História do Drama

Drama Antigo

As origens do drama ocidental podem ser rastreadas na música celebratória da Attica do século VI a.C., a região grega centrada em Atenas. Embora relatos sobre isso
os períodos são inadequados, parece que o poeta Tespís desenvolveu uma nova forma musical na qual ele personificava um único personagem e interagia com um coro de
cantores-dançarinos em diálogo. Como o primeiro compositor e solista nesta nova forma, que veio a ser conhecida como tragédia, Tespís pode ser considerado tanto o primeiro
dramaturgo e o primeiro ator. Das centenas de obras produzidas pelos dramaturgos trágicos gregos, apenas 32 peças dos três principais inovadores nesta nova forma de arte
sobreviver. Ésquilo criou a possibilidade de desenvolver conflito entre os personagens ao introduzir um segundo ator no formato. Suas sete peças sobreviventes,
três dos quais constituem a única trilogia existente são ricas investigações ambíguas sobre a relação paradoxal entre os seres humanos e o cosmos, na qual
as pessoas são responsabilizadas por seus atos, mas reconhecem que esses atos são determinados pelos deuses.

Drama Medieval

O drama medieval, quando surgiu centenas de anos depois, foi uma nova criação em vez de um renascimento, o drama de épocas anteriores tendo quase nenhuma influência.
nisto. A razão para essa criação veio de um segmento que tradicionalmente se opôs a qualquer forma de teatro: a igreja cristã. No serviço de Páscoa, e mais tarde em
o serviço de Natal, pedaços de diálogo cantado, chamados de tropos, foram interpolados na liturgia. Sacerdotes, personificando figuras bíblicas, atuaram pequenos
cenas das histórias de Natal. Eventualmente, essas peças se tornaram mais elaboradas e abandonaram o interior da igreja para os degraus da igreja e a área adjacente.
mercado. Elementos seculares foram surgindo à medida que as guildas de artesãos assumiam a responsabilidade por essas performances; embora a glorificação de Deus e a redenção de
a humanidade permaneceu como uma das principais preocupações, a celebração da indústria local não foi negligenciada.

Restauração e Drama do Século XVIII

Os teatros estabelecidos na esteira do retorno de Carlos II do exílio na França e da Restauração da monarquia na Inglaterra (1660) foram destinados principalmente a
satisfazer as necessidades de uma classe social, política e esteticamente homogênea. A princípio, confiaram no repertório anterior à Guerra Civil; logo, no entanto, sentiram
chamados a alinhar essas peças com suas sensibilidades mais "refinadas", influenciadas pelo francês. Os temas, a linguagem e a dramaturgia de Shakespeare
as peças foram agora consideradas ultrapassadas, de modo que durante os próximos dois séculos as obras do maior dramaturgo da Inglaterra nunca foram produzidas na íntegra. Devido a
Muito a Molière, a comédia de costumes inglesa era tipicamente uma sátira espirituosa e frágil dos costumes atuais, especialmente das relações entre os sexos. Entre seus
os principais exemplos foram She Would if She Could (1668) e The Man of Mode (1676) de Sir George Etherege; The Country Wife (1675) de William Wycherley;
Caminho do Mundo (1700) de William Congreve; e O Oficials de Recrutamento (1706) e O Estratagema dos Galãs (1707) de George Farquhar.

O ressurgimento do puritanismo, especialmente após a Revolução Gloriosa de 1688, teve um efeito profundo no drama do século XVIII. Os dramaturgos, recuando do
a liberdade licenciosa da Restauração, voltou-se para a comédia sentimental e a tragédia doméstica moralizadora. O Mercador de Londres (1731) por
George Lillo consolidou essa tendência. Uma tragédia em prosa da classe média baixa, e assim um passo importante no caminho para o realismo, ilustrou a moral que um
uma mulher de virtude fácil pode levar um jovem trabalhador às portas do inferno.

A sátira teve um breve renascimento com Henry Fielding e John Gay, cujo A Ópera do Mendigo (1728) teve um sucesso fenomenal. No entanto, sua sagacidade era
demais afiado para o governo, que retaliou impondo leis de censura rigorosas em 1737. Nos próximos 150 anos, poucos autores ingleses substanciais se preocuparam com
o drama.
Drama do Século XIX e A Rebelião Romântica

Em sua forma mais pura, o Romantismo concentrou-se no espiritual, o que permitiria à humanidade transcender as limitações do mundo físico e do corpo e encontrar
uma verdade ideal. O assunto foi tirado da natureza e do "homem natural" (como o supostamente intocado nativo americano). Talvez um dos melhores
exemplos de drama romântico é Fausto (Parte I, 1808; Parte II, 1832) do dramaturgo alemão Johann Wolfgang von Goethe. Baseado na lendária história clássica do homem
quem vende sua alma ao diabo, essa peça de proporções épicas retrata a tentativa da humanidade de dominar todo o conhecimento e poder em sua constante luta com o
universo. Os Românticos focaram na emoção em vez da racionalidade, tiraram seus exemplos de um estudo do mundo real em vez do ideal e glorificaram o
a ideia do artista como um gênio louco sem amarras às regras. O romantismo, portanto, deu origem a uma vasta gama de literatura dramática e produção que muitas vezes era
indisciplinado e que frequentemente substituía a manipulação emocional por ideias substanciais.

O romantismo apareceu pela primeira vez na Alemanha, um país com pouco teatro nativo além de farsa rústica antes do século XVIII. Na década de 1820, o romantismo
dominou o teatro da maior parte da Europa. Muitas das ideias e práticas do Romantismo eram evidentes no movimento Sturm und Drang do final do século XVIII.
A Alemanha liderada por Goethe e pelo dramaturgo Friedrich Schiller. Essas peças não tinham um estilo único, mas eram geralmente fortemente emocionais e, em sua experimentação
com a forma, lançou as bases para a rejeição do Neoclassicismo. As peças do dramaturgo francês René Charles Guilbert de Pixérécourt abriram o caminho para
O romantismo francês, que anteriormente era conhecido apenas pela atuação de François Joseph Talma nas primeiras décadas do século XIX. Victor Hugo
Hernani (1830) é considerado o primeiro drama romântico francês.

O Drama Moderno

Desde o período da Renascença, o teatro parecia estar buscando o realismo total, ou pelo menos a ilusão da realidade. Ao alcançar esse objetivo no final do século 19
século, uma reação multifacetada e antirrealista eclodiu. Precursores vanguardistas do Teatro Moderno Muitas correntes geralmente agrupadas como a vanguarda-
garde, tentou sugerir alternativas ao drama realista e à produção. Os vários teóricos sentiram que o Naturalismo apresentava apenas superficialidades e, portanto
realidade limitada ou superficial - que uma verdade ou realidade maior poderia ser encontrada no espiritual ou no inconsciente. Outros sentiram que o teatro havia perdido o contato com suas origens
e não tinha significado para a sociedade moderna além de ser uma forma de entretenimento. Paralelamente aos movimentos de arte moderna, eles recorreram ao símbolo, à abstração, e
ritual na tentativa de revitalizar o teatro. Embora o realismo continue sendo dominante no teatro contemporâneo, a televisão e o cinema agora atendem melhor ao seu anterior
funções.

O originador de muitas ideias antirrealistas foi o compositor de ópera alemão Richard Wagner. Ele acreditava que o trabalho do dramaturgo/compositor era criar
mitos. Ao fazer isso, Wagner sentiu que o criador do drama estava retratando um mundo ideal no qual o público compartilhava uma experiência comunitária, talvez como o
os antigos haviam feito. Ele buscou retratar o "estado da alma", ou ser interior, dos personagens em vez de seus aspectos superficiais e realistas. Além disso, Wagner era
insatisfeito com a falta de unidade entre as artes individuais que constituíam o drama. Ele propôs o Gesamtkunstwerk, a 'obra de arte total', na qual todas
Elementos dramáticos são unificados, preferencialmente sob o controle de um único criador artístico.

Wagner também foi responsável por reformar a arquitetura teatral e a apresentação dramática com seu Teatro da Festa em Bayreuth, Alemanha, concluído em 1876.
O palco deste teatro era semelhante a outros palcos do século XIX, mesmo sendo melhor equipado, mas no auditório Wagner removeu os camarotes e varandas e
colocar uma área de assentos em forma de leque em um piso inclinado, dando uma visão igual do palco a todos os espectadores. Pouco antes de uma apresentação, as luzes do auditório se apagaram para
escuridão total - então uma inovação radical.

Drama Simbolista
O movimento simbolista na França na década de 1880 adotou inicialmente as ideias de Wagner. Os simbolistas pediram pela "deteratrização" do teatro, significando desvencilhar-se
todas as dificuldades tecnológicas e cênicas do século 19 e substituí-las por uma espiritualidade que deveria vir do texto e da atuação. Os textos
estavam carregadas de imagens simbólicas de difícil interpretação - na verdade, eram sugestivas. O clima geral das peças era lento e onírico. A intenção era
evocar uma resposta inconsciente em vez de uma resposta intelectual e retratar os aspectos não racionais dos personagens e eventos. As peças simbolistas de Maurice
Maeterlinck da Bélgica e Paul Claudel da França, populares na década de 1890 e no início do século 20, raramente são apresentados hoje em dia. Fortes elementos simbolistas podem ser
encontrado, no entanto, nas peças de Chekhov e nas obras finais de Ibsen e Strindberg. As influências simbolistas também são evidentes nas obras de dramaturgos posteriores.
como os americanos Eugene O'Neill e Tennessee Williams e o inglês Harold Pinter, proponente do "teatro do silêncio". Também influenciado por Wagner e
os simbolistas foram o teórico cênico suíço Adolphe Appia e o designer inglês Edward Henry Gordon Craig, cujas inovações do início do século
formaram grande parte do design cênico e de iluminação do século XX. Ambos reagiram contra os cenários pintados realistas da época, propondo em vez disso sugestivos ou
cenários abstratos que criariam, através de elementos de luz e cenográficos, mais de um clima ou sentimento do que uma ilusão de um lugar real. Em 1896, um teatro simbolista em
Paris produziu Ubu roi de Alfred Jarry, uma peça chocante e bizarra para a sua época. Modelada vagamente em Macbeth, a peça retrata personagens semelhantes a fantoches em um mundo
desprovido de decência. A peça está cheia de humor escatológico e linguagem. Talvez tenha sido mais significativa pelo seu valor de choque e sua destruição de praticamente tudo.
normas e tabus teatrais contemporâneos. Ubu roi libertou o teatro para exploração em qualquer direção que o autor desejasse ir. Também serviu como modelo
e inspiração para os futuros movimentos dramáticos vanguardistas e o drama absurdista dos anos 1950.
Drama Expressionista

O movimento expressionista foi popular nas décadas de 1910 e 1920, principalmente na Alemanha. Ele explorou os aspectos mais violentos e grotescos da psique humana.
criando um mundo de pesadelo no palco. Cenograficamente, distorção e exagero e um uso sugestivo de luz e sombra tipificam o Expressionismo. Tipos estereotipados
substituíram personagens individualizados ou figuras alegóricas, assim como nas peças de moralidade, e as tramas frequentemente giravam em torno da salvação da humanidade.

Outros movimentos da primeira metade do século, como o Futurismo, Dada e Surrealismo, buscaram trazer novas ideias artísticas e científicas para o teatro.

Teatro de Conjunto

Talvez o desenvolvimento mais significativo influenciado por Artaud tenha sido o movimento de teatro de conjunto da década de 1960. Exemplo do Teatro Laboratório Polonês.
de Jerzy Grotowski, o Workshop de Crueldade de Peter Brook, o Théâtre du Soleil, a cooperativa de trabalhadores francesa formada por Ariane Mnouchkine, e o Open
O Teatro, liderado por Joseph Chaikin, abandonou o texto escrito em favor de produções criadas por um conjunto de atores. As produções, que
geralmente evoluiu após meses de trabalho, baseou-se fortemente no movimento físico, linguagem e som não específicos, e arranjos frequentemente incomuns de espaço.

Teatro Absurdista

O gênero não realista mais popular e influente do século XX foi o absurdismo. Dramaturgos absurdistas viam, nas palavras do romeno-francês
o dramaturgo Eugène Ionesco, "o homem como perdido no mundo, todas as suas ações tornam-se sem sentido, absurdas, inúteis. O drama absurdista tende a eliminar muito da causa-
e a relação de causa e efeito entre incidentes, reduzir a linguagem a um jogo e minimizar seu poder comunicativo, reduzir personagens a arquétipos, fazer lugar
não específico, e vê o mundo como alienante e incompreensível. O absurdismo estava em seu auge na década de 1950, mas continuou a influenciar o drama através do
Anos 1970. As primeiras peças do dramaturgo americano Edward Albee foram classificadas como absurdas devido aos elementos aparentemente ilógicos ou irracionais que as definiram.
o mundo de ações dos personagens. Pinter também foi classificado com os absurdistas. Suas peças, como A Volta para Casa (1964), parecem sombrias, impenetráveis e absurdas. Pinter
explicou, no entanto, que são realistas porque se assemelham ao mundo cotidiano em que apenas fragmentos de atividades e diálogos inexplicados são vistos e
ouvi.
Drama Contemporâneo

Embora o Naturalismo puro nunca tenha sido muito popular após a Primeira Guerra Mundial, o drama em um estilo realista continuou a dominar o teatro comercial, especialmente no
Estados Unidos. Mesmo lá, no entanto, o realismo psicológico parecia ser o objetivo, e dispositivos cênicos e dramáticos não realistas foram empregados para alcançá-lo.
fim. As peças de Arthur Miller e Tennessee Williams, por exemplo, usam cenas de memória, sequências de sonho, personagens puramente simbólicos, projeções, e o
como. Mesmo as obras posteriores de O'Neill - teatros ostensivamente realistas, como 'Long Day's Journey into Night' (produzido em 1956) - incorporam diálogos poéticos e uma atenção cuidadosa
fundo orquestrado de sons para suavizar o realismo áspero. A cenografia era quase sempre sugestiva em vez de realista. O drama europeu não era muito
influenciado pelo realismo psicológico, mas estava mais preocupado com peças de ideias, como evidenciado nas obras do dramaturgo italiano Luigi Pirandello, o francês
os dramaturgos Jean Anouilh e Jean Giraudoux, e o dramaturgo belga Michel de Ghelderode. Na Inglaterra, na década de 1950, Look Back in Anger de John Osborne
(1956) tornou-se um ponto de encontro para os "jovens revoltados" do pós-guerra; uma trilogia sobre o Vietnã do início da década de 1970, do dramaturgo americano David Rabe, expressou o
a raiva e frustração de muitos em relação à guerra do Vietnã. Sob a influência de Brecht, muitos dramaturgos alemães do pós-guerra escreveram dramas documentários que,
com base em incidentes históricos, explorou as obrigações morais dos indivíduos para consigo mesmos e para com a sociedade. Um exemplo é O Deputado (1963), de Rolf Hochhuth,
que trata do silêncio do Papa Pio XII durante a Segunda Guerra Mundial.

Muitos dramaturgos dos anos 1960 e 1970 - Sam Shepard nos Estados Unidos, Peter Handke na Áustria, Tom Stoppard na Inglaterra - construíram peças em torno da linguagem:
a linguagem como um jogo, a linguagem como som, a linguagem como uma barreira, a linguagem como um reflexo da sociedade. Em suas peças, o diálogo frequentemente não pode ser lido simplesmente como um
troca racional de informações. Muitos dramaturgos também refletiram a frustração da sociedade com um mundo aparentemente incontrolável e autodestrutivo.

Na Europa na década de 1970, a nova dramaturgia foi amplamente ofuscada por produções teatralistas, que geralmente pegavam peças clássicas e as reinterpretavam.
frequentemente em ouscidos novos espetáculos cenográficos, expressando ideias mais através da ação e do uso do espaço do que através da linguagem.

No final da década de 1970, o retorno ao Naturalismo no drama paraleava o movimento artístico conhecido como Photorealism. Tipificado por peças como American Buffalo (1976) de
David Mamet, pouca ação ocorre, o foco está em personagens e eventos mundanos, e a linguagem é fragmentária - muito semelhante à conversa cotidiana. Os cenários
são indistinguíveis da realidade. O intenso foco em fragmentos aparentemente sem significado da realidade cria uma qualidade absurda e de pesadelo: traços semelhantes podem ser
encontrado em escritores como Stephen Poliakoff. Um realismo social duro combinado com um humor muito sombrio também tem sido popular; pode ser visto no muito diferente
obra de Alan Ayckbourn, Mike Leigh, Michael Frayn, Alan Bleasdale e Dennis Potter.

Em todas as terras onde o drama floresce, o único fator constante hoje é o que sempre foi constante: a mudança. Os escritores mais significativos ainda são aqueles que
tentar redefinir os princípios básicos da arte do drama.