Design de moda

O design de moda é a arte da aplicação de design [Link] estética

ou[Link] beleza natural [Link]
roupas[Link] e acessórios. O design de moda é influenciado por
latitudes culturais e sociais e varia ao longo do tempo e do lugar. Os designers de moda trabalham de diversas
maneiras ao criar roupas e acessórios. Alguns trabalham sozinhos ou em equipe. Eles tentam satisfazer o
desejo do consumidor por roupas com design estético e, devido ao tempo necessário para colocar uma peça
no mercado, às vezes precisam antecipar as mudanças no gosto do consumidor.

Os designers de moda tentam criar roupas que sejam funcionais e esteticamente agradáveis. Eles devem
considerar quem provavelmente usará uma peça de roupa e as situações em que ela será usada. Eles têm
uma ampla variedade de combinações de materiais para trabalhar e uma grande variedade de cores, padrões
e estilos para escolher. Embora a maioria das roupas usadas no dia a dia se enquadre em uma gama restrita
de estilos convencionais, peças incomuns geralmente são procuradas para ocasiões especiais, como vestidos
de noite ou de festa.

Algumas roupas são feitas especificamente para um indivíduo, como no caso da alta costura
ou[Link] da alfaiataria sob medida. Hoje em dia, a maioria das roupas é
projetada para o mercado de massa, especialmente roupas casuais e para o dia a dia.

Estrutura

Os designers de moda podem trabalhar de muitas maneiras. Os designers de moda podem trabalhar em
tempo integral para uma empresa de moda como "designers internos", que são donos dos designs. Eles
podem trabalhar sozinhos ou em equipe. Designers autônomos trabalham por conta própria, vendendo seus
designs para casas de moda, diretamente para lojas ou para fabricantes de roupas. As peças trazem a
etiqueta do comprador. Alguns designers de moda criam suas próprias marcas, sob as quais seus designs são
comercializados. Alguns designers de moda são autônomos e criam designs para clientes individuais. Outros
designers de alta costura atendem lojas especializadas ou lojas de departamento de alta costura. Esses
designers criam peças originais e também aquelas que seguem tendências de moda estabelecidas. A maioria
dos designers de moda, no entanto, trabalha para fabricantes de vestuário, criando designs de moda
masculina, feminina e infantil para o mercado de massa. Grandes marcas de grife que têm um "nome" como
marca, como Abercrombie & Fitch, Justice ou Juicy, provavelmente são criadas por uma equipe de designers
individuais sob a direção de um diretor de design.

Desenhando uma peça de roupa

Os designers de moda trabalham de maneiras diferentes. Alguns esboçam suas ideias no papel, enquanto
outros colocam tecido em um manequim. Quando um designer estiver completamente satisfeito com o ajuste
do toile (ou musselina), ele ou ela consultará um modelista profissional que então fará a versão finalizada e
funcional do molde a partir de papel cartão ou por meio de um sistema computadorizado. O trabalho do
modelista é muito preciso e meticuloso. O ajuste da peça final depende da precisão. Por fim, uma amostra de
peça de roupa é confeccionada e testada em um modelo para garantir que seja um traje operacional. Myriam
Chalek, proprietária e fundadora da Creative Business House, explica que na maioria das vezes os designers
de moda têm apenas um conceito de moda; a tecnicidade e a construção não são pensadas durante o
processo de concepção visual e esboço. Portanto, o designer de moda precisa se reunir com um modelista e
um fabricante de amostras para descobrir se o esboço no papel pode ganhar vida de acordo com sua visão.

História

O design de moda é geralmente considerado como tendo começado no século XIX com Charles Frederick
Worth, que foi o primeiro designer a ter sua marca costurada nas peças que ele criou. Antes de o antigo
comerciante de tecidos montar sua maison couture (casa de moda) em Paris, o design e a criação de roupas
eram feitos, em grande parte, por costureiras anônimas, e a alta costura descendia daquela usada nas cortes
reais. O sucesso de Worth foi tanto que ele conseguiu ditar aos seus clientes o que eles deveriam vestir, em
vez de seguir suas orientações, como os antigos costureiros faziam. O termo costureiro foi criado, na verdade,
para descrevê-lo. Embora todos os artigos de vestuário de qualquer período sejam estudados por acadêmicos
como design de figurinos, apenas roupas criadas depois de 1858 podem ser consideradas design de moda.

Foi durante esse período que muitas casas de design começaram a contratar artistas para esboçar ou pintar
designs para roupas. As imagens foram mostradas aos clientes, o que era muito mais barato do que produzir
uma amostra real de peça na oficina. Se o cliente gostasse do design, ele o encomendava e a peça resultante
gerava dinheiro para a casa. Assim, a tradição de designers esboçarem designs de roupas em vez de
apresentarem peças prontas em modelos aos clientes começou como uma economia.

Tipos de moda

As peças produzidas pelos fabricantes de roupas se dividem em três categorias principais, embora possam
ser divididas em categorias adicionais mais específicas:

Alta costura
Até a década de 1950, o vestuário da moda era predominantemente projetado e fabricado sob medida ou alta-
costura (alta costura em francês), com cada peça sendo criada para um cliente específico. Uma peça de alta
costura é feita sob encomenda para um cliente individual e geralmente é feita de tecido caro e de alta
qualidade, costurada com extrema atenção aos detalhes e acabamento, muitas vezes usando técnicas
demoradas e executadas à mão. A aparência e o ajuste têm prioridade sobre o custo dos materiais e o tempo
necessário para fazer. Devido ao alto custo de cada peça, a alta-costura gera pouco lucro direto para as casas
de moda, mas é importante para o prestígio e a publicidade.

Pronto-a-vestir (pret-a-porter)
Roupas prontas para vestir são um cruzamento entre alta-costura e mercado de massa. Eles não são feitos
para clientes individuais, mas há muito cuidado na escolha e no corte do tecido. As roupas são feitas em
pequenas quantidades para garantir exclusividade, então elas são bem caras. Coleções prontas para vestir
são geralmente apresentadas por casas de moda a cada estação durante um período conhecido como
Semana da Moda. Isso acontece em toda a cidade e acontece duas vezes por ano. As principais estações da
Semana de Moda incluem primavera/verão, outono/inverno, resort, natação e noivas.

Mercado de massa
Atualmente, a indústria da moda depende mais das vendas no mercado de massa. O mercado de massa
atende a uma ampla gama de clientes, produzindo roupas prontas para vestir usando tendências definidas por
nomes famosos da moda. Eles geralmente esperam uma estação para ter certeza de que um estilo vai pegar
antes de produzir suas próprias versões do visual original. Para economizar tempo e dinheiro, eles usam
tecidos mais baratos e técnicas de produção mais simples, que podem ser facilmente feitas por máquinas. O
produto final pode, portanto, ser vendido muito mais barato. Existe um tipo de design
chamado "kutch", que vem da palavra alemã "kitschig", que significa "feio" ou "não esteticamente
agradável". Kitsch também pode se referir a "vestir ou exibir algo que, portanto, não está mais na
moda". Muitas vezes, calças de cintura alta, associadas à década de 1980, são consideradas uma declaração
de moda "kitsch".

Educação em moda

Não há requisitos educacionais formais para se tornar um designer de moda. Alguns designers de moda,
como Jean-Paul Gaultier, começaram como assistentes de outros designers de moda já
estabelecidos.[Link] - cite_note-14

Há diversas escolas de arte e design especializadas e conhecidas no mundo todo que oferecem cursos de
graduação em design de moda e tecnologia em design de moda. Algumas faculdades também oferecem
cursos de mestrado em moda. Embora não seja um requisito ter um diploma de mestrado, é recomendado
para aqueles que já trabalham no setor estudar nesse nível.[Link] - cite_note-15 As escolas de
design mais notáveis do mundo incluem:

Milão

 Instituto Marangoni

 Academia Domus
 Politécnico de Milão
 NABA - Nova Academia de Belas Artes de Milão
 Instituto Europeu de Design

Itália

 Universidade Iuav de Veneza

 Polimoda

Londres

 Instituto Marangoni

 Faculdade de Moda de Londres

 Faculdade Central Saint Martins de Arte e Design
 Ravensbourne (Faculdade)
 Universidade de Westminster
 Universidade de Kingston

Inglaterra
  Universidade de Brighton

 Universidade De Montfort

França

 IFA Paris

 Arte Mod
 Esmod
 a Federação da Moda de PARIS
 Parsons Paris

Escócia

 Faculdade de Arte de Edimburgo

Irlanda

 Escola de Arte e Design de Limerick

 Faculdade Nacional de Arte e Design

Romênia

 UNArte em Bucareste, Romênia.

Bangladesh

 Universidade Shanto-Mariam de Tecnologia Criativa, Dhaka

 Instituto de Moda e Tecnologia BGMEA, Dhaka

Bélgica

 Academia Real de Belas Artes (Antuérpia)

Bulgária

 Nova Universidade Búlgara

NÓS

 Academia de Arte da Universidade de São Francisco, Califórnia

 Academia de Arte de Alta Costura em Beverly Hills, Califórnia

 Columbia College Chicago em Chicago, Illinois
 Fashion Institute of Technology na cidade de Nova York, Nova York
 Fashion Institute of Design & Merchandising em Los Angeles, Califórnia
 Faculdade de Design O'More em Franklin, Tennessee
 Otis College of Art & Design em Los Angeles, Califórnia
  Parsons The New School for Design na cidade de Nova York, Nova York
 Universidade da Filadélfia em Filadélfia, Pensilvânia
 Pratt Institute na cidade de Nova York, Nova York
 Faculdade de Arte e Design Savannah em Savannah, Geórgia
 Escola do Instituto de Arte de Chicago em Chicago, Illinois
 Universidade da Comunidade da Virgínia em Richmond, Virgínia
 Universidade Woodbury em Burbank, Califórnia

Em outras partes do mundo, o Instituto Nacional de Tecnologia da Moda na Índia, a Universidade Shih Chien
em Hong Kong, a Universidade RMIT em Melbourne, a Universidade Católica Fu Jen em Taiwan e a rede de
universidades asiáticas, Raffles College of Design and Commerce, oferecem cursos de design de moda de
renome.

Há muitas universidades que oferecem design de moda nos Estados Unidos, geralmente no contexto de um
diploma geral em artes liberais. A principal concentração que incorpora design de moda pode ter nomes
alternativos como Vestuário e Têxteis ou Design de Vestuário e Têxtil, e pode estar localizada em
departamentos como Arte e História da Arte ou Estudos da Família e do Consumidor. Algumas escolas, como
a Parsons, oferecem especialização em Gestão de Moda, combinando educação em moda com cursos de
negócios.

A única universidade da Ivy League com um programa de graduação em Design de Moda é a Universidade
Cornell, em Ithaca, Nova York, um programa oferecido pelo departamento de Ciência das Fibras e Design de
Vestuário. Cornell também oferece um programa de doutorado em design de vestuário.

Uma lista atualizada de programas de mestrado e doutorado em design de moda pode ser encontrada em
[Link]. Os programas têm como objetivo atender às necessidades da academia, indústria e pesquisa,
considerando o design de vestuário como uma ciência aplicada que abrange design, tecnologia, ciências
físicas, humanidades e ciências sociais para atender às necessidades humanas de vestuário.

Áreas de Design de Moda

Área Apresentação Mercado
Roupas para o dia das Alta costura, pronto-a-vestir,
Prático, confortável, moderno
mulheres mercado de massa
Glamouroso, sofisticado, adequado para a Alta costura, pronto-a-vestir,
Trajes de noite femininos
ocasião mercado de massa
Alta costura, pronto-a-vestir,
Lingerie Feminina Glamouroso, confortável, lavável
mercado de massa
Alfaiataria, pronto-a-vestir,
Roupas para o dia dos homens Casual, prático, confortável
mercado de massa
Inteligente, elegante, formal, adequado para a Alfaiataria, pronto-a-vestir,
Traje de noite masculino
ocasião mercado de massa
Roupas infantis Moderno ou elegante, prático, lavável, funcional Pronto-a-vestir, mercado de massa
Roupas para meninas Bonito, colorido, prático, lavável, barato Pronto-a-vestir, mercado de massa
Roupas para meninas
Colorido, confortável, glamouroso, bonito Pronto-a-vestir, mercado de massa
adolescentes
Unissex, democrático, confortável, prático,
Jeanswear Pronto-a-vestir, mercado de massa
funcional
Confortável, prático, bem ventilado, lavável,
Roupas esportivas Pronto-a-vestir, mercado de massa
funcional
Malhas Peso e cor certos para a estação Pronto-a-vestir, mercado de massa
Casacos Elegante, quente, peso e cor certos para a estação Pronto-a-vestir, mercado de massa
Vestidos de noiva Suntuoso, glamouroso, clássico Alta costura, pronto-a-vestir,
 mercado de massa
Alta costura, pronto-a-vestir,
Acessórios Impressionante, moderno
mercado de massa
Sistema estelar

Designers trabalham dentro de um sistema hierárquico.

"Os designers são mais estratificados no sistema francês de moda [...] A moda garante o funcionamento de
um sistema de posições dominantes e subordinadas dentro de uma ordem social. A moda é ideológica porque
também faz parte do processo no qual grupos sociais específicos, neste caso designers de elite, estabelecem,
sustentam e reproduzem posições de poder e relações de dominância e subordinação. As posições de
dominância e subordinação parecem naturais e legítimas, não apenas para aqueles em posições de
dominância, mas também para aqueles em posições subordinadas. A moda e o meio da moda, ou seja, as
roupas, oferecem meios de fazer com que as desigualdades de status socioeconômico pareçam legítimas e,
portanto, aceitáveis."

Uma "concepção mítica de um designer como um 'gênio criativo' desconectado das condições sociais" é
fundamental para o funcionamento do sistema da moda e para a reprodução da moda como ideologia. A
criatividade é construída socialmente e não um dom inato, ou seja, muitos podem ser talentosos, mas
ninguém pode se tornar um designer famoso sem ser legitimado pelo sistema da moda e seus guardiões.

O sistema de estrelas é tão essencial para a indústria da moda quanto para qualquer indústria cultural.
"Gênero e sistema de estrelas são tentativas de produzir algo análogo a marcas nas indústrias culturais. [...]
Estrelas são indispensáveis porque faz parte da ideologia da criatividade que obras criativas devem ter um
autor identificável."

Indústria da moda mundial

A moda hoje é uma indústria global, e a maioria dos grandes países tem uma indústria de moda. Alguns
países são grandes centros de produção, principalmente Indonésia, Malásia, Filipinas, China, Bangladesh,
Coreia do Sul, Espanha, Alemanha, [Link] e[Link]
Índia. Cinco países estabeleceram uma reputação internacional na moda: França, Itália, Reino Unido, Estados
Unidos e Japão.

Design de moda americano

A maioria das casas de moda americanas está sediada em Nova York, embora também haja um número
significativo delas em Los Angeles, onde uma porcentagem substancial de roupas de alta costura fabricadas
nos EUA é realmente produzida. Também há indústrias emergentes em Miami, Chicago, Dallas e
especialmente em São Francisco. O design de moda americano é dominado por um estilo urbano, casual e
limpo, refletindo o estilo de vida atlético e preocupado com a saúde dos moradores das cidades americanas.
Uma designer que ajudou a definir a tendência nos Estados Unidos para roupas esportivas para o dia a dia
durante as décadas de 1940 e 1950 foi Claire McCardell. Muitos de seus designs foram revividos nas últimas
décadas.

Design de moda britânico

Londres é há muito tempo a capital da indústria da moda do Reino Unido e tem uma grande variedade de
designs estrangeiros que se integraram aos estilos britânicos modernos. O design britânico típico é inteligente
e inovador, mas recentemente tem se tornado cada vez mais não convencional, fundindo estilos tradicionais
com técnicas modernas. Os estilos vintage desempenham um papel importante na indústria da moda e do
estilo britânica. Os estilistas costumam "misturar e combinar" o antigo com o novo, o que dá ao estilo britânico
aquela estética boêmia única que muitas outras capitais da moda tentam imitar. A moda irlandesa (tanto em
design quanto em estilo) também é fortemente influenciada pelas tendências da moda britânica. Marcas e
designers britânicos famosos incluem Burberry, Alexander McQueen, Mulberry, Stella McCartney e Vivienne
Westwood.

Design de moda francês

A maioria das casas de moda francesas fica em Paris, que é a capital da moda francesa. Tradicionalmente, a
moda francesa é chique e elegante, definida por sua sofisticação, corte e acessórios inteligentes. Embora o
Global Language Monitor a tenha classificado em 3º lugar na mídia, depois de Milão e Nova York, a moda
francesa é aclamada internacionalmente.

Design de moda italiano

Milão é a capital da moda da Itália. A maioria dos costureiros italianos mais antigos está em Roma. No
entanto, Milão [Link] Florença são as capitais da moda italiana e são o local de
exposição de suas coleções. A moda italiana apresenta elegância casual e tecidos luxuosos.

Design de moda suíço

A maioria das casas de moda suíças fica em Zurique. O visual suíço é casual, elegante e luxuoso, com um
leve toque de excentricidade. Além disso, foi muito influenciado pela cena das casas noturnas.

Design de moda japonesa

A maioria das casas de moda japonesas fica em Tóquio. O visual japonês é solto e desestruturado
(geralmente resultante de cortes complicados), as cores tendem a ser sombrias e sutis, e os tecidos são
ricamente texturizados. Designers japoneses famosos são Yohji Yamamoto, Kenzo, Issey Miyake (drapeado e
corte magistrais) e Rei Kawakubo, da Comme des Garçons[Link]
%C3%A7ons, que desenvolveu uma nova maneira de cortar (comparável à inovação de Madeleine Vionnet na
década de 1930).

Design de moda soviético

A moda na União Soviética seguia em grande parte as tendências gerais do mundo ocidental. Entretanto, a
ideologia socialista do estado moderou e influenciou consistentemente essas tendências. Além disso, a
escassez de bens de consumo significava que o público em geral não tinha acesso fácil à moda pré-fabricada.

A Nova Política Econômica (década de 1920)

A autorização de negócios privados da New Economic Policy permitiu que a moda ocidental entrasse na União
Soviética. No entanto, a ideologia bolchevique se opôs ao consumo de moda ocidental como uma prática
intrinsecamente capitalista. A moda ocidental enfatizava tanto o status econômico quanto as diferenças de
gênero em um sistema que buscava minimizar ambos.[Link] - cite_note-25

No início da década de 1920, revistas

[Link] pelo Partido, como Rabotnitsa
(“A Mulher Trabalhadora”) e Krest'yanka (“A Mulher Camponesa”), ofereciam um discurso limitado, porém
confuso, sobre moda. As capas mostravam mulheres em roupas de trabalho simples, mas as revistas
frequentemente continham anúncios de empresas privadas que vendiam trajes elegantes. Em 1927, no
entanto, a mensagem das revistas era consistente: as mulheres deveriam ser julgadas por sua capacidade de
trabalho, não por sua aparência. A moda, como um recurso de beleza, era, portanto, burguesa e prejudicial à
sociedade socialista.

Em seu lugar, o estado encomendou projetos para projetar um novo tipo soviético de vestimenta, que se
baseava em roupas tradicionais, formas construtivistas e facilidade tecnológica. Construtivistas como Varvara
Stepanova e Aleksandr Rodchenko concordaram que a moda impulsionada pelo mercado era inerentemente
prejudicial. Eles empregaram a geometria simples do cubismo para projetar roupas que eram funcionais,
facilmente produzidas em massa e, às vezes[Link] unissex. Devido à falta de
material e maquinário adequados, no entanto, esta prozodezhda, ou “roupa de produção”, não agradou ao
público proletário para o qual foi concebida. Os designs estavam disponíveis apenas para os membros mais
privilegiados da intelligentsia, que, em última análise, preferiam a moda ocidental à prozodezhda altamente
experimental.

Era de Stalin (décadas de 1930-1950)

Durante a era de Stalin, os sentimentos antimoda se dissiparam. As revistas sancionadas pelo partido agora
promoviam a moda e a beleza como partes necessárias da vida da mulher soviética. Rabotnitsa incluía
conselhos de moda em quase todas as edições e regularmente relatava sobre novas casas de moda abrindo
pela União Soviética. Krest'yanka até organizou shows itinerantes para levar moda ao interior. A estética
promovida era muito variada, indo do polimento urbano à decoração ornamentada.

Esse novo interesse pela moda estava conectado à afirmação de Joseph Stalin de que "a vida se tornou
melhor e mais alegre". Imagens persistentes de mulheres simples e camponeses pitorescos eram
consideradas propagadoras da visão capitalista de que o socialismo gera pobreza. Roupas elegantes e
bonitas eram um sinal de cultura e qualidade de vida igual (ou superior) à do capitalismo. Esperava-se que os
stakhanovistas, como os principais exemplos de trabalhadores bem-sucedidos, aderissem a padrões de
aparência particularmente altos. Eles eram frequentemente fotografados vestindo roupas finas, mesmo
quando iam à fábrica.

Na realidade, as modas apregoadas estavam além dos recursos da maioria dos cidadãos. A indústria soviética
não conseguia produzir roupas da moda em quantidade significativa, e o que existia não estava disponível
para venda geral. Durante a Segunda Guerra Mundial, a indústria da moda soviética entrou em hiato. Se o
cidadão soviético médio desejasse uma peça de roupa particularmente estilosa, ele geralmente era forçado a
contratar um alfaiate particular. A moda do dia a dia era frequentemente autoproduzida, e as revistas
consistentemente aconselhavam as mulheres a adotar uma abordagem "faça você mesma" para sua
aparência.

Era Khrushchev (décadas de 1950-1960)

O Khrushchev Thaw trouxe uma representação maior da moda ocidental para a mídia doméstica. Jornalistas
foram enviados ao exterior para reportar as últimas tendências da moda internacional. No entanto, instituições
de moda estatais e revistas moderaram essas tendências para o público soviético. As “manias” da moda foram
rejeitadas em favor de estilos clássicos e duradouros. Além disso, a moderação e a modéstia foram
enfatizadas. O estilo característico de Coco Chanel, por exemplo, era particularmente admirado como um
símbolo de atemporalidade e sofisticação simples. Um artigo no New York Times de 1959 criticou as modas
soviéticas como “cópias desajeitadas” e banais de formas ocidentais ultrapassadas. A disponibilidade desses
estilos, no entanto, estava aumentando. Lojas como a recém-inaugurada loja de departamentos GUM agora
vendiam as novas modas, embora a preços altos.

A nova abordagem do estado em relação à moda foi cuidadosamente calculada. A promoção da moda
exorbitante que ocorreu na era de Stalin e o contraste com a disponibilidade real levaram ao ressentimento
público. Na era Khrushchev, a indústria de vestuário estatal ainda era incapaz de produzir quantidades em
massa de roupas da moda. No entanto, modas simplificadas, rejeição do excesso e preços altos deram à
indústria uma medida de controle sobre a demanda do consumidor. No início da década de 1960, os padrões
de aparência da classe média haviam aumentado tanto que a moda de rua de Moscou era quase indistinguível
daquela de uma cidade ocidental.

Ao mesmo tempo, movimentos de moda de contracultura cresceram entre os jovens da elite. Os stilyagi, ou
“caçadores de estilo”, originalmente baseavam seu visual em representações da mídia sobre a moda ocidental
(especialmente americana). Os homens usavam itens como camisas havaianas, óculos escuros, calças justas
e sapatos pontudos, enquanto as mulheres stilyagi usavam minissaias[Link] e
mantinham um comportamento infantil. Esses estilos eram rotulados como “excessivos”, e grupos do
Komsomol às vezes invadiam esconderijos de stilyagi e cortavam seus cabelos e pernas de calças.

Era Brezhnev (décadas de 1970-1980)

No final da década de 1960, as instituições de moda soviéticas, como o escritório centralizado de moda
ODMO (All-Union House of Prototypes), estavam adotando tendências ocidentais cada vez mais inovadoras.
Ao mesmo tempo, ainda havia a necessidade de estabelecer modas distintamente soviéticas. A “moda
espacial”, por exemplo, encaixava-se diretamente na ideologia do Estado ao glorificar um triunfo da ciência
soviética.

A realidade, no entanto, diferiu dos projetos da ODMO. A indústria soviética não conseguia acompanhar a
demanda por produtos da moda, e a oferta nas lojas da URSS era pior do que em outros países socialistas. O
público também estava insatisfeito com os itens disponíveis. Por exemplo, as mulheres soviéticas detestavam
tanto os designs promovidos que envolviam estampas étnicas russas que o estilo acabou se tornando mais
popular no Ocidente do que na própria União Soviética.

A classe média fetichizou cada vez mais a moda ocidental, pois ela era visível, mas não facilmente obtida. Os
jeans azuis feitos nos Estados Unidos eram um item especialmente desejado. As lojas de segunda mão eram
uma fonte de moda ocidental, pois os visitantes do Ocidente podiam importar produtos e vendê-los com altos
lucros. A rede varejista Beriozka também vendia algumas roupas ocidentais, mas apenas para os poucos
privilegiados que podiam pagar em moeda forte ou certificados de câmbio. Certificados de câmbio e roupas
ocidentais também estavam disponíveis no mercado negro.

Era Gorbachev (década de 1980)

Sob a perestroika, a moda variada tornou-se aceitável. Em 1987, Gorbachev permitiu que uma edição russa
da revista Burda Fashion fosse produzida e distribuída. No ano seguinte, Zhurnal Mod começou uma nova
tiragem como a primeira revista de moda “apropriada” da União Soviética. Em termos de conteúdo, era
praticamente indistinguível de uma revista de moda ocidental, embora a ODMO fornecesse todos os estilos.

Quando a décima nona conferência do partido se reuniu no verão de 1989, eles aprovaram uma resolução
para aumentar a produção de bens de consumo. Roupas da moda foram mencionadas especificamente nos
procedimentos. Apesar dos defensores da moda no mais alto nível da burocracia, mudanças reais na
produção não aconteceram. O Ministério das Indústrias Leves estabeleceu cotas para a criação de novos
produtos, mas as fábricas têxteis reciclaram padrões e produtos mais antigos.

Enquanto isso, o relaxamento da censura sob a glasnost tornou a classe média ainda mais consciente de seus
colegas ocidentais. Eles sentiam que mereciam roupas da moda como símbolo de status, mas ainda não
conseguiam obtê-las facilmente.

Termos de design de moda

 Um designer de moda cria combinações de roupas com base em linhas, proporções, cores e
texturas. Embora habilidades de costura e modelagem sejam benéficas, elas não são um pré-requisito
para o sucesso do design de moda. A maioria dos designers de moda são formalmente treinados ou
aprendizes.

 Um designer técnico trabalha com a equipe de design e as fábricas no exterior para garantir a
construção correta da peça, escolhas de tecidos apropriadas e um bom ajuste. O designer técnico ajusta
as amostras de vestuário em um modelo e decide quais alterações de ajuste e construção serão feitas
antes da produção em massa do vestuário.
 Um modelista (ou cortador de moldes) desenha os formatos e tamanhos das peças de uma peça de
roupa. Isso pode ser feito manualmente com papel e ferramentas de medição ou usando um programa de
software CAD. Outro método é colocar o tecido diretamente sobre um manequim. Os moldes resultantes
podem ser construídos para produzir o design pretendido da peça e o tamanho necessário. Geralmente é
necessário treinamento formal para trabalhar como marcador de padrões.
 Um alfaiate faz peças de vestuário personalizadas, feitas sob medida para o cliente; especialmente
ternos (casaco e calças, jaqueta e saia, etc.). Os alfaiates geralmente passam por um estágio ou outro
treinamento formal.
 Um designer têxtil cria tramas e estampas de tecidos para roupas e móveis. A maioria dos designers
têxteis são treinados formalmente como aprendizes e na escola.
 [Link] estilista coordena as roupas, joias e acessórios
usados em fotografias de moda e apresentações de passarela. Um estilista também pode trabalhar com
um cliente individual para criar um guarda-roupa coordenado de peças. Muitos estilistas são treinados em
design de moda, história da moda e trajes históricos, e têm um alto nível de especialização no mercado
de moda atual e nas tendências futuras do mercado. No entanto, alguns simplesmente têm um forte
senso estético para criar visuais incríveis.
 Um comprador de moda seleciona e compra o mix de roupas disponíveis em lojas de varejo, lojas
de departamento e redes de lojas. A maioria dos compradores de moda é treinada em negócios e/ou
estudos de moda.
 Uma costureira costura roupas prontas para vestir ou produzidas em massa à mão ou com uma
máquina de costura, seja em uma loja de roupas ou como operadora de máquina de costura em uma
fábrica. Ela (ou ele) pode não ter as habilidades para fazer (desenhar e cortar) as roupas ou para ajustá-
las a um modelo.
 Um professor de design de moda ensina a arte e o ofício do design de moda em uma escola de
arte ou moda.
 Um alfaiate faz roupas personalizadas sob encomenda para um determinado cliente.
 [Link] costureiro é especialista em roupas femininas sob
medida: vestidos para o dia, para coquetel e para a noite, roupas e ternos de negócios, enxovais, roupas
esportivas e lingerie.
 Um ilustrador desenha e pinta designs de roupas para uso comercial.
 Um analista de moda prevê quais cores, estilos e formatos serão populares ("tendência") antes que
as peças sejam colocadas à venda nas lojas.
 Uma modelo veste e exibe roupas em desfiles de moda e em fotografias.
 Um modelo auxilia o designer de moda vestindo e comentando sobre o caimento das roupas durante
o design e a pré-fabricação. Os modelos de ajuste precisam ter um tamanho específico para essa
finalidade.
 Um jornalista de moda escreve artigos de moda descrevendo as peças apresentadas ou tendências
da moda para revistas ou jornais.
 Um especialista em alterações (alterador) ajusta o caimento de peças de vestuário finalizadas,
geralmente prontas para vestir, e às vezes as remodela. OBSERVAÇÃO: embora os alfaiates alterem as
peças para adaptá-las ao cliente, nem todos os alteradores são alfaiates.
 Um consultor de imagem, consultor de guarda-roupa ou consultor de moda recomenda estilos e
cores que sejam favoráveis ao cliente.