Institut für Kulturpolitik

~ HOW TO BUILD NETWORKS AND WHY?: From resilience towards sustainability, is the first in the series of three source books that will be published as part of REG.LAB project. It is an evidence-based publication gathering and articulating knowledge on innovative bottom-up models of organisation. The publication HOW TO BUILD NETWORKS AND WHY?: From Resistance to Sustainability is a significant contribution to the inclusion of often neglected Yugoslav experiences and practices of networking, cooperation, and horizontal organising to our knowledge of contemporary networking practices. The source book is published in 5 languages and a large international team was involved in its production.

A PUBLICATION BY KOOPERATIVA-  REGIONAL PLATFORM FOR CULTURE

EDITOR Tjaša Pureber
EDITORIAL TEAM Ana Abramović, Marijana Cvetković, Iskra Geshoska, Tjaša Pureber, Vullnet Sanaja, Domagoj Šavor
RESEARCHERS Ana Letunić and Jovana Karaulić
COORDINATORS Marija Krnić and Tihana Pupovac

The publication is part of the Critical Practice (Made in Yu) programme realized as collaboration of Lokomotiva – Centre for New Initiatives in Arts and Culture, Station Service for contemporary dance, and Nomad Dance
Academy in the frame of Life Long Burning project, www.lifelongburning.eu, criticalpracticemadeinyu.info; www.nomaddanceacademy. org; nomaddanceinstitute. tumblr.com/

materijalnu infrastrukturu čija se javna kulturna namjena (još uvijek) ne propituje. U tom pogledu, nužno je daljnje inzistiranje na participativnim kulturnim politikama te suradnji javnog i civilnog sektora. Upravo u domenu "kulturnih politika odozdo" i borbe za javni interes pripada i rasprava o novim kriterijima valorizacije i evaluacije umjetničke produkcije koji bi trebali biti izlaz iz dihotomije intrinzične vrijednosti i instrumentalizacije kulture, čemu Budućnost kulturne vrijednosti želi pridonijeti. Ana Letunić, umj. asist. budućnost kulturne vrijednosti /8 budućnost kulturne vrijednosti /9 ZAHVALE Duboku zahvalnost dugujem brojnim zaposlenicima kulturnih organizacija i predstavnicima tijela koja financiraju kulturu za njihove neprocjenjive komentare na ranije verzije ovog teksta. Posebno bih želio zahvaliti Adrianu Ellisu, Roz Hall, Johnu MacAuslanu i Chrisu Nayloru. Moji kolege iz Demosa bili su mi, kao i uvijek, stalna podrška i poticaj, no želio bih izdvojiti Toma Bentleyja, Charlieja Timsa i Shelagh Wright. Eddie Gibb, Lisi Beckett i Claire Ghoussoub zahvaljujem što su objavile ovaj tekst i organizirale njegovu distribuciju. I na kraju, beskrajno sam zahvalan svome čestom suradniku i prijatelju Robertu Hewisonu na njegovim uvidima, nepogrešivu smislu za humor i riječima ohrabrenja.

This collection explores questions of: what political discourses emerge in the context of current performing arts practices? What is the efficacy and political reach of performing arts? What are the contexts performances speak from, and what are the contexts they speak to? With this questions the collection strongly emphasizes the political turn in Performance Studies. However, the book does not only reexamine the intrinsic link between politics and performance, but considers the role of policy in this equation. Foregrounding this triangulation, the book examines a range of factors that underpin the relationship of politics, performance, and policy and means through which political performances reach (or fail to reach) their target audiences and communities. The collection offers contributions from both established and emerging scholars, that cover a range of different practical and theoretical aspects and concepts. The collection proposes new conceptual approaches by positioning politicality of contemporary theatre in relation to questions of figurality ; it addresses questions of ethics and responsibility of theatre and community theatre ; and issues of sustainability and diversity as shaped through theatre policies. It includes political dimensions of contemporary dance and queer performance, as well as those of ‘directors’ theatre.

She graduated with a master's degree in International Performance Research at the University of Warwick, UK as well as in Curating in Performing Arts at the Universities of Salzburg, Austria and LMU Munich, Germany. For over ten years, she has worked as a cultural programmer and researcher with contemporary arts organisations in Croatia, Germany, the Netherlands, Serbia, Switzerland, the UK and USA as well as European networks. As a researcher at the intersection of cultural policy and performance studies, she has participated in numerous international conferences, professional training courses and research projects, she has edited and authored several books and numerous articles, and she has taught at universities in Croatia, Germany, Montenegro and Serbia.

Der Beitrag betrachtet die ambivalente Situation im rezenten deutschsprachigen Theater, auf der einen Seite auf die Tradition ästhetischer Autonomie zu pochen und auf der anderen Seite den vielfachen Forderungen Tribut zu zollen, die Erfahrungswelten von im Theater bislang marginalisierten Gruppierungen abzubilden, was häufig damit einhergeht, dass auf SchauspielerInnen und RegisseurInnen zurückgegriffen wird, welche leibhaftig diese Alltagserfahrungen repräsentieren. Ein Weg aus diesem Dilemma verspricht der Blick auf südafrikanische Produktionen, welche Impulse für Überlegungen zu einer Ästhetik geben, die abendländisch-europäische Vorstellungen, wie sie u. a. Christoph Menke entwickelt, mit Diskursen aus dem afrikanischen Kontext, die u. a. Achille Mbembe jüngst vorgestellt hat, zu verknüpfen vermag.

De Gruyter Verlag Einleitung: Kunst und Alltag Die Gegenwart kommt als solche nur zur Geltung, wenn sie von anderen, abwesenden Zeiten beherrscht wird-das klingt zunächst nach einer reichlich unplausiblen These. Und doch scheint es oft, als werde nur demjenigen Sichtbarkeit eingeräumt, bzw. überhaupt eine Existenzberechtigung zugestanden, dessen Herkunft gesichert ist, und als verdiene nur dasjenige Anerkennung, dem ein anerkannter Platz in der Geschichte zukommt, so dass die Gegenwart unter der Herrschaft der Ordnungsmuster der Geschichte und ihrer Wissenschaft stünde. Dann wieder scheint jedwede Existenzberechtigung, als Minimalwert, nicht von einer Realisierung oder einer erbrachten, nachweisbaren Leistung, und sei es nur einem gegenwärtigen Nutzen, abzuhängen, sondern einzig von der Kraft, mit der eine Option auf eine zukünftige Relevanz plausibel gemacht wird, von einer zunehmenden Bedeutung, von einem Versprechen auf zukünftigen Gewinn, dem jetzt alles unterzuordnen ist, so dass das, was in der Gegenwart zählt, vom Glauben an die Berechenbarkeit der Zukunft abhinge. Die vorliegende Paragrana-Ausgabe widmet sich ästhetischen Manifestationen des Alltäglichen in einem spezifischen Sinne: Gemeint sind nicht alle Arten von Versinnlichungen des Alltags, sondern insbesondere solche Praktiken und Routinen, die zu Kunst und Alltag gleichermaßen ausgeprägte Verbindungen aufweisen. Im Mittelpunkt stehen Inszenierungen und Evokationen von Alltäglichkeit, die sich im Rahmen der Künste vollziehen oder die mit Hilfe künstlerischer Techniken und Strategien hervorgebracht werden. Ausschlaggebend für die Wahl dieses Heftthemas waren Eindrücke aus einem gemeinsamen, vom European Research Council geförderten Forschungsprojekt des HerausgeberInnenteams, das sich unter dem Titel "The Aesthetics of Applied Theatre" mit Ästhetiken des angewandten Theaters beschäftigt hat. Zahlreiche Spielarten dieses Theaters, das im Englischen unter Begriffen wie Applied Theatre, Devised Theatre oder Social Theatre firmiert, zielen auf Simulationen von Alltäglichkeit als eine Art ‚Probe für den Ernstfall' oder bemühen sich in vergleichsweise offensiven Interventionen um eine Sichtbarmachung, Gestaltung, Optimierung oder gar Kontrolle des Alltags bestimmter ‚Zielgruppen'. Theatrale Anwendungen dieser Art finden häufig nicht in Form von Aufführungen vor einem öffentlichen Publikum statt, sondern begeben sich (ganz direkt oder durch vermittelnde Fiktionalisierungen) in die alltägliche Umgebung derjenigen, an die sie sich richten. Es wäre falsch zu behaupten, dass diese Art von Theater (etwa Gefängnistheater, Psychodrama, Theater in der Schule, Unternehmenstheater etc.) in vollständiger Distanz zu den Künsten operiert. Vielmehr ist für die Akteure ein-zumindest negativer, häufig aber auch interessierter und affirmativer-Bezug auf Verfahren des Kunsttheaters durchaus charakteristisch. Umgekehrt ist im Kunsttheater der

Julius Heinicke und Johanna Kraft widmen sich in diesem Beitrag verschiedenen Institutionen welche auf Bundesebene Projekte und Vorhaben in den (Freien) Darstellenden Künsten fördern. Sie gehen den Fragen nach, welche kulturpolitischen Aufträge diese Institutionen erfüllen, welche thematischen Schwerpunkte sie vertreten und auf welche Art und Weise sie sich gegenseitig ergänzen. Es werden Institutionen, Vereine, Organisationen und Veranstalter*innen, die Projekte der Freien Darstellenden Künste auf Bundesebene unterstützen und fördern, betrachtet.

Das lange Ende des kolonialen Grauens In der Einleitung des Bandes Interweaving Performance Cultures: Beyond Postcolonialism (2014) geht Erika Fischer-Lichte hart mit interkulturellen Theaterprojekten ins Gericht. Die internationalen Kooperationen, die sich beginnend mit den 1970er Jahren zunehmender Berühmtheit erfreuten und mit Namen wie Peter Brook und Ariane Mnouchkine verbunden werden, fördern in ihren künstlerischen Formen tendenziell abgeschlossene Performancekulturen, denen-so Fischer-Lichte-binäre Positionen »des Eigenen« und »des Fremden« zugrunde liegen (ebd. 4-5). Bereits 1990 attestiert der indische Theaterwissenschaftler Rustom Bharucha in seiner Essaysammlung Theatre and the World derlei Projekten darüber hinaus ein mafiöses Gebaren seitens der europäischen und nordamerikanischen Partner*innen: So many workshops and demonstrations amount to absolutely nothing, or serve as outlets for particular egos. Most of ›international‹ workshops in India have been organized by bureaucrats and cultural businessmen, who want to be connected to the power structures in the Euro-American cultural scene. Performers are merely awns in this game controlled by the intercultural mafia (Bharucha 1993:40). Während mit Blick auf die internationale Kulturförderung der von Bharucha beschriebene Gestus erst in letzter Zeit kritisch reflektiert wird, beobachtet Fischer-Lichte bei künstlerischen Arbeiten bereits am Ende der Nullerjahre eine neue Tendenz. So wird in Tadashi Suzukis »The Bacchae« 2009 weniger die Binarität von Kulturen, sondern eher deren »Verflechtungen« repräsentiert. Diesen performativen Momenten legt sie eine Theorie der »Interweaving Performance Cultures« zugrunde, welche, so scheint es ihr, nicht nur koloniale Strukturen überwindet, sondern jenseits des Postkolonialen zu verorten ist:

Im Vergleich zu Förderinstrumenten der Kommunen und der Länder können die des Bundes nicht nur mehr Zeit, sondern auch übergreifende Freiräume zum Aushandeln von Ideen geben und so die notwendigen Transformationen vor Ort entlasten. Abstimmungen zwischen den Ebenen, wie sie verstärkt im Rahmen von NEUSTART KULTUR stattgefunden haben, sind dafür unerlässlich. Zugunsten einer Vielstimmigkeit der Freien Darstellenden Künste und um der Pflichtaufgabe Kunst und Kultur nachzukommen.