Schlagwort: Boxen

WIE EIN WILDER STIER

Wie ein wilder Stier
Raging Bull | USA | 1980
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nach dem Hollywood-Versuch NEW YORK, NEW YORK (1977) und dessen miserablem Einspielergebnis war Martin Scorsese mit Mitte 30 desillusioniert. Er war körperlich, geistig und künstlerisch erschöpft und es dauerte Monate, bis sein Freund Robert De Niro ihn zu WIE EIN WILDER STIER bewegen konnte; den Scorsese dann gleich zu seinem letzten Film, zu seiner letzten Kugel erklärte. Mardik Martins Skript stellt Scorsese nicht zufrieden, erst Paul Schrader, der auch schon TAXI DRIVER (1976) schrieb, konnte für Zufriedenheit sorgen. Es ging also zurück in die Straßen New Yorks, zurück zu einer eingehenden Betrachtung weniger Figuren wie schon in HEXENKESSEL (1973) und zurück zum Schwarzweißfilm.

Der von De Niro verkörperte Boxweltmeister Jake LaMotta (der natürlich auch als Berater tätig war) wird dann in einer zweistündigen Montage verschiedenster Szenen in seinem Aufstieg und Fall gezeichnet. Das Ganze mutet in seiner Struktur an wie ein Gangsterfilm, vermeidet es jedoch weitgehend, einzelne Momente als entscheidend oder von großer Auswirkung darzustellen. Stattdessen haben die jeweiligen Geschehnisse alle eine wohldosierte Wirkung auf die Figur Jake: Wenn er Vickie (Cathy Moriarty) für sich gewinnt, ist er erfreut, aber nicht über die Maße. Als er Weltmeister wird, ist das ein Triumph, der freut, aber nicht überwältigt. Jake beginnt nicht, das Geld aus dem Fenster zu werfen oder sein Umfeld zu verändern. Die charakterlichen Dispositionen in Richtung Eifersucht scheinen bereits zu Beginn in ihm angelegt und entstehen nicht aus seinem Erfolg. Wir sehen einen Menschen, dem der Umgang mit seinem Bruder Joey (Joe Pesci in seinem ersten großen Streifen) und seiner Frau Vickie sehr schwer fällt und der darüber in Probleme gerät. Es gibt nicht den einen Fehler oder den einen Erfolg, es gibt einen weiten Blick auf ein unglückliches Leben.

Entsprechend sind auch die Boxkämpfe eher technisch-metaphorische Sinnbilder dessen, was sonst in Jakes Leben passiert. Sind die an den Film Noir erinnernden Dialogszenen oft schon von enormer Schönheit, spielt das Schwarzweiß in den Kämpfen seine ganze Stärke aus. Die Kamera ist oft mit den Kämpfern im Ring, beteiligt die Zuschauenden so am Geschehen. Die starken Kontraste machen fliegende Schweißtropfen und tropfendes Blut eindringlich sichtbar, während das Publikum im schwarzen Hintergrund verschwindet. Lediglich der Titelkampf zeigt das Publikum und versinnbildlicht so die Bedeutung des Kampfes. Dabei lässt Scorsese die Kämpfe nicht ausarten, sondern nutzt sie als kurze Darstellungen von Jakes Verfasstheit. Interessanter noch: Trotz Jakes zunehmend strauchelndem Leben, laufen die Kämpfe fast stoisch weiter erfolgreich ab. Hier steht das Biopic klar über dem Sportfilm: Es gibt keine billigen Kausalitäten oder simplen Erklärungen – Jake ist ein Boxer und ein Mensch; das eine gelingt ihm gut, mit dem anderen hat er zu kämpfen.

Die zahlreichen Diskussionen um die außerordentliche Stellung des Films im Kino der 80er Jahre seien an dieser Stelle umschifft – für Scorsese war es ein großer persönlicher Erfolg, auch wenn die von zahllosen Blockbustern ordentlich durchgerüttelten Kinokassen nur verhalten klingelten. Noch größer war der Erfolg jedoch für Robert De Niro, der seinen ersten (und bis dato letzten) Oscar als Bester Hauptdarsteller gewann. Hervorragende Voraussetzungen also, um gleich mit THE KING OF COMEDY (1982) weiterzumachen.

26. September 2025

Bill Hanrahan, Biographie, Boxen, Cathy Moriarty, Charles Scorsese, Don Dunphy, Drama, Frank Adonis, Frank Topham, Frank Vincent, Joe Pesci, Joe Pesci#, Joseph Bono, Lori Anne Flax, Mario Gallo, Martin Scorsese, Nicholas Colasanto, Rita Bennett, Robert De Niro, Theresa Saldana
ROCKY II

Rocky II
Rocky II | USA | 1979
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Wenn ROCKY (1976), für den Sylvester Stallone das Drehbuch geschrieben hatte, so dermaßen an den Kinokassen abgeräumt hatte, was müsste dann erst möglich sein, wenn Stallone auch noch Regie führte? Drei Jahre später sollten die Menschen sich in Form von ROCKY II ansehen können, was mit Sly auf dem Regiestuhl möglich war: Vor allem ein Neuaufguss der Geschichte von 1976, der sich nicht scheut, mit Apollo Creed (Carl Weathers) gar den gleichen Antagonisten ins Rennen zu schicken. Der Film läuft also erneut auf den großen Kampf am Ende zu, erzählt dieses Mal aber nicht die gelungene Aufstiegsgeschichte von Rocky Balboa, sondern von seinem Umgang mit dem Erfolg. Hemmungslosem Prassen folgt demütige Arbeit in der Schlachterei und dem Boxstall. Natürlich ist das Comeback als Boxer der Ausweg, aber ein kaputtes Auge und Adrians (Talia Shire) Sorgen stehen dem im Wege.

Stallone konstruiert also eine durchaus interessante Situation, bei deren Auflösung er dann aber einen bestürzend einfachen Weg geht; alle Schwierigkeit sind nach dem ellenlangen Koma Adrians einfach vergessen: Das Auge wird nicht mehr thematisiert und der zweite Gedanke, den die Erwachte nach dem Koma zu formulieren in der Lage ist, lautet: „Gewinne!“. Dann endlich kann Sly sich inszenatorisch voll auslassen und sowohl die Trainings- als auch die Joggingmontage (die natürlich wieder auf den berühmten Stufen endet), mit eingefrorenen Bildern beenden. So erschafft man eben Ikonen.

Schauspielerisch kann Stallone nicht mehr so glänzen wie noch im Vorgänger. Aufgrund seines Gehampels und der Leseschwäche wirkt Rocky bisweilen gar etwas simpel gestrickt, was ihn aber nicht davon abhält, auch immer wieder trockene Witze zu platzieren. Er bleibt aber eine positive Identifikationsfigur, wenn er beispielweise Apollos aggressive Sprüche im Zuge einer Pressekonferenz ruhig kontert und sich im Boxstudio nicht reizen lässt. Auch als Paulie (Burt Young) ihm erlaubt, seiner Schwester die Zähne auszuschlagen, wenn sie ihn nerve, antwortet Rocky nur lakonisch, dass er sie mit Zähnen lieber möge. Leider erreicht die Charakterzeichnung aber nie die Tiefe des Erstlings.

Der finale Kampf ist dann nicht nur unnötig lang, sondern auch unfassbar übertrieben und mündet im erwartbaren Ende. Leider lässt der Film hier auch noch den letzten losen Faden, Rockys Linksauslegerei, quasi unerwähnt fallen. Das macht das Ziel des Films noch einmal überdeutlich: Mehr vom Gleichen. Das muss bei einer tollen Vorlage nichts Schlechtes sein, sorgt aber für deutlich weniger Begeisterung.

26. Februar 2024

Action, Al Silvani, Boxen, Burgess Meredith, Burt Young, Carl Weathers, Drama, Frank McRae, Joe Spinell, Kampfsport, Leonard Gaines, Rocky, Sportfilm, Stu Nahan, Sylvester Stallone, Sylvia Meals, Talia Shire, Tony Burton
ROCKY

Rocky
Rocky | USA | 1976
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Es gibt ja tatsächlich einige Parallelen zwischen den Geschichten von Rocky Balboa und Sylvester Stallone (anno 1975). Beide arbeiten in einem Metier, an dessen Spitze sie nicht vordringen können, beide suchen nach der einen großen Chance – und beide finden sie auf ungewöhnliche Weise. Während Rocky mithilfe eines als reines Medienspektakel geplanten Kampfes sein Ziel, sich selbst seines Wertes zu versichern, erreicht, muss der Schauspieler Stallone erst zum Drehbuchautoren werden, um seinen Wert (auch als Schauspieler) zu beweisen. Am Ende der Geschichte gewinnt Rocky zwar nicht den Titel, Stallone aber den Academy Award für das Beste Drehbuch – neben der Besten Regie und dem Besten Schnitt. Eine irre Erfolgsgeschichte, die ihren wahren Ursprung im Kampf des Amateurboxers Chuck Wepner gegen Muhammad Ali hat, den Sly sich in der Glotze ansah, um dann innerhalb weniger Tage ein Drehbuch zu verfassen.

Es ist also mitnichten die originelle Geschichte, die das Skript und den Film so bemerkenswert macht, sondern vielmehr der Realismus, die Detailversessenheit mit der Stallone das Leben eines abgehalfterten Amateurboxers in Philly skizziert und darstellt. Rocky lebt einsam in einer verlotterten Bude, ist pleite, muss sich mit kleinen Kämpfen und Kleinkriminalität über Wasser halten. Aber er ist weich. Der Gangster, für den er Knochen brechen soll, verlacht ihn, die Mädels, die er vor den Halunken aus der Nachbarschaft rettet, verlachen ihn ebenfalls. Trotzdem freut sich die Straßenbande ihn zu sehen und lässt ihn an der Buddel nippen. Interessant auch Rockys Werben um Adrian, für deren Darstellung Talia Shire ebenfalls eine Oscar-Nominierung erhielt. Er begegnet dem überdeutlichen Mauerblümchen mit Respekt und Rücksicht, Paulies rücksichtslose Versuche, ein Date zu arrangieren, beschämen ihn. Rocky setzt stattdessen auf Charme, Witz und Beharrlichkeit und zeichnet sich auch während der Beziehung durch Verständnis und Höflichkeit aus; und das, obwohl er augenscheinlich selber in tiefer Krise steckt. Der Druck, den er durch den großen Kampf gegen Apollo Creed verspürt, nagt sichtbar an ihm, lässt ihn Mickeys Trainerangebot zunächst brüllend ausschlagen – und kurz darauf Reue zeigen. Unter Tränen gesteht er, dass der Kampf für ihn die Möglichkeit ist, zu beweisen, „dass er kein niemand ist“.

Selbst eine der bekanntesten Trainings-Montagen der Kinogeschichte sorgt nicht dafür, dass Rocky danach vor Selbstbewusstsein strotzt. Auch nachdem er die Hände ihn Phillys grauen Himmel reckt, bleibt er demütig und selbstkritisch. Es ist die Haltung eines Mannes, der sein Schicksal akzeptiert hat. Als Rechtsausleger findet er im Boxer-Business eben keinen Platz, kann gegen niemanden vernünftig kämpfen. Der Spiegel dieser Bereitschaft, das Gegebene anzuerkennen, ist Kameramann James Crabes Bild von Philadelphia. Rocky lebt in einer grauen, hoffnungslosen Welt. Crabe zeigt uns verwahrloste Straßenzüge, der Horizont ist stets durch den nächsten Block versperrt. Überall ist Müll, alles ist dreckig. Paulie arbeitet zwischen Rinderhälften, während das Blut an Rockys Händen das einzige ist, was ihn in seiner schmutziggrauen Kleidung vom Hintergrund der Stadt abhebt. Hier gibt es keine Hoffnung, außer man erschafft sie selbst.

Und Rocky erschafft sie selbst, indem er sich realistische Ziele steckt – und diese dann erreicht. Es ist zu keinem Zeitpunkt vorstellbar, dass er Apollo besiegt, aber das ist auch nicht wichtig. Als der seinen Arm im Ring emporhebt, konzentriert sich die Kamera nun auf Balboa, der sein höheres Ziel erreicht hat. Er weiß das, genauso wie er quasi erblindend weiß, dass Adrian in der Nähe ist. Und was wissen die Zuschauenden? Sie wissen, dass hinter dem Menschen, der nach dem Erfolg dieses Films zu einem der größten Action-Helden der 70er und 80er Jahre avancierte, der zum Inbegriff des vordergründigen Geballers wurde, jemand steckt, der unglaublich einfühl- und aufmerksame Drehbücher schreiben und diese dann auch mit einer perfekt getroffenen Hauptfigur ausstatten kann. Eine tolle Erkenntnis nach einem grandiosen Filmgenuss.

12. Dezember 2018

Al Silvani, Bill Baldwin, Boxen, Burgess Meredith, Burt Young, Carl Weathers, Drama, George Memmoli, Jimmy Gambina, Jodi Letizia, Joe Spinell, John G. Avildsen, Rocky, Sportfilm, Sylvester Stallone, Talia Shire, Thayer David
DER WELTMEISTER

Der Weltmeister
The Ring | Großbritannien | 1927
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Der Kirmesboxer One-Round Jack (Carl Brisson) und die Kassiererin Nellie (Lillian Hall-Davis) sind verlobt. Als Jack eines Tages vom australischen Profiboxer Bob Corby (Ian Hunter) geschlagen und danach zu dessen Sparring-Partner wird, entsteht auch zwischen Nellie und Bob eine Bindung, die das frisch vermählte Glück von Jack und Nellie ernsthaft gefährdet.

Jack Sander (Carl Brisson, Mitte)

Jack ist in Rage

ABWÄRTS (1927) und LEICHTLEBIG (1927) waren zwei Auftragsarbeit für den Produzenten Michael Balcon, doch zu diesem Zeitpunkt hatte Alfred Hitchcock bereits einen Vertrag über zehn Filme mit John Maxwell und dessen British International Pictures geschlossen. Das erste Projekt dieser neuen Zusammenarbeit sollte ein Boxerdrama werden, zu dem Hitch – nach einer uncreditierten Mitarbeit am Skript zu DER MIETER (1927) – auch erstmalig das Drehbuch verfasste; und nicht wie bisher auf Romanvorlagen oder andere Autoren zurückgriff. Dass der Meister nie ein großer Drehbuchschreiber werden sollte, lässt sich jedoch auch schon hier erahnen, ist es doch mitnichten eine ausgefeilte Geschichte, die dem Streifen seinen Drive verleiht.

Ware: Du musst mit dem Kopf und den Fäusten arbeiten, Jack.

Vielmehr entsteht der Eindruck, dass die konstruierte Geschichte mitsamt ihrer unbegründeten Wendung vor allem dazu dient, Möglichkeiten zur einfallsreichen visuellen Gestaltung zu schaffen. Der Originaltitel The Ring verweist dabei deutlich auf eines der zentralen gestalterischen Mittel. Hitchcock nutzt dieses Homonym sowohl für Jacks Arbeitsplatz, jenen Ort, der ihn mit Stolz oder mit Scham erfüllt, aber auch für jenes Symbol, dass er seiner Braut Nellie an den Finger steckt, um die (vermeintlich) ewige Liebe zu besiegeln. Es zeigt bereits früh Hitchcocks Zynismus, dass auch das Geschenk des Nebenbuhlers in Ringform daherkommt – auch wenn es sich de facto um das Bildnis einer Schlange handelt. Einer der schönsten Einfälle ist dann auch das Darniederfahren dieses Schlagenarmreifs just in dem Moment, als Jack Nellie den Ehering ansteckt.

Kamermann Jack E. Cox (links) und Alfred Hitchcock (rechts) am Set

Aber auch abseits von derlei Finessen ist der Streifen nie um eine kleine Spielerei verlegen, vor allem die zahlreichen Blenden fallen auf. Eintrittskarten werden wie im Fluge verkauft, Jack blickt durch Wände und auf einem Sandsack findet sich das Gesicht des verhassten Kontrahenten wieder. Der Film markiert die erste von vielen Zusammenarbeiten mit Kameramann Jack E. Cox und selbiger zeigt von Anfang sein großes Geschick: der Jahrmarkt wird flott und abwechslungsreich eingefangen; auch wenn die Szene, in der johlende Zuschauer mit Gemüse auf einen afrikanischen Menschen werfen, unangenehm zwischen entlarvender Dokumentation und geteilter Belustigung schwankt. Aber auch die diversen Boxkämpfe erfahren dank zahlreicher verwendeter Kameraeinstellungen eine erstaunliche Dynamik und lockern das Gesamtwerk so immer wieder auf. Am coolsten sind aber die zahlreichen optischen Metaphern, die die Konstellation der drei Hauptfiguren darstellen. Da gibt es die Wahrsagerin, die aus ihrem Wohnwagen zeitgleich Bobs Flirt mit Nellie als auch Jacks Verhandlungen mit Boxpromoter Ware beobachtet – und die Zuschauenden beobachten mit, spätestens, wenn Hitchcock ein zärtliches Händestreicheln zu einem geschäftstüchtigen Handshake überblendet. Aber auch das kochende Teewasser, welche Nellies und Bobs Turteleien begleitet, steht dem im Zeitraffer seine Kohlensäure verlierenden Champagner des vergeblich auf Nellie wartenden Jack trefflich gegenüber. Obendrein gibt es dann noch eine schöne Montage, die zeigt, wie Jack verbissen trainiert, während Bob mit Nellie beschäftigt ist. Dass das Finale dann erwartbar flach daherkommt, ist in Anbetracht dieses Berges an gelungenen inszenatorischen Ideen, fast schon zu vernachlässigen.

Nellie (Lillian Hall-Davis) redet Jack gut zu

Der finale Kampf

Hitchcocks erste Arbeit für John Maxwell zeigt zwei Dinge deutlich: Hitchcock ist bereits 1927 ein Fachmann visueller Erzähltechniken und er sollte das Schreiben von Drehbüchern lieber anderen überlassen.

3. Oktober 2018

Alfred Hitchcock, Billy Wells, Boxen, Brandy Walker, Carl Brisson, Charles Farrell, Clare Greet, Drama, Forrester Harvey, Gordon Harker, Harry Terry, Ian Hunter, Lillian Hall-Davis, Minnie Rayner, Stummfilm, Tom Helmore
BLUTIGE LORBEEREN

Blutige Lorbeeren
Penitentiary II | USA | 1982
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nachdem er den entscheidenden Knast-Kampf gegen Half Dead (Ernie Hudson) gewonnen hat, ist Martel „Too Sweet“ Gordone (Leon Isaac Kennedy) wieder frei. Doch seine Nemesis sucht Too Sweet wieder heim als Half Dead, gerade ausgebrochen, seine Freundin Clarissa (Eugenia Wright) vergewaltigt und umbringt. Obwohl er dem Boxen eigentlich abgeschworen hatte, kehrt Too Sweet nach diesem Schicksalsschlag doch wieder zurück in den Ring und lässt sich von Mr. T (Mr. T) für neue Aufgaben trainieren.

Clarissa (Eugenia Wright) und Martel „Too Sweet“ Gordone (Leon Isaac Kennedy)

Mr. T (Mr. T) und Too Sweet

Beginnend mit TERROR TOWN (1975) über SCHWARZE REVANCHE (1976) bis hin zu PENITENTIARY – HÖLLE HINTER GITTERN (1979) gelang es Jamaa Fanaka, seines Zeichens eigenwilliges Mitglied der L. A. Rebellion, durchaus, mit jeder Produktion ein Schüppchen draufzulegen. PENITENTIARY – HÖLLE HINTER GITTERN stellte dann gar einen richtig unterhaltsamen, weil dreckigen und auf seine Stärken reduzierten Knast-Reißer dar – dem drei Jahre später mit BLUTIGE LORBEEREN eine (vor allem was die Besetzung anbelangt) ordentlich aufgebohrte Fortsetzung folgen sollte. Trotz des immensen finanziellen Erfolgs des Vorgängers (es war tatsächlich der erfolgreichste Independent-Streifen des Jahres 1979) blieb Fanaka seinem Konzept, seine Streifen selber zu schreiben und zu produzieren, treu.

Mädel: Also schön, du kannst mich unter dem Boxring bumsen.

Inhaltlich gibt er sich dann aber große Mühe, an den Erfolg anzuknüpfen und knallt dem geneigten Zuschauer erstmal einen bei STAR WARS stibitzten Lauftext um die Ohren, der die Geschehnisse im Knast rekapituliert (und auch ein wenig spoilert). Es soll aber gar nicht lange dauern, bis die Vergangenheit in Person des nun von Ernie Hudson, der zwei Jahre später per GHOSTBUSTERS – DIE GEISTERJÄGER (1984) Berühmtheit erlangen sollte, gespielten Half Dead auch tatsächlich wieder auftaucht und Too Sweets Freundin vergewaltigt und umbringt. Dass das alles im Nebenzimmer passiert, wirkt da beinahe wie eine dunkle Vorhersage dessen, was da noch kommen soll. Denn während die wirklich räudige und fiese Vergewaltigung noch erahnen lässt, dass auch der zwei Teil der Reihe düster weitermacht, entwickelt sich der Streifen danach zu einer verkappten, augenscheinlich deutlich durch die ROCKY-Streifen inspirierten Rumpel-Geschichte.

Französisches Filmplakat

Obwohl Too Sweet dem Kämpfen eigentlich abgeschworen hat, will er nach dem Tod Clarissas wieder in den Ring steigen. Einen richtigen Grund gibt es dafür aber nicht. Weder benennt er Half Dead als Ziel seiner Bemühungen, noch ist er es augenscheinlich, denn Too Sweet kämpft dann gegen den von Donovan Womack gegebenen Weltmeister Jesse ‚The Bull‘ Amos – und das gleich mehrfach (ROCKY (1976) lässt grüßen). Dabei schwankt Too Sweet in seinen Monologen ständig zwischen „Ruhm“ und „Rache“, welche er abwechselnd zu erringen sucht. Auch der Tod von Clarissa scheint ihn kaum ernsthaft zu behelligen, denn während er für seinen väterlichen Trainer Seldom Seems ein paar Damen klarzumachen versucht, lässt er sich bereitwillig selber vernaschen. Gut, dass Mr T. (natürlich als Mr. T) auch noch da ist und Too Sweet mit Wunderlampe und guten Tipps zur Verfügung steht. Und während sich insbesondere der zweite Kampf vom zu Süßen in die Ewigkeit zu dehnen scheint, darf Mr. T immerhin Half Dead vermöbeln und so für etwas Schwung sorgen. Kein Wunder, dass man in Frankreich (und auch auf vielen VHS-Covern in zahlreichen andern Ländern) gleich lieber mit Mr. T geworben hat.

Mr. T: Moment mal, ich möchte auf noch jemanden trinken: nämlich auf mich!

Aufgrund der umhermäandernden Geschichte fällt dann auch die Stimmung des Films im Vergleich zum Vorgänger deutlich ab. Da hilft auch die irrwitzige Entscheidung, für die Boxkämpfe in den Knast zurückzukehren nichts. Dort darf als einzige weiße Sprechrolle ein Kommentator das öde Gekloppe zum „Kampf des Jahrhunderts“ hochquatschen oder Mr. T wieder mit seiner rauchenden Wunderlampe herumwedeln. Zwischendurch tanzen dann immer wieder ganze Horden von Damen durch den Ring und geben Fanaka zumindest Anlass dazu, ein paar fetzige Funk-Songs einzusetzen. Das rettet den Streifen aber auch nicht mehr und am Ende fühlt sich das Ganze in seiner Gesamtheit in etwa so an wie die Szene, in der Half Dead seiner Freundin, nachdem sie ihn eben noch umbringen wollte, Kartoffelsalat vom Gesicht leckt.

Half Dead (Ernie Hudson)

Der Kampf

Jamaa Fanaka kann den Erfolg und die Qualität des Vorgängers hier nicht mal im Ansatz wiederholen und präsentiert stattdessen einen überaus öden Heuler, der vor allem an der gänzlichen Abwesenheit einer mit einer Motivation und einem Ziel ausgestatteten Hauptfigur krankt.

17. März 2018

Action, Blaxploitation, Boxen, Cepheus Jaxon, Dennis Lipscomb, Drama, Ernie Hudson, Gerald Berns, Hawthorne James, Jamaa Fanaka, Kampfsport, Leon Isaac Kennedy, Malik Carter, Marvin Jones, Mr. T, Peggy Blowe, Sephton Moody, Stan Kamber, Tony Cox
MACHO MAN

Macho Man
Macho Man | Deutschland | 1985
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Box-Champion Dany Wagner (René Weller) lernt die attraktive Sandra Petersen (Bea Fiedler) kennen und verliebt sich Hals über Kopf in sie. Das gleiche gilt für den Karate-Champion Andreas Arnold (Peter Althof). Doch anstatt sich zu streiten, nehmen die beiden lieber zusammen einen Ring von Heroin-Dealern hoch.

Sandra (Bea Fiedler) und Dany (René Weller)

Lisa (Jacqueline Elber) und Andreas (Peter Althof)

Konnte Alexander Titus Benda 1982 mit seiner Krimi-Komödie DAS NÜRNBERGER BETT noch keinen großen Erfolg verbuchen, so sollte sich das drei Jahre später ändern. Benda, der unter der Flagge der DEF Filmproduktion Nürnberg neben der Regie auch für das Drehbuch und die Produktion verantwortlich zeichnen sollte, erkannte, dass er einen zugkräftigen Namen für sein nächstes Filmprojekt brauchte. Da kam ihm der Boxer René Weller, damals gerade frisch gebackener Bundes- und Europa-Meister im Leichtgewicht gerade recht, denn der verkaufte sich in den Medien seit Beginn der 80er Jahre als Playboy und war unter dem Namen „der schöne René“ und mittels einschlägig bekannter Fotoaufnahmen zu einigem Ruhm gelangt.

Lisa: Bin ich jetzt in der berühmten Jungfrauenfalle von Nürnberg gelandet?
Andres: Natürlich,. Schatz. Und gleich schlägt sie zu. Zack!

Nun kann man eine solche Hauptrolle nicht in eine humorige Krimi-Klamotte stecken, vielmehr muss hier ein Drehbuch voller Dynamit her. Also kritzelte Benda eine hanebüchene Geschichte rund um Heroin, Boxen, Karate und Diskotheken zusammen, die es an jedem Sinn und Zusammenhang mangeln lässt. De facto handelt es sich weniger um ein Drehbuch, als vielmehr um eine Zusammenstellung von Szenen, die den vierköpfigen Cast möglichst abwechslungsreich zur Schau stellen. Allein der Umstand, dass die beiden Kontrahenten im Zwist um Sandras Herz einen Kampf auszutragen beschließen, den sie dann mittendrin abbrechen um spontan eine Bande von Heroindealern aufzumischen, zeigt, dass es hier mitnichten um das Erzählen einer Geschichte geht, sondern einfach darum, die Protagonisten bei ihren Lieblingstätigkeiten zu filmen.
Was für René Wellers Charakter das Boxen, ist für Peter Althofs, der im echten Leben sowohl Karate- als auch Kickbox-Trophäen erringen konnte, Rolle das Karate. Also kann Benda schon mal einen guten Teil der Spielzeit darauf verwenden, die beiden Herren beim Training oder aber bei der Ausübung ihrer Fähigkeiten zu zeigen. Es wird einfach gekloppt und geboxt, was das Zeug hält.

Deutsches Aushangfoto

Deutsches Aushangfoto

Dem gegenüber stehen das B-Sternchen Bea Fiedler und Jacqueline Elber, die beide bereits im Karl-Dall-Kracher SUNSHINE REGGAE AUF IBIZA (1983) zu sehen waren. Die Damen sind, neben ein paar kleineren Entblößungen der Fiedler, vor allem für die Tanzerei zuständig. Denn neben der Ausübung von Kampfsport bringt der Streifen einen guten Teil seiner Spielzeit auch mit der Zurschaustellung von rhythmischer Bewegung rum. Dabei schenken sich Damen und Herren nichts, und präsentieren wildeste Verrenkungen zusammen mit debilstem Grinsen. Getoppt wird das nur noch von Eurodance-Fachmann Captain Hollywood, der einen feinen Breakdance auf das marode Kneipenparkett legt.

Sandra: Du, jetzt hätte ich richtig Bock auf’n geiles Frühstück. Oh Gott, bin ich kaputt. Gibt’s bei dir was?
Dany: Ach, bei mir gibt’s doch fast alles …

Und so nähern wir uns langsam aber sich der Kernkompetenz des Films: dem Zeitkolorit. Wie kaum ein anderes deutsches Werk zeichnet der Film ein ungeschöntes Bild seiner Zeit. Die Herren bestechen mit unfassbaren Frisuren und passenden Schnäuzern, die Damen stehen dem kaum nach. Weller rennt ausschließlich in viel zu engen Trainingsanzügen herum und die damaligen Adidas-Jacken übertreffen ohnehin alles. Dazu kommen Karottenhosen, Strickpullover sowie Sandaletten und unzählige weitere modische Zeitzeugnisse. Das Ganze wird dann in als Diskothek betitelten Eckkneipen zur Schau gestellt und mit zeitgenössischen Klängen unterlegt. So wird der Streifen letztlich mehr zu einem Sammelsurium an deutscher 80er-Popkultur, als zu einem echten Spielfilm. Denn das Weller und Althof – wir wollen sie so nennen, da sie ohnehin meist sich selber spielen – irgendwelche belanglosen Heroin-Hampelmänner zur Strecke bringen ist völlig unwichtig.
Im Lichte dieses Konzepts erstaunt es auch nicht, dass dieser nüchtern betrachtet völlig inhalts- und zusammenhangslose Streifen sich zu einem bis heute gefeierten Vehikel mausern konnte. Dabei ist weder die Gewalt besonders hart, noch sind die Damen besonders nackt oder nur die Sprüche besonders erheiternd. Es ist einfach die unglaubliche optische Pracht, die dem Zuschauer hier entgegenschlägt, die den Streifen einzigartig macht. Derart unverfälschte Zeitdokumente sind in Deutschland eben rar und genau deshalb wird MACHO MAN vollkommen zu recht immer wieder als „Kultfilm“ betitelt.

Tanzen …

Kämpfen …

Ein Film, der einzig und allein durch seine ungeschönte Zurschaustellung von Zeitkolorit unterhält. Da er das aber mit Bravour tut, fällt der ansonsten allgegenwärtige Dilettantismus quasi nicht in Gewicht.

15. Februar 2015

Action, Alexander Titus Benda, Bea Fiedler, Boxen, Jacqueline Elber, Kampfsport, Karate, Krimi, Peter Althof, René Weller
PENITENTIARY – HÖLLE HINTER GITTERN

Penitentiary – Hölle hinter Gittern
Penitentiary | USA | 1979
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Too Sweet (Leon Isaac Kennedy) wird nach einem kurzen Techtelmechtel mit der Prostituierten Linda (Hazel Spears) zu Unrecht in den Knast geworfen. Dort muss er sich sogleich gegen seinen kampferprobten Zellengenossen Half Dead (Badja Djola) zu Wehr setzen. Und Too Sweets Boxkünste sollen ihm nicht nur das Leben retten, sondern ihm auch die Freiheit in Aussicht stellen …

Too Sweet (Leon Isaac Kennedy) und Eugene (Thommy Pollard)

Seldom Seen (Floyd ‚Wildcat‘ Chatman)

Der US-Amerikaner Jamaa Fanaka hat quasi seine gesamte Karriere als Filmregisseur dem Blaxploitation-Kino verschrieben. Sein Spielfilm-Debut TERROR TOWN (1975) gilt jedoch eher als absonderliche Randnotiz des Genres und auch Drogen-Story aus SCHWARZE REVANCHE (1976) gehört sicherlich nicht zu den Perlen dieser Filmgattung. Anders verhält es sich da schon mit PENITENTIARY – HÖLLE HINTER GITTERN, der wie schon die beiden zuvor genannten Streifen nicht nur Janaa Fanaka auf dem Regiestuhl zu bieten hat, sondern auch aus dessen Feder stammt und vom ihm höchstpersönlich – wenn auch diesmal von einer Meute anderer Herrschaften unterstützt – produziert wurde.
Die Storyline ist in einem miesen Knast voller Abschaum angesiedelt: Vergewaltigungen und Misshandlungen sind an der Tagesordnung, nur die physisch und psychisch Harten haben ihr sicheres Auskommen. Die Strukturen werden mit eiserner Hand reproduziert und so gerät die Hauptrolle Too Sweet gleich in eine Notlage, aus der er sich nur mittels Körperkraft befreien kann. Derart führt Fanaka sein Hauptthema ein: den Boxkampf. Diese Sportübung bestimmt in der Folge den gesamten Film und wird mal zum Rettungsanker, mal zur Schlangengrube.

Eugene: Damit ihr es wisst: Ich kämpfe, ich gewinne und ich bumse!

Mag der Sinn des Boxkampfes – eine Nacht im Trailer mit den örtlichen Schönheiten – noch recht simpel konstruiert wirken, so schafft es Fanaka doch tatsächlich, die Ringübungen mit für die einzelnen Charaktere mit Inhalt zu füllen. Für den schüchternen Eugene werden sie zum Beispiel zum Befreiungsschlag gegen seine Peiniger. Noch schöner ist aber, dass ein paar Insassen die Zeit während der Kämpfe nutzen, um genau das zu tun, wofür innerhalb der Arena gekämpft wird: Sie verdrücken sich und suchen Vergnügen bei den eigens angereisten Damen. Derartige Doppeldeutigkeiten nutzt Fanaka öfter und so ist auch die unvermeidliche Rolle des alten Knast-Weisen hier durchaus gelungen – da angenehm ambivalent – angelegt.

US-amerikanisches Filmplakat

US-amerikanisches Filmplakat

Das alles verpackt der Regisseur in eine wundervoll dreckige Umgebung, die vor Blut und Schweiß nur so tropft. Ständig quillt der Lebenssaft aus frischen Wunden, überall werden nackte schwarze Körper eingeölt. Das alles in Verbindung mit der spartanischen Ausstattung und der simplen Ausleuchtung sorgt für tolle Knast-Atmosphäre.
Der bisherigen Vita Fanakas folgend, weist auch dieser Streifen fast ausschließlich schwarze Mimen auf, allerdings lässt selbiger den Blaxploitation-Holzhammer deutlich sanfter kreisen als noch bei TERROR TOWN, wo ein Schwarzer einen Weißen mal eben mittels seines Penis‘ erwürgt. Die beiden Story-relevanten Weißen sind ganz im Gegenteil anständige Typen, die Too Sweet letztlich mit Rat und Tat zur Seite stehen.

US-amerikanisches Aushangfoto

US-amerikanisches Aushangfoto

Dieser wird von Leon Isaac Kennedy gegeben, der zwar nicht wirklich brilliert, seinen Schuh aber solide runterspielt. Kennedy dürfte Freunden der härteren Gangart aus Streifen wie HAMMER (1972) oder DIE MAFIA KENNT KEINE GNADE (1976) bekannt sein, wo er ordentliche Auftritte in Nebenrollen absolvierte. Umgeben wird Kennedy von zahlreichen Halb-Laien, wie Hazel Spears – deren Linda gerne etwas mehr Screentime und Tiefe hätte haben dürfen – oder Oberbösewicht Donovan Womack, dessen Portfolio sich auf drei Spielfilmnebenrollen und eine Handvoll TV-Auftritte beläuft. Da gehört Badja Djola – der es in den 90er Jahren zu einigen Nebenrollen in großen Hollywood-Produktionen wie LAST BOY SCOUT – DAS ZIEL IST ÜBERLEBEN (1991) oder HURRICANE (1999) gebracht hat – schon zu den schauspielerischen Schwergewichten des Films.
Leider ist der Streifen musikalisch sehr rudimentär gehalten. Das unterstützt die brachiale Atmosphäre zwar trefflich, raubt den Film aber natürlich die Genre-eigene Option, mit schmissigen Tracks für Unterhaltung zu sorgen. Nur in wenigen Szenen dürften die Kreativen am Mischpult loslegen, was dann auch gleich für wippende Füße sorgt.

Half Dead: Dead boxt nicht … ich kille!

Einen Wermutstropfen stellen die komödiantischen Anteile dar, die die an sich gelungene Atmosphäre immer wieder aufbrechen. Die Mischung aus Knastdrama und Blaxploitation-Schinken wäre ohne die Albereien wohl durchaus besser dran gewesen, aber was soll‘s. Das bezieht sich aber explizit nicht auf die skurrilen Momente des Films; wenn etwa ein Insasse mit der Kippe/dem Joint im Ohr durch den Trakt wankt oder die Gruppe der Homosexuellen in Erscheinung tritt.
Letztlich ist Fanakas dritter Streich aber trotzdem eine äußerst gelungene Mixtur, die vor allem mit Härte und Atmosphäre zu überzeugen vermag. Die schmierige Knast-Stimmung kommt bestens rüber und machte den Streifen mit einem kolportierten Einspielergebnis von 15 Millionen US-Dollar (bei lediglich geschätzten 100.000 US-Dollar Budget) zum erfolgreichsten Independent-Film des Jahres 1979. Folgerichtig wurden mit BLUTIGE LORBEEREN (1982) und dem in Deutschland grandios betitelten KNAST FIGHTER (1987) zwei Fortsetzungen nachgeschoben, die neben einem deutlich höheren Trash-Potenzial auch Mr. T und einen Kampf mit einem Kleinwüchsigen zu bieten haben.

Lieutenant Arnsworth (Chuck Mitchell)

Half Dead (Badja Djola)

Gelungene Mixtur aus Blaxploitation und Knast-Drama, bei der vor allem die unglaublich schmierige und dreckige Atmosphäre für bleibenden Eindruck sorgt.

20. November 2014

Action, Badja Djola, Blaxploitation, Boxen, Chuck Mitchell, Drama, Floyd ‚Wildcat‘ Chatman, Gefängnis, Gloria Delaney, Hazel Spears, Jamaa Fanaka, Knastfilm, Leon Isaac Kennedy, Thommy Pollard, Wilbur ‚Hi-Fi‘ White