Schlagwort: Slasher

• DEATH PROOF – TODSICHER

  

  Death Proof – Todsicher
  Death Proof | USA | 2007
  IMDb, OFDb, Schnittberichte

  Stuntman Mike (Kurt Russell) ist in seinem Musclecar unterwegs und hat es auf junge Mädels abgesehen, die er in seinem umgebauten Gefährt mittels absichtlicher Unfälle zur Strecke bringt. Doch als er auf Abernathy (Rosario Dawson), Kim (Tracie Thoms) und Zoe (Zoe Bell) stößt, es vor vorbei mit den ungesühnten Morden …

  

  Stuntman Mike (Kurt Russell)

  

  Die Mädels …

  Drei Jahre sollten nach Quentin Tarantinos Zweitteiler KILL BILL ins Land gehen, bevor der werte Herr Aufsteiger wieder auf dem Regiestuhl Platz nehmen sollte. In der Zwischenzeit war er als Gastregisseur an Robert Rodriguez SIN CITY (2005) beteiligt und produzierte unter anderem Eli Roths HOSTEL (2005). Und wenn er gerade nicht an Filmsets herumlungerte, guckte er mit Rodriguez zusammen Filme. Bei einem Doublefeature im heimischen Kinosaal kamen die beiden dann auf die Idee, ebenfalls ein solches zu produzieren
  Gesagt, getan, und 2007 kam dann das in den USA (und einigen anderen Ländern) als GRINDHOUSE betitelte Projekt in die Kinos. Auf eine erträgliche Länge gekürzt (bei DEATH PROOF – TODSICHER fehlt beispielsweise Vanessa Ferltios Lapdance) und mit den allseits bekannten Faketrailern (aus denen dann im Jahre 2010 unter anderem der Spielfilm MACHETE entstehen sollte) versehen, konnte das Projekt seine Kosten jedoch nur schleppend wieder einspielen, sodass man in Europa, wo diese Form des Doppelprogramms ohnehin eher unbekannt war, weitestgehend auf eine getrennte Veröffentlichung der beiden Filme setzte.

  Butterfly: Es ist nass wie in Vietnam da draußen!
  Typ: Aber in meinem Wagen ist es trocken! He, du wirst nicht mal feucht, ich versprech‘ es dir!
  Butterfly: Damit auch noch angeben würde sonst wahrscheinlich keiner …

  Tarantinos Beitrag, zu dem dieser wie gewohnt auch das Drehbuch selbst schrieb, stellt dabei eine Mischung aus Roadmovie, Slasher und Revenge-Streifen dar. Wie gewohnt investiert der Autorenfilmer dabei viel Zeit in Expositionen und Nebensächlichkeiten; bei diesem sehr individuellen Projekt vielleicht sogar noch mehr als ohnehin bei ihm üblich. So verliert der Film dann sein ursprüngliches Slasher-Konzept auch relativ schnell aus den Augen und wird zu einer reinen Verfolgungsjagd. Tarantino untermauert sein Desinteresse an einem klassischen Spannungsbogen auch durch den Bruch in der Mitte des Films, der zwei in den Grundzügen sehr ähnliche Hälften strikt voneinander trennt.

  

  Während der Dreharbeiten …

  

  Während der Dreharbeiten …

  Diese dramaturgische Freiheit sorgt zwar dafür, dass die typischen Dialoge eine noch zentralere Rolle einnehmen, allerdings fehlt ihnen so die bindende Handlung im Hintergrund. Zu beliebig, zu austauschbar wirken die Rollen, die durch ihre zwangsläufig kurze Screentime und ihre frühen Tode allesamt zu Nebenrollen degradiert werden. Die grundsätzlich wieder einmal toll gefilmten und vor allem geschriebenen Unterredungen verlieren so an Zugkraft, sind dem Zuschauer die involvierten Persönlichkeiten doch schlicht und einfach nicht bekannt genug.
  Stattdessen stürzt sich der Film beinahe voreilig auf seine finale Verfolgungsjagd, in der Tarantino seinen inszenatorischen Gelüsten freie Bahn lässt. Unter Aufbietung von Stuntgrößen wie Jeffrey J. Dashnaw, Buddy Joe Hooker oder Tracy Keehn-Dashnaw wurde eine Verfolgungsjagd geschaffen, die gänzlich ohne Atempause und Computereffekte auskommt. Die Umgebung wurde dabei bewusst austauschbar gewählt, sodass die gesamte Aufmerksamkeit den Autos zu Teil wird. Beinahe eine halbe Stunde dauert der Ritt und in dieser Zeit spielt der Film seinen feministischen Revenge-Akkord voll aus.

  Kim: Weißt du, was mit Luschen passiert, die ‘nen Messer tragen? Sie werden erschossen!

  Denn der einzige Unterschied zwischen beiden Filmhälften besteht darin, dass in der zweiten Halbzeit die Damen gewinnen. Der überhebliche Stuntman Mike wird zum winselnden Gejagten, der von drei Amazonen zu Tode gehetzt wird. Die überdeutliche sexuelle Aufladung der Auto-Attacken sowie deren ungezügelte Verbalisierung machen das nochmal deutlich und verpassen dem Film so einen – wenn auch sehr plakativen – Subtext, den er eigentlich gar nicht benötigen würde.
  Denn abseits dieses Konzepts versucht Tarantino den Film so exploitativ und 70ies-like zu gestalten, wie nur eben möglich. Auf der inhaltlichen Ebene sorgt das wie erwähnt für eine immer mal wieder irrtierende Mischung aus inhaltlicher Armut und expliziter Brutalität, auf der formellen Ebene hingegen für eine einfallsreiche Aufbereitung des Filmmaterials. So wurden digital Laufspuren und Filmrisse eingefügt und an einigen Stellen gibt es fehlende Szenen oder beschädigte Rollenübergänge zu sehen. Der so entstandene Stil befördert die inhaltliche Ausrichtung des Films und sollte in den nächsten Jahren unter dem Modewort Grindhouse zahlreiche billige Imitatoren finden.

  

  US-amerikanisches Aushangfoto

  

  US-amerikanisches Aushangfoto

  Als Hauptrolle konnte Tarantino Kurt Russell verpflichten, den er aufgrund seiner zahlreichen Auftritte in John Carpenters Filmen hoch schätzt. Russell kann dann vor allem in der ersten Hälfte auftrumpfen und gibt einen wundervoll veralteten Draufgänger, dessen Sinn für Heldentum und Popkultur deutlich an den aktuellen Gegebenheiten vorbeiläuft.
  Auf der weiblichen Seiten gibt es dann eine wahre Unzahl an Darstellerinnen zu sehen, was jedoch wie erwähnt auch dafür sorgt, dass es den einzelnen Damen schwer fällt, bleibenden Eindruck zu hinterlassen. In der zweiten Hälfte vermögen zumindest Rosario Dawson und Tracie Thoms in Erinnerung zu bleiben, da ihnen etwas mehr Screentime zukommt, welche sie dann auch durchaus trefflich nutzen. Einen Sonderstatus hat Zoe Bell inne, die sich schlicht selbst spielt. Bell ist ihres Zeichens Stuntfrau und übernahm bereits für Uma Thurman zahlreiche Szenen in KILL BILL: VOL. 1 (2003) und KILL BILL: VOL. 2 (2004). Hier darf sie nun sich selbst spielen und sorgt somit dafür, dass die Stuntszenen während der Verfolgungsjagd auffallend direkt gefilmt werden können, ohne das Gesicht der auf der Motorhaube umherkletternden Bell verstecken zu müssen.

  Mädel: Hey! Bist du berühmt oder sowas?
  Mike: Oder sowas …

  Apropos Verfolgungsjagd: Zentrales Motiv des Films sind zweifelsfrei auch die Automobile, von denen der Streifen dann auch eine Unmenge an hübschen Varianten auffährt. Auch ohne ein Fan der Karossen zu sein, kann man sich ihrer Wirkung kaum entziehen, das Sammelsurium an Musclecars ist schlicht zu beeindruckend. Mit KESSE MARY, IRRER LARRY (1974) und vor allem FLUCHTPUNKT SAN FRANCISCO (1971) werden dann zwei der größten Vorbilder auch klar genannt; aus letzten hat es gar der legendäre weiße 1970er Dodge Challenger R/T in den Film geschafft.
  Ansonsten gibt es Tarantino-typisch schmissige Musik und unendlich viele Verweise und Anspielungen. Dass der Film letztlich aber keinen von seinen ganze großen Würfen darstellt, liegt am fehlenden Spannungsbogen und der dramaturgischen Inkonsistenz. So verlieren sich die an und für sich gelungenen Dialoge und die einwandfrei inszenierte Verfolgungsjagd in einem inhaltlichen Nirgendwo. So ist der Streifen dann eine ungehobelte Hommage, bei der der Schaffende wohl etwas mehr Spaß hatte, als der Konsumierende …

  

  Abernathy (Rosario Dawson), Kim (Tracie Thoms) und Zoe (Zoe Bell)

  

  Die Verfolgungsjagd …

  Aufgrund des fehlenden Spannungsbogens und der brachialen Zweiteilung verbinden sich die zahlreichen gelungenen Einzelszenen nicht zu einem konsistenten Filmerlebnis. So bleibt der Film eine formell durchaus ansprechende Hommage, die inhaltlich leider enttäuscht.

  27. Dezember 2014

  Action, Exploitation, Grindhouse Doublefeature, Kurt Russell, Quentin Tarantino, Rape and Revenge, Rosario Dawson, Slasher, Sydney Tamiia Poitier, Tracie Thoms, Vanessa Ferlito, Zoe Bell

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• STUFF – EIN TÖDLICHER LECKERBISSEN

  

  Stuff – Ein tödlicher Leckerbissen
  The Stuff | USA | 1985
  IMDb, OFDb, Schnittberichte

  Der Industriespion David Rutherford (Michael Moriarty) wird auf ein neues Produkt angesetzt, das die USA im Sturm erobert hat: der Stoff. Das Zeug macht hochgradig abhängig und hat noch ein weiteres dunkles Geheimnis, das Rutherford zusammen mit der Werbefachfrau Nicole (Andrea Marcovicci) und dem kleinen Jason (Scott Bloom) aufdeckt.

  

  David (Michael Moriarty) und Nicole (Andrea Marcovicci)

  

  Jasons Familie …

  Die gesamte Karriere des US-amerikanischen Regisseurs, Drehbuchautors und Produzenten Larry Cohen steht im Zeichen der abseitigen Filmproduktionen. Angefangen mit den Blaxploitation-Reißern DER PATE VON HARLEM (1973) oder HEIßE HÖLLE HARLEM (1973), gefolgt von der DIE WIEGE-Trilogie ging Cohen schon seit jeher eher ungewöhnliche Projekte an; wenn man selbst produziert, kann man halt machen, was man will. Mit AMERICAN MONSTER (1982) und HOLLYWOOD KILLS (1984) wurden Cohens Werke dann auch zunehmend zynischer, bevor STUFF – EIN TÖDLICHER LECKERBISSEN diese Tendenz zu neuen Höhepunkten treiben sollte.

  Fletcher: Sie sind ein Gauner, ein Schwindler und Sie werden von der Eiscreme-Mafia bezahlt um mir die Tour zu vermasseln!

  Natürlich schrieb Cohen auch dieses Mal das Drehbuch selbst und schuf so zum einen eine gelungene Genreparodie – innerhalb derer sowohl das in den 80ern sehr beliebte Slasher-Genre sein Fett abbekommt als auch klassische Invasions-Paranoia-Werke wie BLOB – SCHRECKEN OHNE NAMEN (1958) – und zum anderen eine ausgereifte Kritik am grenzenlosen Konsumdenken, welches die USA in der Mitte der 80er Jahre fest im Griff hatte. Die Genreparodie äußert sich dabei vor allem in zahlreichen Einstellungen und Zitaten bekannter Horror-Streifen, während die Konsumkritik eher als Holzhammer-Allegorie vorgetragen wird.

  

  Larry Cohen bei den Dreharbeiten …

  

  Die Tricktechnik …

  Denn der namensgebende Stoff ist ein klassisches 80er Jahre Junkfood-Produkt: Bunt, knallig beworben und mit griffigen Slagons geschmückt flimmert das Zeug durch Werbung und Fernsehen und karikiert so den Lebensstil des Durchschnittsamerikaners. Genial auch die Idee, dass der Stoff einfach aus dem Boden blubbert: Er ist folglich nicht invasiv, nicht außerirdisch, er ist einfach da, im Boden, überall.
  Um dieses Grundgerüst bastelt Cohens Drehbuch dann noch unzählige Seitenhiebe auf das klassische Familienbild, die Großkonzerne, das Militär oder die Medien. Jeder bekommt sein Fett weg und an manchen Punkten ist es schon fast zu viel des Guten, sodass manche Aspekte nur unzureichend umgesetzt werden. So wirken die nationalistischen Plappereien des Colonel Spears doch ein wenig zusammenhanglos und gezwungen.

  David: Er hat Mundgeruch!
  Charlie: Wenn du deinen Mund so weit aufreißt, riechst du auch nach Magen.

  Dass das den Filmgenuss trotzdem nicht zu stören vermag, liegt vor allem an der gelungenen comichaften Darstellung der Geschehnisse. Cohen inszeniert zusammen mit Kameramann Paul Glickman – mit der er auch schon bei HOLLYWOOD KILLS zusammengearbeitet hatte – vollkommen cartoon‘esk und schafft so den richtigen Rahmen für die Irrungen und Wirrungen des Films. Dazu gehören auch kurze TV-Einspieler und zahlreiche irritierend anmutende Einstellungen, die den enthobenen Stil des Films maßgeblich miterzeugen.

  

  US-amerikanisches Filmplakat

  

  US-amerikanisches VHS-Cover

  Auch die Gewalt- und Trickeffekte passen sich diesem Stil an und fallen folglich durchweg humorvoll aus. Neben ein paar Latexmasken gibt es dabei vor allem Unmengen an Rasier- und Feuerlöschschaum, sowie ein paar Jahrespackungen der Eiscrememarke Häagen-Dazs zu sehen, die die immer größeren Mengen des Stoffs darstellen. Zusammen mit einigen Rückprojektionen funktioniert das erstaunlich gut und lässt somit erahnen, wohin die rund 1,7 Millionen US-Dollar an Budget vornehmlich geflossen sind.
  Einen Streitpunkt in der allgemeinen Rezeption stellt dann die Besetzung des Komikers Michael Moriarty in der Hauptrolle dar. Der hatte schon in AMERICAN MONSTER die Hauptfigur gegeben und spielt auch hier voller Inbrunst und mittels massiven Overactings; und genau diese überzeichnete Darstellung wird ihm oft vorgehalten. Dabei ignorieren zahlreiche Kritiker den Umstand, dass dieses Overacting sich wunderbar in das Setting fügt. Denn wenn Industriespione und Werbetexter zu Heroen gegen ein übermächtiges Konsumprodukt werden, dann darf das auch mal in einer Karikatur enden.

  Jasons Mutter: Wenig Kalorien, schmeckt gut und hinterlässt keinen Fleck!

  Andrea Marcoviccis Darbietung fällt ebenfalls gelungen albern aus, während der kleine Scott Bloom als Parodie des typischen Horror-Kids ebenfalls funktioniert. Garret Morris als Klischee-Schwarzer und Hollywood-Schwergewicht Paul Sorvino geben sich ebenfalls keine Blöße und sorgen somit dafür, dass der Film sich um seine Besetzung nicht zu sorgen braucht.
  Und das gilt auch für die übrigen Aspekte dieses Streifens, denn STUFF – EIN TÖDLICHER LECKERBISSEN erfüllt all seine parodischen und satirischen Ziele mit Bravour und gehört so sicherlich zu den gelungensten Vertretern seiner Gattung. Da können auch kleinere Längen und einige Ungereimtheit nichts dran ändern …

  

  Der Stoff in Action …

  

  Die Auswirkungen des Stoffs …

  Tolle Mixtur aus Parodie und Satire, die sowohl verschiedene Genres der US-amerikanischen Filmkultur als auch den ausschweifenden Konsum der 80er Jahre trefflich persifliert. Enough is never enough!

  16. Dezember 2014

  Andrea Marcovicci, Garrett Morris, Horror, Komödie, Larry Cohen, Michael Moriarty, Parodie, Paul Sorvino, Satire, Scott Bloom, Slasher

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• IM BLUTRAUSCH DES SATANS

  

  Im Blutrausch des Satans
  Reazione a catena | Italien | 1971
  IMDb, OFDb, Schnittberichte

  Am Ufer eines Sees kommt es zu mysteriösen Morden. Keiner weiß, ob der einsame Fischer Simon (Claudio Camaso), der habgierige Architekt Ventura (Chris Avram) oder das skurrile Ehepaar Paolo (Leopoldo Trieste) und Anna (Laura Betti) dahinterstecken. Dass dann auch noch eine Gruppe bade- und liebeswütiger Teenager auftaucht, sowie das hinterhältige Pärchen Renata (Claudine Auger) und Albert (Luigi Pistilli) macht die Sache zusätzlich kompliziert.

  

  

  Nachdem Mario Bava mit DER VAMPIR VON NOTRE DAME (1957) dem klassischen Horrorfilm, mit VAMPIRE GEGEN HERAKLES (1961) dem Sandalenfilm und natürlich mit BLUTIGE SEIDE (1964) dem Giallo Vorschub geleistet hatte, schuf er im Herbst seiner Karriere einige durchaus interessante Werke, die jedoch keinen derart ikonischen Status erreichen sollten wie die eingangs erwähnten Filme. Neben dem komödiantischen Italowestern 3 HALUNKEN UND EIN HALLELUJA (1970) und dem Gothic-Horror BARON BLOOD (1972) fällt auch IM BLUTRAUSCH DES SATANS in diese Periode; im Gegensatz zu den beiden andern kommt diesem allerdings durchaus wieder die Genre-begründende Qualität Bavas früherer Arbeiten zu.
  Dabei beginnt der Film wie ein klassischer bava’scher Giallo. Ein prunkvoll eingerichtetes Anwesen, Licht- und Schattenspiel, ein Mord, schwarze Handschuhe. Doch diese Atmosphäre bricht, sobald die Kamera dem Zuschauer die Identität des Mörders unmittelbar nach dem Eröffnungsmord offenlegt. Dessen sofortiger Tod wiederum gibt dem Film – dessen Originaltitel Reazione a catena auf Deutsch sehr trefflich Rettenreaktion bedeutet – dann die Form für die folgenden knapp 90 Minuten vor. Denn es folgt ein manchmal etwas unzusammenhängend wirkendes Meucheln und Morden, welches auf einen soeben geschehenen Mord immer wieder in selber Weise antwortet. Bis hin zum stilistisch zwar fraglichen, inhaltlich aber sehr konsequenten Finale bleibt der Film diesem Rhythmus treu; und ist so gänzlich gegen übliche Sehgewohnheiten gebürstet.

  Laura: Ich versteh‘ was anderes unter Liebe als nur Bumsen und dann gleich abhau’n!

  So gibt es im Cast keine einzige symphytische Figur. Alle Auftretenden sind getrieben von Habgier oder anderen niederen Motiven, alle lügen, alle betrügen. Dieses Fehlen einer positiven Rolle in Verbindung mit dem Unwillen des Drehbuch, eine dieser Figuren in den Mittelpunkt zu rücken, sorgt dafür, dass sich der Zuschauer nirgends gedanklich festhalten kann, sondern die jeweiligen Geschehnisse jedes Mal unvoreingenommen verfolgt. Dabei besteht das Skript – an dem unter anderem auch Autoren-Legende Dardano Sacchetti und Giuseppe Zacariello, der zwei Jahre zuvor das Drehbuch zu Piero Schivazappas THE FRIGHTENED WOMAN geschrieben hatte, mitarbeiteteten – fast nur aus Interaktion zwischen den Charakteren; der See und die Umgebung haben kaum Relevanz.

  

  

  Das stellt Mario Bava, für den eine bildgewaltige Inszenierung seiner Drehorte ja grundlegendes Handwerkszeug darstellt, dann vor das Problem, dass es hier für des Zuschauers Auge fast nichts zu begutachten gibt. Außer der eröffnenden Villa bleibt die Wohnung des Immobilienhais Ventura quasi der einzige optische Leckerbissen. Der Rest besteht aus Wald, kleinen Lauben und Barracken, die zudem noch überwiegend nachts aufgesucht werden.
  Wie um dieser optischen Reduzierung zu begegnen, füllt Bava seinen Film dann mit massig Kunstblut auf und präsentiert gleich mehrere äußerst brutale Szenen, die dem Film bis heute eine Beschlagnahme in Deutschland anhänglich machen. Während die Gewaltweinwirkung in Bavas früheren Filmen zwar ebenfalls dramatisch, aber doch weniger deutlich war, so gibt es nun unmittelbare Gewaltszenen, die an Härte durchaus beachtlich ausfallen. Ein hoher Bodycount und leuchtend rotes Blut stehend also der optischen Überschaubarkeit des Spielorts entgegen.

  

  

  In Sachen Besetzung punktet der Film vor allem mit dem aus der DOLLAR-TRILOGIE bekannten Luigi Pistilli, der hier vom antriebslosen Gatten zur Killermaschine mutiert; und somit als einzige Rolle eine Entwicklung durchmacht. Seine Gemahlin gibt Claudine Auger – die neben ihrem Bond-Auftritt in FEUERBALL (1965) vor allem aus Dussio Tessaris DER BASTARD (1968) bekannt ist – die hier angenehm kühl und distanziert mimt. Leopoldo Trieste und Laura Betti geben ein weiteres skurriles Paar und Claudio Camaso mimt den stereotypen Verdächtigten. Sämtliche Rollen wirken dabei immer wieder bewusst überzeichnet. Jede Figur erfüllt ihre Rolle, einzelne Charakterzüge treten fast völlig in den Hintergrund.

  Typ: Mata Hari war gegen dich ja ‘ne ganz mickrige Tanzmaus!
  Mädel: Oh, wer war denn Mata Hari?
  Typ: Auch so ‘ne Disko-Königin!

  Wohl auch deshalb wird der Film heute oftmals als Prototyp des Slasherfilms rezipiert. Und tatsächlich liefert Bava hier alle Zutaten, aus denen das US-amerikanische Kino einige Jahre später Filme wie HALLOWEEN – DIE NACHT DES GRAUENS (1978) oder FREITAG DER 13. (1980) zusammenmischen sollte. So ist es sicherlich kein Zufall, dass Steve Miner in FREITAG DER 13. TEIL 2 (1981) zwei Morde im Detail nachahmt. Jedoch gingen nur die Formalia wie die Mordserie, das Setting oder die Charaktere in das neue Genre ein, nicht aber die Idee, die Bavas Film zugrunde liegt; das Leid, dass alle selbiges Verübenden ereilt, erschien den US-Filmern wohl nicht zu transportieren nötig.
  Umso interessanter und wichtiger ist IM BLUTRAUSCH DES SATANS auch heute noch für das Genre des Slasherfilms, auch wenn der Film innerhalb von Bavas Portfolio oftmals etwas zurückgesetzt betrachtet wird. Denn außer den äußerst harten Kills bietet der Film eine hintergründige Idee und setzt diese ansprechend um. Und vor allem die ungewöhnliche – da sehr rudimentäre – Charakterzeichnung stellt einen mutigen Schritt dar, der den Film gänzlich von seinen späteren Nachahmern respektive Genrekollegen abhebt.

  

  

  Bavas Spätwerk ist nicht nur der Grundstein des US-amerikanischen Slasherfilms, sondern auch ein durchdachter Film mit einer sehr funktionalen – und vermutlich genau deshalb viele Zuschauer schreckenden – Art der Charakterzeichnung.

  4. Juli 2014

  Anna Maria Rosati, Brigitte Skay, Chris Avram, Claudine Auger, Claudio Camaso, Horror, Laura Betti, Leopoldo Trieste, Luigi Pistilli, Mario Bava, Slasher

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• THE MUTILATOR

  

  The Mutilator
  The Mutilator | USA | 1984
  IMDb, OFDb, Schnittberichte
  

  Nachdem der zehnjährige Ed (Matt Mitler) per Zufall seine Mutter erschossen hat, ist sein Vater dem Alkohol verfallen. Jahre später plant Ed mit ein paar Freunden einen Aufenthalt im Strandhaus seines Vaters, welches er wieder in Schuss bringen soll. Doch kaum sind die Teenager dort angekommen, kommt es zu grausamen Todesfällen.

  

  Pam (Ruth Martinez) und Ed (Matt Mitler)

  

  Die Truppe …

  In den 80er Jahren sah sich – beschwingt durch das boomende Slasher-Genre und den durch die VHS-Kassette beflügelten Heimkinomarkt – beinahe jeder Hobbyfilmer berufen, seinen Beitrag zum schier unüberschaubaren Wust der Meuchel-Filmchen zu leisten. So auch Buddy Cooper, dessen filmisches Schaffens sich ansonsten sehr treffend als nicht vorhanden beschreiben lässt. Aber das hinderte Cooper 1985 nicht daran, sich mit ein paar Freunden im Gepäck an die Umsetzung einen prototypischen Direct-to-VHS Slasher-Filmchen zu begeben.
  Das Drehbuch schrieb Cooper auch gleich selbst und das Ergebnis dürfte dann auch kaum überraschen: Ein paar Teens in einem einsamen Haus, in welchem ein Irrer sich mordend an ihnen vergeht. Was dieses Script jedoch von denen der meisten Genre-Kollegen unterscheidet ist der Umstand, dass der Film zu keiner Zeit ein Geheimnis aus der Identität des Mörders macht. Von Anfang an sind die Fronten also geklärt und auf die Untiefen etwaigen Rätselratens lässt sich der Streifen gar nicht erst ein.

  Sue: Ich hab’s aber nicht gern, wenn man mich auf so ‘ne Tour ins Bett ziehen will …
  Ralph: Mein Gott, bist du kompliziert!

  Dafür versucht Cooper dann aber, die billigend in Kauf genommene Abwesenheit von Spannung mit einer veritablen Menge an blutigen Effekten aufzuwiegen. Und was der versehentliche Schuss in Mutters Rücken dann schon zu Beginn erahnen lässt, soll sich im Verlaufe des Films immer wieder bestätigen: Gore wird hier großgeschrieben. Das augenscheinlich magere Budget floss demnach wohl zum überwiegenden Teil in die Beschaffung von Kunstblut und ein paar Körperteilen, um die Tätigkeiten des Mörders visuell ansprechend in Szene setzen zu können. Ein Vorhaben, das dann auch durchaus gelingt, und dem Film so einige nicht abzusprechende Schauwerte verschafft.

  

  Deutsches VHS-Cover

  

  Niederländisches VHS-Cover

  Ansonsten sieht es damit nämlich nicht ganz so gut aus. Der Cast besteht zum Großteil aus Freunden und Bekannten des Regisseurs, einzig Hauptdarsteller Matt Mitler kann auf ein halbwegs achtbares Portfolio – das neben Beteiligungen an Streifen wie KILLER-ALIEN (1986) und MUTANT WAR (1987) auch eine Nebenrolle in Henenlotters BASKET CASE 2 (1990) umfasst – verweisen.

  Linda: Das Wasser sieht so komisch aus.
  Mike: Vermutlich ist ein bisschen viel Chlor drin.
  Linda: Ist das schädlich, was meinst du?
  Mike: Nein, im Gegenteil. Das verhindert nämlich Herpes.
  Linda: Ach, ich wusste gar nicht, dass ich mir in dieser Richtung Sorgen machen muss …

  Erwartbar belanglos hampeln die Darsteller dann auch über den Schirm, ohne dabei auch nur eines der gängigen Genre-Klischees auszulassen. Die züchtigen Damen werden natürlich lange verschont, während die lüsternen Mädels ein zügiges Ende finden. Ständig trennt sich die Gruppe (unter anderem für ein zünftige Runde Blinde Kuh), immer wieder tapsen die Protagonisten alleine umher. Das Ganze wird dann mit massig billigen Anmachsprüchen der von Hormonen geschüttelten Jugendlichen garniert.
  Folglich ist THE MUTILATOR sicherlich alles andere als ein spannender oder gut gemachter Film, aber dafür stellt er einen prototypischen Vertreter eines ganzen Genres von billig runtergekurbelten Teenie-Slashern dar. Fernab von den Standardwerken wie HALLOWEEN – DIE NACHT DES GRAUENS (1978) oder FREITAG DER 13. (1980) nutzen Filme wie dieser die Konventionen dieser Filmart, um unkompliziert (und in diesem Falle erstaunlich blutig) zu unterhalten; und daran gibt es ja grundsätzlich nichts auszusetzen.

  

  Die nächtlichen Geschehnisse …

  

  Mike (Morey Lampley) in Bedrängnis …

  Wenig Spannung und keine Story werden hier mit blutigen Effekten und dummen Sprüchen aufgewogen; für Fans von B-Slashern stellt der Streifen somit sicherlich gangbare Unterhaltung dar.

  1. Februar 2014

  Bill Hitchcock, Buddy Cooper, Connie Rogers, Frances Raines, Gore, Horror, Jack Chatham, Killer, Matt Mitler, Morey Lampley, Ruth Martinez, Slasher, Splatter, Teenager, Teenie

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• THE CABIN IN THE WOODS

  

  The Cabin in the Woods
  The Cabin in the Woods | USA | 2011
  IMDb, OFDb, Schnittberichte

  Die schüchterne Studentin Dana (Kristen Connolly) fährt mit vier Freunden, darunter dem ebenfalls ledigen Holden (Jesse Williams), in eine abgelegene Waldhütte, um dort ein Wochenende voller Spaß und Müßiggang zu verbringen. Was die fünf jedoch nicht ahnen: Die beiden Regierungsbeauftragten Sitterson (Richard Jenkins) und Hadley (Bradley Whitford) beobachten den Wochenendtrip der Teenies nicht nur, sie steuern ihn sogar!

  

  Curt (Chris Hemsworth), Dana (Kristen Connolly) und Marty (Fran Kranz)

  

  Sitterson (Richard Jenkins) und Hadley (Bradley Whitford)

  Wenn ein Genre seinen Höhepunkt erreicht hat, dann beginnt es gemeinhin, sich selbst zu parodieren. Mitunter kann das im Laufe mehrerer Jahrzehnte auch des Öfteren innerhalb eines Genres vorkommen. Nachdem der (Backwood-)Slasher mit Filmen wie der WRONG TURN-Reihe also zu Beginn dieses Jahrtausends eine Renaissance feierte, war es im Jahre 2010 schon wieder so weit, die allseits bekannten Mechanismen des Genres auf die Schüppe zu nehmen. Hier tat sich der durchaus gelungene TUCKER AND DALE VS EVIL (2010) besonders hervor. Doch bereits ein Jahr zuvor hatte eine von Lionsgate beauftragte Filmcrew in den Wäldern Kanadas einen Film gedreht, der mindestens ebenso selbstreflexiv mit dem eigenen Genre umging.
  Als Regisseur wurde dabei Drew Goddard eingesetzt, der sich bereits als Drehbuchautor von CLOVERFIELD (2008) und neun LOST-Episoden einen Namen gemacht hatte und der hier nun sein Regie-Debut feiern sollte. Zusammen mit Joss Whedon zimmerte Goddard dann ein Drehbuch zusammen, das in Sachen Genre-Persiflage ganz oben mitspielt. Dabei macht der Streifen aus seiner Ausrichtung gar keinen großen Hehl, führt er doch zunächst einmal die beiden Regierungsbeauftragten ein, bevor er sich der stereotypen Teenietruppe widmet. So ist von Anfang an klar, dass einen hier kein weiterer Klischee-Slasher erwartet, sondern ein irgendwie anders geartetes Projekt. Was dann aber tatsächlich passiert, dürfte jeden Zuschauer überraschen, fährt der Film doch in der Folge zahlreiche gelungene Wendungen auf.

  Mordecai: Die Lämmer sind durch das Gatter gegangen …

  Dabei lebt der Film stets von dem eleganten Wechsel zwischen Horror im Wald und Routine im Büro. Die gleiche Szene aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet offenbart so gänzlich andere Aspekte, was immer wieder für Staunen und Lachen sorgt. Wenn sich selbst feiernde Bürohengste im Hintergrund von blutigen Morden auf Großbildleinwänden begleitet werden, dann stellt das nicht nur eine gelungene Bildkomposition dar, es referiert auch wundervoll auf den voyeuristischen Eigenwert des Slasher-Genres. Derartig gelungene Verweise und Interpretationen gibt es im Laufe der Geschichte mehr als genug, sodass es für aufmerksame und versierte Zuschauer immer etwas zu entdecken gibt. Und auch wenn das von H.P. Lovecraft inspirierte Finale nicht jedem gefallen muss, so stellt es doch letztlich einen ebenso konsequenten wie treffenden Schlusspunkt dar.

  

  Drew Goddard instruiert einen Werwolf …

  

  Drew Goddard testet die Effekte …

  Der übrigens auch maßgeblich vom überraschenden Auftritt von Sigourney Weaver lebt, die der zuvor immer nur als „der Direktor“ bezeichneten Rolle ebenfalls eine unerwartete Wendung verpasst. Der übrige Cast arbeitet ansonsten vollkommen ordentlich, wahre Meisterleistungen gibt es allerdings keine zu sehen. Das ist aber auch gar nicht nötig, denn Goddard schafft es auch so mühelos, dass geniale Script per flotter Inszenierung zu einem wirklich unterhaltsamen Filmerlebnis zu verarbeiten; das insbesondere für Genrefans ein wahres Füllhorn an Anspielungen, Verweisen und Selbstreflexionen bereithält.

  Curt: Wir suchen die … wie heißt das noch?
  Jules: Tillerman Road.
  Mordecai: Ich könnt‘ euch hinbringen … aber Zurück ist dann euer Ding!

  Fragt sich nur, warum der bereits 2009 fertiggestellte Film gute zwei Jahre auf seine Veröffentlichung warten musste. Der Grund dafür liegt allein in der Tatsache, dass man sich bei Lionsgate einfach nicht sicher war, wie man einen solchen Film bewerben sollte. Jeder Satz über den Inhalt, geschweige denn Bildmaterial in einem Trailer, wäre eigentlich schon zu viel gewesen, sodass man sich schließlich auf eine sehr marginale Werbekampagne einigte. Dieser Entschluss sorgte dann mit Sicherheit auch dafür, dass das Einspielergebnis mit rund 66 Mio. US-Dollar weltweit doch etwas hinter dem Potential des Films zurückblieb. Das Budget von rund 30 Mio. US-Dollar konnte so zwar locker eingespielt werden, aber erst die Heimkinoauswertung dürfte das Kultpotenzial des Films wirklich ausschöpfen. Und das Vorhandensein eines solchen kann man wohl – unabhängig vom persönlichen Geschmack – kaum bezweifeln.

  

  Die Hütte …

  

  Das Ergebnis …

  Äußerst gelungene Genre-Persiflage, die sowohl die impliziten als auch die expliziten Mechanismen des Genres auf äußerst unterhaltsame Art offenlegt.

  15. November 2013

  Anna Hutchison, Backwood, Bradley Whitford, Chris Hemsworth, Drew Goddard, Fran Kranz, Hütte, Horror, Jesse Williams, Komödie, Kristen Connolly, Parodie, Richard Jenkins, Slasher

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• IM TODESTAL DER WÖLFE

  

  Im Todestal der Wölfe
  The Hills Have Eyes Part II | Großbritannien/USA | 1985
  IMDb, OFDb, Schnittberichte
  

  Auf dem Weg zu einem Motocross-Rennen hat der Bus einer Truppe Jugendlicher mitten in der Wüste eine Panne. Und während sich einzelne daran machen, Benzin zu suchen, werden die anderen von verrohten Wilden überfallen. Was sie jedoch nicht wissen: Rachel (Janus Blythe), die mit ihnen reist, gehört ebenfalls zu den Kannibalen.

  

  Die ganze Truppe …

  

  Cass (Tamara Stafford) und Rachel (Janus Blythe)

  Mit DAS LETZTE HAUS LINKS (1972) und HÜGEL DER BLUTIGEN AUGEN (1977) hatte sich Wes Craven einiges an Renommee verdient, welches er dann allerdings mit finanziellen Flops wie DAS DING AUS DEM SUMPF (1982) oder EXIT – AUSGANG INS NICHTS (1984) wieder verspielte. Sein Drehbuch zu NIGHTMARE – MÖRDERISCHE TRÄUME (1984) wurde von diversen Studios abgelehnt, sodass er sich mit seinem Produzenten Peter Locke darauf einigte, ein Sequel zu HÜGEL DER BLUTIGEN AUGEN zu drehen. Die Dreharbeiten wurden dann allerdings aufgrund zu geringer finanzieller Mittel zu Beginn des Jahres 1984 eingestellt.
  Doch nachdem der schließlich doch veröffentlichte NIGHTMARE – MÖRDERISCHE TRÄUME einen riesigen Erfolg verbuchen konnte, war man auf Studioseite plötzlich doch daran interessiert, der Fortsetzungen eine Chance zu geben; so günstig wie möglich, versteht sich. Also nahm man das bereits gedrehte Material und ergänzte es um Szenen aus dem Vorgänger und minimale neugedrehte Anteile. Heraus kam dann schließlich ein Flickenteppich, von dem Craven sich bis heute distanziert.

  Cass: Hast du ‘ne Ahnung, wie die Franzosen Frösche essen, Foster?
  Foster: Wie kommst denn darauf? Mit der Gabel denk‘ ich.
  Cass: Nein. Sie legen über das rechte Ohr das eine Froschbeinchen und über das linke Ohr das andere und beißen sie zu!

  Das von Craven selbst geschriebene Script kopiert die Geschehnisse des Vorgängers dabei bis ins Detail, lediglich kleine Unterschiede sorgen dafür, dass man sich inhaltlich nicht im Vorgänger wähnt. Allerdings werden gute Ideen wie die Blindheit der Hauptrolle kaum richtig genutzt, stattdessen guckt man Teenagern beim Motorradfahren zu. Und da dem Betrachter – übrigens ebenso wie den Protagonisten – von vorneherein klar ist, was passieren wird, ist der Streifen auch bar jeglicher Spannung. Dementsprechend plätschert die Story spannungsarm vor sich hin und vermag den Zuschauer immer wieder zu verwirren, passen die unterschiedlichen Materialen doch nur selten sinnvoll zusammen. Neben zahlreichen Logikfehlern, -lücken, -löchern sorgt dass dann unter anderem dafür, dass man sich als Betrachter sogar die Erinnerung eines Hundes ansehen darf.

  

  Internationales Aushangfoto

  

  Internationales Aushangfoto

  Die Verwendung von altem Material bringt dann auch mit sich, dass der Charakter Bobby aus Teil Eins noch einmal zu sehen ist, allerdings keine wichtige Rolle spielt. Das erneute Auftreten von Janus Blythe als Rachel (ehemals Ruby) ist dann schon unterhaltsamer, wenn auch arg vorhersehbar. Neben der gleichmäßig uninteressanten Gruppe an Jugendlichen dürfen sich Fans des Vorgängers zumindest auf ein Wiedersehen mit Michael Berryman freuen, der hier erneut – wenn auch nur sehr kurz – als Pluto auftritt.
  Ansonsten gibt es noch ein paar gelungene Schockmomente und etwas Kunstblut, wirkliche Abgründe sollte man allerdings nicht erwarten; dafür waren die Finanzen doch zu eng bemessen. Immerhin haben die deutschen Synchronisatoren diesmal nicht am Inhalt herumgespielt, und machen aus den Kannibalen folglich keine Aliens. Ein schwacher Trost …
  Denn IM TODESTAL DER WÖLFE versagt seiner Genese entsprechend auf ganzer Linie und stellt wohl den Tiefpunkt im Portfolio des Wes Craven dar. Einen derart langweilig zusammengeschusterten Slasher hat man wohl selten gesehen; und das will in diesem Genre wahrlich etwas heißen.

  

  Der Ripper (John Bloom) …

  

  So kann’s gehen …

  Die rumplige Entstehungsgeschichte wirkt sich deutlich auf das Ergebnis aus: Unlogisch, wenig spannend und inhaltlich eine dreiste Kopie. Sowas braucht keiner.

  5. September 2013

  Backwood, Colleen Riley, John Bloom, Kevin Spirtas, Michael Berryman, Slasher, Tamara Stafford, Teenager, Wüste, Wes Craven

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• ABSURD

  

  Absurd
  Rosso Sangue | Italien | 1981
  IMDb, OFDb, Schnittberichte
  

  Mikos Stenopolis (George Eastman) wurde durch freigesetzte Radioaktivität zu einem mordenden Ungeheuer. Nun irrt er durch eine amerikanische Kleinstadt und bringt alles um, was ihm in die Hände fällt. Die Polizei ist ihm bereits auf den Fersen, als Mikos ein alleinstehendes Haus erreicht, in dem der kleine Willy (Kasimir Berger) auf seine weitgehend gelähmte Schwester Katia (Katya Berger) aufpasst.

  

  Der 1980 erschienene MAN-EATER (DER MENSCHENFRESSER) konnte aufgrund seiner zwar kruden aber dafür sehr expliziten Gewaltdarstellungen einiges an Renommee einheimsen und deshalb hegte Regisseur Joe D’Amato – seiner Auffassung vom Filmwesen folgend – natürlich ein Interesse daran, weitere ähnlich gelagerte Filme zu produzieren. D’Amatos fester Grundsatz sein filmisches Schaffen betreffend war es nämlich, immer gerade das zu drehen, was sich dem Geschmack des Publikums an ehesten annäherte, um den größten Profit zu ermöglichen. Diese zwar wenig bewundernswerte, dafür aber umso nachvollziehbarere Herangehensweise sorgte dann dafür, dass D’Amato bereits wenige Monate nach dem Release seines berühmten Menschenfresser-Streifens ein Drehbuch für einen Nachfolger zusammengeschustert hatte.
  Doch ein enger Vertrauter sollte ihm einen Strich durch die Rechnung machen: Luigi Montefiori, besser bekannt unter seinem Pseudonym George Eastman. Der hatte schon in MAN-EATER die Hauptrolle gespielt und war auch für die Fortsetzung eingeplant. Aber da das Script ihm wiederum nur wenig Screentime zumaß, stellte er die Forderung, ein eigenes Buch schreiben zu dürfen, wenn er ein weiteres Mal den Menschenfresser mimen sollte. D’Amato schlug ein, Eastman kritzelte ein paar Wochen herum und schon konnten die Dreharbeiten beginnen.

  Sgt. Engleman: Wir sind ‘nen starkes Team, hm? Ein Priester, ein abgehalfterter Sherlock Holmes und ‘nen Anfänger, der gerade begreift, wie man ‘nen Strafzettel ausfüllt, na das wird ein Spaß …

  Das endgültige Script hat dann nichts mehr mit dem nur noch an manchen Alternativtiteln zu erkennenden Vorgänger zu tun, sondern Eastman hat sich kurzerhand bei Carpenters HALLOWEEN – DIE NACHT DES GRAUENS (1978) bedient. Mick Myers wird dann zu einem verstrahlten Irren, Dr. Loomis zu einem Pfarrer und Laurie Strode ist gelähmt. Klingt merkwürdig? Ist es auch! Denn mit Spannung oder Horror hat das alles nichts zu tun. Das Drehbuch erfüllt nur einen Zweck, es soll die zahlreichen Goreszenen einigermaßen zusammenhalten. Und selbst diese vergleichsweise simple Aufgabe stellt ein schier unüberwindbares Hindernis dar. So werden einzelne Einstellungen teilweise minutenlang in die Länge gezogen, ohne dass sie irgendeinen Sinn oder Inhalt hätten. Fast schon erleichternd stürzen dann immer wieder die brachialen Splatterszenen auf den Zuschauer ein und füllen das Bild mit massig knallrotem Kunstblut. Die Effekte sehnen dabei überwiegend recht billig aus, haben aber immerhin die Attribute Härte und Vielzahl auf ihrer Seite.

  

  Die Szene, in der ein junges Mädchen einen Bohrer durch den Kopf gerammt bekommt, muss man im Übrigen als Reminiszenz an Lucio Fulcis ikonische Bohrer-Szene aus EIN ZOMBIE HING AM GLOCKENSEIL (1980) lesen. Teilweise identisch huldigt D’Amato hier einer der wohl bekanntesten Splatterszenen des italienischen Kinos. Zusammen mit der Tatsache, dass Eastman in seiner ersten Szene seine Gedärme in den Händen hält, gibt der Film dem Betrachter immerhin die Möglichkeit, sein Wissen um die bekanntesten Splattereffekte noch einmal abzurufen.
  Ebenerwähnter Eastman mimt dann einen Killer, der dank seines verstrahlten Hintergrundes gar nichts leisten muss; von irrem Grinsen mal abgesehen. Das unterfordert dann allerdings selbst den mäßig begabten George, sodass die Rolle recht trist daherkommt. Die Kinderdarsteller Kasimir und Katya Berger tun ebenfalls nur das Nötigste, immerhin kann man letztere dabei beobachten, wie sie trotz Lähmung und fixierten Halswirbeln den Finalfight gegen den hünenhaften Eastman bestreitet. Zu diesem Zeitpunkt sind Sinn und Verstand aber schon lange von Bord und der Film eiert vorbei an undefinierbarem Unsinn dem Ziel entgegen.
  Einer der wenigen Lichtblicke ist die Musik von Carlo Maria Cordio, der ansonsten ein Dasein in den Untiefen des italienischen Genrekinos fristete. Cordio – der ein Jahr später in Form von ATOR – HERR DES FEUERS schon wieder für D’Amato arbeiten sollte – beglückt mit seinem treibenden Synthie-Score zumindest die Ohren des Zuschauers; ein Umstand, für den man durchaus dankbar sein sollte. Neben Quietschen und Getrommel hörte man übrigens auch im Soundtrack immer wieder klare Anleihen bei Carpenters Slasher-Meisterwerk heraus.

  Elaine: Hauptsache es schmeckt!
  Freundin: In Italien wärst du eine fette Mama!
  Elaine: Das wär‘ mir egal, so gut ist das!

  Obwohl der Film nun kaum etwas bietet, das mehrmaliges Anschauen rechtfertigen würde, gelangte er doch zu einiger Bekanntheit. Das hat er vor allem den deutschen wie internationalen Zensoren zu verdanken, die, von seiner kruden Brutalität entsetzt, zahlreiche Verbote aussprachen und den Film so erst interessant machten. Vermutlich würde heute niemand mehr ein Wort über diesen Streifen verlieren, wenn die BPjS und Co. den Film nicht indirekt beworben hätten. So haben die Sittenwächter ihn dann genau der Zielgruppe in die Arme getrieben, für die er auch heute noch einiges an Schauwerten bereithält: Gorehounds. Und für ebenjene ist er sicherlich ein interessanter Film, für alle anderen schlicht nicht.

  

  Totlangweilige Fortsetzung, die inhaltlich nichts mehr mit dem bereits durchwachsenen Vorgänger zu tun hat. Außer zahlreichen brutalen Effekten und einem zugegebenermaßen gelungenen Score gibt es folglich nichts, was man dem Streifen anrechnen könnte.

  27. Juni 2013

  Annie Belle, Charles Borromel, George Eastman, Gore, Hanja Kochansky, Horror, Ian Danby, Joe D’Amato, Kasimir Berger, Katya Berger, Killer, Slasher, Splatter, Ted Rusoff

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• HALLOWEEN

  

  Halloween
  Halloween | USA | 2007
  IMDb, OFDb, Schnittberichte

  Der kleine Michael Myers (Daeg Faerch) bringt seine ganze Familie um und landet folgerichtig in einem Sanatorium. Doch viele Jahre später gelingt ihm die Flucht und er begibt sich zurück in seine Heimatstadt Haddonfield, wo er sich auf die Suche nach seiner kleinen Schwester Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) macht, welche er damals verschonte. Sein Betreuer Dr. Samuel Loomis (Malcom McDowell) ist im allerdings schon auf den Fersen.

  

  John Carpenters HALLOWEEN – DIE NACHT DES GRAUENS (1978) ist zweifelsohne einer der Klassiker des Horrorfilms schlechthin. Der Streifen begründete das Slashergenre, welches in den Folgejahren zu ungeahnter Popularität gelangen sollte, und stellt heutzutage popkulturelles Allgemeingut dar. Egal ob Carpenters legendärer Soundtrack oder die weiße Maske von Michael Myers, der Film schuf gleich mehrere Ikonen. Da mag es schon fast verwundern, dass es fast 30 Jahren dauern sollte, bis sich jemand an ein Remake herantraute. Oder war es schlicht die Ehrfurcht? Sie wäre jedenfalls nicht gänzlich ungerechtfertigt, denn Vieles zu gewinnen hat man nicht, wenn man sich an eine Neuauflage dieses Klassikers herantraut; der Spott der Kritiker ist einem eigentlich sicher. Da braucht es dann schon einen Rob Zombie, der nach seinen beiden Überraschungserfolgen HAUS DER TAUSEND LEICHEN (2003) und THE DEVIL’S REJECTS (2005) daran ging, die allseits bekannte Horrormär unter dem Produzenten Malek Akkad – dessen Vater Moustapha übrigens Produzent der gesamten ursprünglichen Halloween-Reihe war – ins 21. Jahrhundert zu überführen.

  Dr. Loomis: Die dunkelsten Seelen entscheiden sich nicht für den Abgrund der Hölle, sie reißen sich davon los, um still unter uns zu wandeln!

  Dazu schrieb Zombie ein Script, welches sich teilweise sehr eng am Original bewegt, sich aber dennoch einige Freiheiten erlaubt. Die größte Änderung ist wohl, dass der Film die Jugend von Michael sehr ausführlich beleuchtet. Statt Carpenters kurzem Oneshot zu Beginn, verwendet Zombie runde 45 Minuten darauf, Michaels Lebensumstände, seine Morde und seine Zeit im Sanatorium genauer zu beleuchten. Was dem Film dann einerseits interessante neue Ideen liefert, raubt dem Sujet andererseits viel der ursprünglichen Mystik. Aus dem Schwarzen Mann, dem unbekannten Bösen, wird plötzlich ein handelsüblicher Irrer, dessen Hintergrund klar umrissen ist. Das muss man nicht gut finden, man sollte es allerdings als Zombies Weg akzeptieren. Gleiches gilt für die kleineren Freiheiten, die sich der Filmemacher nimmt, wie zum Beispiel das abgeänderte Ende oder die familiäre Verbindung von Michael und Laurie (welches in der Originalreihe erst in HALLOWEEN 2 – DAS GRAUEN KEHRT ZURÜCK (1981) eingeführt wird).
  Neben diesen Drehbuchänderungen fällt natürlich Zombies eigener Inszenierungsstil sofort auf. Gerade zu Beginn fühlt man sich ohne Umschweife in eines seiner beiden Vorgängerwerke versetzt, sowohl was die Rollen und die Dialoge, als auch die Kameraarbeit und das Tondesign anbelangt; alles wirkt rau, schmutzig und böse. Das behält der Film auch über die gesamte Laufzeit hinweg bei und dürfe somit ebenfalls für Kontroversen sorgen. Während die Fans sich auf die Knie begeben dürften, werden seine Kritiker Zombie Innovationsarmut und den Fehler, jedes Thema mit seinen Stil zu ersticken, vorwerfen. Die Wahrheit liegt bekanntlich irgendwo in der Mitte.

  

  Ein weiteres Markenzeichen des filmenden Rockmusikers sind die außerordentliche (und das meint nicht unbedingt die schauspielerische Leistung) Besetzung sowie die unzähligen Gastauftritte. Beispielweise erhält Danielle Harris eine Nebenrolle, die ihre Filmkarriere mit HALLOWEEN 4 – MICHAEL MYERS KEHRT ZURÜCK (1988) und HALLOWEEN 5 – DIE RACHE DES MICHAEL MYERS (1989) begann. Seine Frau Sheri Moon Zombie bekommt natürlich auch wieder ihren Auftritt, genauso wie Zombies enge Freunde Danny Trejo und Bill Moseley. Malcom McDowell – bekannt für seine Welterfolge UHRWERK ORANGE (1971) und CALIGULA (1979) – spielt (zeitweise per Maske verjüngt) den Dr. Loomis und Genreveteranen wie Ken Foree, Udo Kier, Sid Haig oder Adrienne Barbeau dürfen sich auch alle mal kurz blicken lassen. Allein diese Tatsache macht den Film zu einem unterhaltsamen Werk, gibt es doch an jeder Ecke ein anderes bekanntes Gesicht zu erspähen. Leider fällt die Kernbesetzung mit Scout Taylor-Compton sehr flach aus, die Eindringlichkeit einer Jamie Lee Curtis erreicht diese zu keiner Zeit.

  Deborah: Michael, nimm‘ die Maske ab. Schatz du siehst nicht gut aus, du musst essen, ich bitte dich!
  Michael: Setzt mir die Maske wieder auf.
  Deborah: Michael …
  Michael: Bitte setzt mir die Maske wieder auf.

  Stattdessen gibt es dafür deutlich actionreichere Horror- und Schocksequenzen als im Original zu sehen. Ein Blutbad gibt es zwar nicht, aber Zombie zeigt deutlich mehr Härten als Carpenters fast blutfreies Werk. Das bedient natürlich die Sehgewohnheiten der aktuellen Generationen und stellt somit eine vertretbare – wenn auch sicherlich nicht von jedem gerne gesehene – Anpassung dar. Ohnehin weist der Streifen viele Merkmale moderner Teenie-Slasher auf, nur Zombies harter Stil bewahrt den Film vor einem Untergang in der grauen Masse.
  Ein weiterer Pluspunkt sind viele ikonische Momente und Anknüpfungspunkte, die Kennern des Originals ein Lächeln abringen dürften, sowie die weitestgehend passende Verwendung der klassischen Stücke. Neben dem bekannten Score finden auch kleinere Versatzstücke des Orignals wieder Verwendung und ergeben mit Zombies gewohnt gutem Musikgeschmack eine tolle Mischung.
  Der Film macht also einiges anders und dabei weiß Gott nicht alles richtig. Aber immerhin macht er überhaupt etwas und erstarrt nicht in Ehrfurcht vor der übergroßen Vorlage. Zombie versucht nicht, das Original irgendwie zu erreichen oder gar zu übertrumpfen, sondern präsentiert hier einfach seine Version des Stoffes. Das muss man zwar nicht feiern, aber man muss anerkennen, dass der Film sehr viel bessere Unterhaltung bietet, als vielen Genrekollegen und Zombie somit der Spagat zwischen eigenständigem Werk und passender Reminiszenz gelungen ist. Und wenn man ein wenig für die Filme von dem Kerl übrig hat, dann macht man mit diesem Streifen ohnehin nichts falsch; und kann sich gleich noch die Fortsetzung HALLOWEEN II (2009) ansehen.

  

  Natürlich kann der Film einen Vergleich mit dem Original nur verlieren und natürlich kann man über die Neuerungen streiten, aber Zombie bietet hier trotzdem eine Version des Sujets, die glasklar seinen eigenen Stempel trägt. Das muss einem zwar nicht gefallen, aber das sollte man als solches hinnehmen. Und Fans von Rob Zombie werden garantiert ihren Spaß haben …

  28. März 2013

  Brad Dourif, Daeg Faerch, Danielle Harris, Halloween, Horror, Killer, Malcolm McDowell, Michael Myers, Rob Zombie, Scout Taylor-Compton, Sheri Moon Zombie, Slasher, Spannung, Teenie, Tyler Mane, William Forsythe

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• FREDDY’S FINALE – NIGHTMARE ON ELM STREET 6

  

  Freddy’s Finale – Nightmare on Elm Street 6
  Freddy’s Dead: The Final Nightmare | USA | 1991
  IMDb, OFDb, Schnittberichte

  Freddy Krueger (Robert Englund) hat alle Jugendlichen in der Kleinstadt Springwood ermordet. Der letzte Heranwachsende (Shon Greenblatt) kann fliegen, erleidet dabei allerdings einen Gedächtnisverlust. Er findet in einer Einrichtung für schwererziehbare Jugendliche Unterschlupf und macht sich mit der Therapeutin Maggie (Lisa Zane) schon bald daran, seine Vergangenheit zu ergründen.

  

  Zwei Jahre sollten nach NIGHTMARE ON ELM STREET 5 – DAS TRAUMA ins Land gehen, bevor das überaus erfolgreiche Franchise eine weitere Fortsetzung erfahren sollte. Der Produzent Robert Shaye – seines Zeichens seit Beginn der Macher der Reihe – holte sich dazu mit Michael de Luca einen weiteren Geldgeber ins Boot. De Luca, der ebenfalls am Drehbuch beteiligt war, startete damit eine Produzentenkarriere, im Laufe derer er unter anderem an Filmen wie BOOGIE NIGHTS (1997), AMERICAN HISTORY X (1998) oder BLOW (2001) beteiligt war. Ebenfalls als Autorin tätig war Rachel Talalay, die sich darüber hinaus auch den Regiestuhl schnappte. Talaly war seit NIGHTMARE 2 – DIE RACHE (1985) an jedem Teil der Reihe in irgendeiner Form beteiligt.
  Und das merkt man dem Film auch an, denn sowohl das Script, als auch dessen inszenatorische Umsetzung machen es Freddy-erfahrenen Zuschauern nicht schwer, sich im Film zurecht zu finden. Von Beginn an scheucht der Streifen seinen Betrachter durch albtraumartige Sequenzen, in denen nichts so ist wie es scheint. Das sorgt einerseits für ebenso flotte wie unkomplizierte Unterhaltung, offenbart andererseits aber eine auffallende Ideenarmut. Denn die Vorgänger haben die meisten Spielarten des Grundthemas bereits genutzt, so dass einem das Dargebotene viel zu oft viel zu vertraut vorkommt. In irgendeiner Form hat man das halt alles schon mal gesehen. So musste selbst Produzent Shaye im Nachgang zugeben, dass dieser Teil der Reihe vor allem entstand, um die Gelüste der Fans nach weiteren Filmen zu befriedigen, und weniger, weil der Stoff inhaltlich noch viele Möglichkeiten geboten hätte. Dementsprechend war der Film inhaltlich wie namentlich auch als Finale der Reihe angelegt. Die Retrospektive zeigt, dass daraus nichts geworden ist, denn auch wenn FREDDY’S NEW NIGTHTMARE (1994) eine Metaebene außerhalb des Filmuniversums entwickelt, nutzt er doch die ikonisch Strahlkraft der Hauptfigur.

  Tracy: Ich entspann dich gleich mit diesen zwei Fingern, wenn ich sie dir in die Rippen stoße!
  Spencer: Du gehörst mal gebumst …

  Eben diese wird von Robert Englund ein weiteres Mal souverän verkörpert und auch wenn sich in den Auftritten des Traummörders eine gewisse Routine einstellt, weiß er ohne Weiteres zu überzeugen. Dazu gibt es noch einiges Neues über Freddy Vorleben zu erfahren, an einigen Stellen wird gar mit der Kontinuität gebrochen und Tatsachen aus den Vorgängern werden abgeändert. Manchen Elmstreet-Veteranen mag das verärgern, andererseits sollte man einem derartigen Film ruhig ein paar Freiheiten zugestehen.
  Denn wie erwähnt ist es schwer genug, noch interessante Geschichten zu diesem Sujet zu basteln und Talalay und de Luca retten sich mit einer ordentlichen Portion Humor und Augenzwinkern aus dieser Situation. Viele Szenen wirken deutlich alberner als noch in den beiden Vorgängern und tragen so zum stark komödiantischen Touch des Films bei. Mitverantwortlich dafür sind – aus heutiger Sicht – auch die Computereffekte. Damals noch in den Kinderschuhen steckend, gibt es hier einige Darbietungen zu sehen, die sich in Sachen Dilettantismus problemlos mit der U-Boot-Sequenz aus FLUCHT AUS L.A. (1996) messen können. In Verbindung mit der Videospiel-Szene muss man sich da schon manches Mal die Augen reiben. Ansonsten gibt es eine Handvoll handgemachter Szenen, in denen neben viel Latex auch ein wenig Kunstblut zu Einsatz kommt; Im Vergleich zu den Vorgängern bleibt das aber recht überschaubar.

  

  Der Cast kommt weitestgehend blass und austauschbar daher, was dann allerdings durch zahlreiche Gastauftritte aufgewogen wird. Neben Alice Cooper als Stiefvater gibt es Serienstar Roseanne Barr nebst damaligem Gatten Tom Arnold oder Johnny Depp – der seine Filmkarriere ja mit NIGHTMARE – MÖRDERISCHE TRÄUME (1984) begann – als TV-Moderator zu sehen. Auch Produzent Robert Shaye gönnt sich nach seinem Cameo in NIGHTMARE ON ELM STREET 4 (1988) ein weiteres Mal eine kleine Rolle.
  Da den Machern schon bei der Produktion klar war, dass der Streifen inhaltlich keine Bäume würde ausreißen können, verpasste man ihm ein dreidimensionales Ende. Im Kino wurden Brillen verteilt, um die letzten fünfzehn Minuten des Films in 3D betrachten zu können. Eine Spielerei, die noch einmal belegt, dass der Film eigentlich nur gedreht wurde, um den Fans neuen Stoff zu liefern.
  Die flotte Inszenierung und die weiterhin unterhaltsamen Auftritte der Kultfigur Krueger zeigen allerdings, dass der Film trotzdem eine Existenzberechtigung hat. Denn er füttert Fans der Reihe mit genau den Zutaten, die diese erwarten: Massig Traumsequenzen und sarkastische Freddy-Oneliner. Das reicht zwar nicht für einen großen Wurf, aber für eine unterhaltsame Fortsetzung allemal.

  

  Der Pessimist versteht den Film als Geldmacherei, der Optimist als Zugeständnis an die Forderung der Fans nach einem weiteren Serienteil. Irgendwo in der Mitte liegt bekanntlich die Wahrheit und genau da liegt auch der Film: Irgendwo in der Mitte.

  11. März 2013

  Breckin Meyer, Fantasy, Freddy Krueger, Horror, Killer, Komödie, Lezlie Deane, Lisa Zane, Nightmare on Elm Street, Rachel Talalay, Ricky Dean Logan, Robert Englund, Shon Greenblatt, Slasher, Yaphet Kotto

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• BLUTIGE SEIDE

  

  Blutige Seide
  Sei donne per l’assassino | Italien | 1964
  IMDb, OFDb, Schnittberichte

  Max (Cameron Mitchell) führt mit seiner Frau Christina (Eva Bartok) in einem abgelegenen Herrenhaus einen Schönheitssalon, in dem auch Modeschauen stattfinden. Doch eines Tage wird das Model Isabella (Francesca Ungaro) von einem Unbekannten ermordet. Kurz darauf findet die Modelkollegin Nicole (Ariana Gorini) das Tagebuch der Verstorbenen, doch auch sie wird kurze Zeit später umgebracht. Daraufhin macht sich Inspektor Silvestri (Thomas Reiner) daran, den Mörder der Mädchen zu fassen.

  

  1963 veröffentlichte der italienische Regisseur Mario Bava, der sich bis zum Ende der 50’er Jahre als gelernter Kameramann verdingt hatte, den – in Deutschland leider nie veröffentlichten – Film LA RAGAZZA CHE SAPEVA TROPPO. Zu diesem Zeitpunkt konnte Bava bereits auf eine knapp 25-jährige Zeit als Kameramann zurückblicken, und war ein dementsprechend erfahrener Filmschaffender. Im Laufe der 50’er Jahre begegneten ihm dann zunehmend mehr Filme von Alfred Hitchcock, die Bava zutiefst beeindruckten, und ihn zu dem oben genannten Film inspirierten. Nur ein Jahr später veröffentlichte Bava dann den Film BLUTIGE SEIDE, der das zuvor etablierte konsequent fortsetzte, und so stilbildend für den italienischen Thriller der folgenden anderthalb Jahrzehnte werden sollte; der Giallo war geboren.
  Das Drehbuch schrieb sein enger Freund Marcello Fondato, der somit ebenfalls als Mitbegründer des gelben Genres genannte werden muss. Die Kriminalgeschichte ist zwar keineswegs bahnbrechend (und erlaubt sich hin und wieder kleinere Ungereimtheiten), bildet aber einen zu jeder Zeit spannenden und wendungsreichen Rahmen. Der Endtwist darf zwar aus heutiger Sicht als durchschnittlich bezeichnet werden, im Kontext des Entstehungsjahres muss man ihn allerdings als einfalls- und einflussreich bezeichnen. Vor allem die Positionierung einer Frau als zentrale und gewaltausübende Rolle ist ihrer Zeit weit voraus und fand erst viele Jahre später Nachahmung. Unterstützung erhielt Fondato beim Schreiben von Guiseppe Barilla, der sein Film-Portfolio danach jedoch sofort beendete und sonst nicht mehr an Filmproduktionen mitwirkte.
  Die Besetzung weiß ebenfalls sehr zu gefallen und bietet einen bemerkenswert internationalen Charme. Neben dem Amerikaner Cameron Mitchell als intrigantem Modemagnaten fällt vor allem Eva Bartok angenehm auf. Als äußerlich verführerische, aber innerlich hin- und hergerissene Geliebte spielt sie eine sehr ambivalente Rolle, deren bereits erwähnte Zentralität und Neigung zur Gewalt etwas Neues für das Bild der Frau im Film war. Unterstützt durch ihre anmutigen Auftritte nimmt Bartok sehr viel mehr Präsenz in Anspruch, als es ihre Screentime eigentlich erwarten dürfte. Als Gegenspieler auf der Seite des Gesetzes agiert Thomas Reiner, der eine angenehm zurückhaltende, aber nichtsdestotrotz einprägsame Rolle einnimmt. Für den gebürtigen Stuttgarter – den Sci-Fi-Fans aus der Fernsehserie RAUMPATROULLIE ORION kennen dürften – war dies das erste internationale Engagement, welchen er mit Bravour meisterte. Ergänzt wird der Cast durch allerlei hübsch Damen, die nach und nach dem maskierten zum Opfer fallen. Alle spielen dabei ordentlich, überlassen den zentralen Rolle aber stets die Bühne, wenn es darauf ankommt.

  Nicole: Franco, was ist denn passiert? Wie kannst du hier herkommen? Wenn uns nun Isabella hier sieht!
  Franco: Ach was, hast du was besorgt?
  Nicole: Nein …
  Franco: Wenn ich nicht sofort was bekomme … ich halte das nicht mehr aus!

  Apropos Morde. Diese fallen verhältnismäßig hart aus, auch wenn der Film fast jedes Blutes schuldig bleibt. Bei zeitgenössischen Publikum vermochten die Meucheleien allerdings für entsetzen zu sorgen, so dass in Deutschland natürlich lange Zeit nur gekürte Fassungen des Films zu haben waren. Das hat sich dieser Tage glücklicherweise geändert, so dass man nun die Gewalttaten in voller Länge bestaunen kann. Und zu bestaunen gibt es dabei einiges. Voller Spannung und Finesse inszeniert Bava die letzten Minuten der schönen Damen, und kommt dabei seiner Inspiration Hitchcock zumindest äußerst nahe. Alle Morde unterscheiden sich im Setting und Gefühl voneinander und wechseln zwischen ruppig und verspielt. Wichtig ist dabei stets die grandiose Ausleuchtung, die jede Szene einzigartig macht.
  Und genau hier liegt auch eine der ganz großen Stärken des Films. Das großartige Bühnenbild – der Begriff sei erlaubt, auch wenn ausschließlich an Originalschauplätzen gedreht wurde – wird stets perfekt ausgeleuchtet und erhält so verschiedenste Stimmungen. Von bedrohlich, über verträumt bis hin zu sexuell-fantasierend bietet Bava ein riesige Palette an Atmosphären an. Dabei merkt man auch deutlich, dass Bava seine Finger in alle Bereiche des Films steckte, und so immer wieder sehr eng mit Kameramann Ubaldo Terzano zusammenarbeite, um ein derart beeindruckend Ergebnis zu erzielen. Die enge Zusammenarbeit wurde übrigens auch von Filmkomponist Carlo Rustichelli bestätigt, der in einem Interview kundtat, dass er und Bava oft tagelang die einzelnen Sequenzen durchgingen und nach passender Musik und passender Geräuschen suchten. Dem fertigen Werk verhilft das dann zu einem unglaublichen Zusammenspiel von Farbe, Bild und Ton, welches die erwähnten kleineren Drehbuchschwächen schlicht unbedeutend macht.
  Wie in einem Rausch bewegt sich der Zuschauer durch den Film, der sich dann kongenialer Weise auch noch mit der Rolle des Zuschauers auseinandersetzt, indem er die Perspektive des Zuschauers beständig wechselt, und dem Kinogast somit die Pflicht auferlegt, sich seine Position in dieser Scharade selber zu suchen. Das wird sicherlich nicht jedem gefallen – manche mögen es gar als verstörend hinnehmen, aber mit der nötigen Offenheit, bietet der Film seinem Betrachter viele interessante filmtheoretische Ansätze.

  

  Viel weniger theoretisch, sondern vielmehr sehr praktisch sind dann die Auswirkungen, die BLUTIGE SEIDE nach sich zog. Innerhalb weniger Jahre wurde der Giallo zum italienischen Exportschlager und eine unüberschaubare Vielzahl an Werken fast aller bedeutenden (und unbedeutenden) italienischen Regisseure erblickt das Licht der Thriller-Welt. Seien es Regisseure wie Lucio Fulci, die erst durch das Wirken in anderen Genres Bekanntheit erlangen sollten, oder typische Genre-Tausendsassa wie Sergio Martino, alle wollten ein Stücke vom Giallo-Kuchen abhaben. Das absolute Aushängeschild des Genres sollte aber Dario Argento werden, der mit Filmen wie DAS GEHEIMNIS DER SCHWARZEN HANDSCHUHE (1970), ROSSO – DIE FARBE DES TODES (1975), TENEBRAE (1982) und vielen anderen nicht nur die meisten und bekanntesten Gialli schuf, sondern das Genre auf vom Anbeginn bis zum Schluss begleitete. Sowohl in seinen Filmen, als auch in seinen Interviews machte er dabei immer wieder klar, dass er Bava BLUTIGE SEIDE als Startschuss des Genres versteht und würdigte das dementsprechend.
  Tatsächlich finden sich alle zentralen Elemente des Giallo in diesem Film, sei es nun die Serienmörder-Thematik, die schwarzen Lederhandschuhe oder die stilvollinszenierten (teils brutalen) Morde, die nie ganz frei von einer gewissen sexuellen Aura sind. Auch die vielen phallischen Symboliken sind bereits anzutreffen, auch wenn das Messer als meistgenutzt Tatwaffe noch nicht vollends etabliert wird. Dafür sind aber Farbgebung, Ton und Inszenierung ebenso wegweisend wie die Leidenschaft für Nachaufnahmen der Augen der weiblichen Darstellerinnen. Natürlich wurde dem Genre in Laufe der Jahre noch einiges hinzugefügt, einiges wurde auch verbessert oder weitergedacht, aber der Grundstein zu allem, was den Giallo – der seinen Namen übrigens von der Umschlagfarbe der italienischen Kriminal-Groschenromane hat – ausmacht, wurde 1964 von Mario Bava gelegt. Nur wenige derart relevante Filme schaffen es, auch heute noch, bald 50 Jahre nach der Veröffentlichung, so uneingeschränkt gut zu unterhalten, und das ist – neben der ganzen theoretischen Lobhudelei – vielleicht eine der größten Fähigkeiten dieses Stücks Filmgeschichte.

  

  Dieser Grundstein des Giallo kann auch heute noch uneingeschränkt überzeugen und verweist immer noch viele Genrekollegen auf die Plätze. Gerade was das Zusammenwirken von Farben, Ton und Inszenierung anbelangt kommen nur wenige an das hier Gebotene heran. Vollkommen zu Recht hat der Film damit auch heute noch seinen Status als Blaupause eines ganzen Genres inne.

  8. Januar 2013

  Ariana Gorini, Cameron Mitchell, Claude Dantes, Dante DiPaolo, Eva Bartok, Franco Ressel, Giallo, Horror, Luciano Pigozzi, Mario Bava, Mary Arden, Slasher, Spannung, Thomas Reiner, Thriller

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