English Department

Alice in Wonderland ou la démesure comme règle d'or Deborah Bridle-Surprenant Université de Nice-Sophia Antipolis La publication des aventures d'Alice en 1865 marque un véritable bouleversement dans le paysage littéraire victorien : pour de nombreux critiques, c'est l'avènement de l'Âge d'Or de la littérature pour enfants en Grande-Bretagne, grâce à une voix narrative qui laisse de côté le didactisme, comme l'explique Peter Hunt dans son histoire de la littérature pour enfants (« [an] empathetic rather than directive narrative relationship with children » [Hunt, p.30]). Lewis Carroll devient également au même moment le chef de file incontesté du Nonsense. La présence de l'absurde par le biais de la suspension des règles sémantiques du langage et des lois physiques du réel, la remise en cause de la rationalité et des rapports logiques et le va-et-vient constant entre réalité et rêve érigent le Nonsense comme une constante dans les volumes des aventures d'Alice, et la démesure devient un de ses mots d'ordre. Nous nous proposons donc, dans un premier temps, d'analyser comment la démesure devient agent du Nonsense, par le biais notamment de la remise en question des lois physiques (les changements de taille intempestifs d'Alice en sont un exemple évident, mais nous mentionnerons également les distorsions temporelles et spatiales dans Wonderland et de l'autre côté du miroir). Nous verrons également comment la logique est mise à rude épreuve par les différents personnages peuplant cet univers, et comment leur argumentaire est régi par l'excès et l'irrationalité, pour enfin envisager une perception du réel (ou du rêve ?) fondée sur la dislocation et la déformation : par un jeu constant sur les rapports de signification du langage, le sens est constamment détourné de son cheminement originel, provoquant même une certaine banalisation du Nonsense et de sa démesure. C'est l'observation de cette banalisation qui nous amènera, dans un second temps, à nous interroger sur les implications réelles de l'excès et de l'absurde chez Carroll. La remise en cause et le bouleversement des règles ne sont pas agents de chaos chez l'auteur, et la démesure et le Nonsense ne servent pas à détruire la norme mais à en instaurer une nouvelle : on assiste alors à un décentrement de la norme, à une redéfinition du réel par le biais de la démesure, qui devient alors agent de stabilité. Les mutations physiques vont nous apparaître comme toujours maîtrisées, les argumentaires absurdes deviendront parangons de logique, et nous verrons enfin que même chez Carroll, toute distorsion atteint ses limites et reste avant tout souscrite au réel.

This article explores the works of Lewis Carroll through the lens of Clément Rosset’s concept of the real and the illusion. Rosset’s essay Le Réel et son Double guided my analysis of Carroll’s novels and enabled me to establish a link between the philosopher’s theory of denial of the real by the deluded subject and the writer’s creation of a nonsensical dream world.
Following the structure of the three chapters of Rosset’s essay, I seek to ascertain how, by evading the oppression of the real and its unavoidable implications – namely age, loneliness and death – Carroll refuses to conform and to subject himself to inevitability, and at the same time seems to be fully aware of his attempt, thus questioning the validity of the process of refusal.

The purpose of this article is to understand the concepts of haunting and spectrality in their larger sense and to use them as keys to decipher Arthur Machen’s short stories. By understanding haunting as the manifestation of a repetition, I seek to demonstrate how diegetic as well as extratextual repetitions can be seen as haunting processes for the characters as well as the readers. Through a close reading of the narrative techniques used by Machen and of the use of the supernatural in conjunction with the short story form, I aim to show how Machen’s stories can be considered as haunting and haunted bodies, the text itself becoming the ghost.

In his short story “The Christmas Eves of Aunt Elise”, Thomas Ligotti chooses Christmas as backdrop and fundamental element of the plot, which belongs to the horror and fantastic genres. The paper seeks to demonstrate how Christmas is first used as a metaphorical symbol then triggering agent of the nightmare. The narrator of the story is trapped in the yearly celebrations orchestrated by his aunt Elise. The paper particularly focuses on the motif of imprisonment associated with images of repetition in order to illustrate how Ligotti subverts the Christmas ideal and its usual values in a short story which drops its narrator in a terrifying existential abyss.

Dans sa nouvelle “The Christmas Eves of Aunt Elise”, Thomas Ligotti utilise les fêtes de Noël comme toile de fond et élément fondamental de l’intrigue, bâtie sur le mode du fantastique horrifique. L’article cherche à montrer comment Noël devient symbole métaphorique, d’abord, puis agent déclencheur, ensuite, du cauchemar. Le narrateur de la nouvelle est pris au piège des célébrations annuelles orchestrées par sa tante Elise. C’est sur ce motif de l’enfermement associé à celui de la répétition que l’article insiste particulièrement afin d’illustrer la subversion du modèle de Noël et de ses valeurs opérée par Ligotti dans cette nouvelle qui plonge son narrateur dans un vide existentiel terrifiant.

La publication des aventures d'Alice en 1865 marque un véritable bouleversement dans le paysage littéraire victorien : pour de nombreux critiques, c'est l'avènement de l'Âge d'Or de la littérature pour enfants en Grande-Bretagne, grâce à une voix narrative qui laisse de côté le didactisme, comme l'explique Peter Hunt dans son histoire de la littérature pour enfants (« [an] empathetic rather than directive narrative relationship with children » [Hunt, p.30]). Lewis Carroll devient également au même moment le chef de file incontesté du Nonsense. La présence de l'absurde par le biais de la suspension des règles sémantiques du langage et des lois physiques du réel, la remise en cause de la rationalité et des rapports logiques et le va-et-vient constant entre réalité et rêve érigent le Nonsense comme une constante dans les volumes des aventures d'Alice, et la démesure devient un de ses mots d'ordre. Nous nous proposons donc, dans un premier temps, d'analyser comment la démesure devient agent du Nonsense, par le biais notamment de la remise en question des lois physiques (les changements de taille intempestifs d'Alice en sont un exemple évident, mais nous mentionnerons également les distorsions temporelles et spatiales dans Wonderland et de l'autre côté du miroir). Nous verrons également comment la logique est mise à rude épreuve par les différents personnages peuplant cet univers, et comment leur argumentaire est régi par l'excès et l'irrationalité, pour enfin envisager une perception du réel (ou du rêve ?) fondée sur la dislocation et la déformation : par un jeu constant sur les rapports de signification du langage, le sens est constamment détourné de son cheminement originel, provoquant même une certaine banalisation du Nonsense et de sa démesure. C'est l'observation de cette banalisation qui nous amènera, dans un second temps, à nous interroger sur les implications réelles de l'excès et de l'absurde chez Carroll. La remise en cause et le bouleversement des règles ne sont pas agents de chaos chez l'auteur, et la démesure et le Nonsense ne servent pas à détruire la norme mais à en instaurer une nouvelle : on assiste alors à un décentrement de la norme, à une redéfinition du réel par le biais de la démesure, qui devient alors agent de stabilité. Les mutations physiques vont nous apparaître comme toujours maîtrisées, les argumentaires absurdes deviendront parangons de logique, et nous verrons enfin que même chez Carroll, toute distorsion atteint ses limites et reste avant tout souscrite au réel. Le Nonsense, ou la démesure poussée à son paroxysme Remise en question des lois physiques Dans Alice in Wonderland, notre héroïne est soumise à pas moins de douze changements de taille provoqués par divers aliments et objets rencontrés au fil de ses aventures (une bouteille de sirop, des cailloux qui se transforment en biscuits, un éventail ou encore un champignon). Ces modifications la font voyager sur toute une échelle de tailles différentes et pour le moins inhabituelles : « she was now only ten inches high », « she was now rather more than nine feet high », « she was now about two feet high », ou encore « she was now about a thousand times as large as the Rabbit ». 1 Dans Through the Looking Glass, si les changements de taille ont disparu, il faut tout de même noter qu'au moment où Alice fait irruption dans le jardin des fleurs animées, elle se retrouve soudain de la même taille que la Reine Rouge qui, au chapitre précédent, avait pour Alice la taille d'une pièce d'échecs : «-She's grown a good deal!'' was her first remark. She had indeed: when Alice first found her in the ashes, she had been only three inches high-and here she was, half a head taller than Alice herself! ». 2 Il est également intéressant d'observer qu'à partir du chapitre cinq, les changements de taille s'accompagnent désormais d'une perte des proportions du corps. Si Alice ne fait que grandir ou rétrécir à des tailles hors normes au début de ses aventures, son corps devient vite le théâtre de bouleversements qui lui font perdre toute apparence humaine. Lorsqu'elle mange un morceau de champignon

This article is about creative accounting in join stock company, it shows advantages and disadvantages and it also describes reasons why the share holders deform financial statements. On the simple example it will shown the impact of creative accounting and its declarations. Under the term "creative accounting" is hidden preventing accounting and auditorial reports about the real state of company and consequently providing if incorrect information. The goal of this article is to show how the practising creative accounting can influence the declaration of operating results in the company.

This essay was drafted in the context of a seminar entitled “Imagining a City: Glasgow Urban Writers” in 2011. This paper was corrected and augmented in 2014. It deals with the issue of holism in Alasdair Gray’s first novel  Lanark, A Life in  Four Books (1981). The distinction between the parts and the whole is therefore very significant. This essay asks the question of whether the book(s) should be understood either as a whole comprising worlds whose meaning is determined by the whole itself or as a construction of worlds, of different parts, giving its meaning to the whole. My contention is that holism is part of a strategy akin to post-colonialism used by the author in order to create a new vision of Scottish national literature and, accordingly,  point at the problems encountered by Scotland in the transition from the modern age to the post-modern age.

The nature of the ghost of Shakespeare in Hamlet is still debated today, according a paper published by Thomas Rist in Shakespearan Sensations: Experiencing Literature in Early Modern England (2013). When adapted, the play is indeed not deprived of any hermeneutic issues when it comes to act it out. Based on the idea that the ghost figure in Hamlet has become universal, this paper studies how three of its recent adaptations, all of which were performed at the Festival d’Avignon between 2005 and 2011, reinvent Shakespeare’s ghost and, as a result of a very personal interpretation, propose a new reading of this classic play to better expose its semantic and structural riches. The reading of Hamlet seems accordingly to fit into the definition of the fantastic, a generic mode whose relations with drama have often been neglected by research in the humanities.

Colloque Institut des Amériques: "De l'Amérique aux Amériques: dynamiques d'un continent patchwork", Nov 2014, Nice, France. Communication publiée sur HAL SHS. 2015.

Mots-clefs : études américaines, histoire, géographie, études culturelles. 

Résumé: Depuis l’intégration de l’Alaska et d’Hawaii en 1959, il y a 65 ans, la question d’un cinquante-et-unième Etat semble devenir de plus en plus prégnante aux Etats-Unis d’Amérique du Nord. Plus d’un demi-siècle plus tard, c’est à nouveau un territoire insulaire— Porto Rico—qui est désigné comme « cinquième-et-unième état » potentiel par la presse.  On constate ainsi que la possibilité d’un cinquante-et-unième état concourt presque exclusivement (si ce n’est à l’exception de Washington D.C.–autre candidat potentiel—qui est un cas particulier) à une perspective expansionniste de la même façon que l’intégration successive du vaste territoire alaskien au Nord-Ouest des Etats-Unis—surnommé « La Dernière Frontière » (“The Last Frontier”) et séparé du reste de l’Union par les provinces canadiennes du Yukon et de la Colombie Britannique—le 3 janvier et des îles hawaïennes—l’  « Etat de l’Aloha » (“The Aloha State”) devenant ainsi le premier état insulaire des EtatsUnis—le 21 août, remettaient en cause le caractère contigu de l’Union fédérale. 

  Bien que l’intégration future d’un nouvel Etat semble manifester un aspect presque unilatéralement extracontinental, voire extracontinental, il demeure pourtant des « Etats fictionnels », sortes d’enclaves hétérotopiques, qui prennent leur forme dans les textes et documents historiques ou contemporains et qui remettent en cause la logique expansionniste a priori inscrite dans le code génétique des Etats-Unis en révélant au grand jour les différentes tensions locales qui existent et persistent au sein même du territoire fédéral. Après tout, la fragmentation du territoire en états participe tout autant à la refonte de l’ « espace américain » que  son expansion au-delà du continent et elle en est parfois même la conséquence (Territoire de l’Oregon). On a pourtant là deux tendances qui, au premier abord, peuvent paraître antinomiques : d’une part, l’expansion extracontinentale traduit un sens d’intégration aux valeurs américaines, une sorte de mouvement vers l’ « identité » (le même) au-delà des différences tandis que, d’autre part, la division même du territoire, comme cela fût le cas en 1861 quand la cinquante comptés se séparent de la Virginie pour former la Virginie Occidentale, participe plutôt d’un mouvement individualisant vers la « différence », comme une « désintégration » de l’identité américaine ou même encore, une « reterritorialisation » de l’espace américain. 

  Pris comme représentation, le « 51ème Etat » peut tour à tour être interprété positivement ou négativement selon si l’influence des Etats-Unis est venue comme bénéfique ou excessive. La représentation même du « 51ème Etat » n’est donc pas figée—elle traduit tant les attitudes des Etats-Unis en tant que nation sur la scène internationale que les attitudes locales. Source de polémiques, elle révèle aussi les inégalités qui persistent dans une logique démocratique qui exclut sa propre capitale fédérale de son système de représentation politique. Elle s’inscrit comme « lieu » au cœur d’un conflit historique entre un pouvoir central fort et les Etats fédérés. Il serait intéressant de s’interroger sur ce que son admission pourrait impliquer pour l’unité de la nation. Faut-il parler d’une expansion de l’espace américain ou, au contraire, de sa « fragmentation »1?  L’existence même d’un tel débat permet de mettre au jour les inégalités de pouvoir actuelles aux Etats-Unis et invite à se demander si la prolifération possible de « 51ème états » comme représentations, tant sur le continent américain qu’en dehors,  ne dissimule pas une crise du système fédéral, un besoin de se redéfinir et d’adapter ses valeurs aux exigences démocratiques nouvelles.

In his history of religion in American foreign policy, Andrew Preston noted that US President Abraham Lincoln, although he did not claim to know God's will, believed that "he was an instrument of providence" (Preston, 2012, 173-4). The very idea that the Civil War was but a "divine test" is indeed reflected in his famous Gettysburg Address. Ever since it was delivered at the dedication of the Soldiers' National Cemetery in Pennsylvania on the afternoon of November 19th, 1863, not only has Lincoln's Gettysburg Address been commonly acknowledged as one of the greatest speeches in the history of the United States, it has also had a strong emotional resonance in the cultural psyche of the American people because it gave meaning to the Civil War and expounded it as a "glorious regeneration" both for the nation and for the world as a whole. 1 In light of contemporary historians' ever-increasing interest in the Address, Agnieszka Soltysik-Monnet proposed to study the speech not as a myth-"Ideology disguised as nature" as she put it-but rather as a historic document showing how similar American and European nationalisms were. Moving away from traditional historical scholarship depicting Lincoln as the hero of the American nation, she emphatically contended that, due to the dated character of this document, the President should not be used as a fig leaf to conceal contemporary American militarism.

This paper was first published in New Readings vol. 15 (2015). I would like to thank the editorial team for their guidance and suggestions.

This article is based on an interview with Lili Sztajn, a French professional translator. Among many other translations, Sztajn has adapted graphic novels by Robert Crumb (The Book of Genesis), Alison Bechdel (Fun Home, Are You My Mother?) and Posy Simmonds (Gemma Bovery, Tamara Drewe). The verbal dimension is particularly developed in all of these graphic novels, which often rely on literary devices such as textual allusions, double meanings and, in some cases, self-translation. Sztajn's body of work lends itself particularly well to a study of translation because of the specific challenges raised by such source texts as these. In order to shed light on the practicalities of comics translation, the article provides many excerpts from Sztajn's illuminating interview. The first section includes contextual data regarding the practical aspects of translation and the evolving status of translators in France over the last forty years. The article then turns to a detailed examination of specific translation problems found in examples taken from Crumb, Bechdel and Simmonds, discussing the choices made by Sztajn. Finally, it considers Sztajn’s ethos of translation.

This French MA dissertation deals with dreams in Neil Gaiman's Sandman. My contention is that dreams should not be viewed simply as an unproblematic motif that recurs through the series, but rather as a constitutive element of the work's narrative structure and visual identity. Dream is the core concept around which Gaiman articulates his use of intertextuality and mythopoeisis, and as such deserves in-depth scrutiny.

The notion of identity lies at the core of many Vertigo comics prduced during the 1990s and 2000s; this presentation suggests a specific entry into this vast field of inquiry through an examination of the mask motif. Masks are frequently featured in The Sandman and The Invisibles, where they dramatize the narrative's engagement with issues of self, body, and individual power.

This article suggests a comparison between Lewis Carroll's “Alice Books” and Mervyn Peake's Titus Groan and Gormenghast, on the grounds that both diptychs portray the irruption of a child protagonist into a fantasy world characterized by stasis, repetition, and the lack of interpersonal relations. What is more, both worlds feature oneiric elements with a distinctly nonsensical strand, which sets them apart from the reader's “real world”; they are also enclaved in a larger, Other world (the “real” world above ground for Wonderland, the unknown lands beyond the Mud Dwellings for Gormenghast). Over the course of the narrative, both children grow up to master the rules underpinning their universes, and this understanding allows them to rebel against arbitrary constraints. While Alice decides to return to the rational world of adults, Titus chooses to venture further into the unknown; however, in both cases, the act of escaping the enclave triggers the end of the narrative, because the fantasy world of fiction is also a metaphor of the story itself.

Elfquest made history as one of the first successful alternative comics of the late 1970s. It is set apart by its large female readership, its non-superheroic themes and the unusual graphic style of its author, Wendy Pini. However, Elfquest has drawn very little attention among gender critics, who prefer to devote their efforts to openly subversive material.

In this paper, I argue that Elfquest is in fact a halfway house between the mainstream comics tradition and the all-out radicalism of the feminist underground. The series can be read as a mixed power fantasy which combines Kirby's graphic heritage with Eastern influences, thus creating strong characters whose appearance resonates with female tastes and experience.

In a move reminiscent of cultural feminism, the series reappraises traditionally feminine values; yet it is never essentialist. Pini's fantasy narrative creates a safe space for female readers and affirms the importance of tolerance, solidarity, and individual freedom.

This article examines authorial performance in the context of DC's Vertigo line. In the 1990s, Vertigo gained its reputation as an innovative and progressive imprint by promoting the work of British scriptwriters, who were hailed as true author figures, despite the inherently collaborative nature of the mainstream comics industry. In a manner reminiscent of " auteur theory " , writers such as Neil Gaiman, Warren Ellis or Grant Morrison developed attractive authorial personae which they consistently displayed through interviews, letter columns or social media, but also, more importantly, by inserting their avatars within the comics they scripted. Upon closer examination, however, it becomes clear that their work in fact simultaneously asserts and destabilizes writerly authority, in a manner that is consistent with Linda Hutcheon's view of postmodernity. By multiplying author figures and playfully disseminating authority, Vertigo authors question their own authorial control over the text, asserting instead the crucial role played by the reader.

Popular and academic discussions of My Little Pony: Friendship is Magic often tend to contrast the “expected audience” of very young girls with an adult, mostly male “unexpected audience.” This polarizing view begs the question of what the various agents involved in the production of the series actually expect of their audience, and how such expectations are expressed through the material they produce and the type of behaviors they encourage. I argue that MLP: FiM is in fact the site of a complex combination of expectations (moral, commercial, and otherwise) that create a specific type of audience. Beyond their obvious commercial nature, the MLP: FiM show and comics are tied with ideological and legal concerns regarding the status of children’s entertainment, which is expected to protect and educate its audience. Moreover, the creators had their own set of expectations: they set out to question gender stereotypes by creating quality entertainment for girls that presented independence, solidarity, and individual development as positive values. The desire to reappraise girls’ entertainment helped create a franchise that was in fact transgenerational and encouraged different modes of participation, thus creating the conditions for the emergence of an older, more media-savvy fan audience.