Schlagwort: Action

HAWAII CONNECTION

Hawaii Connection
Picasso Trigger | USA | 1988
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nach MALIBU EXPRESS (1985) und HARD TICKET TO HAWAII (1988) hatte sich Andy Sidaris als sichere Bank in Sachen Nonsens und nackter Tatsachen etabliert. Die beiden sowie zahlreiche folgende Filme sind lose als Triple B– respektive Bullets, Bombs, and Babes-Serie bekannt. Dona Speir (und mit Abstrichen Hope Marie Carlton) ist als DEA-Agentin Donna Hamilton das verbindende Elemente auf Seiten der Darstellenden – und wenn irgendeiner der Filme in der Wikipedia eine mehr als drei Zeilen umfassende Inhaltsangabe vorweisen kann, dann handelt es sich vermutlich um einen Zufall oder absichtliche Redundanz. Die leichtbekleideten Agentinnen kämpfen halt immer in hübscher Umgebung mithilfe hübscher männlicher Kollegen gegen finstere Gangster.

Um diese Grundkonzeption in HAWAII CONNECTION (für den diverse Aufnahmen aus HARD TICKET TO HAWAII wiederverwendet wurden) etwas aufzulockern, hat sich das Ehepaar Sidaris (Andy sorgt für Regie und Drehbuch, seine Gattin Arlene für die Produktion) dazu entschieden, die Gruppe an Kämpfern für das Gute zu vergrößern. Steve Bond ist als Travis dabei, Guich Koock spielt seinen Onkel L.G., während Roberta Vasquez als Pantera zumindest einige Zeit auf Seiten der Guten mitwirken darf. Dazu kommen noch drei, vier weiteren Damen und Herren, sodass eine Grundfeste von Sidaris‘ Filmen, dass jeder Figur auch eine Nacktszene bekommt, ziemlich viel Zeit in Anspruch nimmt. So kämpft sich der Film im Mittelteil, bevor das actionreiche Finale ansteht, also durch zahlreiche softe Körperkontaktszenen – auch eine Form von retardierendem Moment.

Am Ende gibt es dann die ebenfalls typischen Gadgets zu sehen, die für viel Knall und Bumm sorgen: Modellflugzeuge mit Sprengstoff, Modellautos mit Sprengstoff und Bumerangs mit (Achtung!) Sprengstoff. Geierzähler und Gewehr müssen dafür in einer Krücke versteckt werden (?), zu deren glaubwürdigem Einsatz dann auch noch ein völlig nutzloser Gips gehört (??). Da hatte Sidaris auch schon ausgeklügeltere Ideen.

Letztlich ist HAWAII CONNECTION sicherlich nicht der außerordentlichste Vertreter der Triple B-Filmchen: Etwas zu viel Nacktheit, dafür zu wenig Geballer und dumme Sprüche. Trotzdem liefert er saubere Sidaris-Unterhaltung, denn auch ihm gelingt es ab der ersten Sekunde diese ganz spezielle Stimmung zu schaffen, in der man in jedem Augenblick auf plötzliche Nacktheit, wahnwitziges Overacting oder grenzenlos dummes Gequatsche vorbereitet sein muss.

10. März 2026

Action, Andy Sidaris, Bruce Penhall, Cynthia Brimhall, Dona Speir, Guich Koock, Harold Diamond, Hope Marie Carlton, John Aprea, Kym Malin, Nicholas Georgiade, Patty Duffek, Richard LePore, Roberta Vasquez, Rodrigo Obregón, Sexploitation, Steve Bond
HARD TICKET TO HAWAII

Hard Ticket to Hawaii
Hard Ticket to Hawaii | USA | 1987
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Andy Sidaris‘ 1987er Streifen etabliert die DEA-Agentinnen Donna (Dona Speir) und Taryn (Hope Marie Carlton), die in den nächsten Jahren im Zuge der lose zusammenhängenden Bullets, Bombs and Babes-Filme immer mal wieder auftreten sollten. Die Benennung der Reihe muss allerdings als sträflich ungenau bezeichnet werden, denn in HARD TICKET TO HAWAII gibt es deutlich mehr zu sehen als nur Schießereien, Explosionen und leicht- respektive nichtbekleidete Frauen. Schon in den ersten zehn Minuten werden Drogendealer erschossen, am Hafenbacken feinste Softcore-Dialoge dargeboten und riesige giftige Schlagen in Flugzeuge verladen. Warum die Schlange giftig ist? Weil sie infiziert ist „mit tödlichen Stoffen von krebsverseuchten Bisamratten“.

Und auch danach scheucht uns das auch von Sidaris geschriebene Drehbuch von einer Wahnsinnsszene zur nächsten: Da kommt ein Skateboarder des Weges, der sich beim Fahren hinter einer Gummipuppe versteckt, um Sidekick Jade (Harold Diamond) mit einer Schrotflinte in die Brust zu schießen (muss dann auch genäht werden), um dann von Held Rowdy (Ronn Moss) angefahren zu werden. Das Anfahren schleudert den Unhold in die Luft, wo Rowdy ihn dann mit der Bazooka erledigen kann. Wenig später trifft Rowdy sich dann am Strand zu Frisbee-Duell mit einem Schurken, der sich durch des Heroen Können derart herausgefordert fühlt, dass er seine MP zur Seite legt und nicht bemerkt, dass Rowdy die Frisbee gegen ein Modell mit Rasierklingen getauscht hat – so hat dann auch die Abteilung Effekte etwas zu tun. Im Finale darf Antagonist Seth (Rodrigo Obregón) dann eine lange Abfolge von tödlichen Verletzungen einsteckten und trotzdem immer wieder aufstehen, bevor die erwähnte Schlange aus der Toilette hervorbricht, um dann per ebenfalls erwähnter Bazooka gerichtet zu werden.

Jetzt könnte man im Lichte solcher Szenen zu dem Schluss kommen, dass HARD TICKET TO HAWAII tatsächlich einige wilde Idee aufbietet, doch damit würde man missachten, was sich zwischen derartigen Momenten abspielt. Denn der Film nötigt einen durchweg dazu, ihn mit offenem Mund zu verfolgen. Alle Frauen sind durchweg knappst oder nicht bekleidet und posieren immer so, als wären sie auf dem Laufsteg. Die Dialoge sind allesamt wahnwitzig platt oder albern, einige Kalauer funktionieren prächtig. Overacting ist Pflicht, es gibt nichts, was nicht passieren kann und Kleidung, Kostüme und Ausstattung bringen jeden vom 80ies/90ies-Revival befallenen Hipster zum Jubeln. Kampfkunst und Schwertkampf finden auch noch ihren Platz und am Ende kommt man zu der beeindruckenden Erkenntnis, dass es Andy Sidaris wie nur wenigen anderen gelingt, jeden erdenklichen billigen Schauwert in diesen Film zu packen, ohne dass es zur beliebigen Aneinanderreihung verkommt. Der Film wirkt erstaunlich stringent und geschlossen, ob er Quatsch an Blödsinn reiht. Sidaris ist ein Zauberer des exploitativen Kinos!

2. Dezember 2025

Action, Andy Sidaris, Cynthia Brimhall, David DeShay, Dona Speir, Exploitation, Harold Diamond, Hope Marie Carlton, Kwan Hi Lim, Lory Green, Michael A. Andrews, Patty Duffek, Ronn Moss, Rustam Branaman, Wolf Larson
JAGD AUF ROTER OKTOBER

Jagd auf Roter Oktober
The Hunt for Red October | USA | 1990
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Nach PREDATOR (1987) und STIRB LANGSAM (1988) war John McTiernans Ruf als Fachmann für spannende Actionstreifen bereits gefestigt. Da bedurfte es bei Paramount Pictures keiner langen Überlegungen, bis man zu dem Schluss kam, dass ein Budget von 30 Millionen US-Dollar und ein Drehbuch, dass auf einem Roman des seit einigen Jahren erfolgreichen Tom Clancy fußt, bei ihm in guten Händen seien. Und auch wenn JAGD AUF ROTER OKTOBER McTiernan etwas von beinharter Action weg- und stattdessen zum ruhigeren Thriller hinführt, so erweist sich die Entscheidung, ihn für dieses Projekt zu engagieren, doch als richtig.

Denn der Regisseur liefert unter Wasser genauso ab, wie im Dschungel oder auf dem Nakatomi Plaza. Die Geschichte um den sowjetischen Überläufer Marko Ramius (Sean Connery mit Perücke), der auf der Gegenseite sein verständiges Pendant Jack Ryan (Alec Baldwin) findet, lebt von der beklemmenden Atmosphäre in den diversen U-Booten und von den spannenden Dialogen. Gut, dass McTiernan mit Scott Glenn als US-amerikanischem Commander, Sam Neill als Ramius rechter Hand, James Earl Jones als US-Admiral oder Tim Curry als sowjetischem Schiffsarzt eine ganze Reihe toller Mimen an Bord hat, die die doppelbödigen Dialoge, bei denen man von Beginn an ständig nach Verrätern und Falschspielern sucht, überzeugend transportieren können.

Tom Clancys gleichnamige Romanvorlage stammt aus dem Jahr 1984 und ist somit noch etwas mehr im Kalten Krieg verhaftet als die Verfilmung, die ihre Figuren und die Sowjetunion schon fast in einer GOLDENEYE (1995) ähnlichen Art und Weise karrikiert. Die Figur Ramius und seine Anhänger werden als edle Gesellen gezeichnet, die dem Sowjet-System mittlerweile entsagt haben, aber die sie verfolgenden Sowjet-Soldaten und der Botschafter Andrei Lysenko (Joss Ackland) sind Abziehbilder der Anti-Kommunismus-Propaganda. Skurril wird es dann, wenn Sam Neill als Borodin von “Montana”, einer “knackigen Amerikanerin” und der “Kaninchenzucht” träumt; immerhin wird dieser Kitsch von Ramius gekontert, indem er ihm anrät, doch gleich zwei Frauen zu nehmen – und Borodins Vorstellungen damit als Klischees entlarvt. Trotzdem darf Ramius dann am Ende Columbus zitieren und von Ryan in “der neuen Welt” begrüßt werden. Eine völlig schräge Metapher, die noch einmal verdeutlicht, dass hier keine intellektuelle Auseinandersetzung angestrebt ist, sondern flotte Unterhaltung – und das gelingt dem Film.

5. November 2025

Action, Alec Baldwin, Courtney B. Vance, Jack-Ryan-Reihe, James Earl Jones, Jeffrey Jones, John McTiernan, Joss Ackland, Peter Firth, Richard Jordan, Sam Neill, Scott Glenn, Stellan Skarsgård, Thriller, Tim Curry, Timothy Carhart, Tom Clancy, U-Boote
RUNNING MAN

Running Man
Running Man | USA | 1987
IMDb, OFDb, Schnittberichte

In PREDATOR (1987), der nur wenige Monate vor RUNNING MAN in die Kinos kam, wird Arnold Schwarzenegger nach CONAN DER BARBAR (1982), TERMINATOR (1984) oder auch PHANTOM KOMMANDO (1985) bekanntlich in die Rolle des Schwächeren gesteckt, der der Übermacht des Predators nur mit List etwas entgegensetzen kann. RUNNING MAN hingegen zeigt Arnie gleich wieder als körperlich allen anderen überlegen – und weitet das auch auf seine moralische Größe aus: Schon nach 15 Minuten wissen wir, dass die Produzenten der namensgebenden TV-Show genauso korrupt sind, wie das Justizministerium, das nicht nur Gefangene zur Unterhaltung der Massen liefert, sondern diese auch noch mittels gefälschter Beweise diskreditiert. Dem gegenüber steht der dem Guten verpflichtete Ex-Cop Ben Richards, als der Arnie dann ebenfalls Teilnehmer der TV-Show „Running Man“ wird. Dass er all die skurrilen Gegenspieler locker abräumt und danach der geschmacklosen Sendung ein Ende setzt, steht jederzeit außer Frage und stellt den Rahmen für straighte Action-Unterhaltung dar.

Der kurzfristig als Regisseur verpflichtete und ansonsten als Detektive Starsky aus STARSKY UND HUTCH (1975 – 1979) bekannte Paul Michael Glaser inszeniert das Ganze dann weitgehend als flottes 80ies-Musikvideo. Durch den allgegenwärtigen Nebel dringt Neonlicht, das Spielfeld besteht aus Ruinen und schummrigen Gassen, der Synthie-Sound dröhnt. Zur Eröffnung bekommen wir den Gegensatz zwischen der modernen Konzernwelt und einem dystopischem Stadtpanorama gezeigt, wobei tolle Matte Paintings das Auge erfreuen. Dieser optische Gegensatz deutet auf eine inhaltlich Klammer hin, die jedoch nur stellenweise ausformuliert wird.

Arnold schiebt in seiner Biografie Total Recall – Die wahre Geschichte meines Lebens die Schuld dafür Glaser zu, dem es schlicht an Erfahrung gemangelt habe. Aber Drehbuchautor Steven E. de Souza ist mit Drehbüchern wie NUR 48 STUNDEN (1982), PHANTOM KOMMANDO (1985) oder BEVERLY HILLS COP III (1994) auch nicht gerade für tiefsinnigste Ergüsse bekannt (was dessen Verdienste um zahlreiche schmissige Filme bis hin zu STIRB LANGSAM (1988) und STIRB LANGSAM 2 (1990) keineswegs schmälern soll). Von dem in Stephen Kings Romanvorlage Menschenjagd vorhandenen Zynismus bleibt jedenfalls nur wenig übrig. Die Massen werden (unter anderem mit Deepfakes) manipuliert, um ihren „gerechten Zorn“ auf eigentlich Unschuldige zu lenken und von den gesellschaftlichen Missständen abzulenken. Dabei entsteht ein Gefühlsüberschwang, der sowohl in der Trauer um die „Helden“ als auch im Hass auf die Verurteilten seinen Ausdruck findet. Letztlich ist aber jede Oneliner und jede Actionsequenz wichtiger als diese kritischen Ansätze. Das ist aber nicht schlimm, der Film ist ein unterhaltsamer Actioner und wer etwas mehr Zynismus und Ernsthaftigkeit sucht, der kann ja ROBOCOP (1987) oder STARSHIP TROOPERS (1997) gucken.

12. September 2025

Action, Arnold Schwarzenegger, Dweezil Zappa, Erland Van Lidth, Gus Rethwisch, Jesse Ventura, Jim Brown, Karen Leigh Hopkins, Maria Conchita Alonso, Marvin J. McIntyre, Mick Fleetwood, Paul Michael Glaser, Professor Toru Tanaka, Richard Dawson, Science-Fiction, Sven-Ole Thorsen, Yaphet Kotto
CONVOY

Convoy
Convoy | USA | 1978
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Bücher, Spiele, Theaterstücke, wahre Begebenheiten – alles altbekannt. Aber ein Film, der sich auf einen Country-Song als Vorlage beruft, stellt wahrlich eine Seltenheit dar. Für Sam Peckinpahs CONVOY (1978) verfasste Bill L. Norton aber ein Skript, das auf C. W. McCalls Country-Erfolg Convoy basiert. Dabei zeigte sich Peckinpah bereits mit GETAWAY – EINE KNALLHARTE GANGSTER-STORY (1972) Fahrzeug-verständig und der Erfolg von Hal Needhams EIN AUSGEKOCHTES SCHLITZOHR (1977) ließ einen Streifen rund um Trucker und sie verfolgende Polizisten potenziell erfolgreich scheinen.

Sam Peckinpah verhehlt seine Westernherkunft, immerhin schuf er mit THE WILD BUNCH – SIE KANNTEN KEIN GESETZ (1969) einen veritablen Klassiker, dabei zu keinem Zeitpunkt. Formal wird dies in zahlreichen Landschafts-Totalen deutlich und in den sie kontrastierenden Nahaufnahmen der Gesichter. Inhaltlich tauschen die Heroen ihr Pferd gegen ihre Sattelschlepper, bleiben aber der Rolle der lonesome rider treu. Aber auch sein Händchen für das Unterhaltungskino zeigt der Regisseur. Da tanzen die Maschinen zur Walzer-Variation des Titelsongs in unzähligen Blenden durch den Wüstensand und die nächste actionreiche Zeitlupensequenz wartet stets hinter der nächsten Straßenecke. Eine ordentliche Portion male gaze rundet die auf simple Unterhaltung getrimmte Seite des Films ab.

Und die steht dann auch immer wieder zur Entlastung des Geschehens parat. Wenn Ernest Borgnine als genial schmieriger Bulle Lyle den unschuldigen Spider Mike (Franklyn Ajaye) rassistisch attackiert, endet das beispielsweise nur Sekunden später in einer dämlich kommentierten Massenklopperei. Aber auch Hauptfigur Rubber Duck (Kris Kristofferson) wird immer wieder auffällig von Ernsthaftigkeit entbunden. Sein Convoy vereint allerlei Malocher, Schwarze und Außenseiter und wird so zu einem Medienereignis, das die Sympathie der Massen gewinnt (selbst Golfcart-fahrende Schnösel wollen mitmischen). Als Medien und Politik davon zu profitieren versuchen, zeigt der Film zwar die häufig diffuse Zielrichtung solch sozialer Massenphänomene, lässt sich Rubber Duck aber schließlich mit einen „Ich bin nur zufällig hier vorne“ aus der Affäre ziehen. Er muss sich nicht mal zum seinem Ideal folgenden Outlaw erklären, er zieht einfach davon. Weder die Hauptfigur noch der Streifen selbst wollen augenscheinlich etwas fordern.

Und so bleibt dieser an sich hochsympathische Film leider etwas eindimensional: Die Politiker ähneln eher schmierigen Gangstern und am Ende gibt es ein explosives Krawall-Finale nach dem schließlich alle über Rubber Ducks (unaufgelöste) Finte lachen können – selbst Lyle. So war schließlich doch alles nur ein großer Gag und im Abspann spulte man wie in einer TV-Serie noch mal die Highlights ab. Mehr ist es leider nicht. Es bleibt also nur, sich an der Form zu erfreuen oder sich über die vergebene Möglichkeit, hier einen wirklich großen Film zu machen, zu ärgern. Beides hat seine Berechtigung.

18. März 2024

Action, Ali MacGraw, Billy Hughes, Brian Davies, Burt Young, Cassie Yates, Ernest Borgnine, Franklyn Ajaye, Jackson D. Kane, Kris Kristofferson, Madge Sinclair, Seymour Cassel, Walter Kelley
ROCKY II

Rocky II
Rocky II | USA | 1979
IMDb, OFDb, Schnittberichte

Wenn ROCKY (1976), für den Sylvester Stallone das Drehbuch geschrieben hatte, so dermaßen an den Kinokassen abgeräumt hatte, was müsste dann erst möglich sein, wenn Stallone auch noch Regie führte? Drei Jahre später sollten die Menschen sich in Form von ROCKY II ansehen können, was mit Sly auf dem Regiestuhl möglich war: Vor allem ein Neuaufguss der Geschichte von 1976, der sich nicht scheut, mit Apollo Creed (Carl Weathers) gar den gleichen Antagonisten ins Rennen zu schicken. Der Film läuft also erneut auf den großen Kampf am Ende zu, erzählt dieses Mal aber nicht die gelungene Aufstiegsgeschichte von Rocky Balboa, sondern von seinem Umgang mit dem Erfolg. Hemmungslosem Prassen folgt demütige Arbeit in der Schlachterei und dem Boxstall. Natürlich ist das Comeback als Boxer der Ausweg, aber ein kaputtes Auge und Adrians (Talia Shire) Sorgen stehen dem im Wege.

Stallone konstruiert also eine durchaus interessante Situation, bei deren Auflösung er dann aber einen bestürzend einfachen Weg geht; alle Schwierigkeit sind nach dem ellenlangen Koma Adrians einfach vergessen: Das Auge wird nicht mehr thematisiert und der zweite Gedanke, den die Erwachte nach dem Koma zu formulieren in der Lage ist, lautet: „Gewinne!“. Dann endlich kann Sly sich inszenatorisch voll auslassen und sowohl die Trainings- als auch die Joggingmontage (die natürlich wieder auf den berühmten Stufen endet), mit eingefrorenen Bildern beenden. So erschafft man eben Ikonen.

Schauspielerisch kann Stallone nicht mehr so glänzen wie noch im Vorgänger. Aufgrund seines Gehampels und der Leseschwäche wirkt Rocky bisweilen gar etwas simpel gestrickt, was ihn aber nicht davon abhält, auch immer wieder trockene Witze zu platzieren. Er bleibt aber eine positive Identifikationsfigur, wenn er beispielweise Apollos aggressive Sprüche im Zuge einer Pressekonferenz ruhig kontert und sich im Boxstudio nicht reizen lässt. Auch als Paulie (Burt Young) ihm erlaubt, seiner Schwester die Zähne auszuschlagen, wenn sie ihn nerve, antwortet Rocky nur lakonisch, dass er sie mit Zähnen lieber möge. Leider erreicht die Charakterzeichnung aber nie die Tiefe des Erstlings.

Der finale Kampf ist dann nicht nur unnötig lang, sondern auch unfassbar übertrieben und mündet im erwartbaren Ende. Leider lässt der Film hier auch noch den letzten losen Faden, Rockys Linksauslegerei, quasi unerwähnt fallen. Das macht das Ziel des Films noch einmal überdeutlich: Mehr vom Gleichen. Das muss bei einer tollen Vorlage nichts Schlechtes sein, sorgt aber für deutlich weniger Begeisterung.

26. Februar 2024

Action, Al Silvani, Boxen, Burgess Meredith, Burt Young, Carl Weathers, Drama, Frank McRae, Joe Spinell, Kampfsport, Leonard Gaines, Rocky, Sportfilm, Stu Nahan, Sylvester Stallone, Sylvia Meals, Talia Shire, Tony Burton
INDIANA JONES UND DAS RAD DES SCHICKSALS

Indiana Jones und das Rad des Schicksals
Indiana Jones and the Dial of Destiny | USA | 2023
IMDb, OFDb, Schnittberichte

So, Indys letzte Runde – zumindest in dieser Form. Aber man weiß ja heute nie. Die CGI-Exposition zeigt folglich auch, was heute alles möglich ist. Der junge Indy in der etwas zu lang geratenen Nazi-Zug-Eröffnung sieht (mit den üblichen Abstrichen) durchaus passabel aus und man gewöhnt sich beim Gucken erstaunlich schnell daran, sodass der Wechsel ins Jahre 1969 und zu einem oberkörperfreien Harrison Ford im Alter von 80 Jahren dann die gewünscht abrupte Wirkung erzielt. Das New York aus dem Computer sieht dann jedoch gleichsam schrecklich aus und das setzt sich fort: Tanger, Sizilien, der Sturm am Ende, alles leidet unter dem ewig-gleichen, artifiziellen Look, der gerade einem Abenteuerfilm, der ja ferne Orte ins Zentrum seiner Darstellung rückt, völlig unangemessen ist. Diesbezüglich ist der Genre-Vater leider keinen Deut besser als jüngere Epigone wie UNCHARTED (2022) oder THE LOST CITY – DAS GEHEIMNIS DER VERLORENEN STADT (2022).

Das Drehbuch, an dem neben dem Regisseur James Mangold auch der renommierte David Koepp beteiligt war, nimmt sich dann in der Folge oft zu wenig Zeit, Orte und Figuren in Ruhe zu zeichnen. Ständig steht die nächste Action-Sequenz parat, sodass ein ruhiges Etablieren der verschiedenen Settings kaum möglich ist. So verkommen die einzelnen Szenarien zu bloßen Hintergründen, ein Eintauchen wird den Zuschauenden unnötig erschwert; und so fühlt sich am Ende ein Film von über 150 Minuten merkwürdig rastlos an. Und wenn man so viel im Film unterbringen möchte, dann findet natürlich auch so mancher Quatsch seinen Weg ins Werk: Aal-Attacken, ein trotz Brustschuss ewig weitermachender Indy oder ein des Schwimmens nicht fähiger Junge, der unter Wasser einen Hünen dem Tode weiht – all solche Szenen sorgen für Kopfschütteln. Natürlich dürfen sie – genau wie die Zeitreise – in einem solchen Film vorkommen (Indy begegnete schon immer dem Phantastischen), aber die Häufung lässt doch stutzen.

Apropos Zeitreise. Auf den ersten Blick ebenfalls etwas weit hergeholt, erweist sich dieses Element letztlich durchaus als Kondensat des Films. Denn es geht um Zeit. Es geht um das Altern Indys (und Harrison Fords), es geht um die Wirkung von Zeit auf Beziehungen (z.B. zu Marion) und es geht um die Beschäftigung mit anderen Zeiten im Zuge der Archäologie. Als der von Mads Mikkelsen gegebene Antagonist Voller versucht, die Zeit auszutricksen, misslingt ihm das und selbst Indy scheitert mit seinem Wunsch, in der Antike zu bleiben, an der Faust Helenas (Phoebe Waller-Bridge). Letztere darf nach dem quengelnden Sohnemann-Versuch Shia LaBeoufs in INDIANA JONES UND DAS KÖNIGREICH DES KRISTALLSCHÄDELS (2008) durchaus als gelungen angesehen werden, auch wenn ihre Toughness am Ende leider allzu häufig ihre einzige Eigenschaft bleibt.

Zum Ende seien noch einige warme Worte gestattet. John Williams‘ Score orientiert sich zwar bisweilen bis in die Details an den Vorgängern, macht damit aber natürlich nichts falsch. Und ganz generell gelingt es dem Film, großen Respekt vor den Vorgängern zu zeigen. Es gibt kleine Anspielungen, hin und wieder mal einen Scherz, aber es kommt zu keinen anmaßenden Kommentaren oder vorwitzigen Versuchen, Neues zu etablieren. Man kann das als Mutlosigkeit interpretieren, aber da die Reihe in Anbetracht des Alters des Hauptdarstellers hier ihren Abschluss findet, kann man es auch wohlwollender auffassen: Wohin sollten etwaige Neuerungen noch zielen, was sollen sie anstoßen? Mir jedenfalls gereicht der Film zu einem letzten wohligen Zusammentreffen mit Indy und die geradezu beiläufige Schlussszene sagt mir, das James Mangold genau dieses Ziel hatte.

12. Januar 2024

Abenteuer, Action, Alaa Safi, Alfonso Mandia, Antonio Banderas, Chase Brown, Fantasy, Francis Chapman, Harrison Ford, Indiana Jones, James Mangold, John Rhys-Davies, Karen Allen, Komödie, Mads Mikkelsen, Martin McDougall, Olivier Richters, Phoebe Waller-Bridge, Shaunette Renée Wilson, Thomas Kretschmann, Toby Jones
DEMOLITION MAN

Demolition Man
Demolition Man | USA | 1993
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Auch nach 30 Jahren muss man Marco Brambillas Sci-Fi-Actioner DEMOLITION MAN einiges lassen: Der Film, der nur wenige Monate vor dem völligen Durchbruch der CGI-Technik entstanden ist, sieht zum immer noch toll aus. Die Kulissen vermitteln eine glaubhafte nahe Zukunft, Technik und Fahrzeuge sind angenehm greifbar und diverse Matte Paintings stellen das friedfertige und moderne San Angeles sehenswert dar. Zahlreiche nette Ideen geben der Welt einiges an Individualität. Da erstaunt es doch sehr, dass Art Director Walter P. Martishius, der im gleichen Jahr am wahnwitzigen SUPER MARIO BROS. (1993) mitwirkte, sich bis heute vor allem als Designer der BARBIE-Animationsfilme ausgezeichnet hat. Nachvollziehbarer wirkt da schon die Beteiligung von Setdesigner Robert Gould, der sich vorher bereits um ROBOCOP (1987) oder DIE TOTALE ERINNERUNG – TOTAL RECALL (1990) verdient gemacht hat.

Das Ergebnis ist dann eine „heile Welt“, in der Beleidigungen sofort geahndet werden, Schwangerschaften einer Lizenz bedürfen und Sex nur noch per Gedankenübertragung stattfindet. Der Verzehr von Fleisch, das Raucher, Kontaktsportarten, Zigarettenkonsum und Benzinverbrauch sind gleich ganz verboten. Das ist natürlich weniger eine „heile“ als vielmehr eine „Brave New World“; die Namensgebung von Sandra Bullocks Figur Lenina Huxley verweist somit gleich im doppelten Sinne auf den Vater dieses Gedankens. Anders als bei Aldous Huxleys Klassiker beängstigt San Angeles aber weniger, es belustigt viel mehr: Die Franchise-Kriege, die überzeichnete Höflichkeit und allerlei Späße (darunter der Popkultur gewordene Drei-Muschel-Gag) lassen die Rezipienten eher grinsend mit dem Kopf schütteln als Angstschweiß produzieren. Lediglich der nach außen väterlich-liebende, nach innen aber menschenverachtend-berechnende Anführer Cocteau (Nigel Hawthorne) lässt erahnen, dass Böses hinter der schönen Fassade steckt (natürlich mit Kamin und schwarzem Umhang)

Er holt nämlich den 1996 eingefrorenen verrückten Bösewicht Simon Pheonix (Wesley Snipes) in seine Zeit (2032), um seinen Gegner, den gegen das vermeintliche Utopia kämpfenden Edgar Friedly (Denis Leary) zu eliminieren. Da Phoenix‘ aus einer anderen Epoche stammende Gewalttätigkeit von der Polizeibehörde des friedfertigen San Angeles nicht eingehegt werden kann, holt sich diese den ebenfalls eingefrorenen Gesetzhüter John Sparten (Sylvester Stallone) herbei, der aus alten Tagen noch eine Rechnung mit Phoenix offen hat. Gegen fiese Kriminelle helfen halt nur fiese Bullen – man fühlt sich glatt in einen Poliziesco versetzt – nur in der Zukunft. Also ballern und prügeln sich Sly und Snipes quer durch die diversen Sets und zeigen den schlappen Zukunftsmenschen, was echte 90er-Action ist.

Aber halt! Wenn wir schon den Poliziesco-Vergleich ziehen, dann muss doch auch irgendwo jene reaktionäre Ader pochen, die die meisten Vertreter dieses italienischen Genres zu Höchstleistungen antrieb. Und tatsächlich, sobald Edgar Friendly zu Wort kommt, wird alles eindeutig: Der fordert nämlich eine Welt, in der er Fleisch futtern, sich Cholesterin nach Belieben zuführen und Zigaretten im Nichtraucherbereich rauchen darf. Friendly ist der unzufriedene Wutbürger in der Hülle des Anarchisten aus der Kanalisation. Plötzlich ist jeder Fleischesser ein Widerstandskämpfer gegen das düstere System. Wer den Nachbartisch im Restaurant mit Zigarettenqualm einnebelt, wird zum Verteidiger der Freiheit. Doof nur, dass in der abgelehnten Gesellschaft auch die Abtreibungen verboten sind – oder kämpft der anarchistische Kleinbürger nun auch für Abtreibungen?

29. September 2023

Action, Benjamin Bratt, Bob Gunton, Denis Leary, Glenn Shadix, Komödie, Marco Brambilla, Nigel Hawthorne, Sandra Bullock, Science-Fiction, Sylvester Stallone, Wesley Snipes
CON AIR

Con Air
Con Air | USA | 1997
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1998 erhielt Simon Wests Regie-Debüt CON AIR (1997) die nur zweimal vergebene Sonderversion der Goldenen Himbeere für die Rücksichtsloseste Missachtung von Menschenleben und öffentlichem Eigentum (der zweite Gewinner war RAMBO: LAST BLOOD (2020)). Die dafür ausschlaggebende Szene ist der Flugzeugabsturz auf dem Strip in Las Vegas. Es vermag einen dabei sehr zu ernüchtern, dass diese wenig explizite Szene seinerzeit derartige Aufmerksamkeit erregte, die grundsätzliche Haltung des Films zum Thema Gefängnisinsassen hingegen kaum rezipiert wurde.

Dabei prästiert uns das Drehbuch von Scott Rosenberg ein Menschenbild, dass nur allzu plausibel erscheinen lässt, warum in den USA immer mehr Gefängnisse gebaut, immer mehr Menschen eingesperrt und deren Resozialisierungsperspektiven immer schlechter werden: Gefängnisinsassen sind halt einfach miese Typen. Oder wie es ein Gesetzeshüter im Film ausdrückt: „Jeder Einzelne von ihnen ist ein Monster“. Aha. Empörung kommt bei selbigem Fachmann allerdings auf, wenn „das System“ eine Mitschuld an der Existenz von Kriminellen tragen soll. Blödsinn! Jeder ist halt wie er ist und Gefangene sind nun einmal böse. Also kann der Film alle Figuren so abgründig zeichnen wie er will und eine halbe Handvoll guter Ausnahmen bestätigt diese Regel. Hauptfigur Cameron Poe (Nicolas Cage) war Opfer eines Unglücks, bei seinem Buddy Baby-O (Mykelti Williamson) wird gleich gar nicht erklärt, was er in dem Flieger macht. Aber er ist einer von den Guten!

Mithilfe von Baby-O und Wächterin Sally Bishop (Rachel Ticotin) kann Poe dann als großer Menschenfreund gezeichnet werden. Er bleibt an Bord, um Baby-Os Insulinzufuhr sicherzustellen und setzt alles daran, Sally vor dem Vergewaltiger Johnny 23 (Danny Trejo) zu schützen. Gleichzeitig kommentiert Poe alles mit kernigen bis ultraflachen Onelinern und Cage verleiht auch dieser Rolle den immergleichen Cage-Blick. Mit Vince Larkin (John Cusack) hat er dann noch einen guten Mitstreiter auf Seiten des Staates, der sich ebenfalls gegen nervige Kollegen durchsetzen muss. Die Verhältnisse sind also glasklar: Die Guten sind von Natur aus gut, die Bösen sind von Natur aus böse – und die Frauen bauchen von Hilfe. Wächterin Sally ist auf Poe angewiesen und dessen Ehefrau taucht alle 20 Minuten weinend bei Larkin auf und bittet ihn um Hilfe.

Verpackt ist dieses sehr begrenzte Weltbild in eine recht müde Story, die immerhin mit ordentlichem Tamtam präsentiert wird. Eine ordentliche Menge handgearbeiteter Effekte sorgt für Abwechslung, ständig explodiert etwas, lediglich das Las Vegas-Finale fällt spürbar ab – was die Himbeer-Verleihung noch merkwürdiger macht. Zwei Szenen stehen dabei pars pro toto für die Beliebigkeit der Geschichte: In der Zelle von Oberbösewicht Cyrus the Virus (unterfordert: John Malkovich) findet Larkin hinter einem künstlichen Stein diverse Dokumente, auf denen er per ebenfalls vorhandener Schablone die nächsten Schritte Cyrus‘ ablesen kann. Noch nicht absurd genug? Dann klärt uns der Film im Finale darüber auf, dass es auf dem Las Vegas-Strip scheinbar eine Steinstampfmaschine gibt, die auch nachts läuft und die einem wirklich zum Verhängnis werden kann. Wow!

17. August 2023

Action, Danny Trejo, Dave Chappelle, Flugzeug, John Cusack, John Malkovich, Landry Allbright, Monica Potter, Nick Chinlund, Nicolas Cage, Rachel Ticotin, Simon West, Steve Buscemi, Steve Eastin, Thriller, Ving Rhames
MANTA MANTA – ZWOTER TEIL

Manta Manta – Zwoter Teil
Manta Manta – Zwoter Teil | Deutschland | 2023
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Wolfgang Bülds MANTA MANTA (1991) traf zusammen mit Peter Timms MANTA – DER FILM (1991) seinerzeit einen Nerv; Zeit- und Lokalkolorit wurde in beiden Filmen mit sympathischen Figuren und viel Herz zu unterhaltsamen Klassikern verquirlt. Dass man dann Jahre später von diesem Potenzial zehren möchte, ist nachvollziehbar, aber was Til Schweiger auf dem Regiestuhl zum MANTA MANTA – ZWOTER TEIL (2023) tut, ist mitnichten das Erinnern an jene großen Filme, sondern ein unfassbar hohles Anbiedern an moderne Sehgewohnheiten.

Das wird vor allem an den Figuren selbst deutlich. Sie pendeln – jene nach Szene und Situation – zwischen alle möglichen Eigenschaften. So ist der stets omnipräsente Schweiger mal der die neue Welt nicht verstehende Bommer (wenn er Influencer als Influenza bezeichnet, ein Klapphandy benutzt, ihn der Wechsel des Geschlechts zum Lachen bringt oder er „Autos sind Freiheit“ raunt), mal der moderne Vater mit Verständnis, Rücksicht und viel Gefühl. Zwischendurch ist er auch noch der Raufbold, der Zyniker, der Draufgänger oder der Spaßvogel. Das ist aber keine Vielschichtigkeit, Regisseur und (einer von sieben) Drehbuchautor(en) Schweiger formt die Figuren einfach so, wie sie die jeweilige Szene benötigt. So ist Sohnemann Daniel (Tim Oliver Schultz) innerhalb von wenigen Minuten abgestoßen, erstaunt, beeindruckt und verwirrt von Papa Bertie (Til Schweiger) – ach und zwischendurch hat er ihn noch verstoßen. Der Einzige, der konsistent bleibt, dabei aber konsequent verachtet wird ist Klausi, erneut gegeben von Michael Kessler. War der 1991 noch der schusselige, aber liebenswerte Chaot, trifft ihn heute nur noch der triefende Hohn seiner Freunde. Und sollte das liebevoll gemeint sein, möchte man nicht mit Schweiger befreundet sein.

Aber die Anbiederung an moderne Sehgewohnheiten geht über diese Figurenzeichnung hinaus. Der Film verzichtet fast gänzlich auf einen übergreifenden Spannungsbogen, sondern hangelt sich von Szene zu Szene und versucht, diese jeweils für sich funktionieren zu lassen. Das sorgt aber vor allem für zügig aufkommende Langeweile, da zwischen den einzelnen Kalauern kein Zusammenhang besteht. Und da man diese „Short-Video“-Inszenierung immer noch mit einem Spielfilm verwechseln könnte, greift Schweiger noch tiefer in die Social-Media-Trickkiste und zieht eine Technik namens Slow-Motion heraus: Also gibt es ellenlange Slow-Motion-Sequenzen, die unbeschreiblich grotesk sind. Exemplarisch sei jenes Treffen in der Garage genannt, bei dem drei Minuten lang geschraubt, gelacht, gewunken, gestaunt und gewasweißicht wird – alles in Zeitlupe. Der blanke Wahnsinn. Dass diese Technik im Finale auch noch zur Werbeplatzierung genutzt wird, schließt den Kreis hin zur Social-Media-Ästhetik vollends.

Beiseitelassen möchte ich Beschwerden über den Inhalt und den Humor. Ja, die Storyline ist so flach wie ein ordentlicher Opel Manta B GT/E 400 (und obendrein zu guten Teilen ein Aufguss von 1991) und der Humor ist teils unfassbar kindisch (Schmirgelpapier?!), aber Filme können auch mit dünner Geschichte und flachen Witzen gelingen. Aber was bitteschön hat sämtliche Beteiligte geritten, in einem Film, der diesen Titel trägt, den Manta erst 20 Minuten vor Ende einrollen zu lassen? Und warum hat man einfach darauf verzichtet, den Film wieder an den Ruhrpott zu binden (ein HA-Kennzeichen reicht da nicht)? Wenn es irgendeines Beleges bedürfte, dass MANTA MANTA – ZWOTER TEIL nichts mit Wolfgang Bülds MANTA MANTA zu tun hat, dann wäre der schon mit diesen beiden Tatsachen erbracht.

15. August 2023

Action, Jan-Philipp Jarke, Jean Pierre Kraemer, Komödie, Michael Kessler, Nadja Becker, Ronis Goliath, Ruhrgebiet, Tamer Tirasoglu, Til Schweiger, Tim Oliver Schultz, Tina Ruland