Books by Federico Celestini
Musikalische Schreibszenen / Scenes of Musical Writing, Wilhelm Fink Verlag: Paderborn 2023 (Theorie der musikalischen Schrift, 4), 2023
Musical writing does not merely serve to represent existing or imagined sounds, but also opens up... more Musical writing does not merely serve to represent existing or imagined sounds, but also opens up a scene of musical thought delineated by the four dimensions of operativity, materiality, iconicity, and performativity. Thus, we conceive the scene of musical thought as a musical writing scene. The theoretical ambition of the volume necessitates considering a plurality of writing scenes. Alongside general approaches to writing theory, there are texts that deal with writing scenes from various epochs and cultural contexts. The contributions gathered in this volume are grouped around seven categories: writing, performance, gesture; materiality, autograph, and text dynamics; writing theory and operativity; writing, orality, and memory; music notations and other writing systems; writing and digitality; notation and visuality.
Wilhelm Fink Verlag, 2016
Schneider: Tutzing 2004 (Studien zur Musikwissenschaft. Beihefte der Denkmäler der Tonkunst in Österreich, 52), 2004
Papers by Federico Celestini
Federico Celestini und Sarah Lutz (Hg.): Musikalische Schreibszenen / Scenes of Musical Writing, Wilhelm Fink Verlag: Paderborn 2023 (Theorie der musikalischen Schrift, 4), S. 41–76, 2023
Neumatic scripts are traditionally associated with a gestural property, though a precise determin... more Neumatic scripts are traditionally associated with a gestural property, though a precise determination of this element is generally lacking. The present text will attempt to counteract this shortcoming. The emergence of musical gesture in (and through) the early neume scripts is related to the performative character of the scripts and will be followed by means of three conceptual steps. First, the notion of vocal movement and the implied music-related conceptions of space in antiquity and the Middle Ages are examined as prerequisites for the graphic representation of musical gesture (§ 1–3). Thereafter, the focus is increasingly on corporeality (§ 4–5). Finally, the relationship between gestural and diagrammatic moments in neume notation is studied closely in order to clarify the characteristics of neume notation that are responsible for their gestural quality (§ 6–7). Methodologically, the aim is to interweave systematic approaches to the conceptualization of the gestural in neume notations and a consideration of their music-historical contexts.
in: Klaus Aringer, Christian Utz und Thomas Wozonig (Hg.), Musik im Zusammenhang. Festschrift Peter Revers zum 65. Geburtstag, Hollitzer Verlag: Wien 2019, S. 403–412., 2019
in: Franz Gratl, Andreas Hoffmann und Verena Gstir (Hg.), Stereo-Typen. Gegen eine musikalische Mono-Kultur, Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum, 27.4.–28.10.2018, Wagner: Innsbruck 2018, S. 159–163, 2018
in: Anne-Madeleine Goulet und Gesa zur Nieden (Hg.), Europäische Musiker in Venedig, Rom und Neapel (1650–1750), Bärenreiter: Kassel u.a. 2015 (Analecta Musicologica, 52), S. 118–129, 2015
EuTropes: The Paradox of European Empire, University of Chicago: Chicago 2014 (Parisian Notebooks, 7), p. 385–408., 2014
Aesthetic experience and, more specifically in the context of my research, musical composition (a... more Aesthetic experience and, more specifically in the context of my research, musical composition (and to some degree, musical listening), can be analyzed as the experience of a shift in the relationship between Self and Otherness. I propose calling this shift de-identification and suggest that this dynamic can be traced to the compositional level of music. This paper focuses on aspects of Otherness in the arts; namely, the plurality of idioms and styles, as well as the hybridization of expression. For this purpose, Michail M. Bakhtin’s concepts of heteroglossia and hybridity in the literary novel are discussed in order to consider Gustav Mahler’s music from this theoretical perspective.
Als ich am Anfang der 90er Jahre nach Graz kam, war ich hauptsächlich mit Fragen der mittelalterl... more Als ich am Anfang der 90er Jahre nach Graz kam, war ich hauptsächlich mit Fragen der mittelalterlichen Mehrstimmigkeit beschäftigt. Was mich also dazu brachte, die Symposien des Instituts für Wertungsforschung zu besuchen, war keineswegs ein unmittelbares Forschungsinteresse, sondern im Gegenteil, das Bedürfnis nach dem, was mir bei meiner damaligen Arbeit gerade fehlte, nämlich dem Bezug zur Gegenwart und vor allem einer Betrachtung von Musik als einem Gegenstand ästhetischer Erfahrung. Insofern erlebte ich die Symposien des Instituts als Orte, in denen dem "Anderen" zu begegnen war, wobei dieser Eindruck, der zweifellos durch meine persönliche Kontingenz als Mediävist bedingt war, zugleich an der Sache selbst Anhaltspunkte fand. Denn hier erlebte ich eine Art, mit Musik denkend umzugehen, bei der die ästhetische Differenz zur Geltung kommt. Ich möchte nun mit meinem Vortrag dieses Denken durch das vierzigjährige Wirken des Instituts hindurch verfolgen, und werde dabei versuchen, meine Überlegungen derart zu gestalten, daß eine Dialektik zwischen Gedenken und Weiterdenken zustande kommt. Daher werde ich keine umfassende Kulturgeschichte des Instituts darstellen, sondern von einigen, meines Erachtens besonders fruchtbaren Momenten dieser Geschichte ausgehend einen Blick nach vorne werfen. Im Titel meines Vortrages wird auf Theodor W. Adorno und die Postmoderne hingewiesen. Der aktiven Rolle Adornos bei der Gründung des Instituts wurde 1977 anläßlich des zehnjährigen Jubiläums des Instituts dadurch gedacht, daß man ihm ein Symposion widmete 2 . Damals schilderte Otto Kolleritsch die persönlichen Beziehungen und die kulturhistorischen Hintergründe, welche zur Mitarbeit zwischen Harald Kaufmann und Adorno führten. Die kritische Auseinandersetzung mit dem Denken Adornos liegt dem Wirken des Instituts und somit auch meinen auf dieses bezogenen Überlegungen zu Grunde. Der Bezug auf die Postmoderne erklärt sich hingegen dadurch, daß meines Erachtens einige Denkfiguren, die mit dieser in Zusammenhang stehen, auf die Arbeit des Instituts wirken. Wobei ich mich bei dieser Annahme durch Harald Haslmayr bestätigt fühle, der bei einem anderen feierlichen Anlaß, nämlich dem Sechzigsten Geburtstag von Otto Kolleritsch, von denkenden Sinnen sprach und dabei auf die Postmoderne verwies 3 . Der Frage nach der Postmoderne in der Musik samt aller problematischen und irritierenden Aspekte, die damit verbunden sind, wurde übrigens 1991 ein
Kant's verdict that music, as a transitory art form, is incapable of adequately occupying the min... more Kant's verdict that music, as a transitory art form, is incapable of adequately occupying the mind, and Hegel's definition of music as the language of subjective inwardness (Innerlichkeit) and consciousness exemplify the process of re-evaluation of music in philosophical discourse at the end of the 18th century and in the early 19th century. This corresponds to a paradigm shift in European cultural history which is described respectively as »Temporalisierung des Wissens« (Reinhart Koselleck), »ästhetische Wende« (Hans Robert Jauß), »historicité des êtres« (Michel Foucault) or »Krise des hermeneutischen Feldes« (Hans Ulrich Gumbrecht). In music-theoretical discourse, the hypothesis of a temporalization of knowledge is a topic that seems to correspond to the classic research fields of Foucault, Wolf Lepenies and Koselleck. According to Foucault, the order of representation is based on the transparent relationship between the poles of object and representation. In the tradition of the thorough-bass treatises of the late 17th and 18th century, the so-called règle de l'octave establishes a clear relation between the bass notes and the chords which are built on them. For this purpose, the règle provides a taxonomic order of chords on the basis of their structure, assigning them to corresponding grades of the major and minor scale. Toward the end of the 18th century, the idea that tonality is a »feeling«, that is, a product of the consciousness, appears in music-theoretic treatises. Here, the transparency of the representational order is questioned by the activation of a perceiving subject. This confirms the thesis that both the order of representation and the episteme of historicity can be traced in the development of music-theoretic discourse from the practice of thorough-bass to the harmonic theories of the 19th century. Such an analysis, however, should not be confused with a history of music theory or with a history of ideas. Rather, it shows how epistemological premises influence ideas and cultures.
Oxford Scholarship Online
Mahler’s music offers the opportunity for an enrichment of the unilateral identity paradigm in mu... more Mahler’s music offers the opportunity for an enrichment of the unilateral identity paradigm in musicological research through the concept of cultural and aesthetic hybridity. This chapter addresses the plurality of idioms, styles, and voices in Gustav Mahler’s music in the context of the cultural and linguistic heterogeneity which characterises Vienna at the turn of the century. Analytical categories are proposed that are able to serve the plurality and hybridity in Mahler’s music; relevant passages in his work are discussed according to these categories: 1. tragic breakdown (of the musical subject); 2. grotesque destabilisation; 3. alienated sound; 4. plurality of voices; 5. metamorphosis and mimesis; 6. thematic instability; 7. hybridity of genres and forms; 8. eclipses of the author
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