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RESUMO O rádio foi um dos primeiros meios de comunicação de massa que influenciou a cultura do Brasil. Enfrentou grandes mudanças ao longo dos anos e, para resistir à hegemonia da TV, ele se reencontrou na relação com a realidade local. Porém, as regras impostas pela globalização apontam a operação em rede via satélite como uma saída para a sobrevivência do rádio. No entanto, isso contrasta com o seu caráter regional. Esta pesquisa estudou a característica regional do rádio na rede católica. O objetivo foi analisar a característica regional das emissoras de rádio que trabalham em rede via satélite. Para tanto, utilizou-se da abordagem qualitativa, através de análise de conteúdo, fazendo um estudo de caso da Rede Canção Nova. Verificou-se que, nos programas locais, as emissoras da Rede procuram se aproximar da realidade regional, porém nos programas de rede a rádio é mais abrangente, algo percebido pela audiência. A programação da rede é baseada na filosofia da Canção Nova, enquanto instituição religiosa.

Abstract: In 1988, Brian Winston presented a discussion about the tradition of the victim in his documentary, analyzing the English production of 1930 and direct cinema of 1960s to assert that filmmakers belonging to these cinema schools thought of their characters as victims only. This paper discusses this further focusing on contemporary documentaries about traumatic experiences. The results suggest the hypothesis that there are two conditions to victimization when the victim is not considered a mere outcast; and that victimization is produced by State policies.

Pretende-se debater neste artigo os fatores que permitem o surgimento da produção audiovisual nas periferias brasileiras. Conclui-se que três importantes fatores permitem o desenvolvimento de tal produção: as políticas culturais empreendidas nos últimos 10 anos, tanto no âmbito municipal quanto federal; o desenvolvimento das tecnologias digitais, que se popularizou, facilitando o acesso aos meios de produção e, por fim, novas propostas de políticas de representação, que tentam se distanciar da ideia dos espaços periféricos como locais exclusivos de insegurança, perigo e violência. Palavras-chave: Cinema de periferia. Políticas culturais. Digital. Representação. Pós-doutorando, bolsista Fapesp junto ao Programa de Pós-Graduação em Imagem e Som da UFSCar.

Por meio do personagem vaqueiro nos documentários O homem de couro (Paulo Gil Soares, 1969-70) e Aboio (Marília Rocha, 2005), este texto investiga como a voz, especialmente o canto do aboio, é trabalhada em cada um desses filmes. Para isso, a análise se concentrará nos depoimentos de alguns personagens, além da investigação de como se dá o uso da música, seja diegética ou extra-diegética, bem como a articulação entre performance e memória que encontra no canto uma importante matéria-prima. Isso nos permite testar a hipótese de que em O homem de couro prevalece um tom informativo/pedagógico, enquanto em Aboio há a construção de uma memória que tem no deslocamento um aspecto cardeal.

O artigo tem como objetivo analisar como o tema do genocídio ocorrido no Cam- boja (1975-1979) e a memória do trauma são retratados no documentário A imagem que falta, dirigido por Rithy Pahn. O texto reflete a construção do documentário pelo diretor Pahn, vítima do regime totalitário cambojano, que teve sua família assassinada pelo Regime do Khmer Vermelho, e quais foram as estratégias utilizadas para reconstruir uma memória subjetiva, individual e coletiva do trauma vivido durante sua infância. O estudo analisa como o filme trabalha com regimes de imagem diegéticas, afetivas e indiciais e busca mais um efeito de memória do que um efeito de real, ao utilizar imagens produzidas por barros e outros materiais, para representar a impossibilidade de se narrar o genocídio vivido durante regime totalitário do Khmer.

Martírio é um documentário sobre os conflitos entre fazendeiros do agronegócio e os índios Guarani-Kaiowá pela posse de terras no Mato Grosso do Sul. Para compreender esse cenário, o documentário volta ao passado e localiza sua origem por meio de uma multiplicidade imagético-sonora: fotografias, reportagens televisivas, cinejornais, narração em voz over e depoimentos, além do próprio material produzido para o filme. O objetivo deste trabalho é se debruçar sobre este arsenal para testar a hipótese de que Martírio reescreve a história não para dar a voz aos índios, mas para explicitar os traumas que se tornaram recorrentes em seu cotidiano.

Este artigo traz reflexões sobre novas formas de consumo midiático, como as plataformas de Video on Demand a exemplo da Netflix, abordando o localismo nas produções nacionais e o cosmopolitismo proporcionado pela transmissão de conteúdo para públicos globais. A conceituação teórica é ancorada em autores que discutem o consumo cultural (GARCÍA CANCLINI, 2004), a nacionalização da ficção televisiva (LOPES, 2004) e a memória como recurso no audiovisual (MACDOUGALL, 1998). Em seguida, discorremos brevemente sobre as séries nacionais produzidas pela Netflix Brasil até o final de 2019, a fim de ilustrar as primeiras experiências da produtora e a tendência a certos tipos de narrativas ou gêneros. Por fim, analisamos os elementos nacionais e a relação com a memória presentes na série Coisa Mais Linda (Netflix Brasil, 2019). A análise da série parte da ideia de “promessa de sentido” ( JOST, 2008) para, a seguir, se deter na narrativa com foco nas personagens (JOLY, 1996). Como resultado argumentamos que é possível perceber na série elementos de uma ‘brasilidade’ demarcada para conquista de público internacional e o uso de uma temporalidade passada para discutir questões do presente.

Pretende-se refletir sobre as transformações dos sujeitos-da-câmera em falsos documentários de terror do tipo found footage, pensando a experiência do espectador de acordo com cada tipo de posicionamento de sujeito. Para isso, conceitualiza os tipos de sujeito-da-câmera (RAMOS, 2008) e analisa sequências de quatro filmes de found footage: [REC] (2007), Atividade Paranormal 2 (2011), Host (2020) e Murder Death Koreatown (2020). Compreende-se que os sujeitos-da-câmera se transformam em diálogo com o surgimento de novas mídias e suas linguagens e com o contexto social da época, em função de um ilusionismo que procura parecer real e verossímil.

this paper wants to discuss the composition of a memory of displacement in contemporary brazilian documentary. For this, Aboio (Marilia rocha, 2005) will be the object of analysis that focus on the sound aspects (speech and singing) and image (landscape) taken here as spaces where is this memory. the question, however, is not limited to identifying how sound and image may present as spaces of memories, but also identify their respective raw materials. Our hypothesis is that the foundation of shifting memory in this documentary is the relationship between tradition and work-tradition is evident in the testimonies and work that fills the landscape.

Pretendemos debater se a escolha do cotidiano como tema, por parte dos realizadores de cinema e audiovisual de diversas periferias brasileiras, reverte-se em um desdobramento político-discursivo. Para isso, as análises dos documentários escolhidos obedecem à seguinte orientação: como se apreende uma determinada vivência? Como resposta é possível inicialmente apontar: 1) a apropriação da experiência cotidiana e periférica para se reportar diretamente aos meios de comunicação de massa que constroem imagens e imaginários engessados sobre as periferias; 2) o abandono desse tom de resposta explícita para se ocupar do cotidiano periférico por meio de histórias do lugar, pessoas e sociabilidades.

Este trabalho quer debater as composições de personagem no road movie documental brasileiro. Centrada nos filmes Pachamama (Eryk Rocha, 2009) e Olhe pra mim de novo (Cláudia Priscila e Kiko Goifman, 2011), a discussão apresenta três etapas: primeiramente, enfoca-se a forma como o personagem problematiza as composições dos gêneros cinematográficos e a própria noção de deslocamento. Em seguida, o debate sobre o personagem propõe uma ética da performance que guiaria as análises. E, por fim, a discussão se direciona para outros modos de ver o road movie realizado no Brasil.

Atos dos homens (Kiko Goifman, 2006) é um documentário que trata da vida na Baixada Fluminense, especialmente nas cidades de Nova Iguaçu e Queimados, após uma chacina encabeçada por policiais militares que resultou na morte de 29 pessoas. Por meio desse filme, este trabalho quer debater as composições de narrativas do trauma no documentário brasileiro, concentrando-se na análise de testemunhos e depoimentos fornecidos pela “ralé brasileira” (SOUZA, 2009). O texto está dividido em duas partes: a primeira se volta para o papel da narrativa na discussão sobre o cinema documental e para o conceito de trauma apontado pelo corpus. Num segundo momento, identifica e discute os subsídios para constituição dessa narrativa, em que se sobressai a revisão da noção de vítima, as lacunas do testemunho e a formação de uma memória.

As  análises  dos  documentários  Super  gato  contra  o  apagão(Kinoforum, 2002) e Como se rouba a cena no cinema (Kinoforum, 2006) revelam uma significativa presença do improviso – da tomada, das condições de produção, da existência – que se constitui naquilo que denominaremos de estética do improviso, um  traço  estético  importante  da  produção  de  filmes  nas periferias. Essa discussão encontra ancoragem no conceito de estética de Mikhail Bakhtin. Ao considerar a atividade estética como integrante de um todo sócio-histórico circunscrito, esse autor sinaliza para um duplo aspecto: a rejeição da ideia de “arte pela arte” e a recusa da produção artística como mero reflexo da atividade psíquica e subjetiva do produtor. Esse postulado se revela útil, portanto, para pensarmos a organização estética de filmes realizados em comunidades periféricas.

Este trabalho quer discutir a questão autoria no dito cinema de periferia a partir da observação das metodologias de trabalho de algumas oficinas e dos discursos dos realizadores que alicerçam tais métodos de realização, assim como as composições visuais, sonoras e enunciativas que tais filmes apresentam. Nosso ponto de partida é o documentário Improvise!
(Filmagens Periféricas e Reinaldo Cardenuto, 2004), que apresenta um significativo ponto de tensão em relação à assinatura da direção do filme, instigando a apreensão dos matizes que compõem a autoria no cinema periférico. Para tanto, recorreremos às noções de autor como produtor (Benjamin) e autor-criador (Bakhtin), arte contextual (Ardenne) e a importância do grupo (Kracauer), que funcionarão como peças-chave para o entendimento da questão aqui em foco.

O objetivo geral desta pesquisa e refletir sobre o discurso de Dilma Rousseff, atual presidente do Brasil, em entrevista levada ao ar no programa Fantastico, da Rede Globo, em 11 de setembro de 2011. A entrevista foi realizada pela jornalista Patricia Poeta, no Palacio da Alvorada, residencia oficial de Dilma. Nesse discurso analisado ha um tom de intimidade e de reverencia da jornalista que parece querer com isso colher informacoes mais intimas de Dilma Rousseff sobre o universo feminino, observando as estrategias enunciativas que constroem uma imagem de enunciador, um ethos discursivo (MAINGUENEAU, 2005), que ressalta o lado mulher e a competencia da candidata a presidencia e depois presidente em exercicio Dilma Rousseff, a partir de um ethos pre-discursivo que reforcava a imagem de tecnocrata calculista ou de militante de esquerda, comunista, guerrilheira.

Este artigo busca compreender as disputas de sentido atribuídas aos primeiros trinta dias do governo Bolsonaro, em janeiro de 2019, nas capas da revista Veja, um dos periódicos de maior tiragem e circulação no Brasil, com aproximadamente 556 mil exemplares semanais, e nos tweets da conta pessoal do presidente, a mídia com maior número de seguidores e a que ele mais utiliza desde sua campanha. Foram analisadas, por meio de abordagem qualitativa-interpretativa, as imagens postadas no Twitter no mesmo dia da publicação de Veja e as relações com os enunciados verbais que as acompanham. Para tanto, apoiamo-nos nos conceitos de dialogismo, vozes e discurso centrípeta, de Mikhail Bakhtin (1999, 2010, 2015), e de espetacularização, de Guy Debord (1997). Concluímos que enquanto a revista põe a público a descrença em seu governo, o Twitter, em uma relação dialógica, edifica sua imagem, mostrando-o como homem de ação.

Neste artigo, abordamos a questão da comunicação governamental por meio da política do silêncio apresentada nos estudos de Eni Orlandi, tendo como corpus a revista VEJA. Para isso, relacionamos dois momentos na História brasileira em que governantes promoveram a desinformação sobre questões de saúde: a Epidemia de Meningite em 1972 e a Pandemia de Covid-19, em 2020. Este cruzamento histórico traz à tona duas crises de saúde distintas, porém ambas ocorreram em um momento de intenso poder da Direita, no qual os líderes conservadores incentivaram ataques à imprensa, estratégias discursivas de silenciamento e práticas políticas de risco. Nesse sentido, propomos neste artigo ponderar sobre a associação de métodos de desinformação em crises de saúde como estratégia de comunicação governamental em períodos autoritários.