universidad de la Bretaña Occidental. Tras analizar los datos, los resultados revelaron la existencia de diferencias estadísticamente significativas en los usos musicales en cuanto a los estilos de aprendizaje y campus de procedencia, evidenciando que la forma particular de aprendizaje es un factor condicionante entre la población juvenil cuando consume música mediante las nuevas tecnologías.
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RESUMEN:
Introducción: En España, con motivo del COVID-19, se declaró un estado de alarma que obligó a transformar la docencia presencial en un modelo telemático. El presente artículo reflexiona sobre esta súbita transición y su repercusión en el recurso didáctico del cuento musical, entendido como una narración o representación teatral con presencia de aspectos musicales y un enfoque interdisciplinar dirigido a adquirir competencias clave. Metodología: En el tercer curso del Grado en Educación Primaria, los alumnos realizaron un trabajo grupal sobre el cuento musical en formato telemático, que en ediciones anteriores era presencial. Para conocer la opinión del alumnado sobre la transición digital citada se encuestó a una muestra de 86 participantes de una población de 116 alumnos de la Facultad de Educación de Albacete (UCLM). Resultados: Se valoró positivamente el esfuerzo del profesorado de Educación Musical en la transición a la metodología telemática, aunque se reportó una preferencia de la docencia presencial frente a la virtual. Se identificaron dificultades y beneficios clave en la realización del cuento musical en formato no presencial, así como otros aspectos que resaltan el valor didáctico del mismo. El 90,1 % del alumnado encuestado expresó sentirse preparado para llevar al aula de Primaria esta actividad. Conclusiones: El recurso didáctico del cuento musical fue positivamente valorado por los estudiantes, siendo satisfactoria su implementación en formato digital.
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RESUMEN: Tocar un instrumento (1992/2014) de José Antonio Coso Martínez se ha convertido en un clásico de la literatura española en el ámbito de la didáctica de los instrumentos musicales. En el presente artículo se incluyen fragmentos de una entrevista realizada a su autor en junio de 2021, donde se relata el largo proceso de gestación del libro y las fuentes de inspiración que motivaron su escritura. Además, se profundiza en el método de estudio propuesto en Tocar un instrumento destacando dos necesidades clave. Primero, la necesidad de organizar el estudio de modo que se aproveche al máximo el tiempo invertido con una atención sostenida. Segundo, la necesidad de desarrollar hábitos de estudio adecuados que fomenten un aprendizaje más autónomo, más consciente y menos dependiente de una retroalimentación constante por parte del profesor. Finalmente, se aportan algunas breves reflexiones personales contextualizando el método de Coso Martínez en relación a los cuatro niveles de aprendizaje de Broadwell y las fases del desarrollo cognitivo piagetiano.
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ABSTRACT: Tocar un instrumento [To Play an Instrument] (1992/2014) by José Antonio Coso Martínez has become a classic of the Spanish literature in the field of didactics of musical instruments. This article includes fragments of an interview held with its author in June 2021, which narrates the long preparation of his book and the sources of inspiration that motivated him to write it. In addition, a commentary is provided on the method described in the book for learning how to practice a musical instrument highlighting two key needs in the instrumental practice. First, the need to organize practice time in a way that it allows to make the most out of the invested time with sustained attention. Second, the importance of developing adequate study habits that promote a more autonomous and more conscious learning, and less dependent on continuous feedback from the teacher. Finally, some brief personal conclusions are provided reflecting on Coso Martínez's method in relation to Broadwell's four levels of learning and the stages of the Piagetian cognitive development.
ABSTRACT
Objective. To collect and analyze the bachelor theses supervised and defended in the Department of Music of the Faculty of Education in Albacete, Spain (UCLM). The study covered the period from the department implementation in 2012-2013 to the academic year 2018-2019. Methodology. The approach used was mainly quantitative and descriptive with a sample of 102 final year dissertations, of which 66 belong to the bachelor’s degree in Primary Education, 33 to the bachelor’s degree in Early Childhood Education, and 3 to the bachelor’s degree in Bilingual Primary Education (English). The following variables were analyzed: number of theses, academic years, research lines, and keywords in titles. Results. A steady continuity in the research output was observed in the overviewed period. The most researched lines included music and emotions (19.61%), music and information and communication technologies (15.69%), and music and special education (14.71%), while the least researched one was legislation on music education (2.94%). The analysis of the keywords of the titles showed a strong presence of the term emotion(s)/(al) in the bachelor’s degrees of Early Childhood and Primary Education Teaching. Some substantial differences were also found in the thematic preferences of both degrees, pointing to more theoretical and technical studies in Primary Education and more practical studies in Early Childhood. Conclusions. This paper analyzed and discussed the research lines of a sample of bachelor theses. The limitations of the sample offered preliminary results on the evolution of the research lines, which suggests differences between the thematic preferences between both degrees.
RESUMEN
Objetivo. Recopilar y analizar los trabajos fin de grado (TFG) dirigidos y defendidos en la Unidad Departamental de Música de la Facultad de Educación de Albacete-España (UCLM) desde su implementación, curso 2012-2013, hasta el curso 2018-2019. Metodología. El enfoque utilizado ha sido principalmente cuantitativo y descriptivo con una muestra de 102 TFG de los cuales 66 pertenecen al Grado en Educación Primaria, 33 al Grado en Educación Infantil y 3 al Grado en Educación Primaria Bilingüe (inglés). Se han analizado las siguientes variables: número de TFG, cursos académicos, líneas de investigación y palabras clave de los títulos. Resultados. Se ha observado una continuidad en la investigación realizada en el área de música en el periodo analizado. Las líneas de investigación más trabajadas fueron música y emociones (19,61%), música y tecnologías de la información y comunicación (15,69%) y música y educación especial (14,71%), mientras que la línea menos trabajada fue la legislación educativa musical (2,94%). EL análisis de las palabras clave de los títulos muestra una fuerte presencia del término emoción(es)/(al) en las especialidades de Educación Infantil y Primaria. También se han constatado algunas diferencias sustanciales en las preferencias temáticas de ambos grados, apuntando a estudios más teórico-técnicos en Primaria y prácticos en Infantil. Conclusiones. Con este trabajo se ha examinado y reflexionado sobre los TFG de temática musical en la muestra analizada. Las limitaciones de la muestra ofrecen unos resultados preliminares sobre la evolución de las líneas temáticas investigadas y las preferencias temáticas en ambos grados.
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La música es un lenguaje de comunicación con un papel clave para el desarrollo integral del ser humano. Desde el prisma del compositor, este proceso de comunicación no está exento de obstáculos. Algunos de estos aspectos incluyen la edición de partituras, la búsqueda de músicos interesados en interpretar la pieza, el auditorio, el público, entre otros. Todo ello apunta hacia la necesidad de espacios de trabajo concretos donde se aborde la composición de forma profesional. En España, existen varias asociaciones de compositores que intentan promover la creación musical ayudando a los compositores a que su música sea estrenada, editada y grabada. En este capítulo, se examinará más concretamente el caso de ACIM Málaga, la Asociación de Compositores e Intérpretes Malagueños, revindicando la importancia que tiene este tipo de proyectos para el desarrollo cultural de la sociedad.
RESUMEN: En Magisterio las prácticas musicales presenciales se vieron particularmente afectadas por el COVID-19. Este trabajo sugiere el uso de vídeos didácticos desde el modelo SAMR (sustitución, aumentación, mejora y redefinición), aportando recomendaciones generales para su grabación y evaluación.
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La proliferación de dispositivos con acceso a internet durante las pri-meras décadas del siglo XXI ha supuesto una transformación sin pre-cedentes para los entornos educativos. Consecuentemente, estamos ante una crisis del sistema educativo debido al acceso casi inmediato de la información a través de internet. En bastantes casos, los contenidos de los canales educativos alojados en plataformas como YouTube pueden resultar muy acertados y enriquecedores para el aprendizaje. Más concretamente, en el caso de los vídeos educativos musicales alojados en la plataforma, uno puede encontrar una gran variedad de estilos, métodos y enfoques. Dado que estas plataformas permiten a cualquier persona que se cree una cuenta gratuita subir contenidos, la calidad de los mismos puede ser muy variable. Consecuentemente, uno también puede encontrar información que pueda afectar negativamente al proceso de aprendizaje de un instrumento musical. En el presente capítulo se analizan los problemas didácticos, técnicos y musicales del aprendizaje del piano a partir de tutoriales de YouTube.
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Las clases mediante videollamadas se han convertido en una modalidad de docencia popular, potenciada por las limitaciones impuestas a la presencialidad debido a los confinamientos derivados de la pandemia del COVID-19. En este capítulo, se profundizará más concretamente en el ámbito de la docencia universitaria. En España, cada vez es mayor el número de programas oficiales de grado y máster que son ofertados en modalidad telemática o a distancia. En este contexto, la modalidad más habitual son las clases retransmitidas en directo mediante videollamadas. Un importante peligro didáctico en este tipo de docencia es la desconexión y el ausentismo electrónico (que aquí se denominará como e-ausentismo) del alumnado durante la sesión telemática. En trabajos previos se reflexionó sobre la problemática de la “cámara apagada” o “la pantalla en negro”, si bien el e-ausentismo también está acompañado de un micrófono desactivado y una participación (casi) inexistente en el chat.
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En este capítulo se describe el proyecto educativo «Pedagogas musicales españolas del siglo xx», llevado a cabo en el CEIP «Príncipe de Asturias» de Almansa (Albacete). Esta propuesta didáctica se insertó en el proyecto de divulgación de la Universidad de Castilla-La Mancha «El talento no tiene género» (FCT-19-14351) y se desarrolló con los alumnos de 6.º de Primaria en el segundo trimestre del curso 2020/2021, a través de seis sesiones híbridas mediante vídeoconferencias, colaborando con el profesor de música de dicho centro. Durante las sesiones se presentaron diversos ejemplos diarios de los beneficios de la música y la educación musical en la vida cotidiana y se profundizó sobre la tarea pedagógica desarrollada por las profesoras y grandes pedagogas del siglo xx español, Montse Sanuy Simón y Rosa Font Fuster, en el panorama nacional, y Carmen Ibáñez e Ibáñez, en el espacio local albaceteño. A su vez, se utilizaron diversos recursos interactivos, tales como musicogramas, mapas conceptuales, pequeños vídeos explicativos, Plickers, aplicaciones gratuitas de telefonía móvil con instrumentos virtuales, entre otros.
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RESUMEN: Vivian Fine (1913-2000) es una de las compositoras estadounidenses más importantes de la música del siglo XX. Con una dilatada carrera de siete décadas, la música de Fine presenta una importante variedad estilística. Neobarroco, neoclasicismo, atonalidad, minimalismo, puntillismo y texturalismo son solo algunos de los lenguajes musicales explorados por la compositora. Con un catálogo de más de 140 obras, Vivian Fine compuso música para piano, ensembles de cámara, agrupaciones vocales y solistas, orquestas sinfónicas y música con medios electrónicos.La obra de Fine atrae por su lenguaje directo y expresivo. La compositora Ruth Crawford (1901-1953) jugó un rol importante en la formación temprana musical de Vivian Fine y la consolidación de su estilo atonal (Lumsden, 2017). En el presente capítulo se profundizará sobre el uso y las funciones de los silencios y las pausas en la música de Vivian Fine a través del análisis de una serie de fragmentos procedentes de seis obras compuestas entre 1929 y 1972. De este modo, se pretende conocer mejor las técnicas compositivas utilizadas por Vivian Fine para la interacción entre el material sonoro y los silencios musicales. Antes de adentrarnos en el análisis de estas composiciones, convendría establecer un breve marco teórico.
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RESUMEN: La voz es el primer instrumento musical de la persona, es su medio comunicativo por excelencia. Así, las actividades de canto en Educación Infantil tienen una importancia clave para el correcto desarrollo del niño en sus múltiples facetas: artística, musical, lingüística, psicomotora, afectiva, intelectual, social y lúdica, entre otras. El objetivo principal de este estudio es conocer las últimas investigaciones realizadas sobre canto y canción en la etapa de educación infantil. Para ello, se han estudiado las investigaciones reflejadas en artículos publicados en revistas de investigación, en español en el último decenio (2010-2020). Como objetivo secundario, se propone establecer las sub-temáticas del corpus de artículos analizados sobre el canto y la canción en la educación infantil.
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RESUMEN: El inglés es un idioma muy rico en fonemas y contiene múltiples palabras en las que un cambio de sonido puede alterar radicalmente el significado de una frase. Esto puede agravarse en el canto, donde es muy importante esclarecer la pronunciación de las vocales, que son las que más se tienden a deformar y distorsionar en el inglés cantado. Estas diferencias son suficientemente complejas incluso para los hablantes nativos (Palmer, 1882). Las canciones en inglés se han utilizado, por ejemplo, para atraer la atención de los alumnos de niveles avanzados, particularmente cuando se tratan aspectos complejos del idioma que requieren de grandes habilidades analíticas, como el caso de la poesía. En este capítulo, se revisará el impacto real de las canciones para la mejora de la pronunciación en alumnos de inglés como lengua extranjera. Se priorizaron los estudios experimentales, y aleatorizados cuando fuera posible, incluyéndose 7 estudios de estas características. Tres de ellos fueron descriptivos y cualitativos y cuatro de ellos fueron cuantitativos y analíticos. Todos los estudios mostraron la satisfacción de los estudiantes con el uso de canciones en inglés como una herramienta para mejorar la pronunciación. Todos excepto uno, muestran beneficios en la pronunciación comparando el uso de canciones con la simple repetición o entonación de palabras con ritmo. A continuación, se analizarán los hallazgos más relevantes de cada uno de ellos.
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El Real Decreto 1393/2007 indica en el artículo 15.3. que un TFM tendrá entre 6 y 30 créditos ECTS. Esta cifra varía en función de si el máster cuenta con 60 créditos ECTS, un curso académico, o 120 créditos ECTS, 2 cursos. Según la normativa, el TFM puede ocupar entre el 10 y 25 por ciento del número total de créditos de un máster. Esto significa que, en programas de un año, el TFM tendrá entre 6 y 15 créditos ECTS y en programas de dos años, entre 12 y 30 créditos ECTS. ¿Cuántas horas de trabajo por parte del alumno significan estas cifras? En el sistema universitario español, 1 crédito ECTS es a menudo tomado como unidad de referencia para 25 horas de trabajo autónomo por parte del alumno. Desde el punto de vista del marco legal, un TFM en el sistema español necesita para su elaboración entre unas 150 y 375 horas para programas de un año y entre 300 y 750 horas para programas de dos años. El caso más frecuente, en cambio, son los másteres de un año con un TFM de 6 créditos ECTS, es decir, 150 horas. 150 horas implican 50 días – poco menos de dos meses de trabajo – con una jornada de 3 horas diarias. En cambio, si consideramos el TFM como un trabajo a tiempo completo (40 horas semanales) obtenemos 3 semanas y 4 días. Ahora bien, ¿cuántas horas necesita un alumno en realidad para escribir un TFM? ¿son 150 horas suficientes?
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La pandemia del COVID-19 obligó a que una importante cantidad de estancias de investigación y docencia se vieran canceladas, pospuestas u obligadas a trasladarse a un formato telemático. La mayor parte de los estudios se muestran bastante optimista hacia el aumento de la presencia de las herramientas TIC en el aula y su consecuente impulso en la participación del alumnado. No obstante, la docencia telemática provocada por el COVID-19 también tiene sus retractores. El ordenador, las tablets y los smartphones son una fuente inagotable de distracciones, pasatiempos y entretenimientos. Si se desea que estos dispositivos se conviertan en herramientas de trabajo efectivas, se ha de producir un cambio de actitud radical con relación a cómo se utiliza internet y los dispositivos digitales. Además, la docencia telemática puede contribuir a que el aprendizaje se realice de forma más autónoma y aislada, al no existir un espacio físico colectivo, la clase. Un aspecto que adquirió bastante debate con la retransmisión de las clases mediante videollamada es el “síndrome de la cámara apagada” (Ledesma de Castro, 2020) o el fenómeno de la “pantalla oscura” (Palavecino, 2021). En otras palabras, un gran número de alumnos pueden estar conectados a la videollamada, pero prácticamente ninguno enciende su cámara.
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El cuento musical es un recurso didáctico de gran valor pedagógico para las clases de música en diferentes etapas, niveles y ámbitos educativos. Debido a las medidas de distanciamiento social impuestas por la crisis sanitaria del COVID-19, la dramatización presencial de cuentos musicales ha sido adaptada al formato audiovisual en forma de vídeo-cuento. Una primera revisión bibliográfica destaca los principales beneficios de este recurso interdisciplinar en el desarrollo integral de los alumnos (cognitivo, psicomotor, creativo y socioafectivo), al interrelacionar actividades musicales, corporales, plásticas, literarias, dramáticas y tecnológicas. El vídeo-cuento musical fomenta un ambiente creativo y lúdico dirigido a la adquisición de competencias clave desde una concepción holística del aprendizaje, combinando materias artísticas (plástica, musical y dramática).
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La transformación digital es un proceso innato al siglo XXI. La transición de la educación al formato digital telemático es un proceso que muchos autores denominan como algo inevitable. La situación de instabilidad producida por la pandemia planteó muchos interrogantes sobre el futuro de la educación. ¿Cómo se verá la educación en la era postpandémica? ¿Se convertirá la docencia telemática en el nuevo estándar para la educación? ¿Cuáles son los beneficios y las dificultades de la educación en línea? Partiendo de la premisa de que se cuenta con una formación pedagógica básica que garantiza la posibilidad de impartir docencia musical en línea, conviene reflexionar sobre sus posibles ventajas y desventajas para la educación.
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Los mapas conceptuales, correctamente utilizados, pueden convertirse en un recurso útil para fomentar un aprendizaje significativo. En magisterio, los mapas conceptuales pueden facilitar el aprendizaje de conceptos teóricos relativos a metodologías didácticas. Igualmente, pueden ser utilizados por los futuros docentes, para la planificación de los contenidos que se van a desarrollar en cada clase. En este capítulo de libro se propone realizar una breve revisión de algunos blogs educativos que presentan mapas conceptuales accesibles en línea. Con ello, conviene aclarar que algunos de los mapas conceptuales que se comentarán fueron concebidos para educación secundaria. No obstante, se considera que los materiales recuperados se muestran igualmente relevantes para el aprendizaje de contenidos musicales de asignaturas de la mención en música del Grado en Educación Primaria. Durante la búsqueda de mapas conceptuales se encontró una importante cantidad de material que ya no se encontraba disponible. Esto puede deberse a que las aplicaciones utilizadas quedaron desfasadas y no se realizó un mantenimiento adecuado para mantener los materiales en línea. Esto pone de manifiesto la efimeridad de muchos de estos recursos educativos, cuando su valor educativo es abundante.
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El colegio es un ecosistema que cuenta con alumnos, familias, docentes y personal del centro, pasillos, aulas, documentos institucionales, proyectos educativos, jornadas de estudio y recreo, entre otros muchos elementos. El agente clave que supervisa el buen funcionamiento de este ecosistema es el director del colegio. No obstante, sus funciones y campo de actuación varían muy considerablemente de un centro educativo a otro. En el caso de España, los directores de los centros públicos son profesores o maestros que han sido elegidos y nombrados por el claustro para dedicar una parte de su jornada laboral a las labores de gestión. En cambio, en centros privados puede darse el caso de que el director se dedique a tiempo completo a la dirección y su ámbito de actuación tenga una mayor influencia sobre la organización pedagógica. Con las numerosas reformas educativas, en los centros públicos se ha podido observar un cierto conflicto de poderes entre las funciones que debe desempeñar un director con su equipo directivo y el consejo escolar, así como otros órganos colegiados. Con este capítulo, se pretendió acercar al lector a la realidad de la dirección escolar a partir del análisis de un centro educativo concreto. Para tal fin, se ha realizado una breve contextualización para proceder con una descripción de los documentos organizativos y realizar un breve análisis de los elementos que contribuyen al buen funcionamiento y posibles áreas de mejora. Con ello, se ha puesto de manifiesto la complejidad existente en la gestión y organización de un centro educativo internacional bilingüe de educación infantil y primaria
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Note: A full paper of this research has been published on Syroyid Syroyid, B. (2019). The Use of Silence in Selected Compositions by Frédéric Devreese: A Musical Analysis of Notated and Acoustic Silences. Cuadernos de Investigación Musical, 8, pp. 136-159. https://doi.org/10.18239/invesmusic.v0i8.1999 This full paper is also accesible on https://www.researchgate.net/publication/337682903_The_Use_of_Silence_in_Selected_Compositions_by_Frederic_Devreese_A_Musical_Analysis_of_Notated_and_Acoustic_Silences
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Abstract: Frédéric Devreese (1929) is a prominent Belgian classical and film composer who has written more than 200 compositions, as well as 27 film scores. In this paper, we approach the analysis of four of his compositions, including one film score, based on the presence and absence of silence. 1. BACKGROUND Currently, we can’t find many modern analytical studies about silence, especially if we take into consideration that some of most important analytical theories and methods developed during the past century did not directly address the silence phenomenon (e.g. Schenkerian analysis, Set-Theoretical analysis). However, in 1956, Wallis Dwight Braman, does one of the most important advancement in the field by analysing more than 8000 movements from three musical eras: Baroque, Classic and Romantic. His analytical methods and work were referenced by Dougherty (1979) in his study about Beethoven String Quartets. Also, we can find a more recent study done by Wang (2013) where the researcher draws a comparison between the works of Mompou, Chung and Crumb. 2. AIMS AND REPERTOIRE UNDER CONSIDERATION The main goal of this paper is to analyse the use of silence in 4 selected compositions by Frédéric Devreese. These scores were personally suggested by the composer himself as relevant to the analysis of silence. Our subject of study is limited to the silence that is represent on the score (i.e. rests, phrase marks, staccatos, breath marks, etc.). 3. METHODS The analytical methods are based on Braman’s work, where he approaches the study of silence from three perspectives: first classification, position within form; second classification, comparison before and after silence; third classification, extra-musical effect (1956, 12-39). In addition to these, Braman provides a “list of specific categories, certainly not exhaustive”, complemented with abundant musical examples (1956, 40). However, some of the silences found in Devreese music needed to describe new categories, since Devreese’s concert music presents cinematic techniques inherited from his film music. 4. RESULTS AND IMPLICATIONS Braman himself acknowledges the interest of studying the use of silence in the music after 1900 (1953, 332). The present study shows us how many of the traditional usages of silence described in Braman’s thesis are present in relatively modern compositions by Devreese. Also, the analytical results display a big variety of types of silence. This draws us a unique and original perspective about music and musical analysis, where the “time without sound” (Braman, 1956, 1) can speak to us. It is supposed that in the near future more analytical studies about silence will be made, in order, to wider this important and often ignored part of music: the silence. 5. TOPIC AREAS Musical Analysis and Music Theory 6. KEYWORDS Silence, Rhythm, Contemporary music, Film Music, Instrumental Music
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Actualmente, la gran mayoría de los estudios analíticos musicológicos tienden a centrarse en el sonido y, principalmente, en la altura musical, dejando de lado el fenómeno de las pausas o silencios musicales. Sin embargo, en muchas ocasiones, es el correcto uso de las pausas o silencios, lo que aporta trascendencia y genialidad a una obra. El presente trabajo pretende explorar el uso del silencio como técnica compositiva dentro del repertorio sinfónico español de finales de siglo XIX y principios del XX, tomando como objeto de estudio siete extractos procedentes de obras de Albéniz, Falla y Turina. Partiendo de un análisis comparativo entre partitura y grabación sonora, sugerimos las siguientes funciones musicales: el silencio cadencial en Albéniz, el silencio rítmico en Falla y el silencio interruptivo en Turina.
Silences have recurrently been a concern for whoever wrote about music. Despite the large amount of musicological literature available on the topic, much of the treatment that silences have received in the past is rather philosophical or speculative: Does silence exist? Is silence music? Many musicological discussions sprung out as a reaction to John Cage’s provocative and controversial composition 4’33”. Acknowledging the inexistence of an absolute absence of sounds does not eradicate the concept of musical silence. The presence of notated silences can be traced back to Ancient Greek music extending down to present day. These silences are an integral part of a musical composition, but only occasionally they receive some sort of analytical discussion. Are silences susceptible to a deeper musical analysis? What constructive functions do silences display in a music composition? How do silences interact with surrounding musical elements?
Answering these questions is a major concern for supporting the musicality of silence. The original contribution to knowledge that this dissertation offers is a unification of theoretical perspectives under a common framework with the purpose of suggesting a method for the musical analysis of notated acoustic silences. This method provides a foundation for musicologists interested in conducting further research on the silence usage of various composers. Equally, the theory itself is susceptible to further expansion with the creation of new categories or with a rearrangement of existing ones. The proposed method has the potential of stimulating a creative implementation by composers involved in experiments with silences. For performers, analyzing musical silences can lead to an increase in aural awareness, a deeper appreciation of the musical value of silences, as well as a better-informed performance practice.
Ten theoretical perspectives for the analysis of musical silences are retrieved, summarized, and discussed. This literature review is illustrative of the diversity of possible interpretations on the functions of silence, but it should not be regarded as representative of all the available writings on the topic. The extensibility of these theoretical approaches to twentieth-century music is defended by means of several original analytical examples. Most of these theoretical approaches grant relatively little importance to acoustic silences since these approaches strongly rely on the examination of sheet music (notated silence). Furthermore, a wide range of terms has been encountered for addressing relatively similar categories without reaching a consensus between the authors that were surveyed.
The issue of terminology is tackled with the proposition of an original method for the analysis of silences. This method aims to unify the formerly described perspectives in three stages: identification, description, and analysis. Identification is conducted on both sheet music and audio recordings, with the display of waveforms or spectrograms. In the second stage, notated acoustic silences are compared in terms of length. Also, some specific categories are drawn for describing the timbre and the dynamics in acoustic silences. The final stage, analysis, offers ten pathways for assessing the constructive functions of silence. These functions comprise the interaction of silence with rhythm, dynamics, pitch, timbre, texture, form, expectations, continuity, evocations, and the phenomenon of tension-repose.
The analysis of Webern’s Piano Variations, Op. 27/iii reveals how silences are deeply organized in this piece. There is a progressive increase in the frequency of rests towards Variation IV, the climax of the movement. Rhythmic ambiguity as well as the emergence of patterns is triggered through the presence of notated silences. Pitch classes are also assembled through varied types of symmetrical structures. However, in many cases, notated silences are filled by the resonance of the sustain pedal or by the prolongation of preceding sounds. In some cases, this is done to increase the amount of accumulated tension before releasing it by means of a longer silence. Significant levels of discrepancy in the lengths of silences have been registered between the notated and acoustic forms. A particularly remarkable expansion of acoustic durations can be found in the anticlimactic silence that separates the last two variations.
Silences also define two contrasting textures (fragmented versus continuous) which progressively evolve across the movement reaching a synthesis in Variation V. As a comparative analysis of five recordings reveals, these paths are convoluted by the addition and subtraction of silences for expressive purposes. Some of the notated silences can be interpreted as textural fragmentation or omission. In addition, silences contribute to formal segmentation, acting as joints between the Theme and the ensuing variations. Repeatedly, silences are used to contradict the expectations of hearing a regular predictable pattern leaning towards a state of continuous textural development. These numerous changes invoke a highly unstable condition. Silences also prove to be a powerful device for molding the flow of tension-repose. Likewise, silences drive a fervent juxtaposition of contrasting emotional states in Webern’s Op. 27.
At first, it might seem ironic to write a dissertation about something that does not exist. However, John Cage’s statement was aimed at challenging a specific definition of silence: silence as absolute absence of sounds. In words of Cage (1961/1973): “There are, demonstrably, sounds to be heard and forever, given ears to hear” (p. 23). Several questions can be raised by the reading of the preceding quote. Is duration really the only measurable characteristic of the so-called silences? Does not every silence have a specific timbre characterized by surrounding acoustics? If silences are made of unintentional sounds, do not these sounds have dynamics? Furthermore, what happens during silences that are intentionally composed or performed in a music piece? Is silence by definition bound to non-intentionality? Besides, is there a difference between ordinary silences—for lack of a better word—and musical silences—the ones found in a music composition? After all, is there only one type of silence? If not, how many different silences are there?
How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2020). Introduction. Theoretical Perspectives. In Analysis of Silences in Music: Theoretical Perspectives, Analytical Examples from Twentieth-Century Music, and In-Depth Case Study of Webern’s Op. 27/iii (pp. 1-43) [Doctoral dissertation in musicology, KU Leuven]. https://doi.org/10.13140/RG.2.2.23953.86884/5
This chapter is aimed at overviewing the theoretical perspectives of ten authors on the functions of silence in music. For these ten authors a brief contextualization has been compiled followed by a presentation of their respective classifications of silence. This data is accompanied by a discussion of the functions of silence by means of original analytical examples of twentieth-century music. The main documents that will be examined here are: two doctoral dissertations (Alepin, 2001; Braman, 1956), two master’s theses (Dougherty, 1979; Lo, 2015), two books (Riemann, 1884, 1903), and eight articles (Clifton, 1976; Gaudibert, 1995; Kim, 2013a, 2013b; Lissa, 1964; Littlefield, 1996; Margulis, 2007a, 2007b).
How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2020). Chapter 1. Theoretical Perspectives. In Analysis of Silences in Music: Theoretical Perspectives, Analytical Examples from Twentieth-Century Music, and In-Depth Case Study of Webern’s Op. 27/iii (pp. 47-163) [Doctoral dissertation in musicology, KU Leuven]. https://doi.org/10.13140/RG.2.2.23953.86884/5
This chapter aims to organize the knowledge acquired in the previous chapter as a method for the analysis of silences. It comprises three stages: identification, description, and analysis. Stage one drafts some procedures for the identification of notated acoustic silences. Stage two, description, suggests categories for the durations, dynamics, and timbre of silences, whereas stage three provides tools for analyzing silences in relationship to surrounding rhythm, dynamics, pitch, timbre, and texture, as well as discussing silence’s ability to interact with form, expectations, continuity, evocations, and musical tension. The three issues that the present chapter purposes to address are: [1] the lack of a larger
unified framework in which the ten approaches of Chapter 2 could be combined for the analysis of musical silences, [2] the little importance granted to acoustic silences by mostly relying on the examination of notated silences, or more specifically music rests, and [3] the use of a wide range of terms to refer to relatively similar phenomena. Most of these aspects are tackled in the third stage of the present analytical method. In the upper part of Figure 2.1, one can find a circle divided into ten sectors. Each of these sectors represents an aspect of silence analysis based on the ten approaches provided in Chapter 1. However, each sector does not represent a specific theory, but it is the result of the intersection of various authors from the previously discussed literature.
Anton Webern (1883–1945) was an Austrian composer, a prominent advocate of the dodecaphonic technique in the first half of the twentieth century. Webern’s musical output was relatively small. Only 31 compositions where published during his lifetime with an opus number. His tragic death, caused by the accidental shooting of a US soldier led to great commotion in large musical circles (Moldenhauer, 1970). The perfectionism of Webern’s compositional technique has heavily influenced the course of twentieth-century music, particularly “Boulez and Stockhausen and other integral serialists of the Darmstadt School in the 1950s” (Puffett, 2015, para. 1). Arnold Schoenberg (1874–1951) significantly shaped the musical style of Anton Webern and his fellow composer Alban Berg (1885–1935).
An incomplete vision of music arises when a unilateral focus is set on examining sounds without taking into account silences. Silences are an integral element of music. They reveal a wide range of constructive functions (rhythmic, dynamic, timbrical, textural, formal, to cite a few). These functions arise from a tight interrelationship between sounds and silences. Sounds have a large impact on silences, and vice versa. This makes it difficult to set a solid boundary between the two. Silence is a highly polysemic word that can easily lead to misinterpretations and bewilderment. In view of this, the focus of this dissertation has been set on acoustic silences—understood as the intentional refraining from producing sounds by performers as recorded in an audio file—and notated silences—defined as written symbols or signs that musicians can perform as the abstaining from the emission of sounds, as acoustic silences.
RESUMEN: La canción es un recurso didáctico que une palabra y sonido, presentando una simbiosis idónea para un trabajo interdisciplinar. En la iniciación musical, la canción es el eje fundamental para el trabajo del lenguaje musical y su expresión, haciendo uso del instrumento musical natural más inmediato, la voz. Por otro lado, para las asignaturas de lengua española (L1) las canciones pueden ser utilizadas como un recurso metodológico activo e innovador que ayuda revitalizar la experiencia educativa a través de la música. Por este motivo, numerosos investigadores han publicado propuestas didácticas, ensayos teóricos y estudios empíricos, recalcando el potencial didáctico que presentan las canciones para el aprendizaje del español como lengua materna. En esta comunicación se presenta una revisión bibliográfica de publicaciones científicas en castellano de las últimas dos décadas (a partir del año 2000) centradas en el trabajo transversal de la lengua castellana y literatura en educación infantil y primaria a través de canciones. En la revisión sistemática se han incluido artículos de investigación y capítulos de libros publicados en monográficos especializados, habiéndose excluido los trabajos fin de grado y trabajos fin de máster publicados en repositorios institucionales, así como los resúmenes procedentes de congresos académicos.
RESUMEN: En esta comunicación se presenta una composición original del autor, titulada “Scherzo en Do”. Se trata de una breve pieza de 16 compases de duración, que presenta una síntesis de los contenidos trabajados durante el primer curso de piano: posiciones fijas con cinco dedos en do, alternancia de articulaciones (staccato, tenuto, apoyo, legato), introducción a las dinámicas, repetición de secciones, motivos en manos alternas, secciones homorrítmicas, patrones de acompañamiento en bajo Alberti, ostinato sobre una nota pedal, entre otros aspectos. Para la enseñanza de esta pieza se ha desarrollado una propuesta didáctica en cuatro sesiones basada en el método de Paul Harris (2014) descrito en su libro Simultaneous Learning [Aprendizaje Simultáneo]. El método del Aprendizaje Simultáneo es un enfoque proactivo para la enseñanza de una obra a partir de sus ingredientes musicales. En esta metodología, el profesor de música empodera a sus estudiantes evitando criticar, controlar o juzgar al alumno en su interpretación de la pieza. Como alternativa, se propone descubrir, construir y aprender una pieza musical a partir de sus elementos constituyentes trazando conexiones entre diferentes disciplinas musicales: el ritmo, la técnica, el canto, la improvisación, la educación auditiva, la teoría musical, la lectura a primera vista, por citar algunas. De este modo, se fomenta la creatividad del alumno y se promueve su musicalidad planteando una formación más integral.
RESUMEN: Con internet, la oferta educativa para aprender a tocar un instrumento musical se ha visto ampliada con nuevas posibilidades en un entorno virtual: videotutoriales pregrabados, libros electrónicos, cursos digitales con materiales multimedia, aplicaciones y páginas web con ejercicios interactivos o clases en línea a través de videollamadas, por citar algunos ejemplos. Todas estas opciones constituyen un nuevo entorno educativo que no está exento de problemas idiosincrásicos relacionados con el medio digital: problemas en la conectividad a internet, la calidad de sonido, la gestión del tiempo de pantalla, la falta de concentración frente a dispositivos electrónicos, el sedentarismo, entre otros. Más concretamente, en esta ponencia se profundizará sobre los problemas didácticos asociados a la enseñanza del piano, mediante videollamadas en niveles de iniciación (primeros cursos de las enseñanzas elementales). En la literatura sobre didáctica de los instrumentos musicales se ha identificado una fuerte crítica al modelo tradicional de la enseñanza instrumental, entendido como un proceso en el que el alumno toca una pieza o ejercicio (que ha estudiado previamente en casa), el profesor, a continuación, indica los errores aportando soluciones y, finalmente, el alumno intenta corregir estos errores en clase y trabajar sobre ellos durante la semana. En esta metodología reactiva, un exceso de control y crítica afectará negativamente al estudio de un instrumento musical, reflejándose en emociones adversas, desmotivación e, incluso, en un abandono temprano del instrumento. Para que el modelo tradicional de enseñanza funcione, el alumno debe trabajar correctamente en casa, por lo que el profesor debe enseñarle a estudiar solo. Como alternativa, en esta comunicación se desarrollará una adaptación al entorno virtual del método del Aprendizaje Simultáneo de Paul Harris. Se espera que esta propuesta didáctica resulte útil para los procesos de enseñanza y aprendizaje del piano, siendo posible su extensión a otros instrumentos.
RESUMEN: Para dar a conocer al alumnado de Primaria algunas personalidades femeninas relevantes en educación musical, se ha realizado una intervención didáctica virtual de cuatro sesiones con la plataforma Teams con alumnos de 6º de Primaria del Colegio Príncipe de Asturias de Almansa (Albacete). Debido a los protocolos por la COVID-19, las sesiones fueron híbridas y se realizaron de forma telemática con profesores de la universidad y presencialmente con un maestro en el aula, durante mayo de 2021. Así, se ofreció a los alumnos una introducción centrada en el panorama educativo-musical español (1940-1975), destacando las figuras nacionales de Montse Sanuy y Rosa Font Fuster. A continuación, se presentó la vida y la producción científica en distintos campos de Carmen Ibáñez, con especial incidencia en la recuperación del patrimonio musical albacetense. Para dinamizar las explicaciones teóricas, se fueron insertando pequeños fragmentos de vídeos relativos a los conceptos explicados, breves ejercicios sobre los conocimientos musicales, varias audiciones de música folklórica (española y manchega) y un debate final a modo de recapitulación.
La presente comunicación propone una serie de pautas para la clasificación y valoración de los musicomovigramas en base a dos dimensiones: valor didáctico y calidad de la realización. A su vez, cada una de estas dimensiones se subdivide en cinco ítems basados en escala Likert. Para el valor didáctico, se han estimado los contenidos musicales trabajados, la complejidad técnica a la hora de su implementación en el aula, la variedad de notaciones empleadas, aspectos referentes a la interpretación musical y una clasificación en base al estilo musical. Para la valoración de la calidad de la realización de los musicomovigramas se ha dado mayor peso a aspectos relativos a la producción audiovisual: la sincronización del vídeo con la música, la innovación o incorporación de elementos novedosos, su originalidad y carácter distintivo, el cuidado y atractivo de la presentación visual y los elementos adicionales que faciliten el seguimiento del musicomovigrama.
The importance that silences have in music can hardly be underestimated. This significance has received a lot of attention by musicologists and music writers in general. A recurring debate is its paradoxical “non-existence”. However, this research approaches silence from a different angle: music analysis. How can we apply musical analysis to improve our understanding of the constructive functions that silences and pauses have in a musical work?
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The Nocturne No. 3 in A-flat major, S.541 also known as Liebestraum No. 3 (German for Dream of Love) is one of the most popular piano pieces by Franz Liszt (1811–1886). Although this piece was published in 1850, the original version was written for soprano and piano, five years earlier, by setting music to a poem by Ferdinand Freiligrath “O lieb, so lang du lieben kannst” (German for Oh love as long as you can love). The present paper presents a comparative analysis of three recordings by Liszt’s pupils: a ca. 1925 recording by Emil von Sauer (1862-1942); a 1929-30 recording by Moriz Rosenthal (1862-1946); and a 1936 recording by Frederic Lamond (1868-1948). An analysis of the pulse durations was conducted in Sonic Visualiser, revealing a wide range of tempo oscillations linked to the expressivity of the performance. In spite of sharing some common features, these recordings display a number of individual characteristics that set them apart. In this paper, tempo oscillations are contextualised by means of a musical analysis that is focused on the processes of tension and repose. At the same time, certain tempo oscillations reveal a vocal quality that could be connected to the earlier version of the piece as a song and its treatment of the lyrics. It is hoped that the conclusions of this analysis may provide some insights on the piano performance practice in the Interwar period, as well as deepening our understanding of the pianism of Sauer, Rosenthal and Lamond.
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In the face of the increasingly large amount of literature on musical listening, a discussion of modes of listening to silences in music is much needed. Silence is a necessary component for music to exist, acting as canvas, frame, and content (Judkins, 1997). Silence as a canvas is the background that allows listeners to differentiate intentionality from non-intentionality (Cage, 1961/1973). Silence as a frame defines the start and end of a piece, as well as other perceptual sensorial limits (Littlefield, 1996). Most notably, silence as content can foster “reflections on what preceded the silence, expectations about what may follow it or what might have substituted for it” (Margulis, 2007, p. 246). Silence as content is not a particularly recurrent feature in music. In this sense, Braman (1956) clarifies that, “since composition is a process of choosing or rejecting, the composer may or may not use silences” (p. 330).
The main goal of this paper is to provide a comparative discussion of three theoretical perspectives that address the process of listening to silences, namely: the negative dynamics of rests by Hugo Riemann (1884), the perception of surprise and anticipation of temporal silences by Thomas Clifton (1976), and the perception of tension-repose in aural analysis by Suzanne Alepin (2001). Similarities and differences between these approaches are underlined by analyzing selected passages from the Four Scherzi by Frédéric Chopin. According to Lissa (1964), “pauses intertwine the entire sixty-bar introduction section in the B-flat minor Scherzo, bringing into sharp relief the dramatically contrasted short-breathing phrases, the contrasting elements in their facture, registers, and dynamic tension” (p. 449). Chopin’s usage of silence in his Scherzi is diverse and elaborate, becoming an excellent vehicle for discussing a wide variety of modes of listening to silences in music.
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Bill Evans (1928-1980) was one of the most influential jazz pianists of the 20th century. Jazz musicians often study Bill Evans’s harmonic innovations through the transcription of his recordings. We will be using transcriptions by William Hughes (2017); however, the object our study will be silence, defined as an intentional refraining from producing sound. Bill Evans made frequent usage of silence devices in his improvisations, which are especially noticeable in his solo recordings. We will be looking at the piano session recorded on January 10, 1963, released posthumously in two separated albums as ‘The Solo Sessions, Vol.1’ (1989), and ‘The Solo Sessions, Vol.2’ (1992). With the intention of conducting a deeper analysis on the most significant material, we have selected only three tracks: ‘April in Paris’ (vol. 1/1), ‘All the Things You Are’ (vol. 2/1), and ‘Ornithology’ (vol. 2/6).
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Most analyses of Bartók’s Fifth String Quartet concentrate primarily on the thematic and harmonic relationships of various themes that are part of a palindromic sonata form (see Bates, 1986; Klefstad, 2000). However, this piece has a striking and characteristic silence usage that is worthy of a deeper examination. For this, both score and audio recordings will be analyzed revisiting some of the silence theories of Braman (1956), Dougherty (1979), Gaudibert (1995), Margulis (2007) and Yin Lo (2015). The main goal is to explore the underlying musical processes that surround notated and acoustic silences in the first movement of Bartok’s Fifth String Quartet. Notated silences are limited to rests that appear simultaneously in all four parts. Acoustic silences are examined through the visualization of the waveform of two recordings and the identification of regions with low amplitude.
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Although silence has always been an important part of music, an intense debate arose in the second half of the 20th Century about the existence and nature of musical silence, mainly, because of John Cage's writings and 'silent' composition 4'33". Traditionally, silence was considered as 'absence of sound' (Schafer, 1969, 5). However, Cage (1961, 14) questioned the idea of absolute absence of sound, proposing an alternative definition: silence as 'not intended' sound. For our specific context, the study of the silence devices in Beethoven's piano sonatas and its purposeful application in piano improvisations , silence will be defined as the performer's intentional act to avoid producing sound.
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Didáctica de la Composición Musical: herramientas TIC y ejemplos en el Grado en Educación Primaria María del Valle de Moya Martínez y Bohdan Syroyid Syroyid Universidad de Castilla-La Mancha, España. Resumen La sociedad actual demanda ciudadanos que sean creativos e innovadores. La creatividad es una capacidad humana que debe desarrollarse en la escuela, entre otros ámbitos. Se suele definir como la capacidad para generar conceptos, soluciones, objetos físicos, y ha sido vital en la evolución humana afectando a labores científicas y artísticas desde los albores de la humanidad.
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Resumen La realización de una representación musical con carácter grupal es uno de los instrumentos de evaluación de la asignatura Educación Musical en el Grado en Educación Primaria de la Facultad de Educación de Albacete (UCLM). El objetivo de dicha tarea es trabajar las tres expresiones musicales (corporal, instrumental y vocal) utilizando un formato interdisciplinar e interactivo, dentro de un formato de dramatización teatral, incluyendo diversos contenidos específicos de la materia de lenguaje y cultura musical. Además, este trabajo se recoge en un portafolio destacando aspectos como la metodología llevada a cabo (objetivos, materiales y evaluación, entre otros) junto con las posibles aplicaciones didácticas.
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La Banda Sinfónica Municipal de Albacete (BSMA) es la principal
agrupación musical local, estando considerada como una de las mejores bandas de la región castellano-manchega. Cuenta con más de 150 años de vida ya que inició su andadura en la segunda mitad del siglo XIX (1859). Siempre ha tenido titularidad municipal aunque su historia demuestra diversos desencuentros con el Consistorio, los cuales se minimizaron a raíz de la progresiva estabilización de sus componentes a finales del siglo XX
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Stewart Lynell Gordon (n. 1930) es un pianista y pedagogo musical, autor de diversos libros y métodos dedicados a la enseñanza del piano. Técnicas maestras de piano es una traducción realizada por Dora Castro de Etudes for Piano Teachers, libro originalmente publicado en inglés en 1995. Este libro comprende una selección, revisión y expansión de veintisiete breves artículos pedagógicos que Gordon publicó en la revista American Music Teacher entre 1973–1982. El libro, fértil en ideas prácticas, presenta tres secciones, denominadas estudios (fundamentales, para virtuosos y trascendentales), que se subdividen en catorce capítulos. Algunos títulos hacen referencia a estudios trascendentales de Liszt—Ricordanza, Mazeppa—aunque también hay alusiones a Beethoven (Eroica) y Debussy (Pour les trois pédales…).