UNIVERSIDADE FEDERAL DO RIO GRANDE DO NORTE

CENTRO DE CIÊNCIAS HUMANAS, LETRAS E ARTES

PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM ESTUDOS DA LINGUAGEM
DEPARTAMENTO DE LETRAS

O poema e a canção em As coisas, de Arnaldo Antunes: imagens

da primeiridade.

JORGE NORMANDO DOS SANTOS FILGUEIRA

NATAL – RN
2010
 JORGE NORMANDO DOS SANTOS FILGUEIRA

O poema e a canção em As coisas, de Arnaldo Antunes: imagens

da primeiridade.

Dissertação apresentada ao Programa de Pós-

Graduação em Estudos da Linguagem da
Universidade Federal do Rio Grande do Norte,
como parte dos requisitos para obtenção do
título de Mestre em Letras.

Área de concentração:
Literatura Comparada.

Orientador:
Prof. Dr. Márcio Venício Barbosa

NATAL- RN
2010
 FOLHA DE APROVAÇÃO

Dissertação de mestrado submetida ao Programa de Pós-Graduação em Estudos da

Linguagem da Universidade Federal do Rio Grande do Norte, como parte dos requisitos
necessários para obtenção do título de Mestre.

Data de defesa: 29 de outubro de 2010.

Resultado: Aprovado

BANCA EXAMINADORA

Prof. Doutor Márcio Venício Barbosa– PPGEL– UFRN

Presidente

Prof. Doutor Andrey Pereira de Oliveira – PPGEL– UFRN

Examinador Interno

Prof. Doutor Luciano Barbosa Justino – MLI – UEPB

Examinador Externo

Prof. Doutor Derivaldo dos Santos – PPGEL – UFRN

Suplente
 Catalogação da Publicação na Fonte.
Universidade Federal do Rio Grande do Norte.
Biblioteca Setorial do Centro de Ciências Humanas, Letras e Artes (CCHLA).

Filgueira, Jorge Normando dos Santos.

O poema e a canção em As coisas, de Arnaldo Antunes: imagens da
primeiridade. /Jorge Normando dos Santos Filgueira. – 2010.

152 f. : il.-

Dissertação (Mestre em Estudos da Linguagem) – Universidade Federal

do Rio Grande do Norte. Centro de Ciências Humanas, Letras e Artes.
Programa de Pós-graduação em Estudos da Linguagem, 2010.
Orientador: Prof. Dr. Márcio Venício Barbosa.

1. Literatura comparada. 2. Semiótica. 3. Música. 4. Antunes, Arnaldo.

I. Barbosa, Márcio Venício. II. Universidade Federal do Rio Grande do
Norte. III. Título.

RN/BSE-CCHLA CDU 82.091

Este trabalho é dedicado

aos meus pais, José Filgueira Filho e Francisca dos Santos Filgueira, por todo empenho,

dedicação e sacrifícios para que eu pudesse chegar até aqui;

aos meus irmãos, Péricles e Franklin por sempre estarem presentes na minha vida, mantendo

vivo em mim a noção de família, muito importante para a minha formação como pessoa;

à Isabelle, por todo o incentivo, apoio, amor e carinho que me ajudou não só a realizar este

trabalho, mas a me reencontrar, voltar ao trilho da vida e preencher de forma especial o

vazio que havia dentro de mim;

e ao meu pequeno sobrinho Leon, simplesmente por existir e por ter escolhido, sabiamente,

mesmo pequenino, torcer para o mesmo time que eu.

 AGRADECIMENTOS

Ao Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) pela

bolsa de pesquisa concedida para a realização do trabalho;

À coordenação, aos professores e a secretária Elizabete Maria Dantas (Bete), do

programa de Pós-Graduação em Estudos da Linguagem (PPGEL), da UFRN;

Ao Prof. Dr. Andrey Pereira de Oliveira pela leitura e relevantes sugestões feitas por

ele durante a qualificação deste trabalho.

Ao Prof. Dr. Luciano Justino Barbosa, por ter aceitado participar da minha banca de

defesa de mestrado e pelas valiosas contribuições feitas por ele.

A todos os meus amigos, sem exceção, especialmente aos que estiveram ao meu lado

no mesmo barco, tanto na graduação quanto na pós.

À Prof ª. Drª. Ilza Matias de Sousa, pela valiosa ajuda acadêmica e pela quase

orientação desta dissertação, que mudou de rumo por desígnios do destino no momento da

entrevista.

Ao Prof. Dr. Márcio Venício Barbosa, por ter surgido inesperadamente no meu

percurso acadêmico e mesmo assim ter acreditado no meu potencial. Suas orientações me

proporcionaram uma abertura em meus horizontes como pesquisador. Sempre preciso em suas

colocações, participou de forma imprescindível na construção dessa dissertação.

“Na nossa casa amor perfeito é mato
e o teto estrelado também tem luar.
A nossa casa até parece um ninho,
vem um passarinho pra nos acordar.
Na nossa casa passa um rio no meio
e o nosso leito pode ser o mar.
A nossa casa é onde a gente está,
a nossa casa é em todo lugar”.
Arnaldo Antunes
 RESUMO

Esta dissertação pretende analisar um corpus contendo seis textos híbridos, os quais
denominamos poema-canção/poema-cantado devido a dupla presença em dois sistemas
semióticos diferentes. Um deles, a literatura ou, mais especificamente, a poesia, tem como
suporte o livro As coisas, de Arnaldo Antunes, e o outro, a canção, está nos discos de carreira
do mesmo autor. Nosso trabalho lança um olhar sobre esse corpus, tentando observar um
aspecto recorrente tanto no nosso recorte escolhido, quanto no livro e quiçá na obra literária e
musical de Arnaldo Antunes, que é a presença da primeiridade, categoria teórica
desenvolvida por Charles Sanders Peirce. Além da observação desse aspecto semiótico,
faremos uma discussão sobre a canção popular, suas raízes e sua relação com a poesia e, por
consequência, com a Literatura. A teoria semiótica será ancorada em duas frentes: no que diz
respeito ao estudo da primeiridade, trabalharemos com as teorias do próprio Peirce, mas
buscando apoio em teóricos como Lúcia Santaella, Winfried Nöth, Júlio Plaza e Décio
Pignatari; pelo outro caminho, quando partirmos para a análise das canções, utilizaremos a
teoria de Luiz Tatit, que foi baseada na semiótica de Algirdas Julien Greimas. Tatit traça um
método de análise, por meio do qual é possível analisar uma canção explorando os recursos
tanto do texto quanto da melodia, possibilitando uma compreensão maior para os estudos dos
poemas-canções e suas variações. Como suporte para a discussão sobre música utilizaremos
como auxílio as teorias de José Miguel Wisnik, Claude Lévi-Strauss, Roland Barthes e Jean
Fisette.

PALAVRAS-CHAVE: Semiótica; Primeiridade; Literatura; Poesia; Canção Popular; Poema-

Canção; Poema-Cantado; Música; Arnaldo Antunes.
 RÉSUMÉ

Ce travail a pour but d’analyser un corpus de six textes hybrides, que nous classons
comme des poèmes-chansons/ poèmes-chantés à cause de leur double présence dans deux
systèmes sémiotiques différents. Le premier, la littérature, ou plus spécifiquement la poésie, a
comme support le livre As Coisas [Les Choses], d’Arnaldo Antunes et l’autre, la chanson, est
enregistré dans les disques du même auteur. Notre travail lance un regard sur ce corpus, en
essayant de vérifier un aspect recourrent dans l’oeuvre d’Arnaldo Antunes qui est la présence
da priméité, catégorie theórique développée par Charles Sanders Peirce. Au-delà de
l’observation de cet aspect sémiothique, nous ferons une discussion sur la chanson populaire,
et ses rapports avec la poésie et par conséquent avec la Litterature. La théorie sémiothique
s’appuyera sur deux piliers : En ce qui concerne l’étude de la priméité, nous travaillerons avec
les théories de Peirce, mais en nous servant aussi des ouvrages de Lúcia Santaella, Winfried
Nöth, Júlio Plaza et Décio Pignatari ; Dans l’autre voie, pour ce qui concerne l’analyse des
chansons, nous utiliserons la théorie de Luiz Tatit, fondée sur la sémiothique de Algirdas
Julien Greimas. Tatit trace une méthode d’analyse, où il est possible d’analyser une chanson
en exploitant et le texte et la mélodie, ce qui permet une meilleure compréhension de l’étude
des poèmes-chansons et ses variations. Comme support pour la discussion sur la musique,
nous nous servirons des théories de José Miguel Wisnik, Claude Lévi-Strauss, Roland Barthes
et Jean Fisette.

MOT-CLÉS: Sémiothique; Priméité; Littérature; Poésie; Chanson Populaire; Poème-

Chanson; Poème-Chantè ; Musique; Arnaldo Antunes.
LISTA DE ILUSTRAÇÕES

IMAGEM 01: DESENHO TUDO............................................................................................51

IMAGEM 02: POEMA TUDO.................................................................................................51

IMAGEM 03: DESENHO AS ÁRVORES ................................................................................62

IMAGEM 04: DESENHO AS COISAS....................................................................................65

IMAGEM 05: DESENHO O CAMPO......................................................................................67

IMAGEM 06: DESENHO CULTURA.....................................................................................70

IMAGEM 07: DESENHO O DINHEIRO................................................................................73

IMAGEM 08: DESENHO SE NÃO SE....................................................................................76

IMAGEM 09: FOTOGRAFIA OUROBOROS.........................................................................77

IMAGEM 10: POEMA O QUE................................................................................................78

IMAGEM 11: POEMA AS ÁRVORES.....................................................................................93

IMAGEM 12: POEMA AS COISAS.......................................................................................105

IMAGEM 13: POEMA O CAMPO........................................................................................112

IMAGEM 14: POEMA CULTURA........................................................................................117

IMAGEM 15: POEMA O DINHEIRO...................................................................................130

IMAGEM 16: POEMA SE NÃO SE.......................................................................................139

LISTA DE DIAGRAMAS

DIAGRAMA 01 – AS ÁRVORES – SEQUÊNCIA 1...........................................................101

DIAGRAMA 02 – AS ÁRVORES – SEQUÊNCIA 2...........................................................101

DIAGRAMA 03 – AS ÁRVORES – SEQUÊNCIA 3...........................................................102

DIAGRAMA 04 – AS ÁRVORES – SEQUÊNCIA 4...........................................................103

DIAGRAMA 05 – AS ÁRVORES – SEQUÊNCIA 5...........................................................103

DIAGRAMA 06 – AS ÁRVORES – SEQUÊNCIA 6...........................................................104

DIAGRAMA 07 – AS COISAS – SEQUÊNCIA 1................................................................110

DIAGRAMA 08 – AS COISAS – SEQUÊNCIA 2................................................................110

DIAGRAMA 09 – AS COISAS – SEQUÊNCIA 3................................................................111

DIAGRAMA 10 – O CAMPO................................................................................................116

DIAGRAMA 11 – CULTURA – SEQUÊNCIA 1.................................................................123

DIAGRAMA 12 – CULTURA – SEQUÊNCIA 2.................................................................123

DIAGRAMA 13 – CULTURA – SEQUÊNCIA 3.................................................................124

DIAGRAMA 14 – CULTURA – SEQUÊNCIA 4.................................................................127

DIAGRAMA 15 – CULTURA – SEQUÊNCIA 5.................................................................127

DIAGRAMA 16 – CULTURA – SEQUÊNCIA 6.................................................................128

DIAGRAMA 17 – O DINHEIRO – SEQUÊNCIA 1.............................................................133

DIAGRAMA 18 – O DINHEIRO – SEQUÊNCIA 2.............................................................134

DIAGRAMA 19 – O DINHEIRO – SEQUÊNCIA 3.............................................................134

DIAGRAMA 20 – O DINHEIRO – SEQUÊNCIA 4.............................................................136

DIAGRAMA 21 – O DINHEIRO – SEQUÊNCIA 5.............................................................138

DIAGRAMA 22 – SE NÃO SE – SEQUÊNCIA 1................................................................142

DIAGRAMA 23 – SE NÃO SE – SEQUÊNCIA 2................................................................143

SUMÁRIO

INTRODUÇÃO......................................................................................................................11

CAPÍTULO I: UM POEMA OU UMA CANÇÃO?

1.1 ENTRE POEMAS CANÇÕES.....................................................................................29

1.2 ENTRE O MUSICAL E LITERÁRIO..........................................................................36
1.3 POESIA É PARA SE LER E MÚSICA PARA OUVIR?............................................40

CAPÍTULO II: PRIMEIRIDADE: DO ÍCONE IMAGÉTICO AO MUSICAL

2.1 TODAS AS COISAS DO MUNDO NÃO CABEM NUMA IDEIA?...............................49

2.2 A SEMIÓTICA DA IMAGEM.....................................................................................53
2.3 CRIANÇAS GOSTAM DE FAZER PERGUNTAS SOBRE TUDO..........................58
2.4 OS DESENHOS DE ROSA..........................................................................................62
2.4.1 AS ÁRVORES.................................................................................................62
2.4.2 AS COISAS......................................................................................................65
2.4.3 O CAMPO........................................................................................................67
2.4.4 CULTURA.......................................................................................................70
2.4.5 O DINHEIRO..................................................................................................73
2.4.6 SE NÃO SE......................................................................................................76
2.5 A SEMIÓTICA DA MÚSICA......................................................................................79
2.6 MELODIA....................................................................................................................83

CAPÍTULO III: UMA ANÁLISE SEMIO-MUSICAL

3.1 POEMA-CANÇÃO, POEMA-CANTADO E CANÇÃO LETRADA...............................86

3.2 EXEMPLOS DE MELODIAS QUE RECEBERAM LETRAS...................................89
3.3 EXEMPLOS DE POEMAS QUE RECEBERAM MELODIA....................................91
3.4 AS ÁRVORES..............................................................................................................93
3.5 AS COISAS.................................................................................................................105
3.6 O CAMPO...................................................................................................................112
3.7 CULTURA..................................................................................................................117
3.8 O DINHEIRO..............................................................................................................130
3.9 SE NÃO SE.................................................................................................................139

CONSIDERAÇÕES FINAIS...............................................................................................145

REFERÊNCIA BIBLIOGRÁFICAS..................................................................................148

ANEXOS................................................................................................................................151
 11

INTRODUÇÃO
No presente trabalho pretendemos propor uma discussão sobre a presença de uma das

categorias da semiótica peirciana, a primeiridade, na obra do cantor, compositor e escritor

Arnaldo Antunes. Nosso estudo consiste em analisar, a partir de um corpus retirado do livro

de poemas As coisas, como se dá uma certa concepção poética e mesmo musical

fundamentada nesse nível da significação. Tomando como referências as várias vertentes

artísticas do autor/compositor escolhido, será discutida aqui a temática envolvendo a poesia e

a música.

A poesia faz parte do tema por ser um livro de poemas o ponto de partida do nosso

trabalho. No caso da música, a sua inserção no corpus escolhido ocorre pela existência de seis

canções que também são parte do livro As coisas, na forma de poemas, nos levando para uma

a reflexão sobre os processos de criação existentes, agora de forma mais específica, na

convergência entre poema e canção.

Essa relação entre poesia e música é mais antiga que a escrita. Nos séculos X, XI e

XII, as manifestações poéticas estavam sempre ligadas à oralidade. Pode-se dizer que a forma

de se fazer poesia é anterior à escrita, pois os poemas, assim como as narrativas, eram

transmitidos pela tradição oral, conforme o estudo desenvolvido por Walter Benjamin no

texto O Narrador (1985). Junto a essa oralidade na transmissão da poesia, estava a música

(MOISÉS, 2000, p.282). Acredita-se que, na Antiguidade Clássica, as manifestações poéticas

eram feitas sob o acompanhamento de um instrumento musical, a lira, de onde derivaria o

nome do gênero lírico.

Já no Trovadorismo, os poemas entoados tinham, geralmente, o objetivo de expressar

sentimentos quase sempre atrelados à ideia de amor, chamavam-nos de cantigas. A música e a

poesia eram transmitidas de geração para geração sem grandes problemas,

 12

Poesia e música eram práticas orais transmitidas de geração em geração sem

conflitos. A ruptura se dá com o advento da escrita. Na folha de papel, a palavra
ganha autonomia. A partir de então a palavra pode ser fixada segundo critérios que
vencem de longe os limites da memória. Da exploração dos meandros da palavra no
papel à composição espacial dos versos, a poesia, via de regra, vai cada dia se
distanciando mais e mais da palavra falada e da memória oral dos povos (RIBEIRO
NETO, 2007, p. 1).

Por anos, poesia e música se mantiveram separadas, tendo na figura do poeta um

criador de livros, e na figura do músico, um criador de temas melódicos sem a presença da

palavra, que só aparecia para figurar nas partituras e dar os créditos aos seus criadores.

Quando música e poesia se encontram novamente, com o passar dos tempos, temos o

que conhecemos por canção, ou seja, a união entre texto e melodia em uma forma

harmoniosa. Segundo Luiz Tatit (2008, p. 41), “o canto sempre foi uma dimensão

potencializada da fala” e, a partir dele, exaltamos os deuses, declaramos nossas paixões e

nossas revoltas.

A junção entre música e fala amplia vertiginosamente as possibilidades de

interpretação sobre determinada obra, além de adicionar a essa interpretação análises que não

podem deixar de tomar por base o corpo e os estados emocionais do intérprete do canto,

“gerando aquilo que depreendemos como relações de compatibilidade entre melodia e letra”

(TATIT, 2008, p. 41). Essa relação, aqui abordada por Luiz Tatit para definir as relações do

corpo do intérprete com a música, pode também servir para uma conceituação da canção, pois

ela também não deixa de ser uma compatibilidade entre melodia e letra:

Ao se transformar em canção, a oralidade sofre inversão de foco de incidência: as

entoações tendem a se estabilizar em “formas musicais”, na medida em que se
instituem células rítmicas, curvas melódicas recorrentes, acentos regulares e toda
sorte de recursos que asseguram a definição sonora da obra; a letra, por sua vez,
liberta-se consideravelmente das coerções gramaticais responsáveis pela
inteligibilidade de nossa comunicação diária e também se estabiliza em suas
progressões fônicas por meio de ressonâncias aliterantes (TATIT, 2008, p. 42).

Nessa relação dúbia entre o que é poema e o que é canção, conceitos delimitados por

uma fronteira muitas vezes tênue, conforme veremos no capítulo 3, inúmeros são os exemplos
 13

de hibridismo nos dois sentidos, tanto do poema que ganha uma melodia, quanto da música

que recebe versos. Entre esses exemplos está uma parte da obra de Arnaldo Antunes, que

mescla sua forma de produção entre o musical e o literário. A partir do que foi dito, em quais

caminhos poderemos abordar a sua obra, visto que ele transita por estes dois lugares, poema e

canção, e assume estas duas posições, poeta e compositor? Sob formas distintas não seria algo

difícil de observar, mas como analisar textos que flutuam nesses dois universos? Este é um

dos focos desta pesquisa, analisar essa relação tão distinta e ao mesmo tempo tão híbrida,

contextualizando-os também com a primeiridade, terminologia que explicaremos mais

adiante.

Por ser algo tão próximo, estudaremos, neste trabalho, o poema e a canção de Arnaldo

Antunes e o modo como eles se relacionam dentro da perspectiva da teoria da semiótica.

Faremos este estudo a partir da proposta de Luiz Tatit, utilizando o texto como ponto de

partida para a análise semiótica, e,

Esperamos, assim, que os conceitos possam emergir da atividade descritiva como

uma atividade inerente ao trabalho reflexivo. (...) Tudo ocorre como se as noções
técnicas surgissem das entranhas do corpus, atravessassem seus estratos de sentido e
se projetassem a um quadro teórico que vai se constituindo gradativamente (TATIT,
2001, p. 14).

Na citação acima, Tatit se refere ao fato de as noções técnicas surgirem a partir do

corpus; na pesquisa em questão utilizamos a linguagem escrita como um de nossos suportes

de observação, porém não nos restringimos somente a ela, pois no livro as coisas além da

tipografia textual há também uma linguagem não verbal desencadeada por um compósito de

desenhos que pertencem a um contexto global junto aos poemas. Analisamos também os

recursos musicais presentes nas canções que fazem parte do nosso recorte, que será

apresentado mais a frente.

 14

1.1 ALGO É O NOME DO HOMEM? COISA É O NOME DO HOMEM?

Arnaldo Augusto Nora Antunes Filho nasceu em São Paulo, em 1960. Ingressou na

Faculdade de Letras da USP em 1978, onde seguiria o curso de Linguística, mas o sucesso

obtido junto aos Titãs lhe tomou todo o tempo entre shows, gravações, ensaios, turnês e

entrevistas. Após dez anos integrando o grupo, desligou-se da banda por causa de seu

redirecionamento artístico e passou a construir uma carreira solo. Atuou como ensaísta na

Folha de São Paulo, onde deixou evidentes seus conhecimentos teóricos que aparecem de

forma significativa em seus trabalhos.

Como artista solo lançou os álbuns:

Nome (1993): Primeiro disco da carreira solo o qual faz parte de um projeto maior,

contendo um livro de poemas e um vídeo. Desse modo, cria-se em seu primeiro trabalho um

projeto multimidiático envolvendo três áreas: som, palavra e imagem. Encontram-se no disco

três canções objetos de análise entre tais relações híbridas. São elas: “O campo”, “Cultura” e

“Se não se”.

Ninguém (1995): Nesse segundo disco, Antunes traz uma variação no repertório que

vai da singeleza da canção “O seu olhar” até o rock pesado na regravação de Lupicínio

Rodrigues em “Judiaria”. Esse disco traz também a transformação em canção feita por

Antunes de um poema de Augusto dos Anjos chamado “Budismo Moderno” (que está

presente no livro Eu, todos os sonetos e outras poesias) em ritmo de bossa nova com

interferências de ruídos de serrotes, guitarras elétricas e programação de cordas.

O Silêncio (1996): Nesse terceiro disco, Arnaldo Antunes mantém a variedade de

repertório, tendo como destaque o discurso sobre a inclassificação humana na canção

“Inclassificáveis”, com participação do cantor, compositor e líder do movimento manguebeat

 15

iniciado em Recife-PE, Chico Science. Também nesse disco, temos duas alusões ao tema

“buraco” em duas canções distintas: “O Buraco” e “O buraco do espelho”; duas versões da

música “Desce”, uma bossanovística e a outra em ritmo de percussão carnavalesca; além da

reflexão que dá nome ao disco sobre o silêncio na canção de mesmo nome.

Um Som (1998): O quarto disco traz uma parceria com Alice Ruiz na música

“Socorro”, uma canção sobre música chamada “Música para ouvir”, que explica o título do

cd, além das músicas “As árvores” e “O dinheiro”, ambas em parceria com Jorge Ben Jor,

duas das seis canções analisadas em seus hibridismos citados anteriormente.

Paradeiro (2001): Nesse quinto disco, inicia-se um processo de mudança no repertório

e em sua forma de execução. As músicas possuem uma proximidade maior em seus arranjos e

Antunes começa a utilizar com mais ênfase a sua região vocal mais grave. Em destaque nesse

disco, temos a canção que dá nome ao álbum, em parceria com Marisa Monte e uma

regravação de “Exagerado” do cantor e compositor Cazuza.

Saiba (2004): Igualmente ao disco anterior, o sexto disco mantém a mesma forma de

linearidade no repertório e as execuções vocais na região grave. “Saiba”, canção que dá nome

ao disco trata sobre as impressões primeiras de uma pessoa, remetendo-nos a uma temática

infantil. A prova desse pensamento foi à gravação da cantora e compositora Adriana

Calcanhotto em um de seus projetos de discos infantis dessa canção no álbum Partimpim em

2006.

Em 2009, ela repetiu a dose com a gravação da música “A massa” presente no disco

anterior de Antunes, Paradeiro, mantendo esse mesmo pensamento de canção com temática

infantil, na continuação do primeiro álbum chamado de Partimpim 2. Saiba ainda traz duas
 16

canções singelas, uma gravada com sua parceira sempre presente Marisa Monte, “Grão de

amor” e uma outra chamada “A nossa casa”.

Qualquer (2006): Nesse disco Arnaldo Antunes nos revela de vez a sua inclinação

pelos tons graves que vinham aparecendo nos discos passados. Neste, basicamente, todas as

músicas flutuam nessa tessitura vocal. Em destaque neste disco temos a regravação da música

“Acabou chorare”, do grupo Os Novos Baianos, e da canção “As coisas”, musicada por

Gilberto Gil para o disco Tropicália 2 (1993), que faz parte do grupo das seis estudadas por

este trabalho.

Arnaldo Antunes Ao Vivo no Estúdio (2007): O oitavo disco de Antunes é um

compêndio de suas maiores preferências dentre os sete discos anteriores, de suas músicas

junto ao Titãs e das músicas gravadas por outros artistas. Podemos destacar a regravação da

música “Qualquer coisa” de Caetano Veloso, e as participações de Nando Reis, ex-titãs como

Antunes, na música “Não vou me adaptar”, regravação do disco Televisão dos Titãs de 1985;

Branco Melo, ainda integrante dos Titãs, na música “Eu não sou da sua rua”, do disco anterior

Qualquer; e Edgar Escandurra, na música de Lupicínio Rodrigues “Judiaria”.

Iê Iê Iê (2009): Disco mais recente de Arnaldo Antunes, possui uma linearidade

musical e estética que relembra bastante os ritmos e instrumentos usados por Roberto Carlos e

sua turma no início da jovem guarda. Luiz Tatit (2008) diz que

Na esteira do sucesso de vendas da música norte-americana, os investimentos das

grandes empresas concentraram-se nos anos oitenta, na criação de uma símile
nacional que pudesse diminuir os riscos dos lançamentos inusitados. O país
mergulhara numa crise financeira que impedia qualquer aventura comercial. Ao
mesmo tempo, proliferava-se pelas grandes capitais os chamados grupos de rock em
busca da dicção perdida nos anos anteriores. A influência das bandas estrangeiras
era flagrante, mas não chegava a ofuscar os indícios da tradição local: o charme, a
simplicidade e a eficácia comercial – para não falar do descomprometimento
ideológico – do repertório da primeira fase da jovem guarda formavam um modelo
sugestivo para a atuação desses grupos. As gravadoras souberam abrigá-los na hora
certa e suas canções tomaram conta das emissoras FM, contracenando com a
produção internacional do rock, do funk e do reggae (TATIT, 2008, p. 61).
 17

O aspecto relevante dessas informações está inserido nesta migração dos grupos de

rock para esse modelo sugestivo, no caso a fórmula musical da jovem guarda. Tatit (2008,

pág. 61) diz que uma das bandas de rock importantes surgidas nesse cenário da década de

oitenta, Os Titãs, grupo no qual Antunes começou sua carreira e se manteve até 1993,

autodenominavam-se Os Titãs do iê-iê-iê, mudando de nome ao conseguirem o primeiro

contato com uma gravadora, passando a ser chamar apenas Os Titãs. Antunes faz em seu

disco de 2009 uma incursão no tempo relembrando preceitos que estavam presentes no início

de sua carreira, trazendo de volta esse modelo sugestivo, visto de uma forma diferente na

construção musical dessa nova fase de seu trabalho.

Iê Iê Iê possui o mesmo clima do disco dos Titãs, Televisão, de 1985, que mistura o

gênero rock ao estilo jovem guarda de fazer música, confirmando a ideia trazida por Luiz

Tatit de que os grupos seguiram um determinado modelo para serem absorvidos pelas FM’S.

Para uma constatação mais realista do que está sendo dito, sugiro a audição em sequência dos

discos Televisão dos Titãs e Iê Iê Iê de Arnaldo Antunes, o que permite observar essa singular

coincidência trazida até nós através de Antunes por causa da rememoração do termo que dá

nome ao álbum.

Esse disco traz as mesmas características dos anteriores no que se diz respeito à

tessitura vocal na região grave, e os temas do repertório são recorrentes aos assuntos sobre

coisas cotidianas da vida, como o envelhecimento, na canção “Envelhecer”; a inveja humana,

em “Invejoso”; e alguns dilemas referentes ao mundo jovem, como a questão do sexo, em

“Vem cá”.

Antunes realizou também projetos especiais, como:

 18

O Corpo (1999): Trilha para o balé do Grupo Corpo. As faixas do disco são divididas

em oito momentos.

Tribalistas (2002): Álbum feito com Marisa Monte e Carlinhos Brown, cujas

temáticas trazem à tona coisas do humano, mas de um ponto de vista otimista na forma de

enxergá-las. Exemplo disso são as canções “Mary Cristo” e “Velha infância”.

Pequeno Cidadão (2009): Disco produzido com Edgar Escandurra, Taciana Barros,

Antônio Pinto e seus respectivos filhos, no mesmo ano de produção do seu último trabalho, o

Iê Iê Iê. O destaque do CD é a temática infantil abordada de uma forma singular. A canção

que dá nome ao álbum apareceu para o grande público em uma publicidade automotiva,

interpretada pelas crianças que fizeram parte do vídeo publicitário. Além dessa música,

temos: “Futezinho na escola”, que é um tema que remete à infância de várias gerações, e

“Tchau chupeta”, que aborda esse processo presente na infância de todo mundo que tem seu

tempo de mamar, como diz a canção. O disco não é destinado apenas ao público infantil

propriamente dito, mas a todos que passaram por essa fase, ou seja, o disco é atemporal e sem

classificação etária.

Como escritor, Antunes publicou os livros:

Ou/e (poemas visuais, edição do autor, 1983): Neste primeiro livro de Arnaldo

Antunes temos um conjunto de poemas visuais editado artesanalmente. A partir dele, as

características dos poemas de Antunes nos demais livros receberão as marcas visuais como

parte do processo de significação.

Psia (Expressão, 1986 e Iluminuras, 1991): Neste livro, existe um exercício que leva a

um reconhecimento da pictografia, voltando ao início da escrita, onde letra e imagem se

 19

mesclam, ainda sem uma constituição totalmente independente, como aconteceria mais tarde,

até mesmo para os sistemas de escrita baseados em ideogramas.

Tudos (Iluminuras, 1990): Livro de poemas onde há a expressão da tensão entre a

reconciliação com cada coisa do mundo versus a relação de cada coisa com o tempo e o

espaço.

As coisas (Iluminuras, 1991): Obra em destaque neste trabalho, temos, aqui, uma

retomada, proveniente do livro anterior, das relações entre as coisas, como signos, e os

conceitos representativos, colocando o “eu lírico” infantil ou aprendiz perante um estado de

linguagem que é anterior aos conceitos já estabelecidos.

Nome (CD/ livro/vídeo, BMG Brasil, 1993, relançado em DVD em 2006): No quinto

livro, a produção da obra Nome, por esta natureza (livro/VHS/CD), possui uma poética de

simultaneidade de sentido, marcada por movimentos entre cores e sons, tragando o todo e

mantendo, com isso, a origem primeira de uma identidade.

2 ou + Corpos no Mesmo Espaço (CD/livro, Perspectiva, 1993): O livro vem

acompanhado de um CD com sonorização de alguns poemas em vários canais de vozes

simultâneas, gravado especialmente por Antunes e produzido por Alê Siqueira.

40 Escritos (Iluminuras, 2000): Há uma coleção de textos reunidos neste livro que

Antunes escreveu para revistas e jornais, dentre os quais podemos citar a folha de São Paulo,

jornal em que ele trabalhou por um tempo.

Doble Duplo (Zona de Obras/Taugará, 2000): Esta antologia de poemas foi lançada na

Espanha e teve tradução e organização de Iván Larraguibel, com prefácios de David Byrne e

Arto Lindsay.
 20

Outro (Fundação Cultural de Curitiba, 2001): Reúne trabalhos visuais da artista Maria

Angela Biscaia sobre um poema conjunto de Arnaldo Antunes e Josely Vianna Baptista.

Palavra Desordem (Iluminuras, 2002): Neste trabalho de Antunes vemos que a

síntese, a concentração e o gosto pelo lúdico dão o tom de seu discurso. Suas páginas foram

desenhadas por ele como se fossem cartazes, que podem ser lidos em várias direções.

Et Eu Tu (Cosac & Naify, 2003), com fotos de Marcia Xavier, Antologia (ed. Quasi,

Portugal, 2006): Livro e poemas mais verbais, que, agregados às imagens da fotógrafa Marcia

Xavier, ganham uma característica imagética. Os dois artistas se conheceram em Cuba, na

Bienal de Havana. Xavier propôs a Antunes fazerem algo juntos e a partir daí começaram a

trocar e-mails. Ela mandava fotos e ele, a partir delas, fazia os poemas. O objetivo de Xavier,

ao propor esse trabalho ao poeta, era o de explorar a relação entre palavra e imagem.

Como É que Chama o Nome Disso – Antologia (Publifolha, 2006): Esse livro reúne os

melhores poemas, ensaios, letras de música e caligrafias, selecionados pelo próprio Arnaldo

Antunes, acrescidos de um livro inédito de poemas (Nada de DNA) e de uma longa entrevista

(com Arthur Nestrovski, Francisco Bosco e José Miguel Wisnik), além de um ensaio

introdutório (de Antonio Medina Rodrigues).

Antologia (Vila Nova de Famalicão, Portugal: Quasi, 2006): Nesse livro, organizado

por Arnaldo Antunes, exclusivamente para uma edição portuguesa, ele faz uma panorâmica

de seus livros editados no Brasil e inclui vários trabalhos inéditos e até letras de canções.

Frases do Tomé aos três anos (Alegoria, 2006): Antunes selecionou, transcreveu,

ilustrou e diagramou frases de seu filho Tomé, quando este tinha apenas três anos de idade.
 21

N.D.A (2010): Neste livro, Antunes junta novamente palavra e imagem. Através de

fotos, ele cria novas formas de ver pequenas coisas, retiradas das cidades por onde ele passou

durante toda a sua vida.

1.2 ESTADO DA ARTE

Entre os trabalhos mais recentes sobre Arnaldo Antunes, merece destaque o estudo de

Aparecida Berchior (2000), em sua dissertação de mestrado Transcriação poética e

materialidade do vazio: Wittgenstein – Arnaldo Antunes. Ela estudou o processo evolutivo

dos livros de poesia de Arnaldo Antunes comparando-o às teorias filosóficas de Ludovic

Wittgenstein.

Outra dissertação sobre Antunes é a de Rubens Vaz Cavalcanti (2004): Arnaldo

Antunes: a poética da simultaneidade, que trabalha com o conceito de simultaneidade,

tentando estabelecer uma aproximação de textos de criação poética.

No nosso ponto de vista, essa simultaneidade, mais que “confusão terminológica”,

representa uma visada do mundo como que pela abertura de uma objetiva, que não filtra os

objetos, mas os capta em segundos. Somente a foto pronta permite operações como

classificação e significação. A escritura de Antunes, como qualquer outra inserida no processo

simbólico da significação, de acordo com a teoria peirciana, não quer, entretanto, apenas fazer

uso desse processo. Quer também questionar esse processo, daí o recurso à simultaneidade

discursiva, e que não é apenas discursiva, mas também intersemiótica, já que opera em

sistemas distintos como a escrita poética e o desenho, sem falar na música, sistema para o

qual alguns poemas são transpostos.

 22

Antônio Fernandes Júnior, com a tese de doutorado Os entre-lugares do sujeito e da

escritura em Arnaldo Antunes (2007), fez um trabalho que se destina ao estudo dos

procedimentos de escritura e autoria na produção poética de Arnaldo Antunes, cuja poesia

configura-se como um espaço de confluência de diferentes linguagens (visual, sonora, verbal)

e formas de veiculação (livro, vídeo, CD, corpo), elementos desencadeadores de sua

linguagem poético-musical. O trabalho foi dividido em quatro etapas: análise dos textos de

Antunes com base na noção de devir-criança, concebida por Gilles Deleuze; apresentação

teórica do conceito de suporte, a partir de Roger Chartier, e sua aplicabilidade para a leitura

dos poemas e canções do referido autor; discussão do conceito de subjetividade, desenvolvido

por Michel Foucault, com o objetivo de perceber as metamorfoses do sujeito na poesia de

Antunes; por último, ele trata das questões de autoria e escritura, que, de alguma maneira,

envolveram os tópicos anteriores, como tentativa de empreender um outro gesto de leitura na

poética de Antunes.

Palavra, voz e imagem: A poética de Arnaldo Antunes (2007), dissertação de Márcia

Plana de Souza Lopes, elabora uma reflexão sobre a poética de Arnaldo Antunes, inscrita nos

processos multimidiáticos. Levantam-se questões na tentativa de apreender a construção de

uma poética contemporânea. A seleção dos poemas discute o contraponto entre a voz e o

silêncio, a simetria das linguagens na busca da outridade, a coisa como material concreto e

conciso em si mesmo, a revelação do entrecruzamento entre o espaço e o tempo. A

fundamentação teórica que orienta este trabalho apoia-se em estudos de autores como

Augusto de Campos, Décio Pignatari, E. E. Melo e Castro, Edgard Braga, Haroldo de

Campos. Entre outras conclusões, apreende-se uma poética constantemente em trânsito; uma

poesia que se apropria da hibridização cultural e das interartes, contribuindo para solidificar

uma nova forma de poesia no contexto contemporâneo.

 23

Jorge Fernando Barbosa do Amaral, na dissertação Arnaldo Antunes - o corpo da

palavra (2009) analisa os caminhos traçados por Arnaldo Antunes no exercício de exploração

da palavra em seus vários aspectos. O trabalho aborda a discussão da relação signo-objeto,

desenvolvida a partir das ideias de Saussure, Bakhtin e Wittgenstein; tocam na poesia

concreta e seu projeto verbivocovisual; nos exercícios de caligrafia; atingem o campo da

canção popular enquanto cristalização dos recursos entoativos da fala, questão que é levantada

à luz dos escritos de Rousseau e Luiz Tatit; chegando a discussão sobre o aproveitamento de

modernos recursos tecnológicos para o estabelecimento da chamada arte primitiva, baseada na

ideia de “aldeia global”, de McLuhan.

Com esses últimos trabalhos, manteremos um diálogo mais significativo, devido ao

fato de Antônio Fernandes Júnior destacar, pelo conceito deleuzeano, a expressão da infância

em Arnaldo Antunes, que aqui abordaremos pelo prisma da primeiridade de Peirce; de Márcia

Plana de Souza Lopes trabalhar com questões intersemióticas, que também abordaremos aqui

para tratar da produção do poema e da canção em Arnaldo Antunes; e, finalmente, de Jorge

Fernando Barbosa do Amaral, por abordar questões da linguagem de Antunes, do ponto de

vista da semiótica e da filosofia da linguagem. A referência a esses trabalhos nos permitirá

uma economia nas questões pelas quais passaremos obrigatoriamente ao falar da obra de

Antunes, possibilitando um tratamento mais específico e mais aprofundado nas questões que,

para além desses estudos, pretendemos levantar.

 24

1.3 AS COISAS

Nosso trabalho tem como corpus seis poemas musicados presentes no livro As Coisas,

que serviram de base para o estudo da relação semiótica que envolve poema e canção. Esses

poemas figuram também sob a forma de canção em discos de Arnaldo Antunes e de outros

artistas. Analisamos a partir do livro esses seis textos por possuírem esse hibridismo, de ser ao

mesmo tempo poema e canção. É justamente dessa conjunção aparente que surgiram

questões, ao nosso ver, merecedoras de serem investigadas mais atentamente, a saber: que

relação intersemiótica existe entre o poema e a canção de Arnaldo Antunes? O que difere um

poeta de um compositor? E o que há, considerando o corpus escolhido, de primeiridade em

um poema ou em uma canção de Arnaldo Antunes?

Observamos, nesse corpus, uma experiência cognitiva muito ligada às primeiras

sensações do ser humano, em seu primeiro contato com as coisas, a partir do conceito

peirciano de primeiridade. Desse modo, fizemos uma abordagem nos textos híbridos, levando

em consideração os dois tipos de análise: a literária e a musical. Pelo viés da teoria literária,

apoiada na Semiótica, foram observados principalmente os traços do signo, de acordo com

Charles Sanders Peirce no livro Semiótica (1987), e os recursos da poesia, baseando-nos em

Décio Pignatari em O Que é Comunicação Poética (2004) e Alfredo Bosi em O Ser e o

Tempo da Poesia (2000); e, pelo viés da música, nos aspectos da semiótica desenvolvida por

Luiz Tatit, com seu método de análise musical presentes em O Cancionista: Composição de

canções no Brasil (2002), Musicando a semiótica: ensaios (1997), Análise semiótica Através

das Letras (2001), Três Canções de Jobim (2004), O Século da Canção (2008). A esses

autores juntar-se-ão outros, de acordo com o diálogo que pretendemos estabelecer entre as

ideias que eles veiculam no estudo da música brasileira contemporânea.

 25

Nosso trabalho incide na tentativa de demonstrar que a produção de Arnaldo Antunes,

tanto em poesia quanto em música, é de alguma forma, estruturada a partir de uma

primeiridade. Desse modo, ao levantarmos elementos sobre um campo ainda pouco explorado

no que diz respeito à relação Antunes/primeiridade, nosso objetivo geral é constatar a

recorrência dessa categoria semiótica no corpus retirado da obra do autor, analisando os

conteúdos e as características nele presentes. Para alcançar esse objetivo, foi necessário

discutir outras questões que lhe servem de base, como a possível intersecção entre poema e

canção e sua relação com a literatura; as relações semióticas presentes nas ilustrações e na

música, em Arnaldo Antunes, bem como na tríade desenho/ poema/ música; o movimento

criativo que existe na poesia que recebe música e na música que recebe letra; os

procedimentos referentes a poetas que fazem músicas a partir de seus próprios poemas.

Arnaldo Antunes nos traz uma indagação sobre um universo do mundo concreto, ou

incompreendido, em As Coisas (1991), seu quarto livro, ganhador do Prêmio Jabuti de poesia

em 1992. O livro é uma coleção de textos de Arnaldo Antunes e desenhos de Rosa Moreau

Antunes, sua filha, que, em comum, trazem uma mistura semiótica entre a visão

aparentemente ingênua de uma criança sobre determinadas coisas do mundo e a sensibilidade

de um pai-poeta capaz de traduzir em texto algumas indagações e constatações dessas coisas,

entregando-se à singularidade da lógica infantil.

A presença de desenhos no livro, relacionados com cada um dos poemas, acrescenta

um elemento em nossa análise: aos resultados criativos configurados como poema e canção

vêm juntar-se os desenhos, que, mais que meras ilustrações que remetem a um universo

infantil, são traduções intersemióticas construídas a partir de um ponto de vista infantil, que se

alinharia à abordagem das coisas pelo prisma da primeiridade. Estamos, então, diante de três

linguagens distintas: poesia, música e desenho.

 26

Observaremos esses aspectos da intersemiose a partir do estudo de Júlio Plaza, em seu

livro Tradução Intersemiótica (1987); sobre a questão do desenho de Rosa Antunes com

Lúcia Santaella e Winfried Nöth, no livro Imagem (2008), e Martine Joly, no livro Introdução

a análise da imagem (1996).

Antunes trabalha o conceito de “coisa” através de uma visão particular. Um olhar que

é questionador, mas que, ao mesmo tempo, tenta se aproximar da ingenuidade de uma criança

quando se depara pela primeira vez com algo novo e desconhecido. Segundo Leyla Perrone-

Móises (1988, p. 345), “o trabalho do poeta não consiste em reproduzir o que o seu olhar

captou no real, mas em produzir uma visão mais intensa”. Antunes lançou o seu olhar (de

adulto) sobre o mundo, para, no livro (teoricamente infantil), criar uma unidade poética e

ressaltar temáticas bem reflexivas no que concerne a algumas questões relacionadas aos

nossos primeiros contatos com as coisas do mundo.

O trabalho organiza-se do seguinte modo:

No primeiro capítulo, situamos as noções de poema, canção e as suas relações com a

literatura. Junto a isso, discutimos as diferenças e semelhanças existentes entre poeta,

compositor e cancionista. Retomamos a discussão envolvendo os processos que compõem o

universo entre música e poesia.

No segundo capítulo, fazemos alguns comentários iniciais acerca dos mecanismos da

semiótica de Peirce dando ênfase à categoria da primeiridade, em especial discutiremos como

ela se aplica na imagem, na música e em Arnaldo Antunes. Além da análise intersemiótica na

tríade desenho/poema/música, que abrirão os caminhos para o entendimento das análises

subsequentes.
 27

No terceiro capítulo demonstramos alguns casos de poemas que foram musicados,

como de músicas que receberam letras. Através desses exemplos, mostramos as

particularidades que há entre canções que são produto do trabalho de mais de um artista,

compositor e poeta, não importando se primeiro veio a música ou a letra, e canções que são

produto de um único artista, que é, ao mesmo tempo, compositor e poeta, como Arnaldo

Antunes. Analisamos este projeto musical e literário da obra de Arnaldo Antunes a partir do

arcabouço teórico da semiótica e da teoria musical de Luiz Tatit e Mário de Andrade.

Nas considerações finais, faremos a reflexão sobre todos os pontos elencados e

explanados por nós nos métodos utilizados durante o processo de feitura dissertativa. Vimos

que as relações híbridas estão mais presentes em nosso cotidiano do que podíamos imaginar.

Observamos também que a falta de nomenclaturas específicas para os modelos híbridos

referentes à fusão entre os poemas e as canções que ainda não existiam nos meios acadêmicos

(sobre o que denominamos por poema-canção, poema-cantado e canção-letrada) era algo que

se fazia necessário, como também a identificação da categoria da primeiridade em Arnaldo

Antunes, a partir do recorte feito por nós no livro de poemas As Coisas.

 28

CAPÍTULO I

UM POEMA OU UMA CANÇÃO?

“Uma canção não é uma letra entoada. Uma canção

não é uma melodia que diz. Uma canção é algo que
ocorre entre verbo e som, sem privilegiar nenhum
deles. Ante uma canção de verdade, qualquer
comentário crítico que separa letra e música parece
patético. A canção não é um código composto pela
junção de dois códigos primários, pois sua origem
conjunta é anterior a essa divisão. A palavra
cantada antecede a poesia falada ou escrita, a
música instrumental, os frutos especializados do
tempo do homem.”
Arnaldo Antunes, em 40 Escritos.
 29

1.1 ENTRE POEMAS E CANÇÕES

A ligação entre os conceitos de poema e canção, situados historicamente, é

proveniente do elo existente entre poesia e música, bem como do diálogo de ambas com a

Literatura, o que faz aproximar o ofício do poeta ao do compositor de música.

Assim sendo, podemos dizer que poesia e música são coisas que estão ligadas por um

fio muito próximo. Como já foi mencionado na introdução, houve entre elas uma cisão,

durante a época do Renascimento (MÓISES, 2000, pág. 282), mas trataremos sobre essa

relação voltando para um lugar anterior a essa cisão, onde o discurso poético e a música

ocupavam o mesmo lugar, em um campo de discussão teórica. Mas como podemos explicar

essa união, pelo ponto de vista da Literatura?

No decorrer dos séculos, a Literatura dialogou com diversas áreas, dentre elas as

outras artes, de forma bastante próxima. Nesse diálogo há uma espécie de revezamento das

linguagens utilizadas para a produção artística: ora os artistas bebiam da fonte da Literatura,

ora os poetas criavam a partir de obras de arte:

As relações da literatura com as belas-artes e com a música são extremamente

variadas e complexas. Por vezes, a poesia colheu inspiração na pintura, na escultura
ou na música. As outras obras de arte podem, tal como os objetos naturais ou as
pessoas, constituir temas para a poesia. Esse fato de os poetas terem descrito peças
de escultura, pintura ou mesmo música não oferece qualquer problema teórico
particular (WELLEK e WARREN, 1965, p. 153).

Por causa dessa intersecção entre as Artes e a Literatura, gerou-se um problema em

relação à Literatura, no que diz respeito à ideia de Platão sobre a imitação ou mimese:

Segundo Platão, todos os textos literários (“tudo quanto dizem os prosadores e

poetas”) são “uma narrativa de acontecimentos passados, presentes ou futuros”. Na
categoria global da diegese, distingue Platão três modalidades: a simples narrativa, a
imitação ou mimese e uma modalidade mista, conformada pela associação das duas
anteriores (AGUIAR E SILVA, 1996, p. 340).
 30

Como uma das modalidades de Platão, o teatro, ancora-se na imitação, a Literatura

tenta enveredar-se, partindo desse conceito, em um processo de similitude em relação às

belas-artes, criando uma fissura no meio da intersecção, decorrente dessa tentativa de mimese:

No domínio da história da arte apareceu todo um grupo de eruditos (Erwin

Panofsky, Fritz Saxl e outros) que estudam os significados conceituais e simbólicos
das obras de arte (“Iconologia”) e muitas vezes também as suas conotações literárias.
Para além destas questões óbvias de fontes e influências, inspiração e cooperação,
levanta-se um problema mais importante: por vezes a literatura tem tentado, por
forma definida, alcançar os efeitos da pintura – tornar-se pintura com palavras –, ou
atingir os efeitos da música – transformar-se em música. Em certas ocasiões, a
poesia tentou mesmo tornar-se “escultórica” (WELLEK e WARREN, 1965, p. 154).

A poesia e o poeta, assim como a Literatura, são representantes de uma transferência

de conhecimentos ao longo dos séculos, das diversas atividades e formas sociais existentes,

sejam elas artísticas, políticas ou religiosas. A Literatura, através de seus veículos, dos quais

faz parte a poesia, tenta representar ou até mesmo reproduzir de forma similar os

acontecimentos relevantes que ocorreram na história da humanidade, de uma forma subjetiva.

A poesia é a expressão de um eu, mostrando em sua produção que a forma como o

poeta vê o mundo se volta para si mesmo, ou seja, ele procura externar as sensações que vêm

de seu interior. Sobre a definição de poema, Massaud Móises afirma que:

Ao sistema harmônico de palavras (metáforas e termos de ligação) através das quais

o ‘eu’ do poeta se expressa em seu conteúdo e em seu intrínseco ritmo, dá-se o nome
de poema. Portanto, o poema seria a tentativa empreendida pelo poeta no sentido de
representar seu mundo interior: uma súmula de sinais, de metáforas (MÓISES, 2000,
p. 88).

As cantigas do Trovadorismo estavam ligadas a um tema musical, e eram passadas

adiante através da oralidade. As poesias não eram apenas recitadas, elas eram entoadas por

um canto, junto a um instrumento musical que sempre as acompanhavam. No século XII, foi

com os trovadores que se promoveu “uma aliança medular entre a letra do poema e o som”,

não se concebendo de forma alguma “a poesia separada da instrumentação e do canto”

(MÓISES, 2000, p. 282). As produções dos trovadores portugueses, por exemplo, feitas em
 31

verso, datam do século XII e estão reunidas em coletâneas denominadas: O Cancioneiro da

Ajuda, O Cancioneiro da Vaticana e o Cancioneiro da Biblioteca Nacional. Com a crise do

Feudalismo e a mudança de uma visão Teocêntrica para a Antropocêntrica, durante o período

do Renascimento, começa-se a se pensar a música separada da poesia, dando início a uma

cisão entre elas:

Todavia, à medida que a conjuntura social se alterava, ia-se processando a

dissociação entre a palavra e a pauta musical: a canzone1 peninsular manifestaria a
cisão operada no interior da lírica trovadoresca e o prelúdio da poesia moderna,
destinada à leitura ou/e à declamação. Não obstante, o ritmo musical permanecerá
uma das constantes específicas da nova forma poemática e da própria lírica em
gestação na alta Idade Média (MÓISES, 2000, p. 282).

Com o início do período do Renascimento e o fim da era medieval, a poesia tem em

Luís Vaz de Camões um dos primeiros representantes da poesia feita no papel, originando a

denominada era Clássica, dividindo os períodos literários em três: Classicismo, Barroco e

Arcadismo. Vitor Manuel Aguiar e Silva, nos explica melhor o que ocorreu com essa

periodização literária, nos transmitindo seu ponto de vista sobre o processo citado:

De feito, o largo espaço de três séculos que se estende desde o Renascimento até ao
romantismo era apresentado nos manuais de história da literatura de há meio século
– e noutros posteriores que repetem o mesmo esquema – como uma época
“clássica”, embora admitindo modulações várias neste bloco. A determinação de um
estilo e de um período barrocos nas diversas literaturas europeias, sucedendo-se ao
Renascimento e distinguindo-se claramente deste, veio romper de vez a pretensa
homogeneidade relativa daquela época “clássica”, e este fato, bem como a
reformulação do conceito de classicismo e a introdução de novas unidades
periodológicas – o maneirismo, o rococó e o pré-romantismo – permitiram traçar
com mais exatidão a história dos estilos e dos períodos literários desde o século XVI
até ao século XIX (AGUIAR E SILVA, 1996, p. 438).

O que fica desse fragmento do crítico português Aguiar e Silva é que, apesar da

tentativa de uma homogeneização dos períodos literários, eles tiveram produções

heterogêneas, independentemente do período; em meio a esse turbilhão histórico esteve a

poesia, que apesar dos recursos tecnológicos que surgiram no meio do século passado,

continuou presente, ocupando um lugar conquistado durante o passar dos séculos. Para que
1
O termo canzone é utilizado por Massaud Móises, que toma como referência o lirismo trovadoresco, de maior
difusão na península Ibérica, Inglaterra, Itália e no norte da França. Para ele, canzone é uma canção provençal
adaptada ao clima literário da Itália, servindo como matriz para a canção erudita que seria produzida no futuro.
 32

possamos entender melhor os efeitos da cisão entre poesia e música, vejamos como a música

percorreu os séculos anteriores.

Após a separação, a música e a poesia tiveram modelos diferentes de se referenciar,

pois diferentemente da Literatura, a música não tinha referentes no que se dizia respeito a uma

história da Música antiga. Em poesia, os poetas podiam beber da fonte dos textos da

antiguidade clássica,

mas, em música, o termo “classicismo” deve querer significar algo muito diferente
do seu emprego em literatura, pela simples razão de que, à exceção de alguns
fragmentos, não se conhecia a verdadeira música antiga,que, portanto, não podia dar
forma à evolução da música, ao passo que a literatura foi realmente enformada pelos
preceitos e pelas práticas da antiguidade clássica (WELLEK e WARREN, 1965, p.
157).

Mesmo não tendo uma referência sobre as bases fundadoras do que realmente era a

música antiga, a música teve, na formação do seu sistema tonal, um guia para a estruturação

do funcionamento e para a sua formação enquanto arte durante os séculos passados até chegar

ao atual. José Miguel Wisnik (1989) define de forma bastante clara como se deu a transição

do sistema modal, utilizado durante a Idade Média, para o sistema tonal, que passou a ser

usado nos séculos subsequentes. Wisnik diz que

A passagem do modal ao tonal acompanha aquela transição secular do mundo feudal

ao capitalista e participa, assim, da própria constituição da ideia moderna de história
como progresso. A formação gradativa do tonalismo remonta à polifonia medieval e
se consolida passo a passo ao longo dos séculos XVI, XVII e XVIII (quando se pode
dizer que o sistema está constituído). Na segunda metade do século XVIII e começo
do século XIX, à época do estilo clássico que vai de Haydn a Beethoven, o
tonalismo vigora em seu ponto de máximo equilíbrio balanceado (no contexto da
música “erudita”), passando em seguida por uma espécie de saturação e
adensamento, que o levam à desagregação afirmada programaticamente nas
primeiras décadas do século XX. Nesse arco histórico, que inclui a afirmação e a
negação do sistema, a linguagem musical contracanta, à maneira polifônica, com
aquilo que se costuma entender em seu sentido mais amplo, por modernidade
(WISNIK, 1989, p. 113).
 33

Na modernidade, a re-união que houve entre música e poesia é denominada canção2.

Como já foi dito, essa modalidade criativa suscita diversas interpretações e o seu processo de

feitura também gera discussões. A partir disso, discute-se sobre as diferenças e semelhanças

que há entre um poeta e um compositor. É muito comum vermos casos de músicas que foram

feitas, de certa maneira, com o intuito de se enquadrar na métrica da poesia e poemas que,

apesar de não terem sido feitos para serem cantados serem dotados de uma musicalidade

peculiar que é oriunda da ligação histórica que há entre poesia e música:

Têm-se escrito poemas, é claro, de propósito para serem musicados, por exemplo
muitas árias isabelinas e todos os libretos das óperas. Em casos raros, poeta e
compositor foram uma e única pessoa: mas parece difícil provar que a composição
da música e dos versos tenha alguma vez sido um processo simultâneo. Até Wagner,
por vezes, escrevia os seus “dramas” anos antes de serem postos em música; e não se
ignora que muitos versos têm sido escritos para adaptar as melodias já existentes
(WELLEK e WARREN, 1965, p. 156).

O século passado consolidou o ressurgimento da ligação entre poesia e música por

meio da canção, reaproximando os poetas dos compositores de música, produzindo o que era

muito raro no século do compositor Wagner: poeta e compositor encarnarem a mesma pessoa.

Surge, no século XX, a figura dos cancionistas. Tatit diz que

Se o século XX tivesse proporcionado ao Brasil apenas a configuração de sua

canção popular poderia talvez ser criticado por sovinice, mas nunca por
mediocridade. Os cem anos foram suficientes para a criação, consolidação e
disseminação de uma prática artística que, além de construir a identidade sonora do
país, se pôs em sintonia com a tendência mundial de traduzir os conteúdos humanos
relevantes em pequenas peças formadas de melodia e letra (TATIT, 2008, p.11).

Após contextualizarmos os processos que nos trouxeram até o século XX e XXI, em

relação aos assuntos relacionados aos poetas e compositores, podemos situar essa nova

nomenclatura para a união desses dois atos criativos, o cancionista:

O cancionista mais parece um malabarista. Tem um controle de atividade que

permite equilibrar a melodia no texto e o texto na melodia, distraidamente, como se
para isso não dependesse qualquer esforço. Só habilidade, manha e improviso.
Apenas malabarismo. Cantar é uma gestualidade oral, ao mesmo tempo contínua,
articulada, tensa e natural, que exige um permanente equilíbrio entre os elementos

2
Canção é todo tema melódico que se associa a uma letra, tendo sua execução feita pela voz humana e por
instrumentos musicais.
 34

melódicos, linguísticos, os parâmetros musicais e a entoação coloquial. O

cancionista é um gesticulador sinuoso com uma perícia intuitiva muitas vezes
metaforizada com a figura do malandro, do apaixonado, do gozador, do oportunista,
do lírico, mas sempre um gesticulador que manobra sua oralidade, e cativa,
melodicamente, a confiança do ouvinte. No mundo dos cancionistas não importa
tanto o que é dito mas a maneira de dizer, e a maneira é essencialmente melódica
(TATIT, 2002, p. 9).

Na década de 30, no Brasil, os compositores de música popular3 utilizavam, às vezes,

diversos recursos poéticos, mesmo que improvisados ou de forma inconsciente, para compor

suas músicas. A modalidade canção foi bastante utilizada por eles, que explicitaram formas de

ver o mundo ou, mais especificamente, a sociedade brasileira através de um eu lírico que

ficava oculto, por trás das vozes dos intérpretes, transmitindo essa forma de ver as coisas por

meio das ondas do rádio, como podemos observar com Tatit:

Bem mais poderosa que os tradicionais recursos entoativos de ancoragem na

primeira pessoa, no “eu lírico”, a entoação atrela a letra ao próprio corpo físico do
intérprete por intermédio da voz. Ela acusa a presença de um ‘eu’ pleno (sensível e
cognitivo) conduzindo o conteúdo dos versos e inflete seus sentimentos como se
pudesse traduzi-lo em matéria sonora. De posse dessa força entoativa, e valendo-se
do poder de difusão das ondas radiofônicas, os cancionistas se esmeram em fazer
dos intérpretes personagens definidos pela própria entoação. Ouvia-se então a voz
do malandro, a voz do romântico, a voz do traído, a voz do embevecido, a voz do
folião, todas revelando a intimidade, as conquistas ou o modo de ser do enunciador
(TATIT, 2008, p. 75-76).

Esse pensamento bakhtiniano de Luiz Tatit sobre a polifonia reverberante dos

intérpretes confirma o pensamento de Sylvia Helena Cyntrão sobre a forma de se estudar a

canção no Brasil. Ela diz que

O texto passa a ser visto em função de diferentes elementos que constituem um

sistema de conexões múltiplas, engendrando o seu sentido que se inscreve tanto no
discurso manifesto quanto no discurso profundo, ou dimensão simbólica. A
apreciação da disposição da obra para a pluralidade, o estudo do signo, composto
por seus contornos e vizinhanças é que gera um valor e dinamiza a sua significação
(Barthes). Conceitos como de intra-texto e inter-texto (Kristeva), dialogismo
(Bakthin) e polifonia serão a grande ponte da literatura acadêmica para as canções
populares (e vice-versa) no Brasil (CYNTRÃO e CHAVES, 1999, p. 17).

3
“Entendemos por música popular a que passou a ser veiculada e consumida no início do século XX, na cidade
do Rio de Janeiro, com a introdução da indústria fonográfica (1902) e das transmissões radiofônicas (1923)”
(ALVES, 2007, p. 23). Cabe também ressaltar o fato de o chorinho ser uma forma musical muito forte nesse
período, tendo como seus representantes Ernesto Nazareth, Pixinguinha e Jacob do Bandolim, além da forte
presença de Carmem Miranda no cenário musical brasileiro da época.
 35

Nossa dissertação seguirá um percurso diferente do proposto por Cyntrão em suas

análises sobre o tema, visando encontrar novas formas de interpretações teóricas acerca do

assunto, pois a nossa abordagem não privilegia o conceito de polifonia. Retomando a noção

sobre a inspiração que é algo recorrente à Literatura e à música, tanto nos poetas, que

procuram observar os acontecimentos do mundo, quanto no compositor, que faz a mesma

coisa (quando ele também é um letrista) acrescida da questão do improviso, vemos que as

experiências vividas por eles vão nortear os processos de composição, tanto dos poemas

quanto das canções. Sobre isso Luiz Tatit fala que

O verdadeiro teor de uma experiência pessoal é inatingível pelo outro e

intransmissível por quem a viveu. Utilizando a linguagem verbal, podemos
recuperar parte dessa experiência (infelizmente a parte menos pessoal), projetá-la
nos termos habituais da coletividade e obter uma certa empatia por aproximação de
experiências. Pela poesia, a originalidade do espacial e fonológico, o trabalho com
as justaposições que rompem a hierarquia discursiva pode criar outra singularidade
relacionada ou não com a experiência (ou ideia) inicial. Pela canção, parece que a
própria singularidade da existência foi fisgada. Como se o texto coletivizasse a
vivência, o tratamento poético imprimisse originalidade, mas o resgate subjetivo da
experiência, este, só fosse possível com a melodia (TATIT, 2002, p. 19).

As experiências fazem parte de uma importante parcela no ato de produção de um

poema, uma letra ou uma melodia para uma canção. Assim como os poetas, os cancionistas,

no decorrer dos anos, não passam por uma formação específica para a feitura de suas obras.

Assim como há uma formação para a crítica literária acadêmica e não há uma formação para o

escritor ou poeta, há uma formação para o músico e não há uma formação para o cancionista.

Essa atividade, assim como a do poeta, é, muitas vezes paralela, como ocorreu na vida de

poetas como Carlos Drummond de Andrade, João Cabral de Melo Neto e Vinicius de Moraes.

Ninguém vai a uma faculdade para aprender a ser poeta ou cancionista. Assim, as canções

costumam ser produzidas de uma forma mais intuitiva do que técnica, como podemos

observar na fala de Tatit:

O par cancionista/malabarista alcançou alta motivação ao longo da história. O dom

inato, o talento antiacadêmico, a habilidade pragmática descompromissada com
qualquer atividade regular são valores tipicamente atribuídos ao cancionista. Afinal,
nunca se sabe exatamente como ele aprendeu a tocar, a compor, a cantar, parece que
 36

sempre soube fazer tudo isso. Se despendeu horas de exercícios e dedicação foi em
função de um trabalho que não deu trabalho. Foi o tempo de exteriorizar o que já
estava pronto (TATIT, 2002, p. 17).

A partir dessas breves noções sobre canção e poema, entraremos agora nessa

tricotomia poeta/compositor/cancionista observando o modo como isso ocorre em Arnaldo

Antunes, visto que ele ocupa claramente essas três posições.

1.2 ENTRE O MUSICAL E O LITERÁRIO

É uma prática recorrente do senso comum a classificação das formas de expressão

artística. Muitas vezes, encontra-se o respaldo dos estudos formais para se definir um gênero

ou uma determinada forma de produção artística. Entretanto, mesmo o embasamento teórico

formal às vezes pode falhar nesse aspecto, dada a existência, na música, por exemplo, para

permanecermos em nosso campo de estudos, de manifestações acentuadamente híbridas. A

mesma dificuldade ocorre quando não há apenas uma mistura de gêneros, mas uma mistura de

sistemas. É o que verificamos no caso do livro que constitui nosso objeto de estudo neste

trabalho. É possível ler As coisas como apenas um livro de poemas. É possível, também (e

quase inevitável), ler As coisas e ali reconhecer as canções de Arnaldo Antunes.

No caso da música, quando falamos de estilos musicais no Brasil, falamos de

Sertanejo, Samba, Pagode, Forró, Axé, Funk, dentre outros, inclusive os estilos híbridos. Para

facilitar ainda mais as coisas, criou-se uma rotulação que enquadra toda e qualquer música de

boa qualidade4, oriunda principalmente das décadas passadas e que se mantém até hoje no

cenário musical de MPB, sigla para Música Popular Brasileira. Nancy Aparecida Alves, em

sua dissertação, afirma que, segundo Carlos Moby (1994, p. 146), essa sigla surgiu durante a

ditadura militar e foi inspirada no partido político MDB, Movimento Democrático Brasileiro,

4
Essa rotulação faz parte do senso comum presente nas camadas populares, que chama de MPB toda música
considerada boa pela maior parte das pessoas com uma base intelectual, não sendo, pois, um uso fiel da sigla
como ela foi concebida.
 37

que se opunha a ditadura. A MPB passou a designar a partir da década de 70, um tipo de

música urbana, engajada politicamente e com origens alicerçadas nos universitários da época,

trazendo um objetivo claro: opor-se ideologicamente ao regime militar.

Diante desses dilemas acerca do lugar que as coisas ocupam e da necessidade de se

rotular expressões artísticas, como analisar duas expressões distintas, mas que são ao mesmo

tempo tão próximas, caso específico do que denominamos “poema-canção”, cuja presença se

faz em dois lugares?

A partir desse modelo instituído pela crítica brasileira, estudaremos o comportamento

e o enquadramento do “poema-canção” nesse passeio híbrido entre esses dois lugares.

Arnaldo Antunes, como já foi dito no início deste trabalho, possui, em parte de sua

obra, algumas produções que se enquadram nesse conceito de “poema-canção”. O termo

“poema-canção” será adotado neste trabalho como uma forma de conceituar todos aqueles

textos que se fazem presentes em dois suportes distintos, ou seja, presentes na forma de

poema em um livro gráfico e, na forma de canção, em um disco de música. Sempre que

utilizarmos esse termo, será nesse sentido, quando o produto “poema-canção” tiver sido feito

pela mesma pessoa, isto é, o poeta/compositor.

Para os outros casos¸ preferimos falar em “melodia que recebeu uma letra” ou “poema

musicado”, este último representado por dois dos poemas desse livro, musicados por Benjor e

Gil.

Trataremos melhor desses assuntos no capítulo 3, mas apresentamos aqui um breve

resumo, que serve apenas para delimitar a terminologia que empregaremos em nossa

dissertação:
 38

Objeto Nomes que adotamos Exemplos em As coisas

Cultura
Poema musicado pelo
Poema-canção Se não se
mesmo autor
O campo

As árvores
Poema musicado por outro
Poema-cantado As coisas
compositor
O dinheiro

Melodia “letrada” por

Canção-letrada *
outro compositor ou poeta

* Não há exemplos para essa categoria nesta obra de Arnaldo Antunes, mas temos exemplos antológicos na
MPB, como o Trenzinho do Caipira, de Heitor Villa-Lobos, que se tornou uma “canção-letrada” com a
intervenção de Ferreira Gullar.

Arnaldo Antunes, representante do movimento do Rock Brasileiro dos anos 80, traz

em suas canções temas sobre a existência humana, a sua relação com o mundo e coisas

cotidianas que ganham conotações diferentes a partir de seu ponto de vista. Nesse sentido, em

nosso estudo de As coisas, destacamos uma busca de expressão ainda não contaminada, e que

tem o seu valor por ser o que é: uma busca. É nesse livro que estão presentes os seis poemas

que deram origem à escolha do corpus desta dissertação. São eles : “O campo”, “Cultura” e

“Se não se”, “poemas-canções” que estão no disco Nome (1993); “O dinheiro” e “As

árvores”, “poemas-cantados” feitos em parceria com Jorge Benjor especialmente para o disco

Um som (1998); e “As coisas”, “poema-cantado” que faz parte do disco Qualquer (2006),

gravada primeiramente em 1993, por Caetano Veloso e Gilberto Gil, no disco Tropicália 2. A

partir desse processo de descoberta de criação e de fazer poético, analisaremos estes seis

poemas de Arnaldo Antunes, através da semiótica e da perspectiva de análise musical

proposta por Luiz Tatit.

Por causa desse trânsito de Arnaldo Antunes entre o musical e o literário, podemos

descobrir uma nova relação entre os espaços que as coisas devem ocupar. Seria esse

hibridismo um novo gênero? Aconteceu esse fenômeno com outros? Por hora, podemos dizer
 39

que o envolvimento de Antunes no ofício de poeta e de compositor de música é algo que é

inerente ao seu modo de produção e de veiculação do seu trabalho.

Sobre a primeira pergunta a resposta é negativa. Segundo Antonio Cícero (2007) o

hibridismo existente entre música e poesia é algo antigo, pois os gregos já utilizavam essa

prática:

Os poemas líricos da Grécia antiga e dos provençais eram letras de canções.

Perderam-se as músicas que os acompanhavam, de modo que só os conhecemos na
forma escrita. Ora, muitos deles são considerados grandes poemas; alguns são
enumerados entre os maiores que já foram feitos. Além disso nada impede que um
bom poema, quando musicado, se torne uma boa letra de canção (CÍCERO, 2007, p.
2).

Quanto à segunda pergunta, a resposta é positiva. Ainda baseado no que afirmou

Antônio Cícero, além dos casos dos gregos, apesar de um número reduzido, esse fenômeno

ocorreu também na modernidade.

Para dizer a verdade, o que nos intriga hoje é que haja tantos grandes poemas entre
as letras gregas e provençais e tão poucos entre as modernas. Entretanto, a leitura do
livro “Letra Só”, de Caetano Veloso – que contém tantos grandes poemas que são
também letras de canções – fez-me pensar melhor sobre essa questão. Para o
punhado de poemas de Safo, por exemplo, que nos chegaram, dentre os quais meia
dúzia de obras-primas, quanto milhares de letras de canções não tiveram que ser
escritos e esquecidos na Grécia antiga? (CÍCERO, 2007, p. 2).

Além de Arnaldo Antunes e Caetano Veloso, outros artistas flutuam por esses espaços

em que suas letras de canção são comparadas a poemas. Dentre os quais podemos citar os

casos de Belchior, Chico Buarque e Gilberto Gil. Arnaldo Antunes transita em quase todos os

lugares em que uma expressão artística é produzida. Apesar de ele ter produzido ensaios,

quadros e até vídeos, nos deteremos apenas em duas dessas manifestações: a de poeta e a de

compositor de música.
 40

1.3 POESIA É PARA SE LER E MÚSICA PARA OUVIR?

A pergunta “poesia é para se ler e música para se ouvir?”, quando nos referimos a

Arnaldo Antunes, torna-se ainda mais polêmica, pois os seus textos estão presentes em dois

lugares, em um livro de poemas e em discos de Música Popular Brasileira. Essa discussão

ocorre porque, no Brasil, letra de música não é ainda um gênero textual muito difundido entre

os estudos acadêmicos e por isso encontra dificuldades de aceitação até que se estabeleça um

devido espaço para esse gênero na crítica literária brasileira. Sobre essa discussão, Antônio

Cícero diz o seguinte:

Como escrevo poemas e letras de canções, frequentemente perguntam-me se acho

que as letras de canções são poemas. A expressão “letra de canção” já indica de que
modo essa questão deve ser entendida, pois a palavra “letra” remete à escrita. O que
se quer saber é se a letra, separada da canção, constitui um poema escrito. “Letra de
canção é poema?” Essa formulação é inadequada. Desde que as vanguardas
mostraram que não se pode determinar a priori quais são as formas lícitas para a
poesia, qualquer coisa pode ser um poema. Se um poeta escreve letras soltas na
página e diz que é um poema, quem provará o contrário? Neste ponto, parece-me
inevitável introduzir um juízo de valor. A verdadeira questão parece ser se uma letra
de canção é um bom poema (CÍCERO, 2007, p. 1).

Na verdade, essa dissociação entre poema e letra de música ocorre pelo mesmo motivo

citado no tópico anterior: a necessidade de se colocar cada coisa em seu lugar. Quando ocorre

de nos depararmos com algo híbrido, tendemos a dissociar rapidamente os temas, com o

intuito de não nos aprofundarmos em algo que não conhecemos, é este mesmo fenômeno que

nos leva a rotular a música de Arnaldo Antunes como Rock, por causa de seu início junto aos

Titãs, quando, na verdade, seu repertório transita por diversos gêneros, que vão da bossa-nova

ao samba.

Seria muito arriscado afirmar que as letras de música produzidas por Antunes são

demasiadamente diferentes dos poemas feitos por ele. O que se percebe, é que no caso

específico de Antunes, os dois ofícios estão entrelaçados por uma teia difícil de desemaranhar

e de se observar. Por mais que o próprio autor, demarque o posicionamento da expressão

 41

artística no ato da criação, associando ela a um suporte específico, é fato que quando vemos

os resultados finais percebemos os mesmos traços presentes em qualquer que seja o suporte.

O processo de criação de uma letra de música e o de um poema dão um resultado final

semelhante: um texto escrito que provocará uma emoção estética. A oralidade é um fator

primordial nesse embate entre poema e letra. O poema situa-se num ambiente físico, no papel

de um livro com uma tipografia específica. A sua interpretação pode ser feita de inúmeras

formas, dependendo bastante da maneira como o leitor executará a leitura, ou seja, um único

texto, pode ter milhares de interpretações e gerar outras milhares de sensações num número

imensurável de pessoas, mas sua recepção será sempre individual, na forma da leitura, e

mesmo se ela for coletiva, cada ouvinte terá uma interpretação particular sobre o poema que

foi lido.

Um poema é um objeto autotélico, isto é, ele tem seu fim em si próprio. Quando o
julgamos bom ou ruim, estamos a considerá-lo independentemente do fato de que,
além de ser um poema, ele tenha qualquer utilidade. O poema se realiza quando é
lido: e ele pode ser lido em voz baixa, interna, aural (CÍCERO, 2007, p. 1).

No caso da letra de música, para sua interpretação se dar de forma completa ela

precisará estar associada a instrumentos musicais e a uma orquestração que será feita em

função dela. A diferença ocorre no resultado final, uma letra somente será ouvida por uma

pessoa através de um canal, que é a voz. Uma letra de música por mais que esteja presente

fisicamente em um encarte de um disco, terá sua execução completa quando o ouvinte ouvir o

intérprete da canção, junto ao arranjo criado para o texto.

Já uma letra de canção é heterotélica, isto é, ela não tem o seu fim em si próprio.
Para que a julguemos boa, é necessário e suficiente que ela contribua para que a obra
lítero-musical de que faz parte seja boa. Em outras palavras, se uma letra de canção
servir para fazer uma boa canção, ela é boa, ainda que seja ilegível. E a letra pode
ser ilegível porque, para ter os sons ou as palavras certas enfatizadas, ela depende da
melodia, da harmonia, do ritmo, do tom da música à qual se encontra associada. Mas
isso em última análise, ainda não é tudo. A letra se realiza na canção, mas a canção
só se realiza plenamente quando interpretada, isto é, quando cantada e escutada
(CÍCERO, 2007, p. 1-2).
 42

Por causa dessa diferença entre poema e letra de música talvez surja a pergunta: a letra

de música pode ser vista como um texto literário de menor valor? Sobre isso Amador Ribeiro

Neto questiona:

Em tempo: uma pergunta: por que é que quando escrevemos um texto não musicado
nós o chamamos de poesia e quando este texto é musicado vira letra? Ao fazermos
esta distinção, estabelecemos uma gradação de sentido. Letra de música é uma coisa
e poesia é outra. Poesia é sempre algo a mais. Aquele algo que depura a palavra e
lhe permite ser uma figura singular e autossuficiente. Letra é um pedaço de algo. De
uma música, no caso. É isto mesmo? Sabemos que não era assim, por exemplo, na
Grécia Antiga ou na Provença. Música e poesia conviveram sem distinções e sem
discriminações até o Renascimento (RIBEIRO NETO, 2007, p.1).

Esse embate sobre o valor que existe entre letra de canção e poema é algo bastante

amplo, pois, como disse Antônio Cícero, é impossível não se estabelecer um juízo de valor e

talvez seja esse juízo de valor o que impede o avanço dos estudos sobre canção popular e letra

de música no âmbito acadêmico, no que diz respeito à crítica literária. Essa distinção ou

discriminação entre música e poesia ocorreu após o Renascimento, pois, como afirmou

Ribeiro Neto na citação acima, elas conviviam em harmonia antes dele.

Como houve a dissociação, passou-se a discutir não mais as relações entre a poesia e a

música e sim sobre a diferença entre um poema e uma letra de canção, criando-se o juízo de

valor sobre estes dois “gêneros” de texto. Caberia aqui fazer algumas perguntas, ainda que

elas permaneçam sem resposta diante desse embate constante: a questão do “valor” não se

aplica também à poesia? Não estaríamos, ao trazer essa questão para as letras de música,

apenas repetindo, na comparação entre os supostos dois gêneros distintos, uma prática interna

à poesia e a toda a Literatura? O que define o bom poema? Apenas para concluir esses

questionamentos que, ao que parece, não receberão tão cedo uma resposta, fica uma

constatação que, no mínimo, colocaria em xeque essa questão comparativa pelo valor: há

muitos maus poemas que não atingem o menor grau de qualidade diante de muitas boas letras

de música. Isso mostra, pelo menos, que a questão do valor, ainda que permaneça interna a
 43

cada gênero, não deveria ser utilizada como elemento de comparação entre os dois gêneros

supostamente distintos.

Um exemplo oposto a esse processo ocorre no início do século XX, com o interesse de

alguns escritores em adentrar no universo cancional:

As primeiras soluções deram origem às serestas do começo do século XX e as

últimas, aos maxixes e sambas do mesmo período. Ambas, entretanto, já se
mostravam insuficientes para acompanhar o sucesso musical daqueles anos e para
compensar a inconsistência textual também observada nas cançonetas francesas que
faziam sucesso por aqui.
Essa procura de uma boa letra para completar a criação musical teve sua
contrapartida no interesse de alguns literatos da geração romântica, como Gonçalves
de Magalhães, Gonçalves Dias, Joaquim Manoel de Macedo e Manuel de Araújo
Porto Alegre, em conceber versos que pusessem ser musicados não apenas por
compositores de formação europeia, mas sobretudo pelos violinistas populares que
facilmente adaptavam suas estrofes ao gosto do público (TATIT, 2008, p.116).

Apesar desses interesses, essas atividades não prosperaram, deixando os escritores

afastados da produção de letras de músicas apesar das tentativas dos que foram citados acima.

Com isso letristas como Catulo da Paixão Cearense adentraram nesse universo cancional, por

causa dessa lacuna. Esse ofício de letrista tornou-se tão importante que, em alguns casos,

algumas letras de música chamavam mais atenção do que a música, pois

A letra mudava o destino da música: descrevia os sentidos cifrados na melodia,

aumentava o potencial de êxito popular da obra e, às vezes, quando se tratava de
Catulo, até ofuscava o trabalho musical do compositor (TATIT, 2008, p.116).

A partir disso, podemos dizer que o posicionamento de Arnaldo Antunes, no que diz

respeito a dicotomia poeta/compositor, define-se quando o próprio autor decide em qual lugar

irá publicar a sua nova criação, ou seja, se o texto for para um livro de poemas ele será um

poeta, e se for para um disco de música na forma de letra, ele será um compositor,

confirmando a ideia inicial desse tópico sobre a questão do enquadramento artístico, que

define os papéis que os artistas devem assumir diante de cada criação artística.

Se letra de música é Literatura, podemos dizer, a partir de tudo o que já foi

mencionado, que talvez ela só não seja considerada por muitos, ainda, como Literatura, pelo
 44

fato de grande parte dos críticos acharem que o lugar onde ela é divulgada tem um valor

menor que um livro impresso, não levando em conta o conteúdo do que está sendo dito e sim

o lugar físico em que ela foi publicada. Retomando nossos questionamentos sobre o “valor”

aplicado à comparação entre poema e letra, apoiamo-nos em Antonio Cícero, para quem

Nenhum poema é necessariamente um bom poema; nenhum texto é necessariamente

um bom poema; logo, nenhuma letra é necessariamente um bom poema. Mas talvez
o que se deva perguntar é se uma boa letra é necessariamente um bom poema
(CÍCERO, 2007, p.1).

Novamente voltamos à questão do juízo de valor. É óbvio que existem poemas de

baixo valor literário como letras de canções insípidas, usando o termo de Antônio Cícero, mas

isso não é razão para negarmos a existência desse modelo literário que se apresenta para nós

em outro suporte. Pensando nos poemas e nas letras de música somente a partir do suporte em

que foram lançados, nunca poderíamos chamar Chico Buarque de poeta, visto que ele não

publicou suas letras em um livro de poemas, ou então dizer que não há literariedade nos

grupos de rock dos anos 80, o “Barão Vermelho com o canto-falado de Cazuza, Os Titãs, com

motes lançados em formas de palavras de ordem e Legião Urbana, com extensas narrativas

contadas por Renato Russo” (TATIT, 2008, p. 63).

Se esses compositores tivessem suas letras publicadas em livro, na forma de poemas

ou narrativas, não teriam valor literário, só por não virem de uma elite intelectual que vê na

publicação de um livro o primeiro passo para a atribuição de um valor literário? O fenômeno

da transição já ocorreu na própria área da música, onde não se vê mais a obrigatoriedade da

produção de um disco para que um grupo ou artista tenha reconhecimento pelo trabalho que

fez. A internet, assim como os novos suportes tecnológicos recentemente introduzidos no

mercado, modificou e modificará muito mais os conceitos sobre arte, sua forma de veiculação

e o juízo de valor que acaba por legitimá-la ou não. Da mesma forma, a suposta “barreira” do

suporte já foi vencida também pela Literatura e, especialmente, pela poesia. É comum
 45

encontrarmos gravações em CD que acompanham os livros de vários poetas, às vezes

executadas por eles mesmos, sem falar nos espetáculos performáticos de poesia, nos quais,

como num espetáculo de música, o corpo e a voz do intérprete é o grande suporte. Também

para a poesia, como para a música, a internet tem se mostrado um “palco” disponível e

amplamente utilizado.

A partir do que foi dito sobre as mudanças ocasionadas pelas novas tecnologias, no

repertório musical de Arnaldo Antunes temos uma obra bastante diversificada. O disco Nome,

de 1993, é um exemplo desse aspecto de diversificação hipermídiatica. Nele, percebemos a

tentativa de estabelecer um diálogo entre diferentes formas de expressão: o poema escrito, a

música e o vídeo, caracterizando a obra em uma experiência multimídiatica, já pré-

anunciando o modelo híbrido que temos na produção das obras no século XXI.

Luiz Tatit (2001) diz que o processo denominado por nós tematização adota um

encaminhamento horizontal, ou seja, possui pouca tendência de querer explorar outras regiões

de tessitura. A apreciação do percurso melódico resulta num aproveitamento maior do campo

de tessitura, logo, numa configuração “vertical das inflexões melódicas”. A variação sonora

das rotas definidas pelos graves e agudos, está em busca de uma identidade, segundo ele, e a

trajetória das melodias lentas decorre de um sentimento de falta. Ele também fala que as

canções temáticas “estão sempre associadas a conteúdos de satisfação com a vida” (TATIT,

2001, p. 60).

Arnaldo Antunes é dono de uma voz excepcionalmente grave, mas que não era muito

explorada no início de sua carreira. Ele utilizava uma região vocal mais aguda, mas em seus

trabalhos mais recentes passou a usar a região mais grave de sua voz. A utilização da voz em

uma tessitura mais aguda faz com que a mensagem que quer ser passada se torne mais tensa,

objetivo oposto à utilização da tessitura na região grave. Barthes nos apresenta, em seu livro
 46

O óbvio e obtuso (1990), os conceitos estudados por Júlia Kristeva de Feno-canto, que abarca

todos os fenômenos e traços que dependem da estrutura da língua cantada, ou tudo aquilo que

na execução está a serviço da comunicação. E de Geno-canto que é o volume da voz que

canta, e é um jogo estranho à comunicação, trabalha com a dicção da língua (BARTHES, p.

239).

A música de Arnaldo Antunes traz em sua essência características dessas teorias, pois

o seu trabalho musical possui marcas recorrentes, que atribuem a ele uma expressividade

singular. Quando analisamos o texto presente nas canções vemos que ele se apropria das

amplas possibilidades comunicacionais que a palavra possui, quando, por exemplo, ele inverte

os conceitos de gênero na canção “macha, fêmeo” do disco O Silêncio, de 1996, tentando

mostrar outras possibilidades de entendimento, no que diz respeito à tentativa de

comunicação, enquadrando-se dentro do conceito de Feno-Canto proposto por Kristeva e

citado por Barthes. Já quando ele trabalha apenas com a respiração no “segundo momento” do

disco O corpo, temos um exemplo da teoria do Geno-Canto em sua obra musical.

Expressar-se além do campo textual é algo extremamente interessante de se notar, pois

na maioria das canções em que a tessitura vocal está na região do grave, percebe-se que o

compositor tenta trabalhar uma temática mais mórbida, triste ou densa. Quando a tessitura se

inverte e vai para o lado da região aguda, ocorre o oposto, geralmente a canção passa a

expressar alegria, leveza e sublimação. Obviamente, isto não é uma regra, embora seja

facilmente observável.

Produzir obras físicas como um disco ou um livro não é mais condição para o sucesso

ou para o reconhecimento. O conteúdo das produções passa a ter um valor muito maior do que

a mística de se possuir o produto em mãos, uma vez que elas podem ter, atualmente, uma

existência apenas virtual.

 47

A despeito da questão da relação entre letra de música e Literatura, esperamos ter

esclarecido os motivos pelos quais ainda se suscitam essas dúvidas sobre a literariedade das

letras. Obviamente que existem e existirão letras de valor literário duvidoso, como pode

ocorrer também com poemas, contos e romances. O ideal seria que esses critérios de

avaliação da crítica cultural e literária fossem revistos. Porém, como uma revisão implica em

estabelecer o que é ou não é literário, o melhor é receber toda a produção cultural

indistintamente, deixando prevalecer o antigo critério da permanência, que ainda hoje

consegue separar o que continua falando ao público daquilo que foi um gosto efêmero da

moda.
 48

CAPÍTULO II

A PRIMEIRIDADE: DO ÍCONE IMAGÉTICO AO MUSICAL

Graças à noção de signo, trata-se para nós, no

plano do inteligível e não mais apenas no do
sensível, de colocar as qualidades secundárias a
serviço da verdade. Essa busca de uma via
intermediária entre o exercício do pensamento
lógico e a percepção estética devia naturalmente
inspirar-se no exemplo da música que sempre a
praticou.

Claude Lévi-Strauss, O cru e o cozido.

 49

2.1 TODAS AS COISAS DO MUNDO NÃO CABEM NUMA IDEIA?

Quando crianças, somos apresentados a um sistema de significações pré-existente, ao

qual temos acesso pelo domínio da linguagem, cujos signos, segundo Saussure (1995), se

revestem do caráter da arbitrariedade, o que faz com que assimilemos alguns significantes

cujos significados nem sabemos ainda. A noção de significação para pensarmos por que

certos objetos possuem certos nomes, só vem com o tempo. A nomeação limita muito, pois

nem sempre a palavra define com precisão certos objetos. Assim, as crianças tendem a utilizar

alguns significantes-coringas e chamam, por exemplo, de coisas tudo aquilo cujo significado

não são capazes de entender, isto é, elas apreendem a noção de rótulos em seu processo de

aprendizagem, antes que assimilem o que Saussure chama a “arbitrariedade do signo

linguístico”.

A palavra arbitrário requer também uma observação. Não deve dar a ideia de que o
significado dependa da livre escolha do que fala (ver-se-á, mais adiante, que não está
ao alcance do indivíduo trocar coisa alguma no signo, uma vez esteja ele
estabelecido num grupo linguístico); queremos dizer que o significante é imotivado,
isto é, arbitrário em relação ao significado, com o qual não tem nenhum laço natural
na realidade (SAUSSURE, 1995, p.83).

Para se evitar esses rótulos, colados aos conceitos pelo uso ininterrupto dos signos na

cultura, as coisas são abordadas a partir de uma primeira sensação, distanciando-se do quase

automatismo do processo de significação e aproximando-se do pensamento ou da lógica

infantil de ver o mundo. Isso se faz através de um processo de nomeação e conceituação das

coisas citadas no livro escolhido por nós para a realização desta dissertação.

Inicialmente, antes do primeiro contato de uma criança com as palavras, em sua forma

escrita, ela se depara com o universo da visualidade, ou seja, o mundo será apreendido por ela

através das associações feitas pelas imagens que visualiza. Quando é chegada a hora de a

criança representar aquilo que ela conseguiu depurar das coisas do mundo, é por meio do

desenho que ela costuma se expressar.

 50

O signo linguístico une não uma coisa e uma palavra, mas um conceito e uma
imagem acústica. Esta não é o som material, coisa puramente física, mas a
impressão (empreinte) psíquica desse som, a representação que dele nos dá o
testemunho de nossos sentidos; tal imagem é sensorial e , se chegamos a chamá-la
“material”, é somente neste sentido, e por oposição ao outro termo da associação, o
conceito, geralmente mais abstrato (SAUSSURE, 1995, p.80).

Como sabemos, a partir da atividade do desenho, a criança começa a expressar a sua

forma de ver o mundo, sem refletir muito sobre o que está fazendo, sempre pondo em

primeiro lugar os seus sentimentos e abordando uma primeira impressão sobre aquilo que ela

acabou de apreender, isso se dá antes por meio de linguagem analógica.

Essa primeira impressão sobre as coisas do mundo é o que compreendemos,

juntamente com Peirce, por primeiridade que é um estado de sentimento imediato, ou

primeiro, isto é, a primeira impressão e apreensão das coisas, no que diz respeito à relação

existente entre nós e os fenômenos do mundo do qual fazemos parte. A explicação desse e de

outros conceitos semióticos será abordada por nós no tópico seguinte.

No nosso objeto de estudo, As coisas, essa primeiridade já se inicia com a presença de

desenhos associados a poemas. Os desenhos foram feitos por Rosa Moreau Antunes, filha de

Arnaldo, que tinha 3 anos na época.

O livro acaba nos sugerindo que os poemas surgem em função desses desenhos, e

durante a pesquisa, detectamos que os poemas tentam acompanhar a noção de primeiridade,

que ocorreu inicialmente com os rabiscos de Rosa.

Para entendermos melhor a proposta de Arnaldo Antunes na obra As coisas e de todas

as relações conjuntas existentes entre os poemas e as ilustrações, (relações estas que são a

base do projeto do livro, pois há claramente uma relação ente os poemas e os desenhos),

vejamos o exemplo abaixo:

 51

IMAGEM 01 IMAGEM 02

Desenho de Rosa Moreau Antunes, que acompanha no livro As coisas o poema acima.
Título: Tudo
Fonte: Antunes (2002, p. 24-25)

Aparentemente, o desenho representa um rosto de um homem de nariz avantajado, que

usa gravata, isso se não atentamos para a linha que divide a folha em duas, separando uma

suposta cabeça de um suposto corpo, representado metonimicamente pelo que vemos como

“gravata”. Também a cabeça estaria metonimicamente representada, nesse caso, pelos olhos e

pelo nariz, órgãos de dois sentidos primordiais e quase involuntários, a visão e o olfato.

Talvez mais que os outros sentidos, juntamente com a audição, esses dois participam

ativamente da nossa construção individual do mundo, o que explicaria não haver uma

delimitação, no desenho, para o contorno da cabeça. Mas também não há uma delimitação

para o contorno do corpo, o que nos leva a pensar que o desenho representa, então, uma

grande abertura para o mundo, uma abertura para o “tudo”, de que trata o poema que o

acompanha e de cuja leitura, pelo feitio do livro, ele parece indissociável.

Percebe-se que há claramente, no poema, uma reflexão sobre o conceito de ideia, que

carrega infinitas possibilidades de significação, e, por mais que se imaginem milhares de

coisas que podem ser expressas por ela, às vezes em um texto escrito ou até mesmo falado

não conseguimos abarcar todas as coisas do mundo, como afirma Antunes, limitando a nossa
 52

noção do sentido. Esse fenômeno, não ocorre com a palavra tudo, pois tem em si, uma

dimensão muito maior em termos de significação, abrangendo e abarcando um sentido mais

completo.

Nesse poema, Antunes serve-se do uso das palavras para discutir acerca do conceito de

ideia e de palavra. Como ele brinca com esse conceito, podemos entender que se ‘ideia’ é

uma palavra como ‘tudo’ também o é, o poema se contradiz, pois ‘tudo’ também seria uma

‘ideia’, logo não poderia confirmar a proposição de Antunes. Nesta contradição está a

complexidade do poema, pois, ao comparar ‘ideia’ a ‘tudo’, ele cria uma metáfora, que, de

acordo com Décio Pignatari, “é um curioso fenômeno de analogia por contiguidade. Ou seja,

ela é um curioso caso de contradição. Trata-se de um ícone degenerado; por isso, a gente pode

definir a metáfora como sendo um hipoícone por contiguidade.” (PIGNATARI, 2004, p. 16)

Ainda segundo Pignatari, as coisas se organizam ou se associam por dois processos: por

contiguidade (proximidade, como o poema acima) e por similaridade (semelhança).

Esse conceito de metáfora foi proposto por Jakobson com a denominação de figura de

retórica, em que predomina também a metonímia. Já o conceito de hipoícone faz parte da

teoria Semiótica de Charles Peirce, que passaremos a ver agora, juntamente com o conceito

que estamos analisando, a primeiridade, como foi mencionado anteriormente.

 53

2.2 A SEMIÓTICA DA IMAGEM

Resumidamente, o signo é para Charles Peirce uma relação triádica entre um

representâmen, seu objeto e o interpretante sempre que se processa uma comunicação:

Um signo é um ícone, um índice ou um símbolo. Um ícone é um signo que possuiria

o caráter que o torna significante, mesmo que seu objeto não existisse, tal como um
risco feito a lápis representando um linha geométrica. Um índice é um signo que de
repente perderia esse caráter que o torna um signo se seu objeto fosse removido, mas
que não perderia esse caráter se não houvesse interpretante. Tal é, por exemplo, o
caso de um molde com um buraco de bala como signo de um tiro, pois sem o tiro
não teria havido buraco; porém nele existe um buraco, quer tenha alguém ou não a
capacidade de atribuir-lhe um tiro. Um símbolo é um signo que perderia o caráter
que o torna um signo se não houvesse um interpretante. Tal é o caso de qualquer
elocução do discurso que significa aquilo que significa apenas por força de
compreender-se que possui essa significação (PEIRCE,1987, p. 74)

Além dessa conhecida tipologia dos signos, Peirce apresenta todo um pensamento

edificado sobre uma base triádica, infinitamente reproduzida por novas categorias e níveis de

significação. Essa base faz diferir a semiótica peirciana dos estudos semiológicos

desenvolvidos a partir do pensamento de Saussure. Para cada categoria de signo, portanto,

podemos pensar em uma “divisão” por três, que, de forma simplificada, associamos aos

conceitos de primeiridade, secundidade e terceiridade, que veremos adiante. No poema tudo,

observamos a prevalência da Primeiridade, que corresponde ao acaso, ou o fenômeno no seu

estado puro que se apresenta à consciência, e vemos nisso a justificativa para tais associações.

Sobre isso Charles S. Peirce, diz que

O presente imediato, nós podemos aproveitá-lo, não teria nenhum caráter, mas a sua
primeiridade. Não que eu queira dizer que a consciência imediata (Uma pura ficção,
por sinal), seja primeiridade, mas a qualidade do que estamos imediatamente
conscientes de que não é ficção, é Primeiridade (PEIRCE: CP 1.343, p.132, tradução
nossa).5

É a partir de sentimentos ou motivações que surgem as nossas primeiras relações com

os fenômenos, ou seja, o que Peirce denominou primeridade (firstness). Existem outras duas

5
The immediate present, could we seize it, would have no character but its Firstness. Not that I mean to say that
immediate consciousness (a pure fiction, by the way), would be Firstness, but that the quality of what we are
immediately conscious of, which is no fiction, is Firstness.
 54

categorias que são: a secundidade (secondness) e a terceiridade (thirdness). A utilização

dessas novas terminologias se deu pelo fato de elas serem livres de outras associações,

estabelecendo assim as categorias que nos auxiliam no entendimento dos signos. Sobre isso

Santaella nos diz que

Para funcionar como signo, algo tem de estar materializado numa existência
singular, que tem um lugar no mundo (real ou fictício) e reage em relação a outros
existentes de seu universo. Assim também, não há existente que não tenha um
aspecto puramente qualitativo, sua talidade que o faz ser aquilo que é, tal como é.
Essas três gradações, baseadas nas categorias de qualidade (primeiridade), reação
(secundidade) e mediação (terceiridade), são onipresentes. Desse modo, nossa
percepção delas depende, de um lado, do ponto de vista que assumimos no ato da
recepção dos signos, de outro, depende também do aspecto que prepondera no signo:
sua qualidade, sua existência concreta (ou seja, seu aspecto de “coisa”) ou seu
caráter de lei (ou seja, sua dimensão mais propriamente sígnica). Essa, aliás, é a base
para a classificação fundamental dos signos em ícone, índice e símbolo [...]
(SANTAELLA, 1992, p. 77).

Segundo Lúcia Santaella (1983, p. 62), as categorias são subdivididas da seguinte

forma:

signo 1.º signo 2.º signo 3.º

em si mesmo com seu objeto com seu interpretante

1.º quali-signo ícone rema

2.º sin-signo índice dicente
3.º legi-signo símbolo argumento

Como não temos por objetivo aprofundar o estudo sobre as outras categorias

peircianas, apresentaremos apenas as noções referentes à primeiridade. Mas, antes, veremos,

a partir do estudo sobre a obra peirciana feito por Eufrásio Prates, no texto Semiótica: uma

suave introdução, como funcionam as três categorias de Charles Peirce:

A eleição das "trindades" como suportes classificatórios e categorizadores, é óbvio,

antecede em milênios a obra peirceana, bastando lembrar Platão ou o catolicismo.
Seja uma obsessão sua ou não (como ele mesmo admite), devemos nos lembrar que
toda teoria procura reduzir, em maior ou menor grau, a multiplicidade e
complexidade universais em um todo ordenado, que faça sentido. Neste sentido, a
filosofia peirceana vai entender a realidade de forma pansemiótica – isto é, tudo
como semioticamente analisável – e classificável fenomenologicamente segundo
três categorias: primeiridade – categoria do "desprevenido", da primeira impressão
ou sentimento (feeling) que recebemos das coisas; secundidade – categoria do
relacionamento direto, do embate (struggle) de um fenômeno de primeiridade com
 55

outro, englobando a experiência analogística e terceiridade – categoria de inter-

relação de triplo termo; interconexão de dois fenômenos em direção a uma síntese,
lei, regularidade, convenção, continuidade etc. As qualidades puras, imediatamente
sentidas, são típicas da primeiridade. As relações diádicas, analítico-comparativas,
são exemplos de secundidade. As palavras, por se remeterem a algo para alguém,
são fenômenos de terceiridade (PRATES, 2007, p. 3)

Voltando para a explanação específica dos elementos referentes à primeiridade,

iniciaremos explicando o quali-signo, que diz respeito à pura qualidade na relação consigo

mesmo. Quando esta qualidade se relacionar com seu objeto, ele será um ícone. Se um objeto

demonstra uma mera qualidade de impressão, ou uma hipótese, temos um rema. Quando os

objetos são representados por semelhança, eles são chamados de hipoícones. Eles se

organizam desta forma: imagem, hipoícone de primeiro nível; diagrama, hipoícone de

segundo nível; e metáforas, hipoícone de terceiro nível. Sobre os ícones Peirce disse que

Um ícone é um Representâmen cuja Qualidade Representativa é uma sua

Primeiridade como primeiro cuja qualidade que ele tem qua coisa o torna apto a ser
um representâmen. Assim, qualquer coisa é capaz de ser um Substituto para
qualquer coisa com a qual se assemelhe. (A concepção de “substituto” envolve a de
um propósito e, com isso, a de Terceiridade genuína) . Veremos se há ou não outras
espécies de substitutos. Um Representâmen apenas por Primeiridade somente pode
ter um Objeto similar. Assim, um Signo por Contraste denota seu objeto apenas por
força de um contraste, ou Secundidade, entre duas qualidades. Um signo por
Primeiridade é uma imagem de seu objeto e, em termos mais estritos, só pode ser
uma ideia, pois deve produzir uma ideia Interpretante, e um objeto externo excita
uma ideia através de uma reação sobre o cérebro. Contudo, em termos mais estritos
ainda, mesmo uma ideia, exceto no sentido de uma possibilidade, ou primeiridade,
não pode ser um Ícone. Uma simples possibilidade é um Ícone puramente por força
de sua qualidade, e seu objeto só pode ser uma Primeiridade . Mas, um signo pode
ser icônico, isto é, pode representar seu objeto principalmente através se sua
similaridade, não importa qual seja seu modo de ser. Se o que se quer é um
substantivo, um representâmen icônico pode ser denominado de hipoícone.
Qualquer imagem material, como um pintura, é grandemente convencional em seu
modo de representação, porém em si mesma, sem legenda ou rótulo, pode ser
denominada hipoícone (PEIRCE, 1987, p. 64)

No estudo sobre a imagem feito por Winfried Nöth e Lúcia Santaella (2008), eles

esmiúçam os conceitos sobre os ícones, dividindo-os esquematicamente em Ícone puro que é

“uma simples qualidade de sentimento indivisível e inanalisável” (SANTAELLA; NÖTH,

2008, p.61). Ícone atual que “refere-se às diferentes funções que o ícone adquire nos

processos de percepção” (SANTAELLA; NÖTH, 2008, p.61). Sendo que este se divide em

dois subníveis, o passivo e o ativo. Não abordaremos as especificidades desses dois subníveis
 56

agora. Faremos isso à medida que formos apresentando os desenhos de Rosa Antunes e

fazendo as análises. Por hora, vale salientar a importância desses subníveis para a relação que

estamos estabelecendo:

Fala por si a importância desses subníveis e modos de iconicidade perceptiva para a

formação de imagens mentais que, aliás, não são necessariamente nem
exclusivamente pictóricas, muito menos descritivas, no sentido verbal do termo,
como querem os cognitivistas... Importância fundamental esses níveis de iconicidade
também desempenham na fruição estética, de poemas especialmente, e das formas
não-representativas, puramente qualitativas, presentes na chamada arte abstrata
(SANTAELLA E NÖTH, 2008, p.62).

A relação entre a iconicidade e os poemas como diz a citação acima nos ajuda no

percurso de comprovação da nossa hipótese acerca dos poemas de Arnaldo Antunes. A

presença marcante da iconicidade nesses poemas, nos levará à comprovação de que ele

produziu o livro As coisas baseado na primeiridade de Peirce, intencionalmente ou não,

motivado ou não pelos desenhos de sua filha. Para entendermos melhor o que é a

primeiridade, explicaremos o conceito de hipoícones ancorados na teoria de Peirce e estudado

de uma maneira mais específica, no que diz respeito à imagem, por Lúcia Santaella e

Winfried Nöth, o que nos interessa muito por estarmos analisando desenhos. Retomando o

que foi dito anteriormente, os hipoícones se dividem em imagem, diagrama e metáforas. Para

Peirce

Os hipoícones, grosso modo, podem ser divididos de acordo com o modo de

Primeiridade que participem. Os que participam das qualidades simples, ou Primeira
Primeiridade, são imagens; os que representam as relações, principalmente as
diádicas, ou as que são assim consideradas, das partes de uma coisa através de
relações análogas em suas próprias partes, são diagramas; os que representam o
caráter representativo de um representâmen através da representação de um
paralelismo com alguma outra coisa, são metáforas (PEIRCE, 1987, p. 64)

Após essa conceituação sobre as variáveis dos hipoícones, abordando especificamente

o conceito de imagem, Santaella e Winfried Nöth (2008), ratificando o que disse Peirce no

trecho acima, dizem que

As imagens propriamente ditas participam de simples qualidades ou primeiras

primeiridades. Essa definição de imagem, à primeira vista enigmática, fica mais
 57

simples quando se traduz “primeiras primeiridades” por similaridade na aparência.

As imagens representam seus objetos porque apresentam similaridades ao nível de
qualidade (SANTAELLA E NÖTH, 2008, p.62).

Por não considerarmos os poemas de Antunes como legendas dos desenhos, e sim uma

nova criação feita a partir deles, segundo o que diz Peirce nesse trecho acima, podemos

afirmar que todos os desenhos do livro são hipoícones, trazendo para nós em uma parte da

confirmação que o livro As coisas foi produzido baseado na primeiridade peirciana.

Continuando nossa explanação sobre as noções dos hipoícones, ainda baseado nesses

dois autores, temos essa conceituação acerca do diagrama:

Os diagramas representam as relações – principalmente relações diádicas ou

relações assim consideradas – das partes de uma coisa, utilizando-se de relações
análogas em suas próprias partes. Assim sendo, os diagramas representam por
similaridade nas relações internas entre signo e objeto (gráficos de qualquer espécie,
por exemplo) (SANTAELLA E NÖTH, 2008, p.62).

Por fim, Santaella e Nöth dizem que:

As metáforas representam o caráter representativo de um signo, traçando-lhe um

paralelismo com algo diverso (CP 2.277). É por isso que a metáfora faz um paralelo
entre o caráter representativo do signo, isto é, seu significado, e algo diverso dele
(SANTAELLA E NÖTH, 2008, p.62).

A partir dessas breves noções sobre primeiridade e como ela funciona na sua relação

com a imagem, traçaremos mais adiante este mesmo caminho com a música, para que

possamos dialogar a relação intersemiótica que estas duas áreas possuem na composição da

tríade desenho/poema/música, no intuito de comprovarmos a existência da primeiridade em

cada um desses processos criativos.

 58

2.3 CRIANÇAS GOSTAM DE FAZER PERGUNTAS SOBRE TUDO6

O trecho do poema citado no título deste tópico deixa transparecer que o projeto do

livro de poemas As coisas de Arnaldo Antunes, é criar um universo infantil, ou, como

preferimos chamar, um universo baseado em primeiridade, que brota a partir dos desenhos da

filha, deixando claro que o fato de o desenho estar junto ao poema é porque ele faz parte do

conjunto, ou seja, os poemas nesse livro são compostos por um desenho que os acompanha.

O livro traz ao leitor diversos pensamentos que, para um adulto, têm um aspecto

aparentemente banal, mas que, para uma criança, faz parte de um universo lúdico de

descoberta e aprendizagem.

O eu lírico se posiciona com um olhar infantil diante das coisas do mundo, como se
elas fossem vistas pela primeira vez. Em as coisas, as relações entre as coisas,
enquanto signos, e os seus conceitos de representação, colocam o eu lírico aprendiz
frente a um estado de linguagem, que antecede aos pré-conceitos. As coisas do
mundo são revistas e reacendidas, por procedimentos de decomposição das coisas
referenciais em coisas poéticas, retomando a essência de cada coisa do mundo
(BERCHIOR, 2004, p. 4).

Este comentário nos esclarece a relação que Arnaldo Antunes tenta estabelecer entre o

olhar infantil e o não distanciamento de marcas que revelam a noção sobre o conceito de

representação das coisas, que uma criança ainda não é capaz de formular de modo crítico,

como ele deixa transparecer em alguns poemas do livro. A lógica de Arnaldo Antunes

(partindo do projeto do livro As coisas) era escrever textos que versassem sobre coisas

existentes no mundo, através da perspectiva infantil, embora saibamos que marcas de

subjetividade presentes apenas em um adulto não passam despercebidas por olhares mais

atentos.

6
Trecho retirado do poema tudos que não faz parte do nosso corpus, mas está inserido no projeto do livro As
coisas de Arnaldo Antunes.
 59

Como estamos trabalhando a partir da hipótese de uma produção baseada na

primeiridade de C. S. Peirce, tentaremos demonstrar nesse tópico que os desenhos de Rosa

Antunes, por terem sido feitos por uma criança, que ainda não possui as noções globais das

coisas do mundo, produziu cada desenho de maneira espontânea, deixando transparecer suas

primeiras impressões sobre elementos do mundo.

Por se tratar de produções em primeiridade, o ícone passa a ser a figura teórica que se

faz presente nas três produções da tríade desenho/poema/música. A partir disso, observemos o

que disseram alguns teóricos, no apanhado feito por Santaella e Nöth:

Pound (1970) insistia na afirmação que a poesia está mais próxima da visualidade e
da música do que a linguagem verbal. D. Pignatari (1974) também chamou o poeta
de designer da linguagem e defendeu a tese de que o poema é um ícone. De fato, é
na poesia que os interstícios da palavra e da imagem visual e sonora sempre foram
levados a níveis de engenhosidade surpreendentes (SANTAELLA E NÖTH, 2008,
p. 69).

Tratando o poema pelo ponto de vista do ícone, a música como um exemplo de ícone,

temos no desenho também essa função, comprovando a nossa hipótese de que o nosso objeto

de estudo foi produzido baseado em primeiridade, tendo, como eixo norteador, o ícone,

Partindo de um modelo triádico de signo, o signo de imagem se constitui de um

significante visual (representâmen para Peirce), que remete a um objeto de
referência ausente e evoca no observador um significado (interpretante) ou uma
ideia do objeto. Já que o princípio da semelhança possibilita ao observador unir os
três elementos constitutivos do signo, não é de estranhar que o conceito de imagem
seja reencontrado nas denominações de cada um dos três constituintes. Às vezes, a
palavra “imagem” designa o representâmen no sentido de desenho, fotografia e
quadro (SANTAELLA E NÖTH, 2008, p.62).

Como os desenhos de Rosa eram significantes visuais, Antunes se posiciona como

intérprete e captura o significado, mas na hora da produção do poema, ele se distancia do

desenho e busca produzir o poema de uma forma icônica, criando um texto que se

assemelhasse ao desenho, mas que tivesse originalidade no processo criativo, isto é, que fosse

dotado de primeiridade. Partindo desse pressuposto, trataremos os desenhos como

representâmens que não fazem inicialmente referência aos poemas e os poemas que tomam os
 60

desenhos como referência, mas esvaziam-se deles na tentativa de criar um ícone puro. Não se

pode deixar de dizer, embora este não seja nosso interesse central, que os desenhos funcionam

como referentes para os poemas que, mesmo apresentando o aspecto icônico de que fala

Pignatari, não deixa de estar estruturado no código da língua escrita e, portanto, num nível

simbólico, próprio da terceiridade.

Os estudos semióticos mergulham de uma maneira muito eficaz dentro da perspectiva

que estuda a “ingenuidade da linguagem”, observada nos textos de caráter infantil, como

problemática sobre as relações entre “objeto, representâmen e interpretante”? O mar, as cores,

o campo, as portas, o corpo, a luz, os avós, os peitos, a mosca, as árvores, a ponte, os óculos, a

chuva, a cultura, o céu, o tempo, as palavras, a boca; o fogo, o elefante, a água, o passarinho,

a montanha, a luz negra, a vista, o dinheiro, as folhas, o sol, os insetos, os lugares e as coisas

são alguns signos representativos das “coisas do mundo” que vão ser reconstruídos por

Antunes, dentro do que José Paulo Paes (1998) considera infância da linguagem. Tal visão

deve-se ao fato de escrevermos, nessa fase, de maneira espontânea, com a graça dos

paradoxos tão próprios da poesia da linguagem infantil e da infantilidade da linguagem

poética:

Freud lembra que as crianças tendem a tratar as palavras como “coisas”. (...)
(...) Palavras, imagens, metáforas, não são, para a criança, símbolos abstratos, mas
duplos das coisas, tanto assim que a nomeação basta para fazerem as coisas
existirem. Daí ela aceitar, sem se importar em discutir-lhe a verossimilhança, tudo
quanto um poema diga.” (PAES, 1998, p 5-6)

No que diz respeito à linguagem poética, Arnaldo Antunes tenta transportar o seus

poemas para um ambiente em que se tenta instaurar novos conceitos para signos já

conceituados, como estamos lidando com linguagem poética, esta nova “conceituação” de

nomes já conhecidos basta, para fazer as coisas tomarem sentidos. Vendo palavras como

ícones (características da primeiridade peirciana, em que o signo é posto em relação ao

 61

objeto, e tudo é visto de uma forma dúbia) as crianças aceitam uma dupla significação como

afirmou José Paulo Paes, sem questionar a verossimilhança.

Apresentaremos os seis desenhos que fazem parte dos poemas selecionados no nosso

recorte, tentando explicá-los baseados nos títulos dados por Arnaldo Antunes aos poemas,

mas entendendo que eles são independentes um do outro pelo modo como foram produzidos,

os desenhos, por terem sido dotados de uma primeiridade natural e os poemas, por terem

tentado atingir a mesma primeiridade que os desenhos conseguiram.

 62

2.4 OS DESENHOS DE ROSA

2.4.1 As árvores

IMAGEM 03: DESENHO AS ÁRVORES

Desenho de Rosa Moreau Antunes, que acompanha no livro As coisas o poema As árvores.
Título: As árvores
Fonte: Antunes (2002, p. 34)
 63

O desenho que acompanha o poema “As árvores” traz em si o subnível do ícone atual,

dentro do aspecto ativo, pois se este desenho for mesmo uma representação de uma árvore,

Antunes absorve em seu poema a ideia de um imagem criada por similaridade, porque ela “é

adotada como uma regra geral que pode ser coletivamente aceita” (SANTAELLA E NÖTH,

2008, p.61). Por isso, acreditamos que Rosa possa ter sido incentivada pelo pai a desenhar

uma árvore, e feito o desenho através de uma imagem por semelhança, dentro daquilo que ela,

com apenas três anos, acreditava ser a forma de uma árvore. Segundo Martine Joly, “um

projeto de imagem é primeiro verbalizado, antes de ser realizado visualmente” (JOLY, 1996,

p. 73). A partir disso, podemos dizer que os pontos pretos que estão no meio do círculo,

podem representar folhas ou até mesmo frutos, termos estes que aparecem no poema de

Antunes. Joly diz que:

Em um sentido (percebido/nomeado), indica até que ponto a própria percepção das

formas e dos objetos é cultural e como o que chamamos a “semelhança” ou a
“analogia” correspondem a uma analogia perceptiva e não a uma semelhança entre a
representação e o objeto: quando uma imagem nos parece “semelhante” é porque é
construída de uma maneira que nos leva a decifrá-la como deciframos o próprio
mundo (Joly, 1996, p. 73).

Como todo desenho é, por excelência, uma tentativa de representação do real, mesmo

que seja um real próprio ao artista, sem parâmetros no que chamamos de “realidade”,

podemos dizer que nele sempre há interferências das noções apreendidas pelas coisas do

mundo. Mas quando esse desenho é feito por uma criança, que, de certo modo, não

racionaliza de forma mais profunda como cada coisa do mundo funciona, sempre que ela tenta

criar algo por semelhança, ela é desprovida de referentes e faz aquilo a partir de uma noção

cognitiva que beira o primitivismo, ou seja, o desenho de uma criança são os mais legítimos

representantes dos signos icônicos.

Vê-se portanto que a teoria semiótica, que propõe considerar a imagem como ícone,
isto é, como signo analógico, está em harmonia perfeita com seu emprego e pode
nos permitir compreendê-lo melhor. Se a imagem é, sem sombra de dúvida,
percebida como signo, como representação analógica, já é possível observar uma
 64

distinção principal entre os diversos tipos de imagem: existem imagens fabricadas e

imagens gravadas. Trata-se de uma distância fundamental (Joly, 1996, p. 39).

Uma outra leitura pode ser feita para o desenho, visto que a circunferência pode

representar uma cabeça e os traços pernas e braços, tomando como exemplo coisas ditas no

poema, talvez na tentativa de humanizar a figura das árvores. Há no poema um trecho que diz

que: “as árvores crescem para cima como as pessoas”, levando em consideração o que

observamos no livro, vimos que a maioria dos desenhos de Rosa presentes no livro, referem-

se a seres animados e por isso ficamos com essa impressão,

Porém, se persistirmos em nos proibir de interpretar uma obra sobre o pretexto de

que não se não se tem certeza de que aquilo que compreendemos corresponde às
intenções do autor, é melhor parar de ler ou contemplar qualquer imagem de
imediato. Ninguém tem a menor ideia do que o autor quis dizer; o próprio autor não
domina toda a significação da imagem que produz (Joly, 1996, p. 44).

As leituras dos desenhas feitas por nós, apenas observam aquilo que o próprio desenho

nos transmite, fazendo as relações com o seu referido poema e com outros referentes do

mundo, pois “desde muito pequenos, aprendemos a ler imagens ao mesmo tempo em que

aprendemos a falar. Muitas vezes as próprias imagens servem de suporte para o aprendizado

da linguagem” (Joly, 1996, p. 43).

Antes mesmo de termos acesso ao domínio da linguagem, somos apresentados às

coisas do mundo mediante a visualização de imagens que são feitas por associação, seja ela

por meio de formas ou de cores, embora existam “muitas diferenças entre as imagens e a

realidade que ela supostamente deveria representar” (Joly, 1996, p. 43), é a partir desta

associação que a criança começa a entender as coisas do mundo que a rodeiam.

No caso deste primeiro desenho de Rosa Moreau Antunes, a assimilação feita por ela

se faz presente no senso comum de uma criança, naquilo que Santaella chama de primeiras

primeiridades, a criança apenas criou o desenho a partir da intuição, baseado na imagem real

que ela conhece como árvore.

 65

2.4.2 As coisas

IMAGEM 04: DESENHO AS COISAS

Desenho de Rosa Moreau Antunes, que acompanha no livro As coisas o poema As coisas.
Título: As coisas
Fonte: Antunes (2002, p. 90)
 66

Poema que dá nome ao livro, “as coisas” tem no desenho uma tentativa de representar

um corpo posicionado de cabeça para baixo, partindo do pressuposto citado anteriormente,

que Rosa desenhou, possivelmente, bastantes seres animados, tendo em vista que os traços

posicionados no canto superior esquerdo podem ser associados a pernas e pés.

Tomando como referência o fato de toda criança denominar de coisa, aquilo que não

sabe definir, se realmente for um corpo de um ser animado, Rosa pode ter atribuído o termo

coisa ao seu desenho e Antunes ter trabalhado o poema de uma forma inanimada, meio que

personificando o termo As coisas:

A representação sígnica nunca foi uma tentativa de apreender o real como um todo,
pois isso está além da capacidade humana, quer dizer do próprio signo. Recordemos
o que diz Peirce: “... O objeto real, ou antes dinâmico, pela natureza das coisas, o
signo não consegue expressar, podendo apenas indicar, cabendo ao intérprete
descobri-lo por experiência colateral”. Antes de se referir a alguma coisa que está
fora dele (o objeto dinâmico), cada código ou meio referencia-se a um outro código
que está embutido nele de forma virtual. Enquanto a linguagem visual figurativa, por
exemplo, antes de referir-se ao real, referencia-se com códigos de representação, a
linguagem verbal escrita, por seu lado, referencia-se com o próprio código visual e,
fundamentalmente, com o código oral do qual é tradução (PLAZA, 1987, p. 47).

As formas arredondadas do desenho podem ter servido de base para Arnaldo Antunes

ter criado o seu poema, através da personificação, há a presença da figura de linguagem

prosopopeia em seu poema. Ele se utiliza da linguagem visual para criar o texto escrito,

criando com isso, como diz Júlio Plaza, uma tradução intersemiótica entre o código visual e o

verbal, mas abordaremos isso quando chegarmos às análises dos poemas.

 67

2.4.3 O campo
IMAGEM 05: DESENHO O CAMPO

Desenho de Rosa Moreau Antunes, que acompanha no livro As coisas o poema O campo.
Título: O campo
Fonte: Antunes (2002, p. 18)
 68

O poema de Arnaldo se refere a um campo, e o desenho apresenta traços dos subníveis

icônicos, ou uma revelação perceptiva, observemos:

Revelação perceptiva: trata-se aqui da experiência rara de revelação perceptiva que

corresponde não apenas à identidade formal entre o percepto (o estímulo exterior) e
o percipum (o modo como o percepto é apreendido na mente), mas corresponde
também a identidade, por assim dizer, material entre ambos (SANTAELLA E
NÖTH, 2008, p.62).

Esse estímulo exterior, veio do senso comum, pois, no caso da criança, essa relação se

dá de uma forma singular, porque a forma como ela apreende as coisas na mente ainda não é

racional e sim emocional, talvez por isso, os traços representativos na associação do desenho

a um campo, uma plantação, onde os pontos pretos podem ser sementes ou até mesmo árvores

representados no desenho de uma forma não muito clara. No entanto,

considerar a imagem como uma mensagem visual composta de diversos signos

equivale, como já dissemos, a considerá-la como uma linguagem e, portanto, como
uma ferramenta de expressão e de comunicação. Seja ela expressiva ou
comunicativa, é possível admitir que uma imagem sempre constitui uma mensagem
para o outro, mesmo quando esse outro somos nós mesmos. Por isso, uma das
preocupações necessárias para compreender da melhor forma possível é buscar para
quem ela foi produzida (Joly, 1996, p. 55).

No caso do desenho de Rosa, podemos dizer que, se não foi feito exclusivamente para

o seu pai Antunes, passou a ter essa função no momento em que ele decidiu produzir um livro

de poemas baseado em suas ilustrações. Baseado no que disse Joly, concordamos que toda

imagem sempre constitui uma mensagem para outro, mas quando essa imagem é um desenho,

ainda mais feito por uma criança, essa mensagem não é algo intencional.

A partir disso, a nossa ideia sobre uma obra produzida a partir das noções de uma

primeiridade Peirciana vai ganhando força, pois não apenas no desenho O Campo, mas em

todos os outros, talvez tenhamos essa recorrência da não consciência do que está sendo feito e

para quem está sendo feito. Quem vai ter essa consciência em seu estado pleno é Arnaldo

Antunes, mas como já foi dito, acreditamos que, ao produzir os poemas, ele tentou se des-
 69

referencializar dessa consciência, na tentativa de atingir também essa primeiridade. Isso será

abordado mais adiante nas análises dos poemas no capítulo 3.

 70

2.4.4 Cultura

IMAGEM 06: DESENHO CULTURA

Desenho de Rosa Moreau Antunes, que acompanha no livro As coisas o poema Cultura
Título: Cultura
Fonte: Antunes (2002, p.50)
 71

Seguindo a linha de que a maioria dos desenhos representa seres animados, no

desenho que acompanha o poema “Cultura”, temos três seres, possivelmente representando

animais, que suscitaram a criação de Antunes para o poema acerca da forma que os animais

aparentam ter, parecendo ser outras coisas. Aqui, pelo viés da teoria, temos um caso igual ao

do desenho As árvores, o aspecto ativo do ícone baseado na similaridade.

No poema que acompanha este desenho fica evidenciada a tentativa de buscar ao

máximo uma lógica textual infantil, no que se diz respeito à linguagem. “O girino é peixinho

do sapo;” “O pescoço é a barriga da cobra;” “O camelo é um cavalo sem sede.” Estas

expressões são tipicamente produzidas dentro de uma maneira de pensar de uma criança e

parecem questionar o fundamento da “arbitrariedade do signo linguístico” de Saussure. Como

diz Décio Pignatari, “A primeiridade é o modo ou modalidade de ser daquilo que é tal como é,

positivamente e sem qualquer referência a outra coisa.” (PIGNATARI, 1979, p. 23)

Como sabemos, o poema feito para esse desenho foi posto em outras mídias, no

projeto posterior do livro As coisas, e

se comparado com a versão do kit Nome, “Cultura”, do livro As Coisas, perde os

requintes de construção (versos, estrofação, etc.) e edição (imagens, cores e
movimentos) para figurar, por meio de desenhos primitivos e estrutura prosaica, em
uma aparente simplicidade formada por frases entrecortadas, proposições ou um
jogo, aparentemente, óbvio de completar frases ou palavras e propor novos jogos. “É
como se o receptor tivesse que completar as palavras propostas pela mensagem e
iniciar, seguindo a regra, um novo jogo, até que se forme a mensagem poética de
cultura”, conforme analisa Frigeri Berchior (1999) (FERNANDES JÚNIOR, 2007,
p. 38)

Mesmo sendo primitivo, o desenho cultura foi feito por analogia por similaridade,

como já ocorreu, por exemplo, nos exemplos anteriores. O primeiro animal, no nosso

entender, é uma tentativa de reproduzir uma galinha, visto que os traços das patas são bastante

símiles a um pé de galinha, o corpo é pequeno e a boca assemelha-se a um bico. O segundo

animal, apesar de ter sido desenhado de forma um pouco grande, aparenta um papagaio, pois
 72

se olharmos fixamente para a cabeça dele veremos talvez a forma de um nariz de um

papagaio. Além disso, os pés e a cauda alongada acabam confirmando a essa impressão.

Por último, temos o desenho de um animal que, aparentemente, representa a figura de

um leitão, por causa da orelhas que se assemelham às de um porco e um dos pontos pretos no

meio do desenho, que parece ser um nariz suíno. Quaisquer que sejam os animais

representados, porém, o importante é que essa representação existe e constitui-se como base

para a construção do poema que se refere ao desenho. Visivelmente, os animais ali sugeridos

estão na base da ruptura da arbitrariedade do signo linguístico que o poema “Cultura”

representa, sem falar na polissemia presente no título, que traria também o questionamento

sobre a própria noção de cultura: haveria cultura sob outros pontos de vista, como o dos

bichos, por exemplo? Obviamente, tudo depende da interpretação que daremos ao conjunto

desenho-poema ao recebê-lo. O que disse Frigeri Berchior no texto de Antônio Fernandes

sobre a noção do receptor será abordado na análise do poema, no capítulo posterior.

 73

2.4.5 O dinheiro

IMAGEM 07: DESENHO O DINHEIRO

Desenho de Rosa Moreau Antunes, que acompanha no livro As coisas o poema O dinheiro
Título: O Dinheiro
Fonte: Antunes (2002, p.76)
 74

Primeiro desenho de nossa análise que aparentemente, não faz alusão a um ser

animado, o desenho que acompanha o poema “O dinheiro” traz também em si características

de uma analogia por similaridade, sendo também um ícone atual, dentro do subnível do

aspecto ativo. O formato retangular do desenho acaba sugerindo que há ali uma tentativa de

reproduzir um cédula de dinheiro. Os traços presentes dentro do retângulo, representam em

tese características inerentes a uma cédula monetária. Para poder entender melhor essa

associação, utilizaremos a teoria de Martine Joly sobre o que é uma representação mental, que

segundo ela “é elaborada de maneira quase alucinatória, e parece tomar emprestadas suas

características da visão” (JOLY, 1996, p. 19).

Como os desenhos foram produzidos antes da implementação do plano real, por volta

do ano de 1991/1992, o desenho pode ter sido feito na tentativa de se assemelhar as cédulas

da época, o cruzeiro, que traziam rostos de figuras importantes dentro de um círculo no meio

da nota, bem parecido com o círculo feito por Rosa, feitas a partir de uma imagem mental,

produzida por ela, mesmo de forma inconsciente na tentativa de representar uma cédula no

desenho. Sobre isso Joly diz que:

A imagem mental distingue-se do esquema mental, que, reúne os traços visuais

suficientes e necessários para reconhecer um desenho, uma forma visual qualquer.
Trata-se de um modelo perceptivo de objeto, de uma estrutura formal que
interiorizamos e associamos a um objeto, que pode ser evocado por alguns traços
visuais mínimos. Exemplo disso são as silhuetas de homens reduzidas a dois
círculos sobrepostos e a quatro traços para os membros, como nos desenhos
primitivos de comunicação de que falamos e nos desenhos de crianças a partir de
certa idade, isto é, depois de terem, precisamente, interiorizado o “esquema
corporal” (JOLY, 1996, p. 20).

A partir dessas noções sobre a formação de uma imagem mental para a produção de

um desenho, vemos que, mesmo sendo uma forma bastante reflexiva, a criança não consegue

ser fiel à imagem que ela tomou emprestada, usando as palavras de Joly. Para a criança, o

processo associativo não é estritamente reflexivo e sim cognitivo, por mais que ela tenha

criado uma imagem mental de um objeto, ela vai reproduzi-lo de uma forma não contaminada
 75

e é por esse motivo que desenhos como os de Rosa, neste exemplo da imitação de uma cédula

de dinheiro, não vão atingir um elevado grau de similaridade e sim um leve grau. Isso ocorre

pelo mesmo motivo que uma criança representa um ser humano através de duas bolas e quatro

traços. A associação mental da criança vai se basear em traços visuais mínimos, como diz Joly

no trecho acima. Talvez por isso dois pequenos pontos, confirmem a ideia de uma tentativa de

representar dois olhos e por conseguinte um rosto. Os traços em volta do círculo podem

representar as outras partes que compunham a cédula. Embora saibamos que houve uma

representação mental, por tudo que já foi dito, quando esse assunto se refere a uma criança,

esse processo vai ser muito mais cognitivo do que reflexivo, pois a criança está mais ligada à

noção de primeiridade do que à de terceiridade, numa associação aproximativa com os

conceitos de C. S. Peirce.
 76

2.4.6 Se não se

IMAGEM 08: DESENHO SE NÃO SE

Desenho de Rosa Moreau Antunes, que acompanha no livro As coisas o poema Se não se
Título: Se não se
Fonte: Antunes (2002, p.78)
 77

Neste último desenho, temos a figura de um círculo, que pode representar diversas

coisas. Talvez seja esta a figura mais difícil de se associar ao poema de Antunes. Rosa pode

ter desenhado o vazio, um círculo, um ovo, uma cabeça e o que achamos ser uma bola. Nesse

desenho, estamos considerando o contexto do poema, que deixa transparecer características

inerentes a jogos que têm a bola como centro.

Por se tratar, mais uma vez, de um desenho de criança, não podemos refletir muito e,

às vezes, quando ela desenha uma coisa, sua intenção é puramente icônica, ou seja, a coisa vai

ser aquilo mesmo, por ainda não estar contaminada com referenciais do mundo: se ela diz que

o círculo é uma bola é porque é mesmo uma bola na sua concepção do desenho.

Junto a isso, temos a ideia de que o círculo possa representar o mito do Ouroborós que

é uma serpente ou um dragão que morde a própria cauda, dando-nos uma ideia de infinitude.

O círculo é uma figura muito representativa do infinito. Observe:

IMAGEM 09: FOTOGRAFIA OUROBOROS

A sociedade utiliza como símbolo do amor eterno um círculo, ao qual damos o nome

de aliança. A aliança representa a ideia de amor infinito, pois não se pode dizer onde começa
 78

e onde termina o amor. O poema feito para esse desenho também nos confirma teoria. Ele se

utiliza do termo se e a partir dele nos causa uma sensação de infinitude.

Essa proposição ideológica já tinha sido feita por Antunes no livro Psia (1986) com o

texto “O que”. A disposição gráfica do poema é absolutamente idêntica ao desenho feito por

sua filha. Observe:

IMAGEM 10: POEMA O QUE

(ANTUNES,1998)

Nota-se que, independentemente de onde se inicie a leitura, o poema vai sempre

chegar ao mesmo ponto, transformando-se numa mensagem repetitiva feita propositalmente

para causar no leitor a ideia de infinito.

No desenho de Rosa, percebemos claramente o início e o fim do traço, embora não

possamos afirmar qual é o início e qual é o fim, sem saber que instrumento foi utilizado para

imprimir o traço no papel. Há, entretanto, uma diferença de espessura na linha que provoca a

associação ao Ouroborós a que nos referimos acima e que pode ter despertado o “eterno

retorno” expresso pelo “não ser” do poema de Arnaldo Antunes.

 79

2.5 A SEMIÓTICA DA MÚSICA

No trecho do poema Tudos, As músicas dos índios fazem cair a chuva, do livro As

coisas temos uma breve reflexão sobre o lugar que a música ocupa em todas as culturas. Os

índios entoam melodias por vários objetivos, sem se preocuparem com o porquê de estarem

executando aquela música. A essa falta de preocupação deles, atribuímos uma atividade

cognitiva que não faz muita reflexão, que apenas reproduz uma tradição que acredita que

quando eles cantam aquela música, chove. É o mesmo motivo que nos faz, como Proust,

comer um biscoito e nos lembrarmos da nossa infância: podemos dizer que sentimos o gosto

dela. Essa experiência sem referências é um caso de primeiridade, caso este, que acreditamos

que a música também provoca e está presente nela.

O professor da Universidade do Quebec em Montreal, Jean Fisette, um especialista

nos estudos sobre a obra de C. S. Peirce, publicou um artigo entre o inverno de 1998 e 1999,

colocando a música como um caso de exemplo do ícone. A perspectiva da análise do ícone a

partir dos traços visuais, partindo da etimologia da própria palavra, que é oriunda do grego,

deveria tornar a exemplificação dele mais fácil, porém a relação entre o ícone e o visual cria

uma dificuldade quando se refere à questão da representação. Entendamos primeiro o conceito

de ícone na visão de Fisette:

Primeiramente, a palavra ícone: todos sabemos os sentidos que essa palavra assume
nos domínios ligados à história da arte e às semióticas visuais. E sabemos que, ao
optar pelo termo “ícone”, Peirce fazia um empréstimo da palavra grega eikwon
(eikône), que significa, simplesmente, “imagem” (equivalente à palavra latina
“imago”). Em seguida, na família da palavra grega, encontramos, por exemplo, o
verbo eikw (eikô), que significa “assemelhar, parecer”. Em suma, teríamos todas as
razões para desconfiar de que a dificuldade de imaginar o ícone não é estranha a essa
remissão dominante à modalidade do visível, na qual a noção de semelhança é
central (FISETTE, 1999, p.6).

Ele ainda acrescenta que Peirce escreveu nos Collected Papers, que os signos visuais

são pensados em detrimento da figuração, sendo também direcionados para o ideal de

representação. Fisette conclui a ideia dizendo que

 80

O ícone é anterior a representação; ele é mais primário, pois não pressupõe nada
além de si mesmo; e ele é também, logicamente, anterior à figuração. Essas mesmas
razões explicam também – e isso é significativo – que as semióticas visuais tenham
podido desenvolver, a partir do momento em que se apresentaram como objeto de
análise, imagens, desenhos, telas etc. que não estavam submissos à figuração ou que
não respondiam a uma função dominante de representação (FISETTE, 1999, p.7).

A partir dessas reflexões sobre o ícone perante aos signos visuais, Fisette afirma que o

ícone, mediante uma ampliação “a outras modalidades sensoriais, ganharia em extensão (e

não em compreensão)”. Mas no caso do signo musical o ícone seria mais fácil de ser

exemplificado:

Retorno, então, aos traços mantidos para definir o ícone e descubro, com espanto,
que se a representação visual me traz dificuldades maiores (que não são, entretanto,
essenciais), por outro lado, o representâmen musical parece vir exemplificar, senão
dar corpo, ao conjunto desses traços, e ele o faz, poder-se-ia dizer, como que como
uma espécie de evidência. Por uma razão bem elementar: é que por detrás do signo
musical, não pressentimos de forma alguma a ameaça de um objeto exterior que
viesse didatizar ou referencializar o signo. (FISETTE, 1999, p.7)

A discussão sobre a diferença entre os signos visuais e musicais ocorre por causa da

falta de referencialização que existe na música, pois nela as funções de figuração e

representação não são essenciais ao signo, por isso é que na música esquecemos os

referenciais e nos ligamos a um elemento cognitivo mais próximo de uma primeira sensação,

que faz com que a emoção faça parte dessa assimilação ao ouvirmos uma música. Acerca

desse assunto Claude Lévi-Strauss, em seu livro O Cru e o Cozido (2004), que estuda a

relação da música com os mitos, diz que:

A emoção musical provém precisamente do fato de que a cada instante o compositor

retira ou acrescenta mais ou menos do que prevê o ouvinte, na crença de um projeto
que é capaz de adivinhar, mas que realmente é incapaz de desvendar devido à sua
sujeição a uma dupla periodicidade: a de sua caixa torácica, que está ligada à sua
natureza individual, e a de escala, ligada à sua educação. Se o compositor retira
mais, experimentamos uma deliciosa sensação de queda; sentimo-nos arrancados de
um ponto estável no solfejo e lançados no vazio, mas somente porque o ponto de
apoio que nos é oferecido não se encontra no local previsto. Quando o compositor
tira menos, ocorre o contrário: obriga-nos a uma ginástica mais hábil que a nossa.
Ora somos movidos, ora obrigado a nos mover, e sempre além daquilo que, sós, nos
sentiríamos capazes de realizar (LÉVI-STRAUSS, 2004, p. 36).

Confirmando a ideia de Fisette, Lévi-Strauss ratifica a ausência da representação na

música dizendo que

 81

Os fanáticos por pintura certamente protestarão contra o lugar privilegiado que

damos a música, ou pelo menos reivindicarão o mesmo tratamento para as artes
plásticas e gráficas. Parece-nos contudo que, de um ponto de vista formal, os
materiais utilizados, respectivamente sons e cores, não se situam no mesmo plano.
Para justificar a diferença, diz-se às vezes que a música não é normalmente
imitativa, ou melhor, que não imita nada a não ser ela mesma, ao passo que diante
de um quadro, a primeira pergunta que vem a mente do espectador é o que ele
representa (LÉVI-STRAUSS, 2004, p. 38).

Para Jean Fisette o signo musical é “um ícone de uma concepção logicamente coerente

e de uma percepção sensível, emocionalmente satisfatória, do mundo” (FISETTE, 1999, p.7).

A música também faz parte de uma primeiridade por ser desprovida de representação,

levando o ouvinte ao impulso que o transporta para um outro lugar, um lugar virtual onde ele

não faz referência ao que ouve, apenas apreende e sente:

A música não tem referente; seus atos sonoros também não estão ligados a um
significado que seria uma classe fixa de referentes; mas ao contrário, o ato musical
traz consigo uma imensa reserva de efeitos de sentido possíveis que são não
limitados e não limitáveis; e, na medida em que esses efeitos de sentido transbordam
o controle da razão, eles asseguram um lugar privilegiado para o despertar de
emoções, igualmente variáveis, que serão relativas ao sujeito, ao lugar e até mesmo
à hora do dia. Aliás, se não fosse assim, por que razão escutaríamos novamente uma
mesma música? Por isso, seria mais justo imaginar é que essa música que escutamos
e reescutamos assemelha-se ao rio, do qual falava Heráclito, no qual não nos
banhamos nunca duas vezes (FISETTE, 1999, p.10-11).

Essa percepção transporta o ouvinte e o signo musical para um lugar virtual a partir da

ideia de ação, pois segundo a epígrafe de Fisette, a música é emocionante porque se move,

esse é um trecho de um texto de Paul Guy de Chabanon. Esse movimento, provocado

intencionalmente pelo compositor da música como afirmou Lévi-Strauss, confirma a ideia de

Fisette de ver “o signo como ação”. A esse movimento sem referencialização, acreditamos

que pode haver uma leitura de um signo musical através da primeiridade de Peirce:

E, de fato, devemos reconhecer que há uma coesão entre a consideração do que

Peirce chamava de “característica viva da verdade”, que está ligada aos traços
específicos da primeiridade, e o valor exemplar do ato musical, que, substituindo o
regime do audível pelo do visível, põe novamente em causa as certezas muito
rapidamente acabadas com relação às funções de figuração e de representação
(FISETTE, 1999, p.11).

Como trabalhamos nessa dissertação pelo caminho das análises da tríade

desenho/poema/música, fizemos esta breve explanação para mostrar a recorrência da

 82

primeiridade e, por conseguinte, do ícone e seus subníveis na obra de Arnaldo Antunes, no

caso específico do nosso objeto de análise, tanto nos desenhos quanto na música, visto que a

exemplificação da primeiridade nos poemas é algo mais fácil de se fazer, por se tratarem de

signos linguísticos, algo bastante estudado pela teoria da semiótica.

Apesar da recorrência da primeiridade no recorte escolhido, faremos também uma

análise conjunta a partir da teoria semiótica de Algirdas Julien Greimas que é a base da teoria

criada por Luiz Tatit para a feitura de suas análises musicais. Embora sigam por caminhos

diferentes, tentaremos estabelecer o diálogo entre a teoria semiótica proposta por C. S. Peirce

e a teoria de Greimas, pois acreditamos que o nosso corpus permite um leitura uniforme,

mesmo sendo vista pelo prisma de duas teorias distintas.

 83

2.6 MELODIA

Neste tópico, explicaremos como Luiz Tatit fundamentou a sua teoria sobre a análise

de textos, com a ajuda da melodia. A partir do esquema Actancial podemos entender como ela

funciona. A teoria é baseada na narratividade dos fatos, e Tatit utilizou-se dela para criar um

esquema que pudesse ser aplicado na análise de letras de músicas não apenas ancorada no

texto, mas apoiada também na melodia, partindo da noção de narratividade da teoria

Greimasiana. Sobre a forma como desempenhar a leitura de textos poéticos, Greimas diz que:

Reconhecendo que o discurso poético é na realidade um discurso duplo que proteja

as suas articulações simultaneamente nos dois planos – no da expressão e do
conteúdo – ela deverá elaborar um aparato conceitual susceptível de fundamentar e
de justificar os processos de reconhecimentos das articulações desses dois discursos
(GREIMAS, 1975, p. 12).

A partir do que foi dito, entendamos então, como funciona o esquema actancial dentro

do quadrado semiótico, proposto por Greimas. O actante é utilizado para designar o

participante (pessoa, animal ou coisa) em um programa narrativo. De acordo com o modelo

de A. J. Greimas, temos:

Destinador Sujeito Destinatário

D1







S







D2
│
│
A







O OP
Adjuvante Objeto Oponente

(Fonte: GREIMAS, 1979, p. 99)

Um destinador ou uma força (D1) quer algo. Levado por sua ação o sujeito (S) busca

um objeto (O) em proveito de um ser, concreto ou abstrato (D2). Nessa busca, o sujeito tem

aliados (A) e oponentes (OP). Para Greimas

O adjuvante é o actante que dará auxílio, operando ora no sentido do desejo, ora
facilitando a comunicação. A função dos adjuvantes consiste em servir a
manifestações hiponímicas, a exteriorizações, em forma de objetos ou seres. Por sua
vez, a função de Oponente consiste em criar obstáculos, opondo-se à realização do
desejo, ou a comunicação do Objeto (GREIMAS, 1979, p. 99).
 84

Para entendermos melhor essa teoria, vejamos o que disse Luiz Tatit sobre a relação

entre sujeito e objeto:

Acontece, porém, que o sujeito não se define apenas pelo objeto, seu termo
complementar do ponto de vista sintático. A esfera de ação do sujeito está
delimitada pelas ações de outros sujeitos e, em especial, pela ação do anti-sujeito
que lhe impõe resistências, muitas vezes comprometendo o êxito do seu percurso
narrativo. Temos, assim, de um lado, a atração que o objeto exerce sobre o sujeito,
orientando sua atividade para um fim preciso e, de outro, a resistência antagonista
que ao impedir a conquista imediata do objeto, valoriza a ação propriamente dita e
instaura o sentido de progresso gradativo como algo necessário a própria noção de
narratividade (TATIT, 2001, p. 31-32).

A partir desses conceitos, Luiz Tatit denomina o estudo da melodia a partir de três

níveis: A tematização, primeiro dos níveis, que é uma repetição dos temas melódicos

presentes na canção, ou seja, que possuem um mesmo desenho melódico; o segundo nível é a

passionalização que apresenta a melodia de outra forma. Contrária à tematização ela é

baseada na imprevisibilidade dos temas melódicos, com grandes diferenças intervalares e

ênfase nas durações das notas; o último nível é a figurativização, e traz uma representação de

uma simulação da fala. O primeiro nível provoca no ouvinte um tom de celebração com uma

melodia tematizada, o segundo uma sensação de perda, de passionalidade e, no terceiro nível,

um tom de conversa aproximando-se da fala:

Surge, assim, a primeira possibilidade de semiotização das atividades, oral e

musical, que fundam genericamente a canção. Se a presença da fala é marca de
rapidez, imediatismo e eficácia do instante enunciativo e, por outro lado, a presença
da música significa estabilização da matéria sonora, ritualização e conservação
estética, podemos instituir a categoria do andamento como parâmetro temporal de
análise e dela depreender uma tensão entre aceleração e desaceleração respondendo,
respectivamente, pelos valores descontínuos e pelos valores contínuos (TATIT,
1997, p. 90)

Em Arnaldo Antunes, observaremos estes níveis presentes no nosso objeto de análise,

por ele ser também composto por seis canções, oriundos dos poemas fazendo a relação entre

as noções de iconicidade e narratividade que o texto proporciona com o que os percursos

melódicos nos dizem, a partir das teorias mencionadas. No próximo capítulo, voltaremos a

tratar da relação entre a poesia e a música, dando continuidade ao nosso objeto de estudo.
 85

CAPÍTULO III

UMA ANÁLISE SEMIO-MUSICAL

Barulho é música? Quem pode me dizer se barulho é.

Música? E se as falas das pessoas falando forem.
Canções? Velhas orelhas ouvem o rock e dizem: — Essa
barulheira infernal não é. Música. Abaixe o volume! —
berram as orelhas velhas. Mas não dá pra passar a vida
ouvindo só canções de ninar. E se os carros nas ruas
forem tão bons compositores quanto o vento nos bambus?
E os sabiás? Música. Pode ser feita por alguém mas
também se faz. Um compositor chamado John Cage disse:
"Os sons que a gente ouve são. Música". O que a
lavadeira faz com as roupas no tanque. O que o guarda
noturno faz com seu apito. O que os dentes fazem com a
batatas chips dentro da cabeça. O que fazem a chuva, o
mar, a televisão, os passos, o piano, as panelas, os
relógios. Tic tac tic tac. O coração. Bom bom bom bom.
Uma música que não é brasileira, nem americana, nem
africana, nem de nenhuma parte do planeta porque é. Do
planeta todo. Fechando os olhos fica mais fácil da gente
escutar. Ela.

Arnaldo Antunes em 40 escritos.

 86

3.1 POEMA-CANÇÃO, POEMA-CANTADO E CANÇÃO LETRADA

Neste capítulo, abordaremos a relação que há entre poesia e música no aspecto do

binômio: poemas musicados e músicas que receberam texto. Junto a isso, faremos a análise

propriamente dita do nosso corpus escolhido. Para efeito de uma organização teórica, faremos

as análises de formas dissociadas, de um lado trataremos da presença do ícone como

representante do projeto de que o corpus foi baseado em uma primeiridade peirciana; do

outro lado teórico, traçaremos o percurso narrativo das canções, baseados nas teorias de Luiz

Tatit. Mesmo organizando as análises desta forma, não temos por objetivo supervalorizar uma

teoria em detrimento da outra, acreditamos que as duas leituras podem ser feitas de forma

harmoniosa.

Como já fora dito, a híbrida relação entre poema e canção dentro do nosso recorte, nos

levou a adotarmos os termos poema-canção/poema-cantado e canção-letrada, para designar

modalidades que circulam por diversos suportes sem uma terminologia específica. Retomando

o conceito, para nós, poema-canção é quando temos um poema musicado pelo mesmo autor;

poema-cantado é quando um poema é musicado por outro compositor e canção-letrada é

quando temos o caso de uma melodia ser “letrada” por outro compositor ou poeta.

Arnaldo Antunes não foi o primeiro a unir esses dois gêneros, o poema e a canção,

antes dele, vários outros traçaram o mesmo percurso. A partir disso, podemos observar esse

processo como uma tentativa de manipular os signos com um objetivo claro, a descoberta de

novas formas de uso dos significantes e seus significados. Adicionando ao tema melódico

sentimentos e uma mensagem que passa a ter uma significação poética. A canção pode ser

interpretada em várias línguas, tendo a sua significação compreendida melhor pelos falantes

advindos daquele idioma:

 87

A questão que propomos nesta oportunidade pode ser assim resumida: como criar
parâmetros semióticos para abordar esse lugar híbrido de manifestação das canções?
Tais parâmetros deverão ainda fornecer critérios homogêneos para uma análise
integrada da letra e da melodia. em termos pouco mais abstratos, esse trabalho
corresponde a uma busca de equivalência entre sintaxe e ritmo, condição necessária
para se depreender as compatibilidades entre as duas faces da canção (TATIT, 1997,
p.87).

Dentro do mesmo assunto, sobre a relação entre letra e melodia, citada por Tatit,

Roland Barthes lança um questionamento sobre a forma como a língua é usada: “Como

procede, então, a língua, quando deve interpretar a música?” (BARTHES, 1990, p. 237)

Segundo ele, muito mal, pois os críticos musicais avaliarão a obra (ou a sua execução) pela

categoria da linguística mais pobre: o adjetivo. É fato que quando tomamos a arte como tema,

segundo Barthes, tem-se que “atribuir-lhe um predicado”. Mediante essa ideia de predicado,

ele criou um conceito sobre a voz. Ele denominou de “o grão da voz” para designar quando a

voz tiver uma postura dupla: de língua e de música. Para ele “o grão seria: a materialidade do

corpo falando sua língua materna: talvez a letra” (BARTHES, 1990, p. 239).

Na música, segundo Roland Barthes, a voz grave de um baixo russo não é individual e

nem possui “personalidade”, mas é um corpo separado, e “esta voz transporta diretamente a

simbólica em um nível mais alto do que o inteligível, o expressivo” (BARTHES, 1990, p.

239). A expressão vocal do intérprete, assim como a corporal, se une as execuções

instrumentais formando uma obra única, a personificação da Canção.

Ao ganhar uma letra, as músicas começam a ter um sentido diferente: A comunicação.

Passa-se a ser utilizados recursos comunicativos para expressar diversas formas de expressão,

desde as mensagens políticas até às amorosas, que ganhou bastante espaço dentro do universo

cancional.

Como afirma Aguinaldo José Gonçalves, o texto de Antunes se faz atemporal na

relação entre o homem e o mito neste início de século:

 88

Ao longo do século XX, foram ocorrendo evolutivamente, experimentos vários para

cumprir uma necessidade cada vez mais fremente: os códigos se interseccionam, se
sobrepõem se transcriam, em busca de um hiato de sentido que parece ter sempre se
colocado entre as formas de expressão e o sujeito. Essa nebulosa de transmutação do
sentido que perseguiu o pensamento imagético dos vários períodos literários,
encontra nesse poeta brasileiro o seu porto móvel, seus incessantes descaminhos, a
inteligência construtiva dos dribles da linguagem, fazendo-nos mobilizar diante da
quase-palavra por meio das ruínas dos signos, sejam eles signos verbais, signos
icônicos ou signos indiciais, se considerarmos as concepções semióticas de Charles
Sanders Peirce (GONÇALVES, 2002, p.1).

Para não haver um hiato temporal imenso, vejamos o que ocorreu com as melodias

que receberam letras no século XX.

 89

3.2 EXEMPLOS DE MELODIAS QUE RECEBERAM LETRAS

O século XX foi um período bastante fértil para a canção brasileira, veja o que diz

Tatit (2008):

A canção brasileira, na forma que a conhecemos hoje, surgiu com o século XX e

veio ao encontro do anseio de um vasto setor da população que sempre se
caracterizou por desenvolver práticas ágrafas. Chegou como se fosse simplesmente
uma outra forma de falar dos mesmos assuntos do dia-a-dia, com uma única
diferença: as coisas ditas poderiam então ser reditas quase do mesmo jeito e até
conservadas para a posteridade. Não é mera coincidência, portanto, que essa canção
tenha se definido como forma de expressão artística no exato momento em que se
tornou praticável o seu registro técnico. Ela constitui, afinal, a porção da fala que
merece ser gravada (TATIT, 2008, p.70).

Com a incorporação dos processos técnicos de gravação de música, a canção começou

a ser uma forma bastante utilizada pelos músicos brasileiros. Comecemos então, discutindo

sobre esse assunto citando exemplos de músicas7 que receberam ao longo dos anos uma letra,

tendo como consequência disso a sua transição para a canção. O primeiro compositor de

música a ser abordado nessa dicotomia música/letra é Pixinguinha. Tatit afirma que:

Pixinguinha na verdade sempre esteve do lado musical da canção. Demonstrava

interesse especial pelo instrumento – a flauta e, mais tarde, o sax –, pela formação de
conjuntos ou pequenas orquestras, pelos ritmos e sem dúvida, pela criação de
melodias (TATIT, 2008, p.124).

Desse célebre compositor de temas melódicos, temos como exemplo três músicas que

receberam letras: Rosa, Carinhoso e Lamento. Rosa, uma de suas primeiras músicas gravadas

recebeu letra, segundo Tatit (2008), de Cândido das Neves, herdeiro da poesia romântica. No

caso das outras duas, Carinhoso esperou 20 anos pela letra de João de Barro e Lamento, 30

anos pela letra de Vinicius de Moraes. Vejamos:

São famosos os casos de “Carinhoso”, que esperou 20 anos para ganhar letra de João
de Barro, e de “Lamento” que, só depois de 30 anos, recebeu versos de Vinicius de
Moraes. Era como se as próprias melodias hesitassem entre permanecer como obras
musicais ou converter-se em canções. Nesse sentido, representavam bem a atuação
de seu autor no panorama sonoro da década de vinte: Pixinguinha cuidava do lado

7
Música é posta aqui no sentido de tema melódico, aquela em que não há a presença de letra, isto é, como ela é
chamada atualmente de música instrumental.
 90

musical de seus trabalhos e necessitava de um parceiro toda vez que o incipiente

universo da canção solicitava seus serviços. Mas os letristas que realmente
procuravam se adequar ao formato próprio para a produção fonográfica – cujos
agentes também estavam em busca da sonoridade ideal – eram raros e só surgiriam
em grande escala um pouco depois, já no tempo de Noel Rosa (TATIT, 2008,
p.125).

Bem próximo à época de Pixinguinha, temos como exemplo o chorinho Odeon, de

Ernesto Nazareth, que recebeu letra de Vinicius Moraes depois de alguns anos. Outro grande

instrumentista que recebeu letras para suas músicas foi o maestro Heitor Villa-Lobos. A

belíssima música O Trenzinho do Caipira recebeu letra do poeta Ferreira Gullar e a não

menos bela Melodia Sentimental foi letrada por Dora Vasconcelos. Sivuca, sanfoneiro de

renome, contemporâneo de Luiz Gonzaga, instrumentista por excelência, como Pixinguinha,

recebeu, na música João e Maria, uma letra de Chico Buarque de Holanda, que, de tão

singela, faz aparentar que melodia e letra foram feitas ao mesmo tempo.
 91

3.3 EXEMPLOS DE POEMAS QUE RECEBERAM MELODIA

Como exemplos do fenômeno oposto, restringindo-nos também aqui ao século XX,

podemos citar também poemas que receberam melodias. Caetano Veloso, compositor baiano

e um dos integrantes do Tropicalismo, musicou três textos: O poema “Elegy” (Elegia), do

poeta Inglês John Donne, que está presente no disco Cinema Transcendental (1979); o poema

“O amor”, do russo Vladimir Maiakovisk, gravado por Gal Costa no disco Fantasia (1981),

por Cida Moreira, em Abolerado Blues (1982) e por Renato Braz, no disco História Antiga

(1998); e, por último, o poema “O pulsar”, de Haroldo de Campos, que faz parte do disco

Velô (1984). Chico Buarque musicou o longo poema Morte e Vida Severina, de João Cabral

de Melo Neto, e o próprio Arnaldo Antunes musicou um poema de Augusto dos Anjos,

chamado “Budismo Moderno”, e teve poemas seus musicados por Jorge Ben Jor, como “As

árvores”, e “As coisas”, por Gilberto Gil, presente no disco Tropicália 2 (1993), ambos são

hibridismos do poema-canção que fazem parte do corpus dessa dissertação.

Diante de todos esses exemplos, podemos constatar que muitos puseram letras em

músicas de outros ou musicaram poemas de outras pessoas. Interessa-nos também o fato de

poema e canção serem feitos pela mesma pessoa. A esse fato não costuma ser abordado com

grande relevância nos estudos sobre a canção, principalmente quando o compositor já era

reconhecido como poeta, o que é o caso, por exemplo, de Vinícius de Moraes, cujas canções

são bastante difundidas. No caso de Arnaldo Antunes, o processo é diferente, uma vez que ele

se destacou como compositor e apenas posteriormente sua atividade poética ganhou o público.

Arnaldo Antunes colocou melodia em alguns de seus próprios poemas, como também

transformou em poema uma letra de uma canção sua como no caso de “O quê?”, que está

presente no disco Cabeça Dinossauro (1986) dos Titãs e também no livro Psia (1986), que já

fora apresentado anteriormente.

 92

A partir dessas informações, passaremos a analisar inicialmente dois dos textos que

fazem parte do recorte escolhido para a feitura dessa dissertação que exemplificam bem o

caso dos poemas que foram musicados, mas não pelo próprio autor, e sim por outras pessoas.

Vale lembrar que, a partir de agora tentaremos juntar as análises, como foi explicado

inicialmente. Cada texto será vista pelo viés da semiótica Peirciana como também pela análise

baseada na noção de narratividade actancial de Greimas, junto a um estudo musical que foi

proposto pelos estudos de Luiz Tatit.

Um aspecto relevante sobre este processo de criação da canção, repetimos, é o de o

próprio poeta, além de criar o texto, ser o compositor da música que resulta numa canção.

Além de Arnaldo Antunes, podemos citar o caso de Paulo Leminski que também criou e

musicou alguns de seus poemas, como, por exemplo, a canção “Verdura”, gravada por

Caetano Veloso no disco Outras palavras (1981).

Os textos foram organizados na mesma ordem das análises que fizemos com os

desenhos. A ordem foi escolhida primeiramente pelos três poemas-cantados que foram

musicados por outros compositores; e os outros três, musicados pelo próprio Arnaldo

Antunes, seguem a ordem estabelecida por ele no livro As coisas. O primeiro poema-cantado

a ser analisado chama-se As árvores, e foi musicado por Jorge Ben Jor.
 93

3.4 AS ÁRVORES

IMAGEM 11
Título: As árvores
Fonte: Antunes (2002, p. 35)
 94

O poema é, visualmente, um texto em prosa. Ele não apresenta claramente uma

estrutura de poema. Arnaldo Antunes não se preocupou inicialmente em demarcar as posições

dos versos e das rimas, ele organizou o poema como um bloco, em texto cursivo. A presença

dos sinais de pontuação reforça ainda mais o aspecto de texto em prosa.

O poema não traz um eu lírico explícito. Ao contrário, mais parece ter um narrador em

terceira pessoa explicando a existência das árvores, como elas vivem, para que servem, dentre

outras coisas. Faremos a análise do poema, inicialmente, observando os recursos técnicos

como o estudo do ritmo, da métrica e da rima. Explicaremos aqui estes três conceitos e

faremos as análises de forma conjunta. A explicação servirá como base para os seis poemas,

visto que procederemos a mesma análise neles todos, no que concerne ao assunto poesia.

Iniciaremos explicando o ritmo. Para Décio Pignatari “Ritmo é um ícone que resulta

da divisão e distribuição no tempo e no espaço – ou no tempo e no espaço – de elementos ou

eventos verbovocovisuais (= verbais, vocais, visuais)” (PIGNATARI, 2004, p. 21). Quanto à

métrica, ele diz que:

Na tradição luso-brasileira, as numerosas possibilidades rítmicas costumam ser

reduzidas a umas tantas regrinhas mais ou menos caretas, baseadas na acentuação
silábica tônica ou forte (embora nem sempre o som, acento ou pé coincida com a
sílaba). Elas são práticas para você obter um ritmo – digamos assim – automático. E
para conhecer os versos dessa tradição. Damos aqui um mini-resumo. É o que se
chama de métrica, metrificação ou versificação (PIGNATARI, 2004, p. 31).

No último caso, ele diz que a rima é a “semelhança de sons que se acoplavam

verticalmente no final dos versos. Pela estatística da língua, informam menos os sons mais

previsíveis (rimas em ar, ão, eira, osa, etc.)” (PIGNATARI, 2004, p. 37).

Para a análise ficar mais clara, apesar de o poeta não ter feito dessa forma,

organizaremos as proposições textuais em versos (As partes em negrito representam as sílabas

tônicas das palavras):

 95

As árvores são fáceis de achar (A) 10

Ficam plantadas no chão. (B) 7
Mamam do sol pelas folhas (C) 7
e pela terra bebem água. (D) 8
Cantam no vento (E) 4
e recebem a chuva de galhos abertos. (F) 12
Há as que dão frutas (C) 5
e as que dão frutos. (G) 5
As de copa larga (D) 5
e as que habitam esquilos. (F) 8
As que chovem depois da chuva, (D) 8
as cabeludas. (C) 4
As mais jovens; mudas. (C) 5
As árvores ficam paradas. (C) 8
Uma a uma enfileiradas (C) 8
na alameda. (D)
Crescem para cima como as pessoas. (C) 10
Mas nunca se deitam. (B) 5
O céu aceitam. (B) 4
Crescem como as pessoas, (C) 6
mas não são soltas nos passos. (F) 7
São maiores mas ocupam menos espaço. (H) 12

O poema “As árvores” é composto por rimas intercaladas e interpoladas e sílabas

poéticas compostas das seguintes formas: 4 versos de quatro sílabas, 5 versos de cinco sílabas,

1 verso de seis sílabas, 4 versos de sete sílabas, 4 versos de oito sílabas, dois decassílabos, e

dois versos alexandrinos. No que tange ao estudo do ritmo do poema, percebe-se que as

sílabas tônicas coincidem sempre nos mesmos lugares, fazendo com o que poema mantenha

um pulso ternário ascendente em alguns momentos e binário ascendente em outros.

Apesar da estruturação clássica do poema feita por nós nesse trabalho, vale salientar

que comungamos do pensamento de Alfredo Bosi sobre o “tempo e os tempos da poesia”,

 96

presente no livro O ser e o tempo da poesia (2000), quando ele diz que apesar de podermos

sempre refazermos o esquema métrico de um poema, o seu contexto é sempre mutável. Ele

diz que

Só é possível ler um poema como um espácio-temporal por causa da forma coesa

que recebe o conjunto dos significantes. Até aí tem chegado a análise estrutural, que
é um ver como as semelhanças e as recorrências se projetam na cadeia das
diferenças. No entanto, apesar da coesão formal, as interpretações de um grande
texto diferem muito de uma geração para outra. Por quê? Certamente, o processo da
consciência histórica e crítica dos leitores não é tão estável como a forma do poema.
A consciência percorre vetores: Avança, retrocede, sobe, desce, ou gira por espirais
conforme o momento do processo social que o leitor ou o seu grupo está vivendo. Já
o tempo da forma é mais denso, compacto, resistente, mais palpável e acessível ao
trabalho da análise; duro, dura milênios. Podem se refazer, hoje, os esquemas
métricos da Ilíada. Mas o tempo histórico, produtor dos valores, saturado de
conotações ideológicas e míticas, é mutante por natureza. Para reconstituí-lo vai
algum esforço e muita empatia (BOSI, 2000, p. 145).

Neste tópico, abordaremos alguns aspectos do poema no que tange a questão da

primeiridade. Iremos mostrar como é bastante recorrente o caráter icônico dentre deste poema

e do restante de nossas análises. Antunes inicia o poema afirmando que “as árvores são fáceis

de achar” e explica que o motivo é porque elas “ficam plantadas no chão”. Nesta expressão,

plantadas, observa-se uma analogia, para tentar explicar a visão de mundo tentando se

aproximar ao máximo a um universo que tenta se igualar à forma de pensar de uma criança,

pois essa forma de pensar, ligada a uma não racionalização, ocorre principalmente quando nós

não refletimos sobre aquilo que estamos dizendo, exatamente quando deixamos o nosso

pensamento fluir sem grandes reflexões, ou seja, quando utilizamos a primeiridade, ou um

sentimento dotado de qualidade. Observe:

Se fosse possível parar, para examinar, num determinado instante, de que consiste o
todo de uma consciência, qualquer consciência, a minha ou a sua, isto é, de que
consistisse esse labiríntico “lago sem fundo”, num instante qualquer em que é o que
é, porque é tudo ao mesmo tempo, repito, se fosse possível parar essa consciência no
instante presente, ela não seria senão presentidade como está presente. Trata-se,
pois, de uma consciência imediata tal qual é. Nenhuma outra coisa senão pura
qualidade de sentir. A qualidade da consciência imediata é uma impressão
(sentimento) in totum, indivisível, não analisável, inocente e frágil (SANTAELLA,
1983, p. 43).
 97

É a partir dessa ideia de que a primeiridade é uma impressão inocente e frágil que

associamos a produção dos poemas de Arnaldo Antunes como uma tentativa de se igualar a

uma forma infantil de escritura, ou uma infantilidade da linguagem ,segundo os termos de

José Paulo Paes:

Na história da cultura ocidental, houve um momento em que a criança deixou de ser

considerada um adulto incompleto e passou a ser vista como um ser com
características psicológicas próprias que era mister conhecer para poder
compreender (PAES, 1998, p. 1)

Sobre isso que afirma José Paulo Paes, podemos afirmar que Antunes tentou se

aproximar desse ser com características psicológicas próprias para a produção do seu livro as

coisas e por conseguinte do nosso objeto de análise escolhido. Assim sendo, tentaremos

analisar os poemas selecionados com o máximo de atenção para vermos onde e como ele

consegue atingir esse grau de infantilidade e de primeiridade nos seus poemas feitos a partir

dos desenhos de sua filha, analisados por nós anteriormente.

Continuando a análise do poema, ainda baseado no primeiro verso, sabemos que na

língua portuguesa, plantado compartilha o mesmo sema com parado ou imóvel. A analogia

do primeiro par de versos é baseada numa lógica infantil, mas o resultado dessa construção,

quando analisadas passam de um nível de primeiridade para o da secundidade, pois quando

revelamos o significado de plantado como sendo parado, descobrimos o motivo de as árvores

serem fáceis de achar, transformando o ícone em índice, mas lembrando que nós estamos

analisando o signo com o seu objeto, por isso a primeiridade não se faz presente. No signo em

si mesmo, como o utilizou Antunes, houve sim uma primeiridade.

Em seguida, Antunes utiliza o vocábulo “mamam”, caracterizando a necessidade que a

planta possui de receber a luz do sol para praticar a fotossíntese. A partir dessa analogia da

árvore com um ser humano, ou melhor, com uma criança pequena, que necessita de cuidados,

alimentação e água, observamos que a tentativa de explicação de um processo complexo,

 98

como a fotossíntese, numa linguagem infantil. “Cantam no vento e recebem a chuva de galhos

abertos” demonstra que, como um ser humano, elas se divertem e têm gratidão pelas coisas

que lhes fazem bem. Galhos ocupam metaforicamente o lugar de braços, pois como sabemos

a expressão braços abertos indica que o ser humano está receptivo a algo ou alguém,

demonstrando afeto, alegria ou gratidão.

No verso seguinte, “há as que dão fruta e as que dão fruto”, vemos uma alusão à

maternidade animal, que é capaz de gerar seres do sexo masculino e feminino, mostrando que

as árvores assim como nós, também têm essa capacidade. Evidentemente, essa é também uma

simplificação em linguagem “infantil”, uma vez que, a questão do gênero, presente também

nos vegetais, não se determina da mesma forma como ocorre no reino animal. Além disso,

como sabemos, fruta e fruto não são palavras que representam dois gêneros distintos, sendo a

forma feminina apenas uma designação popular, no português, para os frutos adocicados que

consumimos in natura.

Neste trecho: “As de copa larga e as que habitam esquilos.” “As que chovem depois da

chuva, as cabeludas.” “As mais jovens; mudas” vemos uma tentativa de explicar que, como

nós, as árvores são de diferentes tamanhos, abrigam outros seres junto de si, têm diferentes

idades e sentimentos, não apenas alegrias, chover depois da chuva significaria talvez um

choro ou tristeza, ou simplesmente o fato de, depois de terminada a chuva, algumas árvores

continuarem pingando as gotículas da chuva. Essa impressão talvez se dê por causa da leve

impressão de que as gotas sejam lágrimas, pois como não há mais chuva, parece que é a

própria árvore que está chorando. Assim sendo,

a percepção visual atua recebendo informações sob a forma de textos, imagens,

cores em termos de “imagens mentais”. O seu registro é feito pela exploração do
campo visual, conjugando a percepção global ou simultânea e a linear. Contudo,
estes aspectos, que permitem a captação visual, podem ser organizados a partir da
própria constituição sígnica. Isto é, quando organizamos o signo, estamos também
organizando a construção do olhar. Assim, o olho não é somente um receptor
 99

passivo, mas formador de olhares, formador de Objetos Imediatos da Percepção

(PLAZA, 1987, p. 52).

“Crescem para cima como as pessoas.” “Mas nunca se deitam.” “O céu aceitam.”

Estes versos confirmam a ideia que Antunes tenta situar a existência das árvores comparando-

o com o desenvolvimento humano. Quando diz que elas nunca se deitam, cria no poema uma

dúvida acerca da existência, pois “se deitar” para um humano pode caracterizar morte, e que

elas aceitariam melhor essa condição de morte, se tomarmos a ideia de aceitar o céu como

aceitar a morte.

Nesta passagem esta ideia ganha corpo: “Crescem como as pessoas, mas não são soltas

nos passos.” “São maiores mas ocupam menos espaço.” As árvores são como os seres

humanos, nascem, se alimentam, se nutrem da terra como nós, mas não possuem o direito de

ir e vir, ou o livre arbítrio para fazerem o que quiserem e, mesmo sendo maiores que os

homens, ocupam menos espaço, pois elas não devastam a raça humana para ocupar o seu

lugar no mundo, diferentemente dos seres humanos para com elas.

Em relação à forma como foi musicada, percebemos que Jorge Ben Jor, tentou

exprimir no poema “As árvores” uma musicalidade linear, para caracterizar uma melancolia,

um arrependimento, e um sentimento de culpa sobre a condição em que se encontram essas

plantas, devido à ação descontrolada dos seres humanos.

Sobre as implicações narrativas, podemos iniciar dizendo que o poeta (Destinador)

quer expressar uma impressão acerca de algo presente na natureza e para isso utiliza-se da

figura das árvores (Sujeito). O seu objetivo é falar da própria Natureza (Objeto), para atingir,

no caso, os leitores (Destinatário), aproximando-se bastante do universo infantil. Para

conseguir isso, “As árvores” têm como aliados os elementos da natureza (Ajudantes) e no fato

de possuir uma imobilidade (Oponentes), a presença de um anti-sujeito. Esquematizando esse

poema, dentro da teoria greimasiana teríamos:

 100

Poeta As árvores Leitores

D1







S







D2
│
A







O OP
Elementos Natureza Imobilidade
da Natureza

Depois de definido o esquema do percurso narrativo do poema, podemos adicionar à

análise do texto a melodia, observando o que ela pode nos acrescentar como objeto

amalgamado ao texto escrito. Esse amalgama é o que denominamos, anteriormente, canção.

Inicialmente, podemos dizer que música foi feita em tom menor, tonalidade que é

utilizada “geralmente” pelos compositores para a expressão de temas mais tristes e densos.

Não que tons menores não abordem também temas alegres, mas uma nota em tom maior

possui uma melodia aberta e limpa. Já o acorde menor quando diminui em um semitom uma

das notas da tríade, provoca uma tensão sonora, que dá um caráter mais pesado ao acorde,

sendo usado com bastante frequência em canções de caráter de tristeza e reflexão.

Essa canção é baseada naquilo que Luiz Tatit denominou de tematização, pois os

temas melódicos se repetem e são dotados do mesmo desenho melódico. Voltamos a tratar do

assunto aqui, por ser algo que ocorrerá com bastante recorrência em nossa dissertação. Por

isso explicaremos melhor o que é tematização, a partir das palavras do criador desta teoria,

Luiz Tatit:

À tematização melódica corresponde, em geral, a tematização narrativa. Um outro

tipo de reiteração, de natureza sêmica, qualifica o /ser/ de um actante, dotando-o de
aptidões que se desenvolvem em performances (/fazer/) geralmente pragmáticas.
Simultaneamente, este actante é atorializado com numerosos traços figurativos
vinculados ao que a semiótica chama de expressão do mundo natural. Tudo ocorre
como se a concretização do motivo melódico representasse a manifestação do ator
ou da figura discursiva (TATIT, 1997, 121).

O sujeito ou o personagem transforma-se num ator quando ocorre a mudança do nível

narrativo para o nível do discurso. Essa é a explicação de Tatit para o termo “atorializado”,
 101

citado no trecho acima. Observemos então como se dá a tematização da canção as árvores,

iniciando com a análise da primeira parte8:

Diagrama 01 – As árvores – Sequência 1

fi ta no e la

char chão folhas terra

árvores fá de cam plan das mamam sol las pe bém be água

As são ceis a do pe tam bem

Diagrama 02 – As árvores – Sequência 2

há e

e ce chu ga a dão dão as bi es

cantam vento bertos as que frutas as que frutos larga

no re bem a va de lhos as co que ha tam quilos

de pa

Notamos que Jorge Ben Jor economizou nos elementos melódicos, pois em “As

árvores” a ocorrência dos temas melódicos é bastante repetitiva, tornando-se clara a presença

da tematização.

Os picos das notas agudas se repetem, ou seja, são raros os casos em que a mesma

altura de uma nota não seja repetida por uma logo em seguida, mantendo assim a estrutura de

linearidade. Essa repetição também ocorre com as notas graves.

8
Cada espaço entre as linhas corresponde a um semitom, portanto a totalidade dos espaços representa o campo
de tessitura disponível para o canto no âmbito de uma obra determinada. Esse modelo foi criado por Luiz Tatit e
é iniciado pela nota Mi contando o primeiro espaço de cima para baixo em uma sequência descendente, ou seja,
das notas agudas para as mais graves.
 102

Diagrama 03 – As árvores – Sequência 3

ca lu jo uma a uma enfileira

chuva mudas radas das

chovem pois be das as mais vens árvo fi pa

as que de da as res cam

As

As três primeiras sequências traçam o percurso narrativo do sujeito, as árvores, apenas

explicitando os processos como as árvores estão inseridas em seus processos de interatividade

com a natureza, mas no fim da terceira sequência começa a ser estabelecida a relação entre o

sujeito e o anti-sujeito, que no caso dessa canção é o fato das árvores não possuírem uma

mobilidade. O poeta começa a mudar o percurso narrativo de uma mera explanação sobre as

árvores, para uma reflexão sobre a existência delas.

Quando a canção chega à parte que diz que “as árvores ficam paradas”, percebemos a

mudança no tom discursivo do poeta. Ele passa claramente de uma estrutura tematizada para

uma passionalização, abstraindo o fato de as árvores serem imóveis e não terem outra opção,

como os seres humanos possuem. Sobre isso Tatit diz que:

A passionalização melódica corresponde a passionalização como estado modal

narrativo. Nesse sentido, a tensividade contida nos contornos melódicos representa
no plano da expressão, a tensividade decorrente das disjunções e conjunções dos
actantes narrativos do plano do conteúdo. Não é a toa que quase todas as canções do
segundo modelo tratam do tema da separação ou da união amorosa (TATIT, 1997,
p.121)

Esta parte da canção não permite uma interpretação baseada em uma visão alegre, pois

mesmo tendo sido composta em um livro de poemas infantil para tentar explicar o

funcionamento das coisas do mundo, tanto o poema quanto a melodia têm um tom reflexivo.
 103

Nota-se, que as melodias mais densas e que possuem um caráter mais triste tendem a

manter várias palavras em uma mesma nota, causando com isso um efeito de linearidade

reflexiva proposital, para representar o caráter imutável de algumas situações que ocorrem na

vida.

Observemos então a segunda parte da canção:

Diagrama 04 – As árvores – Sequência 4

na céu

la nun se a

a meda soas deitam o ceitam soas

crescem cima as ca crescem co as

para como pes mo pés

Mas

Como dissemos, é a partir do fim da terceira sequência, continuando nesta, que temos

a mudança para um estado passional. A partir da comparação das árvores com os seres

humanos o poeta cai em si quanto a questão do falta de mobilidade que uma árvore possui,

diferentemente de nós, humanos, o único lugar para onde elas podem ir é para cima, não tendo

outra opção a não ser aceitar o céu, crescer como as pessoas, mas sem poder ir para lugar

algum. O poeta começa a sofrer junto com as árvores.

Diagrama 05 – As árvores – Sequência 5

são vida rida

não sol nos mai me es da que

passos ores nos paço ár re ár re

são tas mas cu vo vo

o pam

Mas
 104

Essa frase sintetiza tudo o que estamos dizendo sobre o compadecimento do poeta:

apesar de crescerem, terem vida igualmente aos seres humanos, elas “não são soltas nos

passos”, e ele termina dizendo que, apesar de serem maiores que nós, elas não ocupam tanto

espaço assim. Na parte adicionada à canção, Antunes pede perdão as árvores, de maneira

metafórica por todo o mal que o homem lhes causou, comprovando a passionalização no

poema-cantado.

Diagrama 06 – As árvores – Sequência 6

meu

dão co que eu se a

ção de nhei mor

pelo ra em cê no

vo com o me do

Per

Ao pedir perdão, o poeta ratifica tudo o que dissemos no decorrer das análises dos

movimentos melódicos. Ele absorve o sofrimento e passionaliza uma canção que tem por

essência o aspecto da tematização, pois as melodias se repetem e os acordes se mantém

constantes sem alterações bruscas, fazendo um movimento linear que permeia todo o poema-

cantado.
 105

3.5 AS COISAS

IMAGEM 12
Título: As coisas
Fonte: Antunes (2002, p. 91)
 106

Tema que dá nome ao livro, “As coisas” é um conjunto de ideias num poema que

trabalha com diversas formas de significação. Assim como o poema anterior, “As coisas”

também possui uma estrutura característica da prosa, por causa do posicionamento e da

relevância dos sinais de pontuação.

Como já foi explicado no poema anterior, não repetiremos os procedimentos

metodológicos que serão utilizados na análise do poema, partindo diretamente para a análise

do mesmo. Organizaremos também o poema em uma estrutura versificada, não

desconsiderando o recurso significativo da tipografia do poema utilizada como recurso por

Antunes.

As coisas têm (A) 4

peso, massa, volume, (B) 6

tamanho, tempo, (C) 4

forma, cor, (D) 3

posição, textura, (E) 5

duração, densidade, (F) 6

cheiro,valor, (D) 4

consistência, profundidade, (F) 8

contorno, temperatura, (E) 7

função,aparência, (G)

preço, destino, (H) 4

idade, sentido. (I) 5

As coisas não têm paz. (J) 5

 107

O poema foi feito baseado em versos livres, embora a partir da nossa organização

tenham surgido três pares de rimas: D (cor/valor), E (textura, temperatura) e F (densidade,

profundidade). Quanto à metrificação temos: um verso de três sílabas, quatro versos de quatro

sílabas, quatro pentassílabos, dois hexassilábicos, um heptassilábico e um octossilábicos.

Quanto ao ritmo, percebe-se que as sílabas tônicas mantêm uma constância que permite ao

leitor sentir o movimento das analogias feitas por Antunes. Sobre isso Bosi diz que

A forma do poema, quando vista nas suas constantes (nomes concretos, figuras,
recorrências de som...), talvez seja uma sobrevivência de esquemas corporais
antiquíssimos. O que já exerceu uma função coesiva nas comunidades arcaicas
reproduz-se com funções análogas, no produto poético individual. Os cantos
sagrados eram emissões da voz e do corpo inteiro em que se repetiam e alternavam
expressões de encantamento, fusão afetiva com a comunidade, aleluia ou
esconjuro. A comunidade era possuída pela voz e pelo gesto com que impetrava as
forças divinas espalhadas pela Natureza. Na poesia, esse movimento sobrevive na
dinâmica da forma que realiza exercícios de analogia entre os seres ( pela
metáfora) ou de contiguidade (pela metonímia). E a dança em círculo cumpre-se
no eterno retorno do ritmo (BOSI, 2000, p. 143).

Por causa das analogias utilizadas por Antunes e explicitadas por Bosi, observa-se que

a primeiridade se faz presente no poema “As coisas”, pois a reflexão sobre o assunto é feita

de uma forma primária, ligada a uma noção primeira sobre o termo. Podemos dizer que ele

vai buscar na enumeração dos conceitos um pré-conceito para o termo, ou uma explicação

bastante ligada a uma cognição ligada a um sentimento puro. Para nós, o poema como um

todo representa uma personificação, ou até mesmo uma humanização dos objetos

denominados por nós de coisas.

Em contrapartida, o termo “coisas” é utilizado metonimicamente para designar

diversos objetos e seres do mundo. Quando Arnaldo Antunes começa a descrever tudo aquilo

que as coisas possuem, ele transporta o leitor para uma ideia material, associando “As coisas”

a objetos, mas na verdade ele nos mostra em alguns trechos do poema uma tentativa de

humanização das coisas, utilizando-se, como já foi dito, da figura de linguagem da

personificação.
 108

Ao afirmar que “as coisas não tem paz”, Antunes busca uma aproximação com a

realidade humana, pois ele sabe que os objetos possuem várias características, que também

são inerentes ao humano.

A Significação real da linguagem não está na palavra, mas no discurso. As palavras

podem dar nomes às coisas mas, antes de os termos serem integrados em
proposições, eles nada afirmam, nada evitam ou negam... nada dizem (ECO apud
PERUZZOLLO, 2004, p. 92).

A afirmação de Umberto Eco nos mostra que a nomeação das coisas só se tornará

carregada de sentido depois que um conceito do signo for formado. “A função da enunciação

enquanto ato é constituir a manifestação do discurso em forma de texto, isto é, sob a forma de

signos e de relações entre signos” (PERUZZOLLO, 2004, p. 143).

Baseado no desenho feito por Rosa Antunes, acreditamos que, como no poema

anterior, houve um comparação entre o objeto coisas e os seres humanos. No desenho,

tivemos a impressão de visualizar um humano de cabeça para baixo. A partir disso, após todas

as descrições de forma primitiva, feitas por Antunes, ele finaliza com a expressão “as coisas

não têm paz”, ainda que carregada da profundidade que sugere o significante “paz”.

Dentro dessa lógica, sendo as coisas, objetos que possuíam todas aquelas

características, partindo da analogia que é a forma como a criança pensa sem interferências,

dizer a frase desse modo é como se ele tivesse dito, coitados! , meio que se compadecendo da

dor do outro, ou seja, se houve esse compadecimento, não houve reflexão sobre o que estava

sendo dito, prestou-se atenção somente na analogia, logo, o pensamento não foi racionalizado,

deixando o poema enquadrado dentro da perspectiva peirciana da primeiridade. Vale lembrar

que nós estamos analisando os poemas baseados apenas no que eles nos dizem, na tentativa de

tentar encontrar a recorrência da hipótese do nosso estudo, que nos propusemos a analisar.
 109

A canção feita para este poema traz uma musicalidade bem constante e acordes

descendentes. Este poema foi musicado por Gilberto Gil, e teve a gravação da canção

compondo o disco Tropicália II, trabalho de 1993, em parceria com Caetano Veloso.

Os aspectos narrativos do poema-cantado trazem, primeiramente, Arnaldo Antunes

(Destinador) expressando sua impressão sobre os várias formas que os objetos (Objeto)

presentes no mundo possuem, representados na figura das coisas (Sujeito), a reflexão tem

como objetivo alcançar novamente, os leitores e os ouvintes (Destinatário), para aproximar-se

bastante do modo de pensar das crianças. “As coisas” não possui aliados (Ajudantes) e tem na

“falta de paz” (Oponentes), o seu anti-sujeito. O Esquema Greimasiano desse poema seria:

Antunes As coisas Leitores/ouvintes

D1







S







D2
│
│
A






O
 OP
Ø Várias formas Falta de paz
que os objetos possuem

Novamente vamos adicionar a nossa análise a melodia da canção, como ajuda ao

suporte teórico da análise do poema-cantado.

A tessitura vocal, está situada na região média, em direção ao grave. A instrumentação

traz no seu arranjo inicialmente um violão de nylon servindo de base, junto a um solo de

guitarra ligada a um pedal de efeito. Ao longo da canção, são adicionados um piano e uma

guitarra solando com um timbre diferente, além de um vocal no fim da canção.

Vejamos como inicia a parte cantada da canção, e em como podemos enquadrá-la

dentro da teoria criada por Luiz Tatit:

 110

Diagrama 07 – As coisas – Sequência 1

As coisas tamanho posi densi

têm tempo ção dade

peso forma textu cheiro

massa cor ra du valor

volume ração

O que se percebe nesta primeira sequência é que os temas melódicos se repetem de

formas parecidas. Neste poema-cantado podemos dizer que só há a presença da tematização,

pois o compadecimento presente no final do texto não é suficiente para transformá-lo numa

passionalização. Vejamos se isso se repete na segunda parte:

Diagrama 08 – As coisas – Sequência 2

Con tência

sis

Profun
tempera ção

dida tu

de contorno ra fun

Podemos perceber como a melodia continua levando a letra para uma escala

descendente, causando inquietação ao ouvinte, em entender por que uma canção que não tem

grandes variações tende tanto para a altura do grave. Os desenhos melódicos vão se repetindo,
 111

mudando apenas o que é dito. Talvez isso tenha sido feito propositalmente por Gilberto Gil,

captando a ideia do poema em toda a sua sensibilidade.

Esse texto, assim como o livro As coisas, busca um diálogo com os leitores,

demonstrando certa ingenuidade, mas, na verdade, tenta dialogar com as coisas do mundo,

transportando-nos para um inconsciente infantil, a partir das analogias, sem abandonarmos

nossa noção sobre o conceito real que as coisas possuem. Segundo Alfredo Bosi (2000, p.38)

é “Pela analogia, o discurso recupera, no corpo da fala, o sabor da imagem. A analogia é

responsável pelo peso da matéria que dão ao poema as metáforas e as demais figuras”. Pelo

que se pode perceber, a canção só esboça um caráter passional no último verso, confirmando a

ideia de personificação de que “as coisas não têm paz”, assim como nós humanos, mas em

essência é uma canção tematizada.

Diagrama 09 – As coisas – Sequência 3

a rência sen

pa ti
pa pa
do não têm az. não têm az.

preço
As coisas As coisas

desti

no idade

A falta de paz caracteriza o anti-sujeito da narrativa deste poema-cantado e, por não

possuir ajudantes, “As coisas” nos passa uma imagem de imutabilidade, de coisas estanques,

que não mudam, apenas sofrem por causa do destino que tiveram, pois mesmo tendo todas as

características dos seres humanos eles sempre continuarão coisas e, como diz o poema-

cantado, não terão paz.

 112

3.6 UM CAMPO

IMAGEM 13
Título: O campo
Fonte: Antunes (2002, p. 19)
 113

Característica recorrente das produções poéticas de Arnaldo Antunes, temos

novamente uma estrutura prosaica no que tange ao aspecto visual ou tipográfico do poema.

Como estamos utilizando sempre os mesmos parâmetros, vamos direto à análise dos recursos

desse poema.

Um campo tem terra. (A) 5

E coisas plantadas nela. (A) 7

A terra pode ser chamada de chão. (B) 11

É tudo que se vê (C) 6

se o campo for um campo de visão. (B) 10

De acordo com a nossa organização dos versos, vimos que as rimas são emparelhadas

(A,A), nos dois primeiros versos, e, nos três últimos, apresentam uma rima intercalada (B, C,

B), sendo AA rimas soantes e BB rimas bastante simples. O poema possui sílabas poéticas

diferentes. Um verso de cinco sílabas, um de seis, um de sete, um decassílabos e um

hendecassílabos. O ritmo tem uma constância na segunda sílaba tônica e alterna as

tonicidades entre as penúltimas e últimas sílabas poéticas.

Neste poema-canção há duas palavras que carregam uma carga semântica duplicada,

que são “campo” e “terra”. Essas palavras possuem sentidos de similitudes e oposição dentro

de uma mesma estrutura semio-narrativa. Tatit afirma que :

a semiótica de hoje considera que qualquer momento da cadeia discursiva pode ser
enfocado como um ponto tensivo em que colidem forças antagônicas representadas
pelas categorias (ou valências) intensidade /vs/ extensidade.” (TATIT, 2004, p. 121)

A partir da metade do poema, terra e campo ganham novos significados: terra vira

sinônimo de chão e campo deixa de ser vasta área territorial, para significar área delimitada

pelo alcance da vista. Este jogo semântico provoca uma reflexão no que diz respeito às

palavras, haja vista que o livro trabalha com uma temática infantil de descoberta das coisas do
 114

mundo, apresentando “as coisas” dentro de um prisma privilegiado de quem conhece a língua,

tentando se aproximar da lógica infantil de ver e perceber o que está ao redor.

Partindo do princípio de que é com a palavra que se começa a compreender tudo que

nos rodeia, temos no livro uma proposição lúdica sobre a ideia de reconstruir o sentido das

palavras, buscando dialogar com o universo de compreensão de uma criança, sobre a sua

relação com as palavras e o que elas podem ou não significar.

A obviedade da expressão um campo tem terra nos permite dizer que a construção

desse poema é toda baseada na primeiridade, pois dizer esse verso dessa forma não tem

reflexão, e sim uma demonstração de que o poema foi criado baseado em primeiras

impressões , que são características do discurso infantil, cujo domínio da linguagem ainda não

existe.

Os versos seguintes confirmam o que acabamos de dizer, pois mesmo sendo visto de

uma forma indicial, quando nos referimos ao objeto, no caso o poema, no momento de sua

produção, ele foi fito de forma icônica, ou apresenta apenas uma qualidade de sentimento, ou

que conhecemos por quali-signo, um signo dotado apenas de qualidade de sentimento, sem

reflexão.

Os aspectos narrativos do poema-canção trazem novamente Arnaldo Antunes, na

figura do poeta/compositor (Destinador), falando sobre o campo (Sujeito) e as coisas que

estão plantadas nele (Objeto); o tema quer alcançar os leitores e os ouvintes (Destinatário). “O

campo” não possui aliados (Ajudantes) e tem na dupla semântica das palavras campo e terra

(Oponentes), o seu anti-sujeito.

Mostrando isso no esquema Greimasiano teríamos:

 115

Poeta/compositor O campo Leitores/ouvintes

D1







S







D2
│
│
A






O
 OP
Ø Coisas plantadas Dupla semântica
no campo das palavras campo e terra

Temos aqui uma outra narrativa que compara uma coisa a um ser humano. O objeto

que são as coisas que foram plantadas na terra, por não ter ajudantes, tem apenas o dilema

entre as mudanças de sentidos das palavras campo e terra. Temos na figura da personagem

uma comparação semântica com uma qualidade inerente a um ser vivo que é a visão. No que

diz respeito ao resultado melódico que a canção proporciona, nesse poema-canção, temos o

primeiro caso de um poema musicado pelo próprio Arnaldo Antunes.

Temos, nesse poema-canção, um outro caso de tematização, mas com uma

interferência da figurativização na expressão pode ser chamada. A simulação da fala é o que

permite-nos afirmar que ocorreu uma figurativização nesse trecho. Sobre essa teoria Tatit diz

que:

À figurativização melódica, finalmente, corresponde o aumento da deitização

linguística. A distensão dos parâmetros duração e altura visa romper, até certo
ponto, com a autonomia do enunciado musical, atraindo a atenção para a situação
enunciativa (TATIT, 1997, p. 121).

Ele trabalha no diagrama abaixo, com a sua tessitura aguda, porém passeia também

pelo grave e estabelece um ritmo ininterrupto à melodia, causando a sensação ao ouvinte de

que cada pulsação da música se assemelha ao movimento de uma pessoa subindo e descendo

numa gangorra de um parque, onde o aumento e a diminuição da velocidade dos tempos

musicais equivalem à velocidade do vai e vem do brinquedo.

 116

Vejamos então como ocorreu o processo de tematização melódica neste poema-

canção.

Diagrama 10 – O Campo

coi cam

Um te E sas ta A te de É se se o po

cam tem das tu que for

po rra. nela. rra chão. do vê um

de

visão.

plan pode ser chamada campo

As notas agudas servem para dar ênfase ao elemento coisas, que é a palavra chave do

livro, e campo, que é o elemento chave do poema. Na região média, estão as palavras

responsáveis pelo movimento de gangorra do poema. Há uma colocação na região grave da

palavra campo quando esta assume um novo sentido em oposição a campo, presente na região

aguda, mostrando assim que houve uma mudança de sentido na palavra. A instrumentação foi

feita apenas com um violão de nylon sendo executado de forma ininterrupta, dando um pouco

de ênfase aos bordões do violão. A execução é feita de tal forma que, em alguns momentos,

conseguimos ouvir claramente o som dos dedos escorregando pelas cordas.

 117

3.7 CULTURA

IMAGEM 14
Título: A cultura
Fonte: Antunes (2002, p. 51)
 118

A tentativa principal desse poema foi a de conceituar novamente palavras através de

analogias de primeira impressão, na tentativa de explorar, como diz Pignatari, “experiências

monádicas ou simples, em que os elementos são de tal natureza que poderiam ser o que são

sem inconsistência, ainda que nada mais houvesse na experiência” (PIGNATARI, 1979, p.

22). Assim como os demais, a sua estruturação é prosaica, embora dentro de uma organização

de versos. Temos um sistema de rimas bastante marcante.

Vejamos:

O girino é peixinho do sapo. (A) 10

O silêncio é o começo do papo. (A) 10
O bigode é a antena do gato. (B) 10
O cavalo é pasto do carrapato. (B) 10
O cabrito é o cordeiro da cabra.(C) 10
O pescoço é a barriga da cobra. (C) 10
O leitão é um porquinho mais novo. (D) 10
A galinha é um pouquinho do ovo. (D) 10
O desejo é começo do corpo. (E) 10
Engordar é a tarefa do porco. (E) 10
A cegonha é a girafa do ganso. (F) 10
O cachorro é um lobo mais manso. (F) 10
O escuro é a metade da zebra. (G) 10
As raízes são as veias da seiva. (G) 10
O camelo é um cavalo sem sede. (H) 10
Tartaruga por dentro é parede. (H) 10
O potrinho é o bezerro da égua. (I) 10
A batalha é começo da trégua. (I) 10
Papagaio é um dragão miniatura. (J) 10
Bactérias num meio é cultura. (J) 10
 119

Podemos observar que este é o primeiro poema do nosso estudo que estabelece uma

relação quase perfeita no que se diz respeito a presença da estrutura de rimas, ritmo e métrica.

Quanto à rima, todas as sequências têm versos com rimas emparelhadas (A,A; B,B; ... J,J),

com dois casos de rimas soantes: porco (E), que é um anagrama de corpo (E) e que mantém a

mesma posição e a mesma sonoridade das vogais; e seiva (G), que não chega a formar uma

rima soante perfeita com zebra (G), devido ao ditongo /ei/. Afora esses dois casos, todas as

outras rimas são consoantes, sendo esta a tônica do esquema rímico do poema.

A metrificação foi toda composta por versos decassílabos, sendo todas as palavras

finais dos versos paroxítonas, o que faz sempre restar uma sílaba átona, que ganha um relevo

importante no ritmo do poema. O ritmo pode ser considerado como ternário ascendente. Com

isso, o poema “Cultura” nos mostra que foi construído de forma bastante precisa, no que se

refere aos recursos técnicos que compõem a feitura e elaboração de um poema, pois as

acentuações fortes foram marcadas em todos os versos nas terceira, sétima e décima sílabas

poéticas. Destaca-se, ainda, no último verso, a necessidade de se contar a letra muda “c” como

uma sílaba, pois no verso musical ela é claramente pronunciada /qui/.

Nesse texto, fica evidenciada a tentativa de buscar ao máximo uma lógica textual

infantil, pois, no que diz respeito à linguagem, as expressões são claramente produzidas

dentro de uma lógica infantil. A partir de micro-proposições, Antunes vai delimitando e

delineando novos conceitos para coisas banais, ou seja, ele joga ao vento as proposições na

tentativa de estabelecer um diálogo com o leitor. Perguntamo-nos, então, onde está a

primeiridade nesse poema, pois ele nos leva mais a um estado reflexivo do que cognitivo de

primeiras impressões? A resposta está no próprio poema. Ele não é nada mais do que um jogo

lúdico de descobertas, redescobertas e constatações. Ao refletirmos sobre as proposições não

 120

estamos pensando baseado em primeiridade, mas Antunes, durante a produção, fez uso dessa

ausência de referentes para a construção do poema “Cultura”.

Podemos dizer que o poema é puramente uma criação em primeiridade, ao procurar

infantilizar com uma comparação inesperada a primeira percepção de determinados objetos.

Somos nós, os leitores, ao buscar os termos da comparação, que damos o caráter reflexivo

para ele. Sozinho, o poema é um conjunto de proposições feitas a partir de metáforas que mal

escondem as comparações claras que trazem, bem próximo ao que foi feito por Rosa Antunes

nos desenhos do livro. Apesar de ser o poema que mais se aproxima do conceito de

primeiridade, podemos afirmar que ele só faz apresentar um exemplo do funcionamento desse

conceito, uma vez que a comparação que sustenta cada um dos versos já é um passo largo

rumo à terceiridade. Mesmo porque, ainda que na lógica infantil, ao comparar “girino” e

“peixinho”, por exemplo, e atribuir o primeiro elemento (girino) a um outro membro da

cadeia (sapo), que é o detentor do ponto de vista no verso, a suposta criança que poderia ser

enunciadora dessa frase já demonstraria ter adquirido importantes processos simbólicos da

linguagem.

A nova definição criada por Antunes faz com que se reflita sobre a maneira de ver as

coisas do nosso redor pela primeira vez, na tentativa de exercitar, através desses exemplos, a

nossa capacidade de sempre querer encontrar um por que para tudo que está a nossa volta.

Em versos como O girino é o peixinho do sapo; o pescoço é a barriga da cobra e o

leitão é um porquinho mais novo percebemos o quão ingênuas parecem estas proposições,

mas sabemos que seu criador de ingênuo não tem nada e que ele nos faz aceitar como discurso

infantil uma exemplificação do que poderia ser uma “linguagem da primeiridade” que não faz

outra coisa senão questionar o antigo fundamento da arbitrariedade do signo linguístico

apresentado por Saussure. O poema “Cultura”, segundo Antônio Fernandes Júnior, também
 121

dialoga “com os procedimentos típicos da poesia produzida para crianças em que

‘predominam conectivos coordenativos, adjetivos associados a impressões sensoriais,

circunstâncias de lugar e verbos de estado ou de percepção, como ser, ter, ver’” (BORDINI,

1986, p. 64) (FERNANDES JÚNIOR, 2007, p. 37).

A partir disso, o verbo ser funciona como um conectivo no poema, ligando as

proposições. Como disse Frigeri Berchior, citado na parte em que analisamos os desenhos,

temos no poema “Cultura”, um jogo lúdico do qual o leitor também faz parte. Sobre isso,

Fernandes Júnior acrescenta que :

Em todas as versões, há uma construção sintática nominal, com a presença do verbo

“ser”, funcionando como elemento de ligação do jogo lúdico de associações “isto é
aquilo”, constante no poema. Este tipo de sintaxe binária, que une ou aproxima dois
elementos (nomes), funciona como tentativa de totalidade, resultado da soma ou
associações entre dois termos, alguns por causalidade (girino/peixe/sapo), por
associações inusitadas (bigode/antena/gato), por metonímias (escuro como metade
da zebra), por antítese (silêncio/papo, batalha/trégua). Ao acionar o devir-criança
da/na linguagem poética, o texto de Antunes incorpora elementos linguísticos, cujo
efeito de sentido beira o óbvio, o simples, a estranheza, da linguagem infantil, em
um jogo de “parece mas não é” (FERNANDES JÚNIOR, 2007, p. 36)

Esse jogo lúdico que foi proposto no poema é baseado em primeiridade e essa busca

pela primeiridade é algo extremamente difícil de se fazer para nós adultos, e para Arnaldo

Antunes não foi diferente. Em entrevista anexada ao final da Antologia Como é que se chama

o nome disso (2006), Antunes fala desse projeto do livro As coisas e os motivos que o

levaram a produzir coisas baseadas em analogias:

As Coisas , na verdade, eu comecei ele muito inspirado por essa coisa do olhar
infantil; acho que a convivência com minha filha Rosa, que era pequena nessa
época, foi trazendo isso, que aparece de forma mais rarefeita, na minha poesia de
uma maneira geral, nas letras de música, nas coisas que eu produzo (...) Tem um
livro do Foucault, As Palavras e as Coisas, onde, na introdução, ele cita um texto do
Borges em que se vê esse êxtase infantil com as analogias; uma classificação de
animais em que ele separa os que pertencem ao imperador, os domesticados, os
fabulosos, as sereias, os embalsamados etc. Esse texto tem muito a ver com a
maneira com que eu faço associações inusitadas, no As Coisas (ANTUNES, 2006, p.
372/373).

Antunes afirma que foi no texto de Borges que buscou inspiração para a criação dessas

associações inusitadas. Daí o fato de as ilustrações representando animais, feitas por sua

filha, combinarem bastante bem com os textos criados, pois elas correspondem a essa lógica,
 122

aparentemente ilógica, inspirada pela lista fantástica de Borges. E, talvez, também daí tenha

surgido a noção de Cultura criada por Antunes nesse poema, prefigurando conceitos sobre

outras funções relativas à vida dos animais. Sobre cultura, Foucault diz que:

Assim, em toda cultura, entre o uso do que se poderia chamar os códigos

ordenadores e as reflexões sobre a ordem, há a experiência nua da ordem e de seus
modos de ser. (...) Trata-se de mostrar o que ela veio se tornar, desde o século XVI,
no meio de uma cultura como a nossa: de que maneira, refazendo, como que contra a
corrente, o percurso da linguagem tal como foi falada, dos seres naturais, tais como
foram percebidos e reunidos, das trocas, tais como foram praticadas, nossa cultura
manifestou que havia ordem e que às modalidades dessa ordem deviam as permutas
suas leis, os seres vivos sua regularidade, as palavras seu encadeamento e seu valor
representativo (FOULCAULT, 2007, p. 18)

A partir dessa citação, extraída de um texto que o próprio Antunes diz conhecer,

podemos observar que o nome do poema não foi escolhido por acaso, e a presença de

analogias com animais ocorreu por causa do texto de Borges, com isso, a produção do poema

foi baseada em um êxtase infantil como disse o próprio Arnaldo Antunes, confirmando a

nossa ideia de que existe primeiridade no processo de criação dos poemas, não só neste, mas

em todos presentes no livro As coisas.

No que diz respeito ao caráter narrativo, temos neste poema-canção um trajeto de

conceituações que percorre características ou associações inusitadas, como disse o próprio

Antunes, dentro de um campo sêmico dos animais. Não há portanto neste texto, a presença de

ajudantes ou anti-sujeitos. O que podemos perceber é que Antunes cria uma sequência

narrativa baseada em micro-proposições, ou um jogo do eu constato, você concorda.

Neste texto o leitor é levado a entrar no jogo sem opções, pois o texto flui com uma

naturalidade que envolve tanto o leitor quanto quem ouve a canção. Na primeira parte da

canção, surgem as proposições mais absurdas feitas através de metáforas baseadas em

comparações que resultam em constatações, das quais a figura dos animais é posta em

situações extremamente inerentes ao humano, criando com isso uma humanização dos seres

como ocorreu em nossas análises dos desenhos, citados anteriormente.

 123

Diagrama 11 – Cultura– Sequência 1

xi do me do O ca do ra
rino é o pei nho sapo. lêncio é o co ço papo. valo é pasto car pato.

do

gi si O bigode é a antena gato.

O O

Percebe-se, nesse diagrama, que as metáforas tomam um caráter linear quando

falamos da melodia, a maioria das afirmações permanece na mesma nota e os desenhos

melódicos vão se repetir por todo o poema-canção. Assim, com base na teoria de Tatit, vemos

um novo processo de tematização, que, pelo que nos começa a parecer, é algo recorrente nas

melodias do nosso objeto de análise, ou seja, os poemas-canções possuem uma similitude no

que diz respeito ao nosso corpus: todos têm como característica principal, quando falamos de

melodia, a tematização.

Diagrama 12 – Cultura– Sequência 2

tão é um por nho

O cabrito é o cordeiro da cabra. O pescoço é a barriga da cobra. O lei qui mais

novo.
 124

Embora tenhamos constatado a recorrência da tematização nas canções de Arnaldo

Antunes que estão sendo analisadas por nós, em “Cultura” observa-se que, apesar de os

desenhos melódicos se repetirem, de os instrumentos executarem sempre a mesma coisa, com

algumas interferências diferentes, há nesse poema-canção a presença mais do que marcante

também da figurativização, pois em vários trechos da parte cantada, assim como ocorreu no

diagrama acima, a representação ou imitação da fala se faz bastante presente. Observe:

Diagrama 13 – Cultura– Sequência 3

linha é um pou nho

A ga qui do

ovo.

Em teoria, o poema-canção é interpretado todo em um tom que se aproxima muito da

oralidade na interpretação feita por Arnaldo Antunes. Quem traz o caráter musical e

tematizado a ela é a cantora Marisa Monte, que participa da gravação, cantando junto a

Arnaldo e fazendo vocalizes que, em algumas partes, assemelham-se a representação do canto

de uma sereia, dentro da visão trazida a nós pela cultura cinematográfica e por outras

interpretações dessa cantora. Dessa forma, com esse auxílio, Antunes mais parece um

contador de histórias do que um cantor.

Quando ouvimos a execução da música, que está no disco Nome (1993), essa ideia se

confirma, mas se ouvirmos a versão gravada no disco Canções curiosas (2002), que faz parte

do projeto Palavra Cantada, organizados por Paulo Tatit e Sandra Peres, essa noção de
 125

oralidade fica mais difícil de se observar, pois nesta versão temos um grupo de crianças que

imprimem muito mais melodia nas proposições. Embora estabeleça essa diferença na

interpretação, a canção, mesmo em outra versão, continua expressando, ainda que em menor

intensidade, a noção da oralidade.

Como, em teoria, o projeto do livro As coisas foi focado no público infantil, talvez a

intencionalidade de fazer a música de uma forma quase que oral tenha se dado pelo fato de

crianças prestarem mais atenção em histórias quando elas se assemelham a narrativas. E qual

a representação maior de uma narrativa quando nos referimos às crianças? É justamente a das

histórias que lhes são contadas antes de elas dormirem. Se uma canção consegue ganhar esse

status, ela vai ter um objetivo: que tudo o que foi dito não se perca na cabeça do ouvinte como

simples lembrança melódica, mas que junto a essa lembrança, também permaneça o que está

sendo dito:

Nada facilita mais a memorização das narrativas que aquela sóbria concisão que as
salva da análise psicológica. Quanto maior a naturalidade que o narrador renuncia às
sutilezas psicológicas, mais facilmente a história se gravará na memória do ouvinte,
mais completamente ela se assimilará à sua própria experiência e mais
irresistivelmente ele cederá à inclinação de recontá-la um dia. Esse processo de
assimilação se dá em camadas muito profundas e exige um estado de distensão que
se torna cada vez mais raro. Se o sono é o ponto mais alto da distensão física, o tédio
é o ponto mais alto da distensão psíquica. O tédio é o pássaro do sonho que choca os
ovos da experiência (BENJAMIN, 1985, 204).

É óbvio, que com os recursos tecnológicos existentes no planeta atualmente, para que

uma criança fique com tédio não é muito fácil, entretanto é apenas a partir dele que nós,

humanos, começamos a refletir sobre o mundo e as coisas que nos rodeiam. Como contar

histórias para dormir é algo inerente aos muito pequenos, pois ao completar certa idade muitas

crianças querem logo adentrar no universo adulto, para que uma história guarde seu caráter de

prosa, mesmo em forma de poema ou de canção, atingindo esse público, ela deverá atraí-los e

é por esse motivo que Arnaldo Antunes progrediu do livro As coisas para o projeto

Multimídia do Nome. Nele todos os recursos táteis, audíveis e visuais foram utilizados de
 126

uma maneira única, tentando atingir, com a mesma ideia, pessoas que se interessassem pelas

mais diversas formas de veiculação da arte. Como disse Benjamim, o tédio não existe mais

nas cidades grandes e no campo está quase no fim, e

com isso, desaparece o dom de ouvir, e desaparece a comunidade dos ouvintes.

Contar histórias sempre foi a arte de contá-las de novo, e ela se perde quando as
histórias não são mais conservadas. Ela se perde porque ninguém mais fia ou tece
enquanto ouve a história. Quanto mais o ouvinte se esquece de si mesmo, mais
profundamente se grava nele o que é ouvido. Quando o ritmo do trabalho se apodera
dele, ele escuta as histórias de tal maneira que adquire espontaneamente o dom de
narrá-las. Assim se teceu a rede em que está guardada o dom narrativo. E assim essa
rede se desfaz hoje por todos os lados, depois de ter sido tecida, há milênios, em
torno das mais antigas formas de trabalho manual (BENJAMIN, 1985, 205).

Como a arte faz parte da cultura, a tentativa de Arnaldo Antunes, retomando o texto de

Jorge Luís Borges e tentando permanecer na memória das pessoas a partir de uma nova

maneira de assimilação de mensagens, vê-se que ele não se valeu apenas da ideia de Walter

Benjamin, segundo a qual a transmissão das ideias só poderia se efetuar mediante a oralidade

pura e a memorização só aconteceria se as pessoas estivessem entediadas para poder refletir

sobre as coisas.

O poema-canção “Cultura” não é apenas um simples texto criado para ser ingênuo.

Ele foi feito baseado nas noções semióticas de Peirce, que envolvem a primeiridade e a

primeira impressão das coisas, mas o conjunto da obra que continua no livro/disco/DVD

Nome, faz com que possamos refletir sobre essa imutabilidade das coisas.

Um poema pode ter características narrativas, assim como a prosa pode ter poesia. Por

isso, Antunes nos mostra que as coisas do mundo, se vistas de uma forma crítica, podem ser

muito mais do que aparentam ser, trazendo, no seu íntimo, aspectos que às vezes nem

sonhamos ou cogitamos que elas possam representar, sendo para nós, uma descoberta sobre

um mundo novo, como Antunes nos propôs em As coisas.

Vejamos o que acontece na segunda parte deste poema-canção:

 127

Diagrama 14 – Cultura– Sequência 4

me do re do
sejo é o co ço corpo. dar é a ta fa porco. manso.

do

de gor A cegonha é a girafa ganso.

O En O cachorro é um lobo mais

Na segunda parte do poema-canção, temos um espelhamento da primeira e uma

repetição das características atribuídas a ela.

Dá para se ver que o desenho melódico do diagrama acima é igual ao diagrama 11. Já

o desenho do diagrama abaixo espelha-se aos desenhos melódicos dos diagramas 12 e 13. No

diagrama abaixo percebe-se que o texto mantém-se na mesma nota e é justo nesta parte que

fica bastante clara a figurativização.

Diagrama 15– A cultura– Sequência 5

ruga por tro é

melo é um ca lo
O escuro é a metade da zebra. As raízes são as veias da seiva. O ca va sem Tarta den pa

sede. rede.

O diagrama 16 confirma-nos a ideia de tematização melódica, pois ele traz desenhos

iguais aos mostrados nos diagramas anteriores.

 128

Diagrama 16 – Cultura– Sequência 6

da me Bac
trinho é o be égua. talha é o co ço téria num meio é

zerro da cul

nia
trégua. tura.

po ba Papagaio é um dragão mi. tura.

O A

Falando agora especificamente da parte da melodia, temos, nesse poema-canção, a

presença do terceiro modelo de construção dentro da tipologia criada por Tatit, pois A cultura,

como fora observado, traz em sua interpretação características que se aproximam da fala,

sobre isso Tatit diz que:

O terceiro modelo de construção equivale ao processo inverso de distensão e,

consequentemente, de desinvestimento do percurso melódico, como se esse
componente tendesse a atingir um grau zero de significação, por intermédio de um
tratamento que esbarra no limiar da pura entoação linguística. Tanto a reiteração dos
motivos quanto a configuração dos contornos melódicos perdem sua força tensiva
reduzindo-se às ondulações essenciais próximas ao discurso oral. (...) A métrica de
expressão fica a serviço da ordenação argumentativa e narrativa do conteúdo
linguístico. Trata-se de um procedimento muito semelhante ao do discurso
coloquial, onde dispensamos as rimas, as aliterações e a estabilidade entoativa. Por
isso não é fácil operar melodicamente nesse limite. Uma melodia de canção jamais
pode ser entoativa; no entanto, o simples fato de indicar essa tendência já revela um
processo que denominaremos figurativização enunciativa de expressão (TATIT,
1997, p. 120).

Sobre aquilo que foi dito anteriormente, sobre a diferença de interpretação que houve

no poema-canção “A cultura”, é abordado por Tatit como sendo um projeto enunciativo:

Chegamos, assim, àquilo que podemos chamar de projeto enunciativo de uma

canção. Todas as possibilidades oscilatórias entre tensões temáticas e tensões
passionais, bem como o processo de desativação dessas tensões, estão inscritas, de
algum modo, no seu projeto enunciativo. Quando ouvimos diferentes execuções de
uma mesma composição, entramos em contato com diferentes interpretações do
mesmo projeto geral criados pelo cancionista. A própria noção de intérprete,
geralmente próxima a de cantor, ganha, nesse sentido, nova dimensão: o intérprete é
também aquele que realiza a primeira leitura interpretativa do projeto enunciativo do
compositor, orientando, com sua intermediação, a segunda leitura que será praticada
pelo ouvinte (TATIT, 1997, p. 122)
 129

As associações inusitadas feitas por Arnaldo Antunes nesse poema-canção, além de

um belo exercício de reflexão, trouxe-nos uma abertura sobre as várias leituras que podemos

ter sobre qualquer coisa, surpreendendo-nos com as diversas implicações teóricas que se

escondem e que vão florescendo à medida que deixamos que o texto nos guie e, como as

bactérias do texto de Antunes, nós também fazemos parte da cultura e precisamos começar a

refletir sobre as simples coisas da vida.

 130

3.8 O DINHEIRO

IMAGEM 15
Título: O Dinheiro
Fonte: Antunes (2002, p. 77)
 131

O dinheiro nada mais é do que um símbolo, uma representação de valores

anteriormente estabelecidos entre relações de interesses comerciais, ao qual agregamos valor.

O símbolo é um “signo que se refere ao Objeto em virtude de uma convenção, lei ou

associação geral de ideias. Implica ideia geral e o objeto ao qual se refere deve igualmente

implicar ideia geral. A palavra é o símbolo por excelência” (PIGNATARI, 1979, p. 30).

A palavra como representante do símbolo, pode ser vista de uma forma diferente,

mesmo ela simbolizando uma ideia ou um pensamento. Sendo o dinheiro um símbolo dentro

da perspectiva peirciana, ele irá se opor ao ícone. Vendo a palavra dinheiro como um objeto,

associaremos esse ícone ao termo peirciano de hipoícones dentro da categoria de imagens,

que, segundo Décio Pignatari, “participam de qualidades simples”, ou seja, a imagem é a

responsável pela primeira impressão de um conceito de signo em relação ao seu objeto,

trazendo para nós a ideia que Pignatari conceituou anteriormente de ícones degenerados,

quando eles fazem associações por contiguidade e não por similaridade. Para chegarmos a

essa discussão,comecemos, então, analisando os recursos técnicos desse poema:

Dinheiro é um pedaço de papel. (A) 10

O céu é um. (B) 4
O céu na foto é um pedaço de papel. (A) 12
Pega fogo fácil. (C) 5
Depois de queimar dinheiro (D) 7
vai pro céu como fumaça. (E) 7
Também é fácil rasgar, (F) 7
como as cartas e fotografias. (G) 9
Aí não se usa mais.
Pode até remendar com durex, (I) 10
mas não é todo mundo que aceita. (J) 9
O que não se quer melhor não comprar. (K) 10
O que não se quer mais melhor jogar fora (L)
do que guardar em casa. (M)
 132

Dinheiro tem valor quando se gasta. (J) 10

Um pedaço de papel é um pedaço de papel. (A) 14
Dinheiro não se leva para o céu. (A) 10

O poema apresenta uma estrutura de versos livres, com diferentes tamanhos e ritmo

alternado. Quanto à sua metrificação temos: 1 verso de quatro sílabas, 1 versos de cinco

sílabas, 1 de seis, 4 de sete sílabas, 2 de nove, cinco decassílabos, 1 hendecassílabo e um de

14 sílabas poéticas.

No que concerne a sua narratividade, temos um poeta que expressa um pensamento

acerca do dinheiro (sujeito) que é o tema de sua estrutura narrativa. Continuando temos a

constatação de que o dinheiro é feito de papel (objeto) e um questionamento sobre a sua

valoração (ajudante), isto é, quando ele tem alguma serventia. Em oposição a tudo isso há

ideia da incapacidade e fragilidade que o dinheiro possui (anti-sujeito). Esquematizando

teríamos a seguinte árvore:

Antunes O dinheiro Leitores/ouvintes

D1







S







D2
│
│
A






O
 OP
Serventia O dinheiro é Fragilidade
do dinheiro um pedaço do dinheiro
de papel

“Dinheiro é um pedaço de papel” é a frase que sustenta o poema. Antunes toma essa

afirmação para nos mostrar o quão insignificante e frágil é o dinheiro. Primeiro ele compara o

céu físico apreendido por uma foto ao dinheiro, mostrando que, na forma de fotografia, ele

pega fogo facilmente e que tanto o dinheiro quanto a foto voltarão para o céu como fumaça.

Outra comparação é com a possibilidade de rasgá-lo como uma carta antiga ou uma foto

manchada, depois que se rasga não tem mais valor.

 133

Antunes continua afirmando que o dinheiro é tão frágil quanto o papel, que pode ser

remendado, mas não será aceito por todos. Talvez ele queira transmitir para nós que rasuras

ou mancadas não são perdoadas por todos, como o dinheiro remendado também não é aceito.

Ele continua dizendo no poema que não se deve adquirir aquilo que não se quer, nem muito

menos guardar o que não nos serve. Vejamos como isso funciona, observando também os

aspectos melódicos do poema-cantado na primeira parte:

Diagrama 17 – O dinheiro– Sequência 1

céu

nhei O é céu na foto

é um peda de pel.
de
ro é um pedaço papel. um. céu um. ço pa

nhei de O é

Di Di ro é um pedaço papel. O

Como ocorreu nos outros textos, aqui também se faz presente a figura da tematização,

pois os desenhos melódicos são bem estruturados e se repetem como tema, mostrando uma

uniformização e uma linearidade no modo composicional de Arnaldo Antunes.

Assim como os poemas, que possuem uma metrificação e ritimização bem linear e

regular, ao se transformar em canção, essa linearidade não se perde, pelo contrário, é algo que

está se mostrando característico em nossas análises, assim como a presença de um projeto

ligado a primeiridade peirciana em quase todos os poemas de nossas análises.

A música tem batida forte de Rock, foi composta em tom maior e como já podemos

perceber, enquadra-se dentro de uma mesma estrutura linear, sem muitas alterações
 134

melódicas, traço este característico do compositor Arnaldo Antunes, que privilegia bastante o

texto da música como processo formador de sentido comunicacional. Observe como a

tematização vai se fazer presente em todos os diagramas de nossa análise:

Diagrama 18 – O dinheiro– Sequência 2

Mar

din

fogo fá pois de quei hei co bém é fácil fi

cil. vai céu mo rasgar co car e to as.

ga ro pro fu ça. mo as tas fo gra

Pe ma

De Tam

Diagrama 19 – O dinheiro– Sequência 3

não se u Pode até todo mun O que não se quer

sa remendar com rex é do que acei melhor não comprar.

du não ta.

mas

Aí mais.

A instrumentação tem como característica peculiar o som do violão que serve como

base em toda a canção. Junto a ele, alguns elementos percussivos, além de uma guitarra que

aparece de vez em quando com floreios de distorção. Temos, nesse texto, uma forma mais

crítica de lidar com um determinado conceito sobre coisas simbólicas do mundo, ou que

agregam mais valor em si mesmo do que a sua relação entre a noção de coisa (primeiridade) e

símbolo (terceiridade). A ideia metafísica de que o dinheiro não vai junto com o ser humano
 135

para o céu, abre uma exceção nos textos ligados à primeiridade, aqui o aspecto reflexivo é

algo muito marcante para ter sido feito a partir de uma experiência cognitiva ligada apenas às

primeiras impressões. Voltando ao assunto da melodia, embora visualmente a tematização

pareça ser a única figura presente na análise da melodia, percebemos que isso ocorre apenas

no aspecto estrutural na organização da melodia. Se formos nos debruçar sobre o que a letra

da canção nos diz, veremos que há, no processo narrativo, a transposição do humano quase

como uma personificação. A canção tem um tom dramático, pois o ouvinte se põe no lugar do

objeto citado, em um processo de reificação, e isto é algo que está inserido, talvez

inconscientemente na memória criativa dos compositores do século XX:

De todas as fases por que tem passado a música brasileira em sua evolução, a mais
empolgante é sem dúvida esta contemporânea. Todas as outras foram mais ou menos
inconscientes, movidas por forças desumanas e fatais da vida, ao passo que a atual,
embora também necessária por ser um degrau evolutivo de cultura, tem a sua
necessidade dirigida e torcida pela vontade, pelo raciocínio e pelas decisões
humanas. Ela vem por isso acrescida de um interesse mais dramático, derivada da
luta do homem contra as suas próprias tradições eruditas, hábitos adquiridos, e dos
esforços angustiosos que faz para não se afogar nas condições econômico-sociais do
país, sempre na esperança generosa de conformar a sua inspiração e as
manifestações cultas da nacionalidade numa criação mais funcionalmente racional
(ANDRADE, 1991, p.25)

A partir da noção de dramaticidade trazida por Mário de Andrade, junto as ideias de

lutas contra tradições ligadas ao erudito, a reflexão presente no poema-cantado “O dinheiro”

traz à tona um processo criativo que sai dos aspectos ligados apenas a intuição e inspiração

para um processo, como disse Andrade, em algo mais funcionalmente racional. Ainda

refletindo sobre como a inspiração funciona nos compositores, Mário de Andrade resume em

um parágrafo as suas impressões acerca do assunto trabalhado por nós nesta dissertação, que é

o compositor, a poesia e a música. Ele diz que:

Em geral os nossos compositores não compõem canções pelo processo mais lógico
de as compor. Não apenas, mais raramente, eles são enganados por um efeito ou um
problema estético que o texto lhes desperta, como frequentemente se percebe que
são vítimas de uma frase melódica que o texto fez nascer neles. E é a frase melódica
surgida, que os decide compor. Não adquiriram o conhecimento íntimo do texto, não
se apropriaram dele totalmente, e já estão compondo. O resultado é necessariamente
desastroso para o desenvolvimento da canção, de cujo conceito e prática se
depreende que o texto e melodia são igualmente importantes. Se a melodia fosse
meramente instrumental, não havia mal nenhum que o compositor se decidisse a
 136

compor diante de uma frase surgida. O fenômeno psíquico a que chamamos de

“inspiração”, é realmente curto e, na arte tão forçosamente dinâmica que é a música,
quase jamais é uma síntese. Inventada a fase instrumental, inventado o motivo
rítmico-melódico, a música depois se desenvolve e completa, com os seus elementos
próprios, o elemento de repetição do motivo, o elemento de resposta da frase
melódica, o elemento da repetição rítmica, o elemento de concatenação harmônica,
etc. todos estes, elementos próprios da música, mas que diferem e se opõem mesmo,
sistematicamente, aos elementos do desenvolvimento da frase, da métrica da poesia
e da ideia intelectual. Sob o ponto de vista psicológico pode-se dizer, embora um
pouco primariamente, que se a música tem sua base exclusiva na associação de
imagens, a poesia tem a sua na associação de ideias. Ora estes são dois processos de
criação psíquica profundamente diversos um do outro: a associação de imagens
exclusivamente subconsciente, e a associação de ideias essencialmente consciente
(ANDRADE, 1991, p. 35-36).

Sobre esse fragmento, em que Mário de Andrade já observa de forma bastante

inquietante os dilemas existentes na arte, voltando para a análise do poema-cantado “O

dinheiro”, podemos dizer a partir das palavras ditas no trecho acima, que a noção de que a

ideia na construção do texto é essencialmente consciente se aplica muito bem ao poema em

questão.

“O dinheiro” é um texto que foge aos conceitos tratados por nós até agora, quando nos

referimos à primeiridade. Há sim uma presença icônica na produção da música, pois como

disse Andrade, sendo a composição de um tema musical algo ligado a uma associação de

imagens exclusivamente subconsciente, podemos afirmar, que nesse poema-cantado, a

primeiridade é algo que pode ser observado. Fato esse que pode ser percebido também nas

outras composições feitas por Arnaldo Antunes, até em obras que estão fora do nosso corpus.

Vejamos o que nos diz a segunda parte da canção:

Diagrama 20 – O dinheiro– Sequência 4

quer

me

O que não se lhor O que não se quer mais

não comprar. melhor jo fora que dar casa.

gar do guar em
 137

Percebe-se claramente que os desenhos melódicos continuam se repetindo,

demonstrando de fato a presença da tematização observada por nós. Mas ao olharmos bem

para o texto, vemos um movimento reflexivo que leva o leitor-ouvinte para fora do que está

sendo dito, ou seja, há a necessidade de conhecimentos externos ao que está sendo dito para

uma melhor compreensão do todo.

Sobre a afirmação presente no diagrama acima, observemos a ligação e talvez a

intencionalidade de Arnaldo Antunes na elaboração desse poema-cantado, pois, como já foi

mencionado, ele é leitor de Foucault e inspirou-se num texto lido na introdução de As

palavras e as coisas. Sobre a questão da valoração, Foucault diz:

Valer, para o pensamento clássico, é principalmente valer alguma coisa, poder

substituir essa coisa num processo de troca. A moeda só foi inventada, os preços só
foram fixados e só se modificaram na medida em que essa troca existe. Ora, a troca
é um fenômeno simples apenas na aparência. Com efeito só se troca numa permuta,
quando cada um dos dois parceiros reconhecem valor para aquilo que o outro possui.
Num sentido é preciso pois as coisas são permutáveis, com seu próprio valor,
existam antecipadamente nas mãos de cada um, para que a dupla cessão e a dupla
aquisição finalmente se produzam. Mas por outro lado, o que cada um come e bebe,
aquilo de que tem necessidade é igualmente desprovido de valor enquanto não for
usado para adquirir alguma coisa de que necessite. em outras palavras, para que
numa troca, uma coisa possa representar outra, é preciso que elas existam já
carregadas de valor; e, contudo, o valor só existe no interior da representação (atual
ou possível), isto é, no interior da troca e da permutabilidade (FOUCAULT, 2007, p.
263)

As palavras de Foucault ilustram muito bem o texto de Antunes, pois a representação

presente no texto não se refere apenas ao dinheiro e sim a um conjunto de coisas à quais se

agrega valor, por isso aparecem no texto expressões como “o que não se quer mais melhor

jogar fora do que se guardar em casa”, ao falar isso Antunes nos leva a refletir sobre a noção

valorativa que está dentro de nós. Existem casos de pessoas que são tão apegadas às coisas

materiais que guardam os objetos mais inesperados, hábito que pode chegar ao extremo da

enfermidade, baseada na dificuldade em se desfazer destas coisas.

Em relação às etapas narrativas que o dinheiro (sujeito) teve que atravessar para

mostrar que o dinheiro é apenas um pedaço de papel (objeto), temos uma conclusão na
 138

passagem do próximo diagrama, onde Antunes fecha o seu pensamento, até meio que

ironizando as pessoas que tem esse apego tão forte às coisas materiais. Observe:

Diagrama 21 – O dinheiro– Sequência 5

nheiro tem valor daço de papel hei

quando se gasta. pa

pe é um pedaço de pel. ro

se va

Di Um Din não le pa

ra o

céu.

Ao dizer essa última passagem, Antunes ratifica o pensamento de Foucault sobre a

noção de valor. A ironia fica clara no verso Dinheiro não se leva para o céu, pois é a

conclusão do pensamento que foi proposto no poema-cantado. A noção de céu foi muito

enfatizada nesse poema-cantado, e, diferentemente do que possa parecer, não é o dinheiro o

eixo central da proposição feita por Antunes e sim o ser humano. Como foi dito, o dinheiro

figurou os dilemas humanos, ou seja, a comparação entre o pedaço de papel e a valoração do

dinheiro, na verdade, no nosso ponto de vista é apenas uma representação dos valores e

fragilidades do homem.
 139

3.9 SE NÃO SE

IMAGEM 16
Título: Se não se
Fonte: Antunes (2002, p. 79)
 140

Esse poema pauta-se, principalmente, pela exploração do sentido da conjunção “se”,

que expressa a ideia principal de condicionalidade em oposição a “se” como índice de

indeterminação do sujeito. Utilizaremos a conjunção subordinativa condicional “caso” no

lugar do “se” condicional, para que a análise seja mais bem percebida. Observe a relação entre

elas:

Perde-se caso não se ganhe

Pede-se caso não se ganhe

Perde-se caso não se ache

Procura-se caso não se ache

Perde-se caso não se segure

Prende-se caso não se segure

Perde-se caso não se ganhe

Pede-se.

A substituição da conjunção evidencia o caráter de dúvida que a relação de

condicionalidade expressa e que é inerente ao universo da criança, quando esta se depara com

a noção de conceitos que, de certa forma, são elementos de oposição. Mesmo tentando

estabelecer uma ideia subordinativa, Antunes mostra que ideias opostas, dentro da perspectiva

infantil tendem a se simplificar, passando uma ideia coordenativa de adversidade. O índice de

indeterminação do sujeito está em itálico. Comecemos nossa análise pela parte estrutural:

Se perde se não se ganha (A) 7

se pede se não se ganha (A) 7
se perde se não se acha (B) 7
procura se não se acha (B) 7
se perde se não segura (C) 7
se prende se não segura (C) 7
se perde se não se ganha (A) 7
 141

se pede. (D) 2

Quanto ao ritmo o poema possui uma constância peculiar, tem-se a impressão de uma

infinitude no seu andamento, é como se o poema fosse cíclico e não pudéssemos dizer onde

ele se inicia e onde termina. Quanto à sua estrutura métrica o poema apresenta rimas feitas

com as mesmas palavras, como A (Ganha, ganha, ganha), B (acha, acha) e C (segura, segura).

Ele também é composto, coincidente ou propositalmente, de sete versos heptassilábicos, com

a exceção do último que possui apenas duas sílabas poéticas.

Temos, também nesse poema, signos que estabelecem relação de oposição como, por

exemplo: perder vs. ganhar, que traz à tona o sentido de “disputa”, para as palavras como

sinônimo de derrota e vitória, respectivamente; pedir vs. ganhar diferencia agora o sentido de

ganhar a ideia de vitória, pois como se antepõe a pedir e não a perder, ganhar é associado a ser

favorecido, como símbolo representativo de poder, ou seja, pedir possui o sentido contrário do

segundo sentido de ganhar, pode associar o fato à falta de dinheiro ou até mesmo a um

simples jogo de crianças em que o suposto “dono da bola” a pede quando ele não ganha ou

não participa da “pelada de rua”; perder vs. achar, temos nesta relação uma terceira

significação para perder, agora sendo sinônimo de estar perdido, ou ter perdido algo em

oposição a saber onde está ou achar algo; procurar vs. achar, neste caso temos um significado

de busca para a palavra procurar e de não encontrado para achar; perder vs. segurar, agora

perder volta a ter o sentido de perder algo, só que com uma materialidade maior, pois segurar

dá a ideia de imediatismo, de imprecisão ou deixar escorrer pelos dedos.

Partindo para a narrativa, a única conclusão que nos parece possível é a ideia de um

sujeito que está envolto numa cadeia sequencial ligada à noção de infinito, onde nada começa

e nada termina, onde não se sabe a hora de começar nem de parar, nem por onde começar nem
 142

por onde terminar. Algumas dessas noções foram apresentadas na análise do desenho do

referido poema.

Musicalmente falando, podemos aplicar neste poema-canção as duas categorias da

teoria proposta por Kristeva, de Feno e Geno-Canto, pois além do texto, mesmo não sendo

longo, possibilitar uma intenção comunicativa muito perspicaz (Feno-Canto), ele também

trabalha com a repetição de sons, preocupando-se com a intensidade sonora e a dicção destas

palavras, causando um efeito de aliteração (Geno-Canto). Observe a primeira parte da

sequência:

Diagrama 22 – Se não se – Sequência 1

Se perde se pede se perde não acha se não acha perde não segura

se não ganha se não ganha se se procura se se se

se se

A melodia é linear como já se pôde perceber nos outros poemas-canções de Arnaldo

Antunes e trabalha com uma respiração e um andamento ininterruptos. Parece que a

velocidade com que uma palavra alcança a outra transforma o que está sendo dito numa ideia

de infinito, as ideias voltam na mesma velocidade em que se vão, mostrando que a troca das

posições dos conceitos propostos no poema é algo possível, imaginável e cíclico, como a

gangorra da vida.

A organização melódica que se refere a uma gangorra pelo movimento de sobe e desce

da melodia é também estruturada pela tematização, embora, como no caso do poema-canção

 143

“A cultura”, pareça-nos que aqui há também a presença da figurativização, pois a forma como

ela é cantada remete um pouco aos recursos entoativos que estão na fala. Observe a segunda

parte:

Diagrama 23 – Se não se – Sequência 2

Se prende se perde se pede

se não gura se não ganha

se se

Vê-se, nesse diagrama, que a colocação dos acentos linguísticos, não só nesse poema-

canção como no restante dos poemas escolhidos, encaixa-se bem nas tensões melódicas.

Mário de Andrade já observava esse aspecto da falta de conhecimento técnico da linguagem

como elemento deficitário na produção dos compositores no início do século XX:

A principal dificuldade da união da palavra e da música, o principal problema em

que talvez nenhum compositor do mundo não tenha errado, consiste na acomodação
fonética, que é o fenômeno de sonorização das palavras. Ora eu afirmo
preliminarmente que nossos compositores jamais fizeram da fonética o estudo
básico do canto e a ignoram sistematizadamente. Acredito que conheçam canto,
quero dizer as contingências fisiológicas da voz cantada (pelo menos quero crer que
conheçam), mas a fonética, as contingências próprias da emissão dos fonemas, das
palavras e das frases, creio que tão fundamental problema do canto é desconhecido
da grande maioria dos nossos compositores ( ANDRADE, 1991, p. 36).

Por ter sido por alguns anos estudante de linguística, percebemos em Arnaldo Antunes

um tratamento especial na relação quando estão juntas a palavra e a música. Talvez por isso

seja algo difícil de se observar em suas criações, pois essa relação é sempre muito bem

resolvida, tendo às vezes a criação bastante inventiva em algumas de suas canções.

 144

Embora tenha como característica principal essa ideia de circularidade e infinitude, o

poema-canção “Se não se”, é imbuído de várias analogias, características marcantes da

primeiridade. Diferentemente do poema-canção anterior, este é a mais pura representação da

falta de referencialidade para a sua existência, tanto no texto quanto na música.

O texto traz proposições que não fazem nenhuma alusão externa e a harmonização da

música também não tem referentes. Os instrumentos se misturam num emaranhado de sons,

corroborando de maneira inconsciente para a sensação de infinito.

A junção da tematização de expressão com a figurativização enunciativa de expressão

gerou esse poema-canção em que a repetição dos temas melódicos se confunde com a

velocidade do vai e vem da fala, dando-nos uma ideia de que a música e a fala unidas podem

simplesmente ser infinitas.

 145

CONSIDERAÇÕES FINAIS

O estudo de Arnaldo Antunes é algo bastante recente nos meios acadêmicos. Desse

modo, a relevância desta pesquisa é reevidenciada através da composição estética de seus

poemas, no livro As coisas, mediante uma constituição de seu projeto literário/musical sob o

prisma de um estudo intersemiótico.

Por ser assim, acabamos nos debruçando sobre um caminho inóspito e desconhecido,

que é o estudo de um de seus livros de poesia, mais especificamente As coisas, pelo viés da

semiótica. Em meio a esse percurso, foram surgindo novos direcionamentos e novas

perspectivas, inclusive entre as propostas da própria semiótica. Partimos do modelo de

semiótica fundado por Charles Sanders Peirce e nos utilizamos também do projeto

semiológico de Algirdas Julien Greimas, via Luiz Tatit.

Percebemos na obra de Antunes uma interface entre a canção e o poema, de maneira a

configurar todo o potencial multifacetário de sua escritura literária e musical. Essa variação é

estabelecida através de uma linguagem híbrida a qual nos arremessa numa outra

espacialidade, numa outra forma de se pensar a literatura e a música. Desloca-nos a um

sentimento de uma instância primeira das “coisas”, se podemos dizer assim, em aquilo que

Charles Peirce conceituou de primeiridade. Por isso, a dissertação que, inicialmente, pretendia

estudar todos ou quase todos os poemas presentes em As coisas, observando apenas as

relações semióticas que haviam entre texto e imagem, sofreu um grande recorte que resultou

na análise de apenas seis poemas, mas em contrapartida nos abriu os horizontes para

trabalharmos com outras teorias.

Ao longo da pesquisa, chamou-nos a atenção a recorrência da figura da primeiridade,

não apenas neste livro mas em boa parte da obra de Antunes. A partir daí operamos uma

mudança em nosso projeto, assumindo esse conceito peirciano como chave para a leitura do

nosso corpus.
 146

Tendo este eixo teórico como norteador, observamos também que seis destes textos

presentes na forma de poemas no livro As coisas, também figuravam em discos de músicas

sobre a forma de canção. Ao procurarmos sobre esse fenômeno híbrido, vimos que essa

relevante descoberta não havia recebido um tratamento acadêmico para a sua existência, daí

mediante a isso, institucionalizamos os termos poema-canção/poema-cantado e canção-

letrada em nosso trabalho para designar teoricamente esses acontecimentos híbridos.

Definidas as nomenclaturas sobre o fenômeno, voltamos um pouco no tempo e pesquisamos

sobre as raízes fundadoras e os elos existentes entre poesia e música e constatamos que essa

relação é mais próxima do que imaginávamos.

Fizemos, na dissertação, um apanhado sobre as noções que envolviam a música, a

poesia, o poeta, o compositor de música e o cancionista, termo criado por Luiz Tatit. Nesses

estudos, descobrimos que, para o surgimento da canção, além da composição musical feita

juntamente com a construção de uma letra, houve dois movimentos: o de poemas que

receberam melodias e de músicas instrumentais que receberam letras.

O resultado desses movimentos, onde podíamos observar a presença em lugares físicos

diferentes na forma de poema (basicamente nos livros) e de canções (basicamente em discos

ou DVDs), ratificou os conceitos que denominamos poema-canção, o poema que recebe uma

melodia pelas mãos do próprio poeta, que também é compositor; e poema-cantado, aquele

que recebe a melodia pelas mãos de um outro compositor. Guardamos a denominação

tradicional de canção apenas para as composições em que a letra, por mais “poética” que seja,

foi elaborada especificamente para acompanhar a melodia, sem ter tido uma circulação como

poema em outros suportes.

Após as demonstrações sobre as origens das canções e dessa fusão, dividimos o nosso

corpus em dois tipos de análises: primeiro estudamos os seis desenhos presentes no livro
 147

junto a cada um dos poemas escolhidos e, em seguida, fizemos o estudo dos seis poemas,

como também das canções, fundindo-os em: poema-canção/poema-cantado.

Esperamos então, ter atingindo os objetivos que foram propostos por esta dissertação,

sabendo que inúmeras outras leituras poderiam e ainda podem ser feitas sobre o recorte

escolhido, mas acreditando ter dado uma contribuição sobre alguns aspectos tratados por nós,

tanto no que diz respeito a Arnaldo Antunes, quanto aos estudos feitos sobre as relações

híbridas que se fizeram presentes no nosso trabalho entre música, poesia e literatura.
 148

REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

AGUIAR E SILVA, Vitor Manuel de. Teoria da Literatura. 8. ed. Coimbra: Livraria
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ANEXOS

CÓPIA EM CD DAS CANÇÕES DE ARNALDO ANTUNES QUE CONSTITUEM O

CORPUS DESTE TRABALHO.

ORDEM DAS FAIXAS:

1. AS ÁRVORES- Arnaldo Antunes / Jorge Ben Jor - 1998

Gravações
68215041, “Um som”, de Arnaldo Antunes, BMG, 1998
“Focus - O essencial de Arnaldo Antunes”, BMG, 1999
“Jazz/world nouveautés 2000”, BMG France, 2000

2. AS COISAS- Arnaldo Antunes / Gilberto Gil – 1993

Gravações
64758109, “Tropicália 2”, de Caetano e Gil, Polygram,
1993
“Clã & Sergio Godinho ao vivo”, dos Clã e Sergio
Godinho, EMI Portugal, 2001
BRRC7-0600013, “Qualquer”, Arnaldo Antunes, Rosa
Celeste / Biscoito Fino, 2006

3. O CAMPO- Arnaldo Antunes – 1993

Gravações
64978192, “Nome”, Arnaldo Antunes, BMG, 1993

4. CULTURA- Arnaldo Antunes – 1993

Gravações
“Nome”, Arnaldo Antunes, BMG, 1993
“Focus - O essencial de Arnaldo Antunes”, BMG, 1999
65916034, “Vange Milliet”, Vange Milliet, Baratos Afins,
1995
68497086, “Canções Curiosas”, Coro das primas e vários,
Palavra Cantada, 1998
 152

5. O DINHEIRO- Arnaldo Antunes / Jorge Ben Jor - 1998

Gravações
68215101, “Um som”, Arnaldo Antunes, BMG, 1998
“Focus - O essencial de Arnaldo Antunes”, BMG, 1999

6. SE NÃO SE- Arnaldo Antunes – 1993

Gravações
64978168, “Nome”, Arnaldo Antunes, BMG, 1993