Schlagwort: Anime

PORCO ROSSO

Porco Rosso
Kurenai no buta | Japan | 1992
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Der erfolgreichste japanische Film des Jahres 1992 setzt sich von den vorherigen Produktionen des Studio Ghibli vor allem durch sein Setting ab: PORCO ROSSO spielt im faschistischen Zwischenkriegsitalien, versammelt die Protagonisten in Kellerbars mir internationalem Publikum und verweist immer wieder in kurzen Zwischentönen auf die politische und gesellschaftliche Situation jener Tage. Dem gegenüber steht dann das von Hayao Miyazakis regelmäßig verwendete Sujet der (fantastischen) Flugmaschinen, die hier eine so große Rolle wie wohl in keinem anderen seiner Filme einnehmen. Marcos ganzes Dasein dreht sich um seinen Flieger, seine Beziehung zu Fio beruht auf ihren Fähigkeiten als Flugzeug-Ingenieurin, der Konflikt zu Curtis entsteht durch einen Abschuss. Entsprechend viel Zeit verbringt der Film über oder zwischen den Wolken, was einige tolle Bilder hervorbringt, aber den Streifen gleichzeitig auch aller Stringenz beraubt.

Denn die Beziehung von Marco und Fio bleibt daneben irgendwie auffällig hohl. Ja, er respektiert sie aufgrund ihres Könnens, betont aber auch immer wieder ihr Kindsein, während einzelne Kommentare demgegenüber seltsam unangemessen wirken. Daneben nimmt die geplante Revanche an Curtis den größten Raum ein, obwohl es sich um das generischste Element der Handlung handelt, das eigentlich nur Rahmen sein sollte. Die unmögliche Beziehung zu Gina dient als tragisches Moment, bleibt dafür aber ebenfalls zu randständig, und die größte Frage, warum Marco überhaupt mit einem Fluch belegt ist, der ihm ein Schweinegesicht verpasst hat, wird fast gar nicht behandelt. Dass Marco im Kino dann noch konstatiert, dass er „lieber Schwein als Faschist“ sein, wird ebenfalls nicht weiterverfolgt und so muss man unweigerlich zu dem Schluss kommen, dass Miyazaki bei all seiner Liebe für Flugmaschinen, weite Himmel, skurrile Figuren und einen pazifistischen Impetus irgendwie vergessen hat, dass ein Film auch eine spannende, zumindest aber seine die Einzelteile zusammenhaltende Storyline benötigt.

5. März 2026

Akemi Okamura, Akio Ôtsuka, Anime, Drama, Fantasy, Hayao Miyazaki, Komödie, Tokiko Katô
TRÄNEN DER ERINNERUNG – ONLY YESTERDAY

Tränen der Erinnerung – Only Yesterday
Omohide poro poro | Japan | 1991
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nachdem er schon mit DIE LETZTEN GLÜHWÜRMCHEN (1988) einen Anime vorgelegt hatte, der sich etwas abseits der typischen Produktionen des Studio Ghibli bewegte, beschreitet Isao Takahata auch mit TRÄNEN DER ERINNERUNG – ONLY YESTERDAY wieder eigensinnige Pfade, indem er eine Manga-Vorlage nutzt, die sich vornehmlich an heranwachsende Mädchen richtet. Die Geschichte der 27-jährige Taeko, die dem Arbeitsstress Tokios entflieht und Urlaub auf dem Land macht, wird dabei immer wieder von Erinnerungen an ihr Leben als Zehnjährige und die damit verbundenen Erinnerungen unterbrochen. Formal macht Takahata das durch stark pastellene Zeichnungen deutlich, die zum Bildrand hin fast unvollständig wirken, es entsteht der Eindruck einer Zeichnung – und Zeichnungen müssen nicht zwingend die Wirklichkeit abbilden.

So lernen wir dann eine 10-jährige Taeko kennen, die mit allerlei Problemen zu kämpfen hat. In der Schule spotten die Jungen über die einsetzende Periode der Mädchen, ihre ältere Schwester möchte ihr eine Lackhandtasche mit überlassen und die endlich gekaufte Ananas schmeckt weniger süß als erwartet. Neben diesen kleinen Enttäuschungen sind da aber auch erhebliche Traumata, wenn ihr Vater ihr die Schauspielerei verbietet oder aufgrund vergessener Schuhe die Hand gegen sie erhebt. Final teilt die Mutter einer Schwester im vermeintlichen Vertrauen mit, das Teako wohl anders als die anderen Kinder sei.

Diesen Enttäuschungen wird dann ein idealisiertes Landleben entgegengesetzt. Takahata zeigt uns glückliche Menschen, die zwar harte, aber befriedigende Feldarbeit verrichten. Bei Taekos Ankunft leuchtet die Sonne über den Feldern, die voller bunter Färberdisteln stehen. Mag dieses Leben für die von Erinnerungen geplagte und in einem Tokioter Hochhaus arbeitende 27-Jährige eine Ruhe-Oase darstellen, ist die überaus naive Darstellung der harten Arbeit und des entbehrungsreichen Lebens ansonsten überaus irritierend. Insbesondere, weil auch Themen wie die Landflucht angesprochen werden, ist es erstaunlich, dass die Gründe dafür nicht benannt werden. Zusammen mit einigen Längen (die man mit gutem Willen auch ruhige Erzählweise nennen könnte), scheint sich der Film dann etwas zu verlaufen.

Doch dann ist es an der Figur Toshio, in den sich Taeko zunehmend verliebt, die eingangs angedeutete Fehlbarkeit von Erinnerungen hervorzuheben. Erinnerungen wie die erste Liebe oder ein ihr gegenüber unfreundlicher Junge in ihrer Schulklasse, prägen Taeko bis heute. Als Toshio ihr dann nahelegt, dass sie das Verhalten des Unfreundlichen damals eventuell falsch interpretiert hat und entsprechend auch ihre Erinnerungen daran falsch sein könnten, wächst in Taeko die Fähigkeit heran, sich nicht zu sehr von (eventuell falschen) Erinnerungen leiten zu lassen. In einer grandiosen Schlusssequenz kann sie sich von den – immer mal wieder im Film durch Kinder symbolisierten – Erinnerungen lösen und bei Tashio und dem Landleben Frieden finden.

11. Februar 2026

Anime, Drama, Isao Takahata, Mayumi Iizuka, Yûki Masuda
JIN-ROH

Jin-Roh
Jin-Rô | Japan | 1999
IMDb, OFDb, Schnittberichte

PATLABOR 1 (1989), PATLABOR 2: THE MOVIE (1993) und natürlich GHOST IN THE SHELL (1995) verliehen Mamoru Oshii einen über die Grenzen Japans hinaus bekannten Namen bezüglich erwachsener Anime. Die Anime-Fassung seines Manga Kerberos Panzer Cop spielt in einer alternativen Realität der 50er Jahre und erzählt vom Kampf eines faschistischen Nachkriegsjapan gegen widerständige Gruppen. Unter Regie von Hiroyuki Okiura wird dabei eine wendungsreiche Geschichte um Kazuki Fuse erzählt, der als Mitglied der Spezialeinheit „Kerberos“ ein Mädchen erschießt, dass die Widerständler der „Sekte“ mit einer Bombe beliefern soll. Die Bereitschaft des Mädchens, Nanami Agawa, zu sterben, stellt schon früh die Frage nach Handeln von Menschen in totalitären System in den Raum. Fuse folgt seinen Anweisungen, Agawa ihren Überzeugungen. In der Folge zweifeln Fuses Vorgesetzte jedoch aufgrund eines kurzen Zögerns an seiner Eignung und unterziehen ihn einer erneuten Ausbildung. Die Machthaber können keine Abweichung dulden.

Fortan entspinnt sich ein Politthriller, der das Ringen zwischen regulärer Polizei und elitärer Hauptstadtpolizei mitsamt ihren jeweiligen Unterabteilungen „Spezialeinheit Kerberos“ und „Abteilung für Sicherheit“ darstellt. Im Sinnen nach mehr Macht spielen sich zahlreiche Intrigen innerhalb der Exekutive ab, die letztlich bis zur Erschießung Nanami Agawa zurückreichen. Die hochspannende Geschichte versinnbildlicht die amoralischen und brutalen Machtkämpfe innerhalb der Behörde am Ende, indem sich die „Spezialeinheit Kerberos“ und die „Abteilung für Sicherheit“ in der Kanalisation gegeneinander kämpfen lässt; ebenjenem düsteren Ort, an dem zu Beginn noch die Sekte operiert.

Inmitten des Thrillergeschehens gibt es immer wieder Einsprengsel einer Beziehungsgeschichte zwischen Fuse und Kei Amemiya, der angeblichen Schwester der getöteten Nanami Agawa. Mittels einer Abwandlung des Märchens „Rotkäppchen“ vorangetrieben, rückt aber auch dieser Handlungszweig alsbald in die Nähe der Machtkämpfe im Apparat. Das ist ebenso düster wie konsequent, macht aber vor allem eines deutlich: Wer nicht gewillt ist, komplexe (und teils nur angedeutete) Handlungsverläufe nachzuvollziehen, der ist hier falsch.

Es sei denn, derjenige betrachtet den Film ausschließlich aufgrund seiner ästhetischen Qualität. Schon die eröffnende Straßenschlacht ist sehr stimmungsvoll und die fliegenden Molotow-Cocktails lassen die großartige Qualität der Animation bereits erahnen. Danach gibt es viel Spiel mit Schatten und Licht, vor allem aber sehr realistische Darstellungen von Architektur. Die Baustellen, Höfe und Straßenschluchten Tokios sehen in ihrer entsättigten Farbe bezaubernd aus und hätten den Film eigentlich zu einem Anwärter für Stefan Riekeles‘ sehr empfehlenswertes Buch Anime Architecture: Imagined Worlds and Endless Megacities gemacht.

31. Januar 2024

Anime, Drama, Eri Sendai, Hiroyuki Kinoshita, Hiroyuki Okiura, Kôsei Hirota, Mamoru Oshii, Sumi Mutô, Thriller, Yoshikatsu Fujiki, Yoshisada Sakaguchi
KIKIS KLEINER LIEFERSERVICE

Kikis kleiner Lieferservice
Majo no takkyûbin | Japan | 1989
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Es ist wahrscheinlich seiner Zugänglichkeit zu verdanken, dass KIKIS KLEINER LIEFERSERVICE (1989) zum ersten großen finanziellen Erfolg des Studio Ghibli wurde, obwohl MEIN NACHBAR TOTORO (1988) und DIE LETZTEN GLÜHWÜRMCHEN (1988) die bei weitem facettenreicheren Filme waren. Denn tatsächlich ist die Coming-of-Age-Geschichte der kleinen Hexe äußerst gradlinig und stringent erzählt, ihr ist einfach zu folgen und das einzige kleine Problem löst sich zügig und restlos auf. Und genau da liegt auch das Problem des Films.

Nach der Exposition braucht der erneut von Hayao Miyazaki geschriebene und inszenierte Film sehr lange, um Kiki in der Stadt zu etablieren. Die Aufnahme ihrer Tätigkeit als Lieferbotin steht der Entwicklung der Geschichte lange im Weg, weder die persönliche Beziehung zu Tombo noch zu anderen Figur nimmt Fahrt auf. Es entwickelt sich auch kein Konflikt, erst sehr spät kommt es zum Frust-bedingten Verlust von Kikis Hexenfähigkeiten. Diesem wird jedoch durch das unvermittelte Auftauchen der Künstlerin sofort begegnet und durch die Rettung Tombos wird das Happy End besiegelt. Es bleibt die kindgerechte Erkenntnis, dass es manchmal im Leben nicht so läuft, es in solchen Fällen aber die beste Idee ist, Ruhe zu bewahren und sich keinen Stress zu machen. Wird schon alles wieder.

Die wirkliche Tragik des Films droht dabei hinter den Ghibli‑typisch tollen Zeichnungen verloren zu gehen. Kiki kann in der großen Stadt nicht ihrer wirklichen Hexen-Profession nachgehen, sie muss viel mehr den Job einer Kurierin annehmen. Darüber zunächst erfreut stürzt sie schnell in Arbeitsstress und schlechte Laune. Sie spricht nur noch von Terminen und hetzt von einem zum nächsten, für Frau Osono oder den freundlichen Tombo bleibt keine Zeit. Selbst die freundliche Künstlerin im Wald hilft Kiki nur für eine Gegenleitung aus der Klemme. Folgerichtig lässt der Burnout nicht lange auf sich warten. Es bleibt zu hoffen, dass all die jungen Gemüter, die diesen Film sehen, verstehen, dass Kiki an all dem Stress und der Einsamkeit erkrankt ist und dass es nun mitnichten hilft, sich kurz eine Pause zu gönnen, um dann genauso weiterzumachen. Dann steht der nächste `Burnout nämlich schon vor der Tür.

29. Juni 2022

Akio Ôtsuka, Anime, Coming-of-Age, Fantasy, Hayao Miyazaki, Kappei Yamaguchi, Kôichi Yamadera, Kikuko Inoue, Kinderfilm, Minami Takayama, Tomomichi Nishimura, Yûko Kobayashi
SEOUL STATION

Seoul Station
Seoulyeok | Südkorea | 2016
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Yeon Sang-hos Anime-Prequel zu seinem Erfolgsfilm TRAIN TO BUSAN (2016) übt sich ähnlich wie sein Realfilm-Nachfolger an einer Südkoreanisierung des Zombie-Sujets. Hinter diesem Vorhaben tritt die bloße Storyline höflich zurück, besteht sie doch durchweg aus altbekannten Versatzstücken. Jedoch sind diese Bauteile stets in den gesellschaftlichen, politischen oder geschichtlichen Kontext Südkoreas gerückt, was ihnen durchaus interessante eigenständige Facetten verleiht.

So eröffnet der Film schon mit der Situation der obdachlosen Menschen rund um die Seoul Station und zeigt gesellschaftliche Kälte und ein starkes sozioökonomisches Gefälle. Die Obdachlosen erscheinen allen anderen nur als Störenfriede (Wachleute) oder Gefahrenquelle (Passanten), eine Kommunikation abseits dieser Zuordnung findet nicht statt. Diese Darstellung findet ihren Höhepunkt, wenn ein Polizist beim Angriff der Zombies auf eine Polizeistation entsetzt ausruft, dass die Obdachlosen angriffen. Auch die später kurz auftretende obdachlose Frau, die fälschlicherweise für einen Zombie gehalten wird, verdeutlicht noch einmal, dass Yeon Sang-ho sehr daran gelegen ist, die weitverbreitete Angst der Menschen vor nicht-angepasstem Verhalten mit der Sorge vor lebensbedrohlichen Zombies gleichzusetzen – und sie somit anzuprangern.

Auch Seoul kommt in Yeons Film nicht gut weg. Von den Einwohnerinnen und Einwohnern bekommt quasi niemand etwas von den Geschehnissen der Nacht mit. Die Straßen sind leer, sie sind unbelebt. Das kann bei rund 25 Millionen Menschen kaum ein Zufall sein; vielmehr möchte hier keiner etwas mitbekommen. Seoul – und somit der Hälfte der südkoreanischen Gesamtbevölkerung – scheinen die Ereignisse schlicht egal zu sein. Und damit am Ende auch sicher nichts nach außen dringt, wodurch am Ende doch noch jemand Notiz nehmen könnte, zitiert Yeon auch gleich noch das Gwangju-Massaker, indem er die Fliehenden von der militärisch auftretenden Polizei einkesseln und erschießen lässt. Zusammen mit Wohnungsnot, Prostitution und christlicher Überhöhung zeichnet der Film ein eher düsteres Seoul.

Die bis kurz vor Schluss recht belanglose Geschichte gönnt sich dann aber auch noch ein einfallsreiches Finale, wenn die Protagonistin Seok-gu am Ende ihren ehemaligen Zuhälter richtet. Ist es im Genre ansonsten ein eingeübter Moment der Trauer, wenn eine Hauptfigur gebissen und kurz darauf folglich zum Zombie wird, so eröffnet es Seok-gu hier die Möglichkeit, im Vergehen ihres menschlichen Lebens zumindest noch ihren Peiniger zu bestrafen. Damit ist zwar nicht alles gut, aber Seok-gu hat zumindest die Kraft, die sie braucht, um zurückzuschlagen. Und das, weil sie zu einer der vermeintlichen Außenseiterinnen geworden ist.

22. Juni 2022

Anime, Horror, Kim Jong-soo, Lee Joon, Ryoo Seung-ryong, Shim Eun-kyung, Yeon Sang-ho, Zombies
MEIN NACHBAR TOTORO

Mein Nachbar Totoro
Tonari no Totoro | Japan | 1988
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Obschon DAS SCHLOß IM HIMMEL (1986) noch etwas an der fahrigen Motivationslage der Protagonisten und dem schlingernden Drehbuch krankte, war das Debüt des Studio Ghibli ein großer Erfolg und eine stilistische Wegmarke. Der Regisseur und Drehbuchautor Hayao Miyazaki hatte mit MEIN NACHBAR TOTORO schon das nächste Projekt im Köcher, welchem die Geldgeber jedoch nur bedingt Vertrauen schenkten. Also wurde die Veröffentlichung mit Isao Takahatas DIE LETZTEN GLÜHWÜRMCHEN (1988) verknüpft, den Ghibli gleichzeitig produzierte. Die in ihrer Figurenkonstellation, bei der sich ein Geschwisterpaar den Anforderungen der sie umgebenden Welt gegenübersieht, nicht unähnlichen Filme liefen als Double-Feature. In Anbetracht der diametral gegenteiligen Stimmungen der Werke dürfte das damals jedoch ein hochgradig irritierendes Kinoerlebnis gewesen sein. Die Veröffentlichung war letztlich ein achtbarer Erfolg, doch erst die nächsten Jahre verankerten MEIN NACHBAR TOTORO fest in der japanischen Kultur und ließen ihn zu einem der japanischen Kinderfilme schlechthin werden.

Miyazaki taucht hier ab der ersten Sekunde durch die Augen der Geschwister Satsuki und Mei in die ländliche Umgebung Tokios ein. Die sogleich entdeckten „Rußlinge“ im Geisterhaus sind für diese Augen aber kaum ein Schrecken, sie künden vielmehr von einer untersuchenswerten Welt. Kurz darauf folgt Mei dann dem kleinen Totoro, um letztlich auf den großen Totoro zu stoßen. Auch hier zeigt das kleine Mädchen keine Angst, trotz des vielfach größeren Wesens, das seinen Schlund zudem dröhnen aufreißt. Inmitten der verregneten Nacht treffen Satsuki und ihre kleine Schwester auf den Katzenbus und letztlich fliegen sie gar mit den Totoros auf deren fliegendem Kreisel über die just entstandenen Bäume – und das Alles ohne Angst und Sorge. Miyazaki zeichnet eine nur den Kinderaugen offenstehende Welt – der liebevolle Vater hat keinen Zugang zu dieser –, die keine Gefahr ausstrahlt. Dazu gehören auch die netten Nachbaren bestehend aus Großmutter und wunderbar-schüchternem Kanta.

Deutlich dahinter zurück tritt die erzählte, hauchdünne Geschichte. Die einzige Entwicklung, das vermeintliche Fortschreiten der Erkrankung der Mutter, ist jedoch von größter Wichtigkeit. Denn sobald die Kinder davon erfahren, wandelt sich ihre ganze Welt. Plötzlich ist die ländliche Umgebung angsteinflößend, die Sonne geht dräuend unter. Es gibt Streit zwischen Satsuki und Mei und letztere geht dann sogar verloren. Zwischenzeitlich steht gar der Tod Meis drohend über dem kleinen Häuschen der Familie, Tränen fließen, Füße werden aufgescheuert. All das Glück und die Unbeschwertheit in der weiterhin an die Kids gebundenen Perspektive sind passe. Es ist eine schier unglaubliche Leistung des Films, den Einbruch der schlechten Nachricht in die Gefühlswelt der Kleinen derart auf die Zuschauenden zu übertragen. Bild und Ton übermitteln Angst und Sorge an die Betrachtenden und lassen all die so niedlichen Momente vergessen. Was aber nicht heißt, dass diese Niedlichkeiten zum Schluss nicht noch gebührend Erwähnung finden sollen. MEIN NACHBAR TOTORO ist auf eine Weise drollig, die sich kaum beschreiben lässt. Die lachenden Kinder, die betörende Natur und natürlich die drei unfassbar knuffigen Totoros mir ihrer grandiosen Mimik suchen Ihresgleichen. Kinder wie Erwachsene finden hier unzählige Momente, in denen es nur darum geht, ergriffen mitzulachen, -zubangen und -zustaunen. Ein großartiger Film für alle; vor allem für jene, die die Erinnerung an diese kindlichen Welten vielleicht schon etwas verloren haben.

30. Januar 2022

Anime, Fantasy, Hayao Miyazaki, Kinderfilm, Noriko Hidaka, Sumi Shimamoto, Yûko Mizutani
DAS SCHLOß IM HIMMEL

Das Schloß im Himmel
Tenkû no shiro Rapyuta | Japan | 1986
IMDb, OFDb, Schnittberichte

STERNENKRIEGER – WARRIORS OF THE WIND (1984) war so erfolgreich, dass Hayao Miyazaki darauf aufbauend das Studio Ghibli gründen konnte. Dessen Erstling war DAS SCHLOß IM HIMMEL, der zwar an den Kassen nicht ganz so erfolgreich war, aber trotzdem den Grundstein für die bis heute andauernde Erfolgsgeschichte des Studios legte. Technisch über jeden Zweifel erhaben, muss sich der Streifen aber vorwerfen lassen, dass er inhaltlich durchaus Schwächen zeigt. Während die Charakterzeichnung erneut angenehm ambivalent und erwachsen ist, gelingt es dem von Miyazaki verfassten Drehbuch nur in Ansätzen, zentrale Motive zu etablieren.

Der von einer Reise nach Wales beeinflusste britisch-viktorianische Stil der vorkommenden Maschinen beeindruckt schon im Vorspann und setzt sich dann nahtlos in dem Minen-Örtchen Pazus fort. Dampfende Lokomotiven, engstehende Arbeiterhäuser und metallene Flugkörper sorgen für eine stimmige Atmosphäre. Pazus Job als Hilfsarbeiter im Bergwerk lässt das Aufeinandertreffen mit der vom Himmel fallenden Sheeta denkbar groß werden. Im späteren Verlauf erweist sich die von Swifts Laputa nur die Grundkonzeption aufnehmende Flugstadt als unbekannt-verwunschen und final als mysteriös-technologisch. Zusammen mit der stimmigen Musik gibt es also bezüglich des Stils nicht viel zu meckern.

Auch ist die zunächst arg altbekannte Mixtur aus Arbeiterjunge mit Träumen und einer vom Himmel fallenden Tochter aus guten Hause mit dunklem Geheimnis durchaus trefflich anzusehen. Die beiden weisen sowohl Stärken als auch Schwächen auf und entwickeln sich im Laufe des Films schlüssig weiter. Die zunächst bösen Piraten (inklusive mütterlicher Anführerin) erweisen sich in der Folge als gutherzige Schlawiner, nur der technokratische Totalitarist ist und bleibt böse. Hier präsentiert uns Miyazaki also erneut facettenreiche Figuren, auch wenn der Küchenjob, den die allseits geachtete Sheeta auf dem Schiff der Piraten erhält, die Freude etwas dämpft. Leider rennen diese Figuren aber weitgehend ohne Motivation durch die schönen Umgebungen. Die Piraten wollen einen Schatz, der Antagonist die Macht. Soweit okay. Aber gerade die Protagonisten bleiben in ihrem Wunsch, die Stadt im Himmel mal zu sehen, erstaunlich blass; Familie hin oder her. Zudem bleibt das ansonsten bei Ghibli so übliche Natur-Thema erstaunlich ungenutzt. Ja, am Ende ist es der Baum, der rettet und fortbesteht, aber die Wechselwirkung von (sowohl hochmoderner als auch an die erste Industrialisierung erinnernder) Technik und Natur bleibt weitgehend unbesprochen. Hier lässt der Film eine Tiefe vermissen, die Werke Miyazakis sonst häufig zeigen – das macht ihn nicht zu einem schlechten Film, verwehrt ihm aber höhere Weihen.

12. Dezember 2021

Abenteuer, Anime, Fantasy, Hayao Miyazaki, Hôchû Ôtsuka, Hiroshi Ito, Ichirô Nagai, Keiko Yokozawa, Mayumi Tanaka, Megumi Hayashibara
PAPRIKA
Paprika
Papurika | Japan | 2006
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Der Zeichentrickfilm im Allgemeinen und der Anime im Besonderen zeichnen sich bekanntlich durch ein gegenüber dem Realfilm stark variiertes Potenzial an optischen Möglichkeiten aus. Ohne Bindung an die Grenzen der Realität (die die CGI-Entwicklung zwar verschiebt, aber doch eben nicht auflöst) sind dieser Filmform seit jeher Dinge möglich, die Fantasie beflügeln und Surrealismus anregen. Satoshi Kons nach einem Roman von Yasutaka Tsutsui entworfener PAPRIKA kann als idealtypischer Beleg dafür herangezogen werden. Die Geschichte des neuartigen psychotherapeutischen Traum-Untersuchungsgeräts DC-Mini wird so unmittelbar verrückt eröffnet, dass den Betrachtenden bereits in den ersten Minuten des Films die Entscheidung, ob sie sich vorbehaltlos darauf einlassen möchten, abgenommen wird. Konakawas wilder Ritt durch seine Träume zeichnet den Takt der folgenden 90 Minuten vor; alles fühlt sich an, wie der Boden seines kleinen Käfigs in der Manege: durchlässig.

Tsutsui setzt danach auf ein bewährtes Prinzip, bei dem die Grenzen zwischen Realität und Traumwelt zunächst noch erkennbar scheinen, dann jedoch mehr und mehr verschwimmen. Was hier Einfluss worauf hat und wer das von wo aus bestimmt, ist völlig undurchschaubar, die Wechselwirkungen zwischen den Ebenen verändern sich ständig. Die Schlagzahl wird dabei immer mehr erhöht, sodass selbst Zuschauende, die mit dem Ziel antreten, sich einen Reim auf Sämtliches zu machen, nach einiger Zeit die Segel streichen und sich dem surrealen Genuss hingeben sollten.

Deutlich vereinfacht wird dieses Hingeben durch die optische Finesse des Films. Die einzelnen Hintergründe sind wunderbar detailreich gezeichnet und der Einsatz von CGI findet maßvoll und gut integriert statt. Weniger Maß kennen hingegen die schieren Mengen an grandiosen Traumerscheinungen. Die Parade wäre es wert, sie minutenlang im Standbild zu untersuchen, das spätere Zusammenfallen von Wirklichkeit und Traum sorgt für einen wunderbaren Clash von realistischen Stadtszenarien und wahnsitzigen Figuren. Sämtliche kulturelle Einflüsse und Verweise zu erkennen erscheint als Mammutaufgabe.

Hinter diesem mitreißenden Surrealismus steht dann eine Metapher, die deutlich die Entstehungszeit von Roman (1993) und Anime (2006) spiegelt: das Internet als freier Raum der Entfaltung. In ihm kann man (analog zur Traumwelt) tun und sein, was man möchte, es wird alles möglich. Geheime Wünsche finden Ausdruck, düstere Pläne werden umsetzbar. Vor 15 respektive 30 Jahren sorgt eine solche Metapher augenscheinlich noch für weitgehend positive Assoziationen. Auch wenn Inui natürlich düstere Pläne verfolgt, so betont der Film durch seine bunt-fröhlich Optik doch auch stets den positiven Charakter der Parallelwelt; Konakawa (der in einer grandiosen Szene zum Film erklärenden Akira Kurosawa wird) wird durch sie gar geheilt. Es fällt schwer, sich dieser Tage eine ähnlich fröhliche Interpretation vorzustellen. Der Film atmet jene positiv besetzte online-Aufbruchsstimmung, welche heute Hass, Hetze und Überwachungskapitalismus gewichen ist. Für Filmbegeisterte ist es somit ein Segen, dass der 2010 verstorbene Satoshi Kon seinen letzten Anime rechtzeitig fertiggestellt hat.
2. Mai 2021

Akio Ôtsuka, Anime, Fantasy, Katsunosuke Hori, Kôichi Yamadera, Kôzô Mito, Megumi Hayashibara, Mitsuo Iwata, Satomi Kôrogi, Satoshi Kon, Science-Fiction, Shin'ya Fukumatsu, Surrealismus, Tôru Furuya
GHOST IN THE SHELL

Ghost in the Shell
Kokaku kidotai | Japan | 1995
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Nach Katsuhiro Otomos AKIRA (1988) ist Mamoru Oshiis GHOST IN THE SHELL, nach dem gleichnamigen Roman von Zeichner Masamune Shirow, ohne Frage der zweite Schritt der japanischen Animationsfilme auf dem westlichen Markt, bevor das Studio Ghibli die Tür mittels PRINZESSIN MONONOKE (1997) und CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND (2001) vollends aufstoßen sollte. Ähnlich wie bei Hiroshi Fukutomes BATTLE ANGEL ALITA-Verfilmung aus dem Jahr 1993 geht es dabei um Fragen von Existenz und Menschlichkeit, wobei GHOST IN THE SHELL als abendfüllendem Spielfilm mit deutlich größerem Budget ganz andere Möglichkeiten offenstehen.

Motoko Kusanagi ist Einsatzleiterin bei der Sektion 9, einer Behörde des japanischen Innenministeriums. In einer mehr oder minder dystopischen Zukunft ist sie als Cyborg, in dessen Kopf sich eine Kapsel mit menschlichem Geist befindet, kein Kuriosum mehr. Trotzdem führt sie mit ihrem Cyborg-Kollegen Batou regelmäßig Gespräche über ihre Menschlichkeit. Die altbekannte Frage nach jenem kleinen Zuviel an Cyberware, dass aus einem Mensch eine Maschine macht, steht im Zentrum der Überlegungen. Eine potenzielle Antwort scheint der mysteriöse Puppet Master zu bieten, eine in den Weiten des Internets entstandene Intelligenz, die gänzlich ohne Körper existiert. Der Puppenspieler wechselt von Körper zu Körper, verweilt teils in Netzwerken und sehnt sich – wie Motoko – nach Menschlichkeit. Er gedenkt diese durch Reproduktion zu erreichen, eine Eigenschaft, die ihm als KI ebenso unmöglich ist wie Motoko als Cyborg. Erst die letztendliche Verschmelzung beider ermöglicht die Erschaffung neuen Lebens und damit das Überschreiten der finalen Schwelle zwischen Menschlichem und Künstlichem. Quasi als Bonus berührt der Film auch noch einige Fragen politischer Implikationen, die durch Körperlosigkeit und KI entstehen können. Aufgrund bewusster Leerstellen lässt Oshii einiges an Interpretationsraum.

Metaphorisch starke Einstellungen zeugen des Weiteren vom Anspruch des Films. Wenn der KI-Panzer am Finale Fossilien und Stammbäume zerstört, dann hört man den Abgesang auf die alte Welt quasi durch das einer Kathedrale gleichende Setting dröhnen. Mehrere grandios gezeichnete und kolorierte Fahrten durch die Stadt verdeutlichen zudem die fortgeschrittene Technisierung – und wenn eine dieser Fahrten mit dem Blick auf starre Schaufensterpuppen endet, dann steht die Frage nach der Bedeutung des menschlichen Körpers überdeutlich im Raum.

Und noch ein paar Sätze zum Handwerk: Die Inszenierung ist schlicht atemberaubend. Sphärische Klänge mit fernen Chorälen untermalen Einstellungen einer Großstadt, die gleichsam enge Gassen und unendliche Weite kennt. Neben der obligaten Anonymität ob des Trubels Großstadt kennt der Film aber auch friedfertige Momente. Wenn Motoko und Batou, die Stadt beobachtend, durch die Kanäle gleiten, entflieht der Film in geradezu hypnotische Momente. Architektur, Licht, Technik und Wesen vereinen sich zu einem unglaublich dichten Netz an Eindrücken. Es sind dies wohl die stärksten Momente des Films – was bei einem so sinnschwangeren Werk wahrlich Einiges heißen will.

25. Februar 2021

Akio Ôtsuka, Anime, Atsuko Tanaka, Cyberpunk, Cyborgs, Drama, Iemasa Kayumi, Kazuhiro Yamaji, Kôichi Yamadera, Maaya Sakamoto, Mamoru Oshii, Masato Yamanouchi, Mitsuru Miyamoto, Science-Fiction, Tesshô Genda, Thriller, Yûji Ueda
STERNENKRIEGER – WARRIORS OF THE WIND

Sternenkrieger – Warriors of the Wind
Kaze no tani no Naushika | Japan | 1984
IMDb, OFDb, Schnittberichte

1. Es verwundert nur wenig, dass der Erfolg von Hayao Miyazakis zweitem abendfüllenden Spielfilm nach DIE JÄGER DES CAGLIOSTRO (1979) den Grundstein für die überaus bekannte und erfolgreiche Animeschmiede Studio Ghibli legte; enthält der Film doch bereits sämtliche Elemente und Bausteine, die, in unterschiedlicher Ausprägung und Kombination, die folgenden Werke – allen voran PRINZESSIN MONONOKE (1997) und CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND (2001) – des Studios so erfolgreich werden lassen sollten. Es erfreut darüber hinaus, dass die entstellende Zerstückelung der US-amerikanischen Fassung, die auch die skurrile deutsche Titelfindung erklärt, mittlerweile als Zeitgeschichte abzutun ist.

2. Ein zentrales Motiv des Films ist der Umgang des Menschen mit der Natur. Miyazakis tiefe Sehnsucht nach Einklang mit und sein pessimistischer Blick auf den Menschen als Gefahr für die Natur sind hier zu nennen. So haben die Menschen die Erde durch den Einsatz der Titanen verwüstet, in ein Ödland verwandelt. Doch auch die wenigen übriggebliebenen Räume intakter Natur erfahren keinen Respekt. Die konkurrierenden Ansiedelungen Torumekia und Pejite nutzen sie als Kriegsschauplatz und planen weitere Verheerungen der Umwelt. Die neu entstandene Flora wie Fauna ist ihnen fremd, sie trachten danach, das Meer der Fäulnis und die falschverstandenen Ohmu zu zerstören – nicht erkennend, dass dieser Angriff auf eine (nur vermeintlich) feindselige Umwelt den allumfassenden Niedergang darstellt. Final gewinnt dann Miyazakis Hoffnung, auch wenn die eher apokalyptischen Töne zuvor die Überhand haben.

3. Miyazakis lässt sich nicht auf Stereotype ein. Weder Kushana als Vertreterin Torumekias, noch ihre Widersacher aus Pejite handeln aus niederen Motiven. Die Kontrahenten versuchen stets Hauptfigur Nausicaä ihre Motive dazulegen und agieren selten aus Gier oder Machtgelüsten. So entsteht das Übel immer aus nachvollziehbaren, menschlichen Überlegungen, nicht aus Verachtendem. Die Antagonisten werden erstaunlich nah- und nachvollziehbar, wenn sie den Krieg als notwendiges Übel darstellen. Und wenn der Einsatz der Titanen dann zum politischen Spiel und die rassistische Behauptung, dass Menschen und Insekten nicht auf einer Welt leben könnten, zum gesellschaftlichen Statement werden, spielt der Film seinen ganzen tiefgründigen Anspruch aus. Miyazaki bietet uns hier keine einfachen Antworten, kein simples Gut und Böse, er gibt komplexe Antworten auf komplexe Fragen.

4. Der Film ist – ungeachtet der gesellschaftlichen Stellung von Animes in Japan – eine wundervolle Mixtur aus kindlichem Abenteuer und erwachsener Metapher. Er ist aufgrund seiner tollen Animationen, seines träumerischen Themas und Soundtracks und der nahbaren Figuren ohne weiteres als unschuldiges Abenteuer zu genießen, offenbart aber bei genauerer Betrachtung die erwähnten Interpretationsansätze. Und auch das ist ja schließlich eine Qualität, die den in den nächsten Jahren folgenden Ghibli-Produktionen stets eigen sein sollte.

16. November 2020

Anime, Bin Shimada, Drama, Fantasy, Hayao Miyazaki, Hôchû Ôtsuka, Iemasa Kayumi, Jôji Yanami, Mugihito, Science-Fiction, Sumi Shimamoto, Yôji Matsuda, Yoshiko Sakakibara