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J-pop

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AKB48은 2010년 이후 발매하는 모든 싱글 앨범을 오리콘 주간 싱글차트 1위에 올리고 있다.

J-pop(영어: Japanese Popular Music/Japanese Pop Music[1] 제이-팝)은 1990년대 일본의 음악 주류에 진입한 대중음악의 한 형태를 지칭한다. 일본에서는 간단히 팝스(ポップス, poppusu)라고 부른다. 현대 J-pop은 일본의 전통 음악과 전 세계적인 1960년대 팝 및 록 음악에 뿌리를 두고 있다. J-pop은 1920년대부터 1980년대까지 일본 음악계에서 일본 대중음악을 일컫던 용어인 가요쿄쿠를 대체했다.[2]

핫피 엔도와 같은 일본의 록 밴드들은 1960년대–1970년대에 비틀즈와 비치 보이스 스타일의 록을 일본 음악과 융합했다.[3] J-pop은 1970년대 후반 옐로 매직 오케스트라 및 사잔 올 스타즈와 같은 뉴 웨이브와 크로스오버 재즈 퓨전 아티스트들에 의해 더욱 정의되었다.[4] 일본 팝 음악의 인기 장르로는 1970년대–1980년대의 시티 팝과 테크노팝, 1990년대와 2000년대의 J-Euro(아무로 나미에 등)[5] 및 시부야계가 있다.

일본의 컨트리 음악 역시 1960년대–1970년대 서부극의 국제적인 인기와 함께 인기를 끌었으며, 찰리 나가타니, 토미 후지야마와 같은 음악가들의 활동과 도쿄도의 리틀 텍사스(Little Texas)와 같은 장소들 덕분에 여전히 매력을 유지하고 있다.[6][7] 일본의 힙합은 1990년대~2000년대 프로듀서 누자베스를 통해 주류가 되었으며, 특히 그의 사무라이 참프루 작업이 유명하다.[8] 또한 일본의 대중문화는 종종 애니메이션 속 힙합과 함께 나타난다.[9] 그 외에도 라틴 음악, CCM, 복음성가가 J-pop 내에서 신을 형성하고 있다.[10][11]

형식과 정의

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현대 J-pop의 기원은 비틀즈 등으로부터 영감을 받은 일본어 록 음악이라고 한다.[3] 가요쿄쿠라는 일본 음악 장르와 달리, J-pop은 영어와 유사한 특별한 발음을 사용한다.[12] 이를 실천한 대표적인 가수는 구와타 게이스케로, 그는 일본어 단어 '카라다(몸)'를 '키예라다'처럼 발음했다.[12] 또한 서양 음악과 달리, 일본에서 록 음악이 유행하기 전에는 (예술 음악을 제외하고) 일본 음악에서 장2도(솔과 라)가 거의 사용되지 않았다.[13] 서양 록 음악에서 영감을 받은 그룹 사운드 장르가 인기를 끌면서, 일본 팝 음악은 비틀즈의 곡 "I Want to Hold Your Hand"와 롤링 스톤스의 곡 "(I Can't Get No) Satisfaction"의 마지막 사운드에서 사용된 장2도를 받아들였다.[13] 일본 팝 음악은 시간이 지나면서 일본의 오음음계와 왜곡된 테트라코드에 기반한 음악에서 서구적인 음악으로 변화했지만, 시이나 링고의 음악처럼 일본의 전통적인 창법에서 비롯된 음악은 여전히 인기를 유지하고 있다.[13]

처음에는 J-pop이라는 용어가 일본 라디오 방송국 J-WAVE가 개국한 직후 피치카토 파이브나 플리퍼스 기타와 같은 서양 스타일의 뮤지션에게만 사용되었다.[2] 반면, 에이벡스 트랙스 소속 AAA의 히다카 미츠히로는 J-pop이 원래 유로비트 장르에서 유래했다고 말했다.[14] 그러나 이 용어는 1990년대 일본 록 음악의 대다수를 포함하는 등 다른 음악 장르를 포괄하는 일반 용어가 되었다.[2]

1990년, 타워 레코드 일본 지사는 J-pop을 일본의 독립 음악(그들이 "J-indie"라고 부르는)을 제외한 일본레코드협회에 속한 모든 일본 음악으로 정의했다. 독립 뮤지션들이 메이저 레이블을 통해 작품을 발매하기 시작하자, 이들의 매장은 2008년까지 J-club, J-punk, J-hip-hop, J-reggae, J-anime, 비주얼계와 같은 추가적인 분류를 사용하기 시작했다.[15] 일본의 음반 매장인 이토 뮤직 시티는 주요 J-pop 장르 외에도 그룹 사운드, 1970년대~1980년대의 아이돌, 엔카, 포크, 그리고 1970년대~1980년대의 기성 뮤지션들을 포함하는 확장된 분류를 채택했다.[15]

일본의 록 뮤지션들이 대개 "팝"이라는 용어를 싫어하는 것과는 대조적으로, 팝 펑크 밴드 비트 크루세이더스의 멤버 카토 타로는 팝 아트처럼 인코딩된 팝 음악이 "J-pop"보다 훨씬 기억하기 쉽다고 지적했다. 그는 2005년 밴드가 메이저 레이블에서 첫 정규 스튜디오 앨범 P.O.A.: Pop on Arrival을 완성했을 때 인터뷰에서 J-pop은 방송 빈도로 인해 기억되는 팝스(ポップ스, poppusu) 음악이라고 말했다.[16] 밴드는 J-pop 음악을 하고 싶지 않았기 때문에 그들의 앨범은 MTV의 1980년대 팝을 특징으로 했다.[16] 동료 밴드 멤버 히다카 토루에 따르면, 그에게 영향을 준 1990년대 음악(너바나, Hi-Standard, 플리퍼스 기타)은 당시 일본의 다른 음악 팬들에게는 잘 듣지 않는 음악이었다.[16]

이와 대조적으로, 1980년대 후반까지 많은 일본 록 뮤지션들이 가요쿄쿠 음악을 무시했음에도 불구하고, 글레이와 같은 1990년대 일본의 많은 록 밴드들은 가요쿄쿠를 자신의 음악에 흡수했다.[2] 1980년대 후반 이후, 브레이크비트와 샘플러는 일본 음악계를 변화시켰다. 전문가인 드러머들이 좋은 리듬을 연주하게 되었는데, 이는 일본의 전통 음악에는 록이나 블루스에 기반한 리듬이 없었기 때문이었다.[2]

GReeeeN의 히데는 공개적으로 그들의 음악 장르를 J-pop이라고 설명했다. 그는 "나는 록, 힙합, 브레이크비트도 좋아하지만, 나의 분야는 일관되게 J-pop이다. 예를 들어, 힙합 뮤지션들은 커리어를 시작할 때 '힙합 문화'를 배운다. 우리는 그런 뮤지션들과 다르며, 우리는 음악을 소리로서 매우 좋아한다. 그런 전문적인 사람들은 '너희는 무엇을 하고 있는 거냐?'라고 말할지 모르지만, 나는 우리의 음악 스타일이 어쨌든 멋지다고 생각한다. 좋은 것은 좋은 것이다"라고 말했다.[17]

최근 "J-pop"과 관련하여 새로 만들어진 용어로는 시티 팝, 애니송, 보컬로이드, 버튜버와 같이 일본 내 다른 대중문화와의 연관성으로 국제적인 관심을 끈 업계의 성격에서 비롯된 가챠 팝(ガチャポップ)이 있다.[18]

역사

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1920년대~1960년대: 류코카

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영향력 있는 류코카 가수, 후지야마 이치로

엔카와 팝스로 나뉘기 전 류코카라고 불렸던 일본 대중음악은[19] 메이지 시대에 기원을 두고 있지만, 대부분의 일본 학자들은 류코카가 전국적인 인기를 얻기 시작한 다이쇼 시대를 실질적인 출발점으로 본다.[20][21] 다이쇼 시대에 이르러 메이지 시대에 일본에 소개된 서양 음악 기법과 악기가 널리 사용되었다.[21] 재즈나 블루스와 같은 서양 장르의 영향을 받은 류코카는 바이올린, 하모니카, 기타와 같은 서양 악기를 도입했다. 그러나 멜로디는 종종 전통적인 오음음계에 따라 작성되었다.[20] 1930년대에 후지야마 이치로는 그의 테너 음성으로 인기곡들을 발매했다.[22] 후지야마는 마이크로폰을 통해 오페라보다 낮은 볼륨으로 노래를 불렀다(이 기법은 때때로 크루닝이라고 불린다).[23]

재즈 음악가 핫토리 료이치는 블루스의 "풍미"를 가진 일본 토착 음악을 생산하려고 시도했다.[24] 그는 아와야 노리코의 히트곡 "와카레노 블루스"(이별의 블루스)를 작곡했다.[25] 아와야는 유명한 인기 가수가 되었으며 일본에서 "블루스의 여왕"이라 불렸다.[26] 전쟁 중 일본 제국 육군의 압력으로 일본에서 재즈 음악 공연이 일시적으로 중단되었다. 전쟁 말기 상하이에 머물렀던 핫토리는 카사기 시즈코의 "도쿄 부기우기"와 후지야마 이치로의 "푸른 산맥"과 같은 히트곡들을 프로듀싱했다.[25] 핫토리는 나중에 "일본 팝스의 아버지"로 알려지게 되었다.[25][27] 부기우기, 맘보, 블루스, 컨트리 음악이 일본 음악가들에 의해 미군을 위해 연주되었다. 에리 치에미의 커버 곡 "테네시 왈츠"(1952), 미소라 히바리의 "오마츠리 맘보"(1952), 유키무라 이즈미의 커버 곡 "Till I Waltz Again with You"(1953)도 인기를 끌었다. JATP와 루이 암스트롱을 포함한 외국 음악가와 그룹들이 공연을 위해 일본을 방문했다. 1950년대 중반, 재즈 찻집(ジャズ喫茶, [Jazu Kissa, 문자 그대로 "재즈 카페"] 오류: {{nihongo}}: transliteration text not Latin script (pos 13: 문) (도움말))가 라이브 재즈 음악의 인기 있는 장소가 되었다.[27] 재즈는 일본 팝스에 큰 영향을 주었지만, "정통" 재즈가 일본의 주류 음악 장르가 된 것은 아니었다.[28] 1950년대 후반과 1960년대 초반, 일본 팝은 도시의 가요쿄쿠와 현대 엔카로 양극화되었다.[29]

현대 J-pop은 때때로 공산당 승리 이후 상하이를 떠나 온 중국인 이민 재즈 음악가들에게서 기원을 찾기도 한다. 그들은 미군과 협력하여 일본 대중에게 다양한 새로운 장르를 소개하는 데 도움을 주었다. 1949년 공산당이 승리하여 본토에 중화인민공화국을 세웠을 때, 정부가 취한 첫 번째 조치 중 하나는 대중음악(특히 중국 대중음악인 만도팝과 서양 대중음악)을 퇴폐적인 음악으로 비난하는 것이었다. 그 후 수십 년 동안 공산당은 중국 혁명 가요를 장려하면서 중국 민요, 중국 대중음악, 서양 대중음악을 억압했다.[30] 중국 공산당 주석 마오쩌둥의 새로운 음악 정책에 불만을 품은 상하이의 재즈 음악가들 중 일부는 영국의 식민지였던 홍콩으로 피신하여 광둥어로 부르는 대중음악인 캔토팝을 정립했다.[31] 그러나 소수의 음악가들은 일본에 정착하여 주둔군 방송국(FEN)의 일원이 되었고, 미군과 협력하여 일본 대중에게 다양한 서양 장르를 알리는 데 도움을 주었다. 이것이 결국 가요쿄쿠로 알려진 현대 일본 대중음악의 정립으로 이어졌다.

1960년대: 현대 스타일의 기원

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로커빌리 붐과 와세이 팝스

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1950년대와 60년대 동안, 야쿠자 매니저 타오카 카즈오는 공연자를 전문가로 대우함으로써 콘서트 투어 산업을 재편했다. 이 공연자들 중 다수는 나중에 J-pop 장르의 핵심 참여자가 되었다.[32]

1956년, 컨트리 음악 그룹인 코사카 카즈야와 왜건 마스터즈로 인해 일본의 로큰롤 열풍이 시작되었다. 그들의 엘비스 프레슬리 곡 "Heartbreak Hotel" 번안곡은 이 트렌드를 부채질했다. 이 음악은 일본 미디어에 의해 "로커빌리"(또는 로카비리)라고 불렸다.[33] 공연자들은 음악을 연주하고 인기 있는 미국 노래의 가사를 번역하는 법을 배웠고, 이는 커버 팝스(カヴァーポップス, Kavā poppusu)의 탄생으로 이어졌다.[34] 로커빌리 운동은 1958년 2월 1주일 동안 첫 닛게키 웨스턴 카니발에서 45,000명의 관객이 일본 가수들의 공연을 관람하면서 정점에 달했다.[35]

엘비스의 팬이었던 사카모토 큐는 1958년 닛게키 웨스턴 카니발에서 밴드 자 도리후타즈의 멤버로 데뷔했다.[36] 그의 1961년 곡 "우에오 무이테 아루코"("위를 향해 걷자"), 세계적으로는 "스키야키"로 알려진 곡은 1963년 미국에서 발매되었다. 이 곡은 일본 노래 최초로 미국에서 1위를 차지했으며, 캐시박스에서 4주, 빌보드에서 3주간 머물렀다. 또한 100만 장 판매로 골드 레코드를 기록했다.[37] 이 시기에 여성 듀오 더 피너츠 또한 영화 모스라에서 노래를 부르며 인기를 끌었다.[38] 그들의 노래인 "후리무카나이데"("뒤돌아보지 마") 등은 나중에 캔디즈에 의해 그들의 앨범 'Candy Label'에서 커버되었다.[39] 사카모토 큐나 더 피너츠 같은 아티스트들은 와세이 팝스(和製ポップス, Wasei poppusu; "일본제 팝스")라고 불렸다.[34][40]

멤버 교체가 잦았던 자 도리후타즈는 1964년 이카리야 초스케에 의해 같은 이름으로 재결성되었다. 1966년 비틀즈 콘서트에서 그들은 커튼 레이저 역할을 했으나 관객들은 대체로 반대했다.[41] 결국 자 도리후타즈는 일본에서 인기를 얻었고 1969년 "준도코 부시"를 발매했다.[41] 엔카 가수 후지 케이코와 함께 그들은 1970년 제12회 일본 레코드 대상에서 "대중상"을 수상했다.[42] 후지 케이코의 1970년 앨범 '신주쿠의 여자/'엔카의 별' 후지 케이코의 모든 것'은 일본 오리콘 차트 역사상 20주 연속 1위라는 기록을 세웠다.[43] 자 도리후타즈는 나중에 텔레비전 인물로 알려지게 되었고 야마구치 모모에나 캔디즈와 같은 일본의 아이돌들을 그들의 텔레비전 프로그램에 초대했다.[41]

일렉 기타 붐과 그룹 사운드

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일본 음악가들의 전설적인 장소, 일본무도관

더 벤처스가 1962년 일본을 방문하면서 일렉 기타가 널리 퍼지는 "일렉 기타 붐"이 일어났다.[44] 카야마 유조와 테라우치 타케시는 일렉 기타의 유명한 연주자가 되었다.[45] 1966년 비틀즈가 일본에 와서 일본무도관에서 공연을 했는데, 그곳에서 공연한 최초의 록 음악 밴드가 되었다.[46] 대중들은 비틀즈가 비행 청소년 문제를 일으킬 것이라고 믿었다.[3] 일본 정부는 일본무도관에서 젊은 록 팬들을 상대로 경찰기동대를 배치했다.[47] 존 레논은 일본에서 자신들이 좋은 대우를 받지 못한다고 느꼈지만, 비틀마니아는 일본에서 결코 사라지지 않았다.[48] 비틀즈는 일본 밴드들에게 영감을 주어 일본에 그룹 사운드 장르를 탄생시켰다.[3]

대부분의 일본 음악가들은 일본어로 록을 노래할 수 없다고 느꼈기 때문에 일본 록의 인기는 점차 줄어들었다.[3] 그 결과, 핫피 엔도와 우치다 유야 사이에 "록 음악을 일본어로 불러야 하는가?", "영어로 불러야 하는가?"라는 논쟁이 벌어졌다.[49] 이 대립을 "일본어 록 논쟁"(日本語ロック論争, Nihongo Rokku Ronsō)이라고 한다.[50] 핫피 엔도는 록 음악이 일본어로 노래될 수 있음을 증명했고, 한 이론은 그들의 음악이 현대 J-pop의 기원 중 하나가 되었다고 주장한다.[3] 비틀즈는 또한 어린 시절 아버지를 여의고 불우한 환경에서 자란 야자와 에이키치에게도 영감을 주었다.[51] 맞벌이 가정에서 자란 구와타 게이스케는 열렬한 팬이었던 누나를 통해 비틀즈의 영향을 받았다.[52] 이노우에 요스이 역시 비틀즈의 팬이었지만, 자신의 음악 스타일은 특별히 그들과 관련이 없다고 말했다.[53] 핫피 엔도가 1973년에 해체된 후, 전 멤버였던 호소노 하루오미는 솔로 활동을 시작했고 나중에 옐로 매직 오케스트라를 결성했다.[54]

1970년대: "뉴 뮤직"의 발전

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포크와 뉴 뮤직

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1960년대 초반, 일부 일본 음악은 미국 포크 음악 부흥의 영향을 받았는데, 이는 주로 원곡을 커버하는 방식이었지만 포크(フォーク; "folk")라고 불렸다.[55] 1960년대 후반, 더 포크 크루세이더즈가 유명해졌고 당시의 언더그라운드 음악은 포크라고 불리게 되었다.[56] 엔카와 마찬가지로 일본의 포크 가수 타카다 와타루는 사회 풍자를 노래했다.[57]

1970년대 초반, 중심은 기타 반주를 곁들인 포크의 단순한 노래에서 뉴 뮤직(ニューミュージック, nyū myūjikku)라고 불리는 더 복잡한 음악 편곡으로 옮겨갔다.[58] 사회적 메시지 대신 노래는 사랑과 같은 더 개인적인 메시지에 집중했다. 1972년, 싱어송라이터 요시다 타쿠로는 제대로 된 텔레비전 홍보 없이 히트곡 "결혼하자"를 냈는데, 포크 음악 팬들은 그의 음악이 저품질의 음악인 것 같아 매우 화를 냈다.[59] 그 해 가장 많이 팔린 싱글은 미야 시로와 핑크라 트리오의 엔카 곡 "온나노 미치"였다.[59] 이 곡은 결국 325만 장 이상 팔렸다.[60] 1973년 12월 1일, 이노우에 요스이는 앨범 '빙의 세계'를 발매했는데, 오리콘 차트 1위에 올랐고 113주 동안 톱 10에 머물렀다.[61] 이 앨범은 13주 연속 1위를 차지했으며, 결국 오리콘 차트에서 총 35주 동안 1위를 차지하는 기록을 세웠다.[43][62] 처녀 시절 아라이 유미로 알려진 마츠토야 유미 또한 이 시기에 주목할 만한 싱어송라이터가 되었다. 1975년 10월, 그녀는 싱글 "그날로 돌아가고 싶어"를 발매하여 오리콘 차트 첫 1위 싱글이 되었다.[63] 나카지마 미유키, 오자키 아미, 야가미 준코도 이 시기에 인기 있는 싱어송라이터였다. 처음에 마츠토야 유미만이 일반적으로 뉴 뮤직 아티스트라고 불렸지만, 일본 포크 음악의 개념은 그 무렵 바뀌었다.[64] 1979년, CHAGE and ASKA가 데뷔했으며,[65] 포크 밴드 오프 코스(가수 오다 카즈마사)는 히트곡 "안녕"("Sayonara")을 발매했다.[66]

쿠보타 사키는 뉴 뮤직의 기수로 묘사되었다.[67]

일본 록과 전자 음악의 출현

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록 음악은 일본에서 1970년대 초반까지 비교적 언더그라운드 음악 장르로 남아있었지만,[58] 핫피 엔도는 록과 전통 일본 음악을 융합하여 주류 성공을 거두었다.[3] 몇몇 일본 음악가들은 전자 록을 포함한 전자 음악 실험을 시작했다. 가장 주목할 만한 인물은 국제적으로 유명한 토미타 이사오로, 그의 1972년 앨범 'Electric Samurai: Switched on Rock'은 현대 록과 팝 송의 전자 신시사이저 편곡을 특징으로 했다.[68] 전자 록 레코드의 다른 초기 사례로는 이노우에 요스이의 포크 록 및 팝 록 앨범 '빙의 세계'(1973)와 키타지마 오사무의 프로그레시브 록 및 사이키델릭 록 앨범 변재천(1974)이 있으며, 이 두 앨범 모두 호소노 하루오미가 참여했다.[69][70] 호소노는 나중에 1977년 전자 음악 그룹 "옐로 매직 밴드"(나중에 옐로 매직 오케스트라로 알려짐)를 시작했다.[71]

1978년, 야자와 에이키치의 록 싱글 "시간이여 멈춰라"("Jikan yo Tomare")는 639,000장 이상 팔린 대히트곡이 되었다.[72] 그는 일본 록의 선구자 중 한 명으로 간주된다.[73] 그는 전 세계적인 성공을 모색했고, 1980년에 워너 파이오니어 레코드와 계약하고 미국 서부 해안으로 이주했다. 그는 앨범 'Yazawa', 'It's Just Rock n' Roll', 'Flash'를 일본에서 녹음했으며 모두 전 세계에 발매되었으나 상업적으로 큰 성공을 거두지는 못했다. 구와타 게이스케는 록 밴드 사잔 올 스타즈(SAS)를 결성했고 1978년에 데뷔했다. 사잔 올 스타즈는 오늘날 일본에서 매우 인기가 많다.

같은 해, 옐로 매직 오케스트라(YMO)도 셀프 타이틀 앨범 YELLOW MAGIC ORCHESTRA로 공식 데뷔했다. 멤버가 호소노 하루오미, 다카하시 유키히로, 사카모토 류이치였던 이 밴드는 일본에서 알려진 대로 일렉트로팝 또는 테크노팝을 발전시켰으며,[74][75] 신스팝과 일렉트로닉 음악을 개척했다.[76][77] 그들의 1979년 앨범 Solid State Survivor는 1980년 7월 오리콘 차트 1위에 올랐으며,[78] 전 세계적으로 200만 장이 팔렸다.[79] 거의 같은 시기에 YMO의 앨범 'Solid State Survivor'와 X∞Multiplies는 7주 연속으로 오리콘 차트 1, 2위를 독점했으며, YMO는 이 기록을 달성한 유일한 일본 밴드가 되었다.[80] 이 시기 그들의 음악을 듣던 젊은 팬들은 "YMO 세대"(YMO世代, YMO sedai)라고 불렸다.[81][82] YMO는 그들의 영향으로 전자 음악이 지배하게 된 일본 팝 음악에 큰 영향을 미쳤으며,[83] 전 세계 전자 음악계에도 큰 영향을 주었다.[84][85] 사잔 올 스타즈와 옐로 매직 오케스트라는 뉴 뮤직의 종말을 상징하며 1980년대 J-pop 장르의 등장을 위한 길을 닦았다.[4] SAS와 YMO 두 밴드는 나중에 HMV가 선정한 역대 일본 음악가 100인 중 상위에 랭크되었다.[86]

1980년대: "가요쿄쿠"와의 융합

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시부야계 아티스트 오야마다 케이고(왼쪽)와 YMO 멤버 사카모토 류이치

시티 팝

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1980년대 초반, 카 오디오의 보급과 함께 시티 팝(シティーポップ, shitī poppu)라는 용어는 대도시를 주제로 한 대중음악을 묘사하기 위해 등장했다.[87] 특히 도쿄가 이러한 형식의 많은 노래에 영감을 주었다. 이 시기 일본의 음악 팬들과 아티스트들은 앨범 지향 록(특히 어덜트 컨템퍼러리)과 크로스오버(특히 재즈 퓨전)의 영향을 받았다.[87][88] 시티 팝은 뉴 뮤직의 영향을 받았지만, 그 기원은 핫피 엔도와 그 전 멤버였던 호소노 하루오미, 그리고 야마시타 타츠로의 작업으로 1970년대 중반까지 거슬러 올라간다.[89][90]

시티 팝의 인기는 1990년 일본의 거품 경제가 붕괴하면서 급락했다. 그 음악적 특성(그 "문화적 배경"은 제외하고)은 피치카토 파이브나 플리퍼스 기타와 같은 1990년대 시부야계 뮤지션들에게 계승되었다.[87]

일본 록 산업의 성장

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비주얼계의 선구자 X JAPAN의 2007년 재결합 이후 2009년 홍콩 콘서트

1980년대 전반에 걸쳐 사잔 올 스타즈, RC 석세션, 안전지대, 체커스, THE ALFEE, THE BLUE HEARTS와 같은 록 밴드들이 인기를 끌었다. 안전지대는 이노우에 요스이의 백업 밴드 출신이다. 1983년 12월 1일, 록 가수 오자키 유타카가 18세의 나이로 데뷔했다. 1986년, THE ALFEE는 일본에서 10만 명의 관객 앞에서 콘서트를 연 최초의 아티스트가 되었다.[91] BOØWY, TM NETWORK, BUCK-TICK과 같은 일부 일본 음악가들은 뉴 로맨틱의 영향을 받았다.[92]

BOØWY는 특히 영향력 있는 록 밴드가 되었으며, 멤버로는 가수 히무로 쿄스케와 기타리스트 호테이 토모야스가 포함되어 있었다. 그들의 앨범 3장이 1988년에 1위를 차지하면서, 한 해에 3개의 1위를 기록한 최초의 남성 아티스트가 되었다.[93] 이후의 일본 록 밴드들은 이 밴드를 모델로 했다.[94] TM NETWORK의 콘서트를 지원했던 기타리스트 마츠모토 타카히로는 1988년 가수 이나바 코시와 함께 록 듀오 B'z를 결성했다.[95]

1980년대 후반, 걸 밴드 프린세스 프린세스가 성공적인 팝 록 밴드가 되었다. 그들의 싱글 "Diamonds"와 "세계에서 제일 뜨거운 여름"은 1989년 오리콘 연간 싱글 차트에서 각각 1위와 2위를 차지했다.[96]

1980년대 후반, 일본 록 음악에 새로운 트렌드가 등장했는데, 그것은 바로 비주얼계이다. 이 운동은 메이크업을 하고 화려한 헤어스타일과 중성적인 의상을 입은 남성 밴드들로 주목받았다. 이 운동을 대표하는 가장 성공적인 그룹은 X JAPAN(이전 이름은 "X")과 BUCK-TICK이다. X JAPAN은 1988년 인디 레이블 익스타시 레코드에서 첫 앨범 VANISHING VISION을 발매했고, BLUE BLOOD는 1989년 CBS 소니에서 발매되었다. 'BLUE BLOOD'는 712,000장이 팔렸고, 1991년 앨범 Jealousy는 111만 장 이상 팔렸다.[97] 놀랍게도 X JAPAN은 헤비 메탈 밴드였지만, 기타리스트 히데는 나중에 얼터너티브 록의 영향을 받아 1994년 첫 솔로 앨범 HIDE YOUR FACE를 발매하고 성공적인 솔로 경력을 시작했다.[98]

아이돌의 황금기, 쇠퇴 그리고 변용

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1970년대에는 아마치 마리, 미나미 사오리, 야마구치 모모에, 캔디즈 같은 여성 아이돌 가수들의 인기가 높아졌다. 야마구치 모모에는 J-pop의 특별한 발음 특성을 사용한 최초의 가요쿄쿠 가수 중 한 명이었다.[12] 1972년 고 히로미가 "남자아이 여자아이"라는 노래로 데뷔했다.[59] 고 히로미는 원래 자니스 사무소 출신이었다.[99] 1976년, 여성 듀오 핑크 레이디가 싱글 "Pepper Keibu"로 데뷔했다. 그들은 9곡 연속 1위라는 기록을 세웠다.[100]

1980년대, 일본 아이돌은 뉴 뮤직을 계승했지만, 그 용어는 사용되지 않게 되었다.[58] 마츠다 세이코는 특히 이전 세대의 작곡가들을 고용했다.[58] 1980년, 그녀의 세 번째 싱글 "바람은 가을빛"이 오리콘 차트 1위에 올랐다.[100] 호소노 하루오미 또한 그녀의 음악 프로듀싱에 합류했다.[58][101] 그녀는 결국 핑크 레이디의 기록을 깨고 24곡 연속 1위라는 기록을 달성한 최초의 아티스트가 되었다.[100] 나카모리 아키나, 오카다 유키코, 코이즈미 쿄코, 미나미노 요코, 키쿠치 모모코, 오기노메 요코, 나카야마 미호, 혼다 미나코, 모리타카 치사토 등 다른 여성 아이돌 가수들도 1980년대에 상당한 인기를 얻었다. 오카다는 1984년 일본 레코드 대상에서 신인상을 받았다. 나카모리는 일본 레코드 대상에서 2년 연속(1985년과 1986년) 대상을 받았다. 일본 아이돌 밴드 오냥코클럽이 1985년에 데뷔했고 인기 가수 쿠도 시즈카를 배출했다. 그들은 일본 아이돌의 이미지를 바꾸었다.[102]

그러나 1985년 무렵부터 사람들은 아이돌을 만드는 시스템에 대해 환멸을 느끼기 시작했다.[103] 1986년, 마츠다 세이코가 작사하고 사카모토 류이치가 작곡한 아이돌 가수 오카다 유키코의 노래 "입술 네트워크"가 히트곡이 되었지만, 그녀는 그 직후 자살했다.[104] 자니스 사무소 밴드 중 하나인 히카루GENJI가 1987년에 데뷔했다. 그들은 매우 영향력 있는 롤러스케이트 보이 밴드가 되었으며, 멤버들 중 일부는 나이가 들면서 자신의 명성을 얻었다. ASKA가 쓴 노래 "파라다이스 은하"는 1988년 제30회 일본 레코드 대상에서 대상을 받았다. 그룹의 백댄서 중 일부는 나중에 SMAP을 결성했다. 1980년대 후반에는 여성 듀오 Wink가 등장했다. 그들은 이전 시대의 일본 아이돌과 달리 웃지 않았다. Wink는 1988년에 데뷔하여 당시 가장 인기 있던 여성 듀오 BaBe의 인기를 뛰어넘었다. Wink의 노래 "사미시이 넷타이교"는 1989년 제31회 일본 레코드 대상에서 대상을 받았다.

인기 가수 미소라 히바리가 1989년에 사망했고, '더 베스트 텐'과 같은 많은 가요쿄쿠 프로그램들이 종료되었다.[105] CoCo는 인기 애니메이션 시리즈 란마 ½의 히트 싱글 "Equal Romance"로 데뷔했다. TM NETWORK의 멤버인 코무로 테츠야는 1989년 11월 싱글 "Gravity of Love"로 1위에 데뷔하며 마츠다 세이코의 25곡 연속 1위 기록을 깼다.[106]

1990년대: "J-pop" 용어의 탄생

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1990–1997: 성장하는 시장

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1990년대, J-pop이라는 용어는 엔카를 제외한 모든 일본 대중가요를 지칭하게 되었다.[2] 이 시기, 일본 음악 산업은 마케팅 효과를 추구했다. 그 시대 상업 음악의 주목할 만한 사례는 비잉 기획사의 타이인 음악과, 그 뒤를 이은 코무로 테츠야의 디스코 음악이었다.[107] 1990년부터 1993년경까지는 B'z, TUBE, B.B.퀸즈, T-BOLAN, ZARD, WANDS, 오구로 마키, DEEN, FIELD OF VIEW 등 비잉 기획사 아티스트들이 지배했다. 이들을 비잉계(ビーイング系, Bīingu kei)라고 불렀다.[108] 그 아티스트들 중 다수가 차트 1위에 올랐으며 새로운 기록을 세웠는데,[108][109] 특히 B'z는 마츠다 세이코의 기록을 넘어서는 연속 싱글 1위라는 새로운 기록을 세웠다.[110] B'z는 오리콘 차트와 RIAJ 인증에 따르면 일본 역사상 가장 많이 팔린 아티스트이다. 한편, 1990년대 "J-pop 붐"의 개척자로 여겨지는 WANDS는 멤버 우에스기 쇼가 얼터너티브 록/그런지를 연주하고 싶어 했기 때문에 어려움을 겪었다.[111]

1990년대에는 많은 아티스트가 200만 장 판매 기록을 돌파했다. 오다 카즈마사의 1991년 싱글 "Oh! Yeah!/러브 스토리 갑자기", CHAGE and ASKA의 1991년 싱글 "Say Yes"와 1993년 싱글 "Yah Yah Yah", 코메 코메 클럽의 1992년 싱글 "그대가 있기에(키미가 이루다케데)", Mr.Children의 1994년 싱글 "Tomorrow Never Knows"와 1996년 싱글 "Namonaki Uta", Globe의 1996년 싱글 "Departures" 등이 200만 장 이상 팔린 예이다.[60][112] DREAMS COME TRUE의 1992년 앨범 The Swinging Star는 일본에서 300만 장 이상 판매된 첫 앨범이 되었다.[113] Mr.Children의 1994년 앨범 Atomic Heart는 오리콘 차트에서 343만 장이 팔리며 새로운 기록을 세웠다.[112][114] 1979년 말부터 녹음을 시작한 듀오 CHAGE and ASKA는 이 시기에 매우 인기를 얻었다. 그들은 1990년대 초반 내내 히트곡들을 발매했고, 1996년에는 MTV 언플러그드에 참여한 최초의 아시아 그룹이 되었다.[115]

아무로 나미에(중앙)가 2005년 태국 방콕에서 MTV 아시아 에이드 공연을 하고 있다.

1994년 TM NETWORK가 해체된 후, 코무로 테츠야는 본격적인 작곡가 겸 프로듀서가 되었다. 1994년부터 1997년까지의 기간은 TRF, 시노하라 료코, 우치다 유키, 아무로 나미에, hitomi, Globe, 카하라 토모미, 스즈키 아미와 같은 "코무로 패밀리"(小室ファミリー, Komuro Famirī)의 댄스 및 테크노 음악이 지배했다. 그 시절 코무로는 각각 100만 장 이상 팔린 20개의 히트곡을 담당했다.[116] Globe의 1996년 앨범 Globe가 당시 기록인 413만 장이 팔린 반면, 아무로 나미에의 1997년 곡 "CAN YOU CELEBRATE?"는 229만 장이 팔려 J-pop 역사상 여성 솔로 아티스트의 싱글 판매량 1위를 기록하고 있다.[112] 음악 프로듀서로서 그의 총 판매량은 1억 7천만 장에 달했다.[117][118] 1998년까지 코무로의 곡들은 인기가 떨어졌다. 21세기 첫 10년의 중반 무렵, 코무로의 부채는 그가 사실은 소유하지도 않았던 그의 곡 카탈로그를 투자자에게 팔려고 시도하게 만들었다. 투자자가 이를 발견하고 소송을 제기하자, 코무로는 첫 번째 투자자에게 갚아야 할 600,000,000 일본 엔의 판결금을 갚기 위해 다른 투자자에게 그 카탈로그를 팔려고 시도했다.[116]

이 시기에 가장 인기 있었던 솔로 가수였던 아무로 나미에는 오키나와 액터스 스쿨 출신으로, 이 학교는 MAX와 SPEED도 배출했다. 처음에 코무로 패밀리의 일원이었을 때 아무로는 댄스 음악 장르에 머물렀지만, 서서히 음악 스타일을 컨템퍼러리 R&B로 바꾸고 코무로 테츠야와의 파트너십을 끝냈다.[119] 코무로의 밴드 Globe는 2001년 앨범 'Outernet' 이후 트랜스 음악 밴드가 되었다.[120]

1997–1999: 상업적 정점

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우타다 히카루가 1998년에 데뷔했다.

일본 음악 시장의 매출은 계속 증가했다. 1997년 10월, GLAY는 487만 장이 팔린 앨범 REVIEW-BEST OF GLAY를 발매하여 Globe의 이전 기록을 깼다.[112] 그러나 이듬해 512만 장이 팔린 B'z의 앨범 B'z The Best "Pleasure"에 의해 경신되었다.[112] 일본의 실물 음악 매출 시장은 1998년에 정점을 찍었으며 607,000,000,000엔의 매출을 기록했다.[121] 1999년 3월, 우타다 히카루가 발매한 첫 일본어 앨범 First Love는 765만 장이 팔려 오리콘 역사상 가장 많이 팔린 앨범이 되었다.[112]

1990년대 후반에는 GLAY, LUNA SEA, L'Arc~en~Ciel과 같은 록 밴드들이 인기를 끌었는데, 이들 대부분은 비주얼계 운동과 관련이 있었지만 나중에 스타일을 바꾸었다. 당시 일본의 록 뮤지션들은 장르가 사라진 후 가요쿄쿠 음악을 흡수하고 있었다.[2] GLAY는 코무로 테츠야가 프로듀싱한 가장 인기 있는 팝 가수들에 필적하는 미디어 노출을 받으며 특히 성공적이었다.[122] 1999년 7월, GLAY는 마쿠하리 멧세에서 20만 명의 기록적인 관객을 동원한 콘서트를 열었는데, 이는 일본 최대의 솔로 콘서트로 기네스 세계 기록에 인증되었다.[123][124] 1999년 7월, L'Arc~en~Ciel은 두 장의 앨범 Ark와 Ray를 동시에 발매했는데, 첫 주에 합쳐서 302만 장 이상의 판매량을 기록했다.[125]

X JAPAN은 1997년 9월 해체를 발표했고 기타리스트 히데는 1998년 5월 사망했다. 그의 장례식에는 미소라 히바리의 장례식에 참석했던 42,000명을 넘어서는 50,000명의 조문객이 참석했다.[126] 그의 사망 후, 싱글 "핑크 스파이더"와 앨범 Ja, Zoo는 일본레코드협회로부터 밀리언 셀러 인증을 받았다.[127]

자니스 사무소는 SMAP, TOKIO, V6, KinKi Kids, 아라시 등 많은 남성 그룹을 배출했다. SMAP은 TV "탤런트" 쇼와 싱글의 조합을 통해 1990년대 J-pop계에 큰 영향을 주었으며, 멤버 중 한 명인 기무라 타쿠야는 나중에 "기무타쿠"로 잘 알려진 인기 배우가 되었다.

1990년대 후반, 걸 그룹 SPEED가 매우 인기를 얻었으며, 1999년에 해체를 발표했다. 그룹은 2008년에 음악계로 돌아왔다. 샤란Q의 리더 출신 츤쿠가 프로듀싱한 여성 밴드 모닝구무스메는 발매 전부터 히트를 기록하는 등 매우 큰 인기를 얻었다. 이 그룹의 인기는 헬로! 프로젝트의 기원이 되었다. 10년 전 1980년대 여성 밴드인 오냥코클럽이 세운 패턴을 따라, 모닝구무스메는 여러 분파 밴드를 만들어냈다.

1990년대 후반과 21세기 초, 우타다 히카루, 하마사키 아유미, Misia, 쿠라키 마이, 시이나 링고와 같은 여성 가수들은 자신의 노래를 직접 작사/작곡하는 차트 1위 가수들이 되었다. 우타다 히카루는 1970년대 인기 가수였던 후지 케이코의 딸이다. 하마사키 아유미는 우타다의 동시대 라이벌로 만들어졌지만, 두 여성 모두 "경쟁"은 단지 소속사와 미디어가 만들어낸 것일 뿐이라고 주장했다.[128]

누자베스는 힙합 음악을 일본 주류 음악에 소개했다.[129] 1999년, Dragon Ash는 오리콘 차트 1위에 오른 곡 "Grateful Days"에 누자베스를 피처링했다.[130]

2000년대: 다양화

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하마사키 아유미, 런던, 2010년 2월

에이벡스 그룹

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하마사키 아유미는 2001년부터 2003년까지 일본 레코드 대상 역사상 처음으로 3년 연속 대상을 받았다.[131] 하마사키가 매우 유명해졌음에도 불구하고, 당시 그녀의 소속사 에이벡스 그룹 회장이었던 토 요다는 에이벡스가 현대 포트폴리오 이론을 무시했기 때문에 그녀의 전략은 위험하다고 주장했다.[132] 이러한 우려는 요다의 경영 방침 아래 회사의 다른 가수들(오오츠카 아이, 코다 쿠미, EXILE)도 2000년대 중반에 일정한 수준의 인기를 얻으면서 사라졌다.[132] 에이벡스 그룹 소속인 한국인 가수 보아 또한 한국인이면서 일본에서 높은 성공을 거두었다. 그녀는 다른 한국 아티스트들이 일본에서 다양한 수준의 성공을 거둘 수 있도록 한류의 문을 열었다.

착신음(Chaku-uta)

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2002년 12월, 휴대전화 회사 au에 의해 착신음(着うた, chaku-uta) 디지털 다운로드 시장이 만들어졌다.[133] 디지털 다운로드 시장은 빠르게 성장했고, 우타다 히카루의 2007년 곡 "Flavor Of Life"는 700만 건 이상의 다운로드를 기록했다.[134] 2007년 10월, EMI 뮤직 재팬은 우타다가 1년 내 1,000만 건의 디지털 판매를 기록한 세계 최초의 아티스트라고 발표했다.[135] 국제 음반 산업 협회의 2009년 디지털 음악 보고서에 따르면, 아오야마 텔마의 디지털 싱글 "곁에 있을게(소바니 이루네)"와 GReeeeN의 디지털 싱글 "Kiseki"가 2008년 다운로드 랭킹에서 각각 820만 건과 620만 건의 판매량을 기록했다.[136]

일본의 힙합과 어반 팝

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21세기 첫 10년 동안, 힙합 음악과 컨템퍼러리 R&B의 영향이 일본 대중음악에서 주목받기 시작했다. 2001년 11월, R&B 듀오 CHEMISTRY의 데뷔 앨범 The Way We Are는 첫 주에 114만 장 이상 판매되며 오리콘 주간 앨범 차트 1위에 올랐다.[137] RIP SLYME, 게쓰메이시와 같은 힙합 밴드들도 오리콘 차트 상위권에 있었다. 록 밴드 ORANGE RANGE는 음악에 힙합 요소를 가미했다.[138] ORANGE RANGE의 앨범 musiQ는 260만 장 이상 팔리며 2005년 오리콘 차트 1위 앨범이 되었다.

팝/R&B 가수 히라이 켄은 2006년 베스트 앨범 '10th Anniversary Complete Single Collection '95-'05 Utabaka'를 발매하여 200만 장 이상 판매하며 오리콘 연간 앨범 차트 1위를 차지했다. 팝/힙합 듀오 HALCALI는 오리콘 톱 10 차트에 진입한 최초의 일본 여성 힙합 아티스트라는 영예를 안았다. 그들은 또한 2008년 시카고의 애니메 센트럴 페스티벌과 뉴욕 센트럴 파크에서 열린 재팬 데이 등 해외에서 두 차례 공연했다. 에이벡스의 서브 레이블 리듬존 소속 댄스 보컬 그룹 EXILE은 여러 밀리언 셀러 앨범을 보유하고 있다. 그들의 앨범 'EXILE LOVE'는 2008년 오리콘 연간 앨범 차트 1위를 차지했다. 베테랑 래퍼 Dohzi-T는 2008년 성공적인 앨범 12 Love Stories에서 시미즈 쇼타, 고 히로미, 카토 미리야, 아오야마 텔마와 같은 인기 가수들과 협업했다.[139] 일본레코드협회에 따르면 2001년 일본의 신인 아티스트는 132명뿐이었지만, 2008년에는 512명으로 증가했다.[140] 2008년에는 아오야마 텔마를 포함한 14명의 신인 아티스트가 NHK 홍백가합전에 처음으로 참석했다.[141]

라이브 공연과 베테랑 음악가들의 인기

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후지 록 페스티벌의 그린 스테이지

Mr.Children, B'z, 사잔 올 스타즈, L'Arc~en~Ciel, GLAY와 같은 록 음악가들은 21세기 첫 10년 동안에도 차트 상위권에 머물렀다. Mr.Children의 노래 "Sign"은 2004년 제46회 일본 레코드 대상에서 대상을 받았다. 이 그룹이 2007년 앨범 Home을 발매했을 때, 앨범과 싱글 누적 판매량 5,000만 장을 돌파하며 7,500만 장 이상 판매된 B'z의 뒤를 이어 오리콘 차트 창립 이후 일본 역사상 두 번째로 많이 팔린 아티스트가 되었다.[142] 'Home'은 2007년 오리콘 연간 앨범 차트 1위를 차지했다.

실물 CD 판매는 감소했지만 라이브 공연 관객은 증가했다.[143] 야자와 에이키치는 록 페스티벌에 참여했고, 2007년에는 일본무도관에서 100회 콘서트를 마친 최초의 아티스트가 되었다.[144]

아무로 나미에와 같은 다른 아티스트들도 이 시기에 성공적인 발매로 긴 경력을 이어갔다. 그녀의 라이브 투어 나미에 아무로 베스트 픽션 투어 2008-2009는 일본 내 여성 솔로 아티스트 사상 최대 규모인 45만 명의 관객을 동원했을 뿐만 아니라 타이완과 상하이에서도 5만 명의 팬이 관람했다.[145][146] 오다 카즈마사의 2005년 앨범 '소카나'가 오리콘 주간 앨범 차트 1위를 차지한 반면, 2007년 싱글 "코코로"는 주간 싱글 차트에 진입하여 이시하라 유지로의 기록을 깨고 당시 최고령 1위 싱글 가수라는 기록을 세웠다.[147] 타케우치 마리야의 베스트 앨범 'Expressions'는 2008년 오리콘 앨범 차트 1위를 차지했는데, 이는 여성 가수 중 활동 기간이 가장 긴 최고령 1위 기록이었다.[148]

자니스 사무소

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자니스 사무소의 남성 그룹들은 여전히 유명했다. 2001년 SMAP은 베스트 앨범 'SMAP Vest'를 발매했는데, 첫 주에 100만 장 이상 판매되었다.[149] 2001년 11월, 자니스 사무소는 그들의 밴드 아라시를 위해 레이블 J Storm을 설립했다. SMAP의 2003년 싱글 "세계에 하나뿐인 꽃"은 200만 장 이상 판매되며 그해 오리콘 연간 싱글 차트 1위를 차지했다. 2007년, 기네스 세계 기록은 KinKi Kids가 데뷔 이후 25곡 연속으로 싱글 1위를 기록한 세계 기록을 세웠음을 인정했다.[150] SMAP은 시청률 면에서 NHK 홍백가합전에서 고군분투하는 모습으로 알려져 있었다.[151] 2008년, 남성 음악가들은 홍백가합전에서 4회 연속 승리라는 기록을 세웠다.[152] 아라시의 베스트 앨범 All the BEST! 1999-2009는 2009년 오리콘 연간 앨범 차트 1위를 차지했다.[153]

자니스 사무소는 또한 Hey! Say! JUMP, 타키 & 츠바사, NEWS, 칸쟈니∞, KAT-TUN과 같은 새로운 그룹을 배출했다. 2006년, KAT-TUN의 데뷔 싱글 "Real Face"(스가 시카오 작사, 마츠모토 타카히로 작곡)는 100만 장 이상 판매되며 오리콘 연간 차트 1위를 차지했다.[154] 2007년, 임시 자니스 주니어 그룹인 Hey! Say! 7은 평균 연령 14.8세로 오리콘 차트 1위를 차지한 최연소 남성 그룹이라는 기록을 깼다. 같은 해, Hey! Say! JUMP는 10명의 멤버로 구성된 자니스 역사상 가장 큰 데뷔 그룹이라는 기록을 세웠다. 그들은 또한 평균 연령 15.7세로 도쿄돔에서 공연한 최연소 그룹이 되었다.[155] 2008년 연간 싱글 차트에서 남성 아이돌 밴드가 실물 싱글 판매에서 이점을 누렸기 때문에, 혼성 그룹을 제외하고 여성 가수가 상위 30위 안에 든 곡은 아무로 나미에의 "60s 70s 80s"가 유일했다.[156] 2009년, 자니스 주니어 아티스트 나카야마 유마 w/B.I.Shadow는 여성 그룹 미니모니가 세웠던 기존 기록(14.8세)을 깨고 평균 연령 14.6세로 첫 싱글 1위 데뷔 최연소 아티스트가 되었다.[157]

커버 버전과 클래식 팝

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2001년 2월, 우루후루즈는 사카모토 큐의 1963년 곡 "내일이 있다"("Ashita Ga Arusa")를 커버하여 발매했다. 그들의 커버 버전은 우타다 히카루, Kinki Kids, 하마사키 아유미, 히라이 켄의 뒤를 이어 5위로 데뷔했다.[158] 3월, 요시모토흥업의 특별 밴드 "Re: Japan"도 "내일이 있다"의 커버 버전을 발매했다. 우루후루즈의 커버 버전이 8위에 머물렀을 때, Re: Japan 버전은 오리콘 주간 싱글 차트 1위를 차지했다.[159]

2003년, 아라이 만은 서양 시 "천 개의 바람이 되어"를 바탕으로 한 싱글 "천 개의 바람이 되어"를 발매했다. 일본에서 이 시는 1985년 사카모토 큐의 장례식에서 로쿠스케 에이가 낭독하여 유명해졌다.[160] 일본의 테너 가수 아키카와 마사후미는 2006년 이 곡을 커버했다. 그의 커버 버전은 클래식 음악 싱글 최초로 오리콘 차트 1위를 차지했으며 100만 장 이상 판매되었다.[161] 2007년 오리콘 연간 차트에서 이 싱글은 우타다 히카루의 "Flavor Of Life"를 꺾고 실물 싱글 판매 1위를 기록했다.[161] 오리콘은 이 노래가 J-pop이 아니라고 주장했다.[162] 반면, 젠온 뮤직의 악보는 이 곡을 J-pop으로 분류했다.[163]

토쿠나가 히데아키는 자신의 커버 앨범 시리즈 'Vocalist'에서 많은 여성 가수들의 노래를 커버했다. 그는 각각 2005년, 2006년, 2007년, 2010년, 2012년에 'Vocalist', 'Vocalist 2', 'Vocalist 3', 'Vocalist 4', 'Vocalist Vintage(Vocalist 5)'를 발매했다. 2007년 8월, 'Vocalist 3'는 오리콘 주간 1위 커버 앨범이 되었으며(2주간, 일본 기록 타이기록), 2010년 5월, 'Vocalist 4'는 일본 최초의 오리콘 월간 1위 커버 앨범이 되었다.[164]

2010년, JUJU의 Request나 코다 쿠미의 Eternity: Love & Songs와 같은 일본 노래 커버 앨범이 발매되었다. Superfly는 Wildflower & Cover Songs: Complete Best 'Track 3'라는 제목의 서양 록 노래 커버 앨범을 포함하는 싱글을 발매했고, 결국 밴드의 오리콘 주간 앨범 차트 3연속 데뷔 1위 앨범이 되었다.[165]

네오 포크와 네오 시부야계의 영향

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19, 유즈, 코부쿠로와 같은 포크 듀오들이 인기를 얻었다.[166] 그들의 음악은 "네오 포크"라고 불렸다. 2007년 10월, 코부쿠로의 더블 앨범 'All Singles Best'는 21세기 일본에서 남성 앨범으로는 처음으로 300만 장을 출하했다.[167] 2008년 1월, 그들의 앨범 5296은 하마사키 아유미가 8연속 1위 스튜디오 앨범 기록을 가지고 있었음에도 오리콘 차트에서 그녀의 앨범 Guilty를 이겼다.[168]

Plus-Tech Squeeze Box나 CAPSULE 같은 전자 음악 밴드들은 "네오 시부야계"라고 불렸다. CAPSULE의 멤버인 나카타 야스타카는 걸 그룹 Perfume의 작곡가 겸 프로듀서가 되었다.[169] 2008년 4월, 옐로 매직 오케스트라의 1983년 앨범 YELLOW MAGIC ORCHESTRA 이후 25년 만에 테크노팝 밴드로서 Perfume은 앨범 GAME으로 오리콘 차트 1위를 달성했다. 2008년 7월, 그들의 싱글 "Love the World"가 1위로 데뷔하며 오리콘 역사상 처음으로 1위를 차지한 테크노팝 노래가 되었다.[170] Mizca, SAWA, Saoriiiii, Sweet Vacation 등 다른 일본 여성 테크노팝 아티스트들이 뒤를 이었다.[171]

애니메이션 음악, 캐릭터송, 보컬로이드

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2000년대 후반과 2010년대 초반 동안, 성우와 캐릭터송 등 애니메이션 음악 산업이 일본 음악에서 차지하는 비중이 커졌다. 애니메이션 음악은 과거에 J-pop과 비주얼계 음악의 영향을 받았지만, 2006년 FanimeCon에서는 일본 인디 음악이 이 장르에 영향을 준 것으로 보인다.[172] 2007년, 성우 후지타 사키의 목소리를 샘플링하여 개발된 보컬로이드 하츠네 미쿠가 발매되었고, 많은 하츠네 미쿠 노래가 니코니코 동화에 올라왔다.[173] Livetune이나 Supercell과 같이 하츠네 미쿠를 특징으로 하는 음악가들 중 일부는 일본의 대형 레코드사에 합류했다. Livetune은 2008년 8월 27일 빅터 엔터테인먼트에서 'Re: Package'를 발매했고,[174] Supercell은 2009년 3월 4일 소니 뮤직에서 Supercell을 발매했다.[175] 앨범 'Re: Package'와 'Supercell'은 일본음악저작권협회(JASRAC)의 저작권 시스템 통제하에 들어가지 않았으며, 이는 시스템과 제휴한 메이저 레이블 소속 뮤지션들이라는 전통을 깨는 것이었다.[174]

2009년 6월, 성우 미즈키 나나의 앨범 ULTIMATE DIAMOND는 성우 앨범 최초로 오리콘 주간 차트 1위를 달성했다.[176] 애니메이션 시리즈 케이온!의 가공의 걸 밴드 방과 후 티 타임은 2009년 7월 22일 미니 앨범 '방과 후 티 타임'을 발매했다. 이 미니 앨범은 오리콘 주간 앨범 차트 1위에 데뷔하며 애니메이션 캐릭터 앨범 최초로 1위를 기록했다.[177] 애니메이션 시리즈 어떤 과학의 초전자포의 오프닝 테마곡이었던 fripSide의 싱글 "Only My Railgun"은 2009년 11월 발매 후 큰 히트를 쳤다.[178] 이 곡은 일본레코드협회로부터 실물 음반 및 스트리밍 부문에서 골드 인증을 받았다.[179] 2010년 5월, 하츠네 미쿠를 특징으로 하는 'EXIT TUNES PRESENTS Vocalogenesis feat. Hatsune Miku'는 4주 연속 1위를 차지했던 토쿠나가 히데아키의 'Vocalist 4'를 제치고 보컬로이드 앨범 최초로 오리콘 주간 차트 1위에 올랐다.[180]

2010년대: 아이돌 그룹의 인기

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AKB48은 2010년부터 매년 오리콘 연간 싱글 판매 랭킹에서 1위를 차지했다.[181]

2000년대 후반부터 아이돌 그룹이 점점 더 많이 등장했다. 일본 연예계에서 아이돌 그룹의 높은 숫자는 센고쿠 시대에 빗대어 "아이돌 전국시대"라고 불리기도 한다.[182] 2010년대에 가장 성공한 그룹 중에는 Hey! Say! JUMP, AKB48, 아라시, 칸쟈니∞, 모닝구무스메, 모모이로 클로버 Z가 있다.[183][184]

하라주쿠 기반 패션 모델인 캬리 파뮤파뮤는 2011년에 음악적으로 데뷔했으며, 그녀의 데뷔 싱글 "PONPONPON"으로 케이티 페리[185]와 아리아나 그란데[186] 등 서양 유명인들에게 인정받으며 국제적인 인기를 얻었다. 그녀는 Perfume을 프로듀싱하는 나카타 야스타카가 프로듀싱했다. 이후 그녀는 노래 "닌자리반반"과 "패션몬스터"로 성공을 거두었다. 2014년 동안, 약 48만 6천 명의 관객이 모모이로 클로버 Z의 라이브 콘서트에 참석했는데, 이는 일본 여성 음악가 중 기록된 최대 콘서트 관객 수였다.[187]

2019년, AKB48은 총선거 연기를 발표했고,[188] 아라시는 그룹의 활동 중단을 발표했다.[189]

에이지 프리 뮤직

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엔카도, 가요쿄쿠도, J-pop도 아니며 세대를 초월하는 "에이지 프리 뮤직"(일본어: エイジ・フリー・ミュージック)을 만들려는 시도가 있었다. 15개의 레코드 회사가 캠페인을 벌였다. 에이지 프리 뮤직은 도미자와 잇세이(일본어판)라는 음악 평론가가 지원하고 있으며, 그는 Age Free Music!(일본어판)라는 라디오 프로그램을 진행하고 있다.[190][191][192][193][194][195]

2020년대: 전 세계적인 인기

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아이돌 그룹은 2020년대에도 여전히 관련성을 유지하고 있다. 2024년 일본 설문조사에 따르면 인기 있는 일본 그룹에는 ME:I, Number i, 나니와단시, Snow Man, FRUITS ZIPPER, NiziU가 있다.[196] 인기 솔로 가수와 듀엣에는 YOASOBI, Mrs. GREEN APPLE, Creepy Nuts, Ado가 있다.[197]

J-pop은 이전에는 없던 인기를 얻으며 글로벌 차트에 나타나기 시작했다.[198][199] YOASOBI의 노래 "아이돌"은 빌보드 글로벌 Excl. U.S. 차트에서 1위를 차지한 최초의 일본 노래가 되었으며,[198][200] 애플 뮤직[201]과 유튜브 뮤직 차트에서도 1위를 기록했다.[202] 2024년까지 쇼와 레트로와 기타 일본 팝 음악은 한국에서 특히 인기를 얻고 있다.[203][204][205][206][207] 이 시기에 국제적으로 장르를 이끄는 주요 아티스트로는 YOASOBI, Creepy Nuts, Ado, 후지이 카제, LiSA, King Gnu가 있다.[208]

아티스트

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일부 일본 팝 아티스트들은 일본 내에서 극도로 인기가 많으며, 일부는 아시아뿐만 아니라 서구권에서도 팬층을 보유하고 있다. 그들은 음악뿐만 아니라 패션에도 영향을 미친다. 2016년 기준, 일본 오리콘 차트 역사상 가장 많이 팔린 아티스트 톱 5는 B'z, Mr.Children, 하마사키 아유미, 사잔 올 스타즈, DREAMS COME TRUE이다.[142] 이들 중 하마사키는 유일한 솔로 아티스트라는 기록을 보유하고 있다.[209]

같이 보기

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각주

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  1. ↑ 두 가지 뜻이 혼용되기도 한다. 현대에 와서는 주로 전자의 의미, 즉 대중음악(Popular Music)의 약어로서의 '팝'의 뜻이 더 많은 케이스에 쓰이고 있다. 후자의 의미, 일본식 팝(Pop)은 일본어 팝 스타일의 가요 장르를 총칭할때 쓰인다. 비슷한 예로 K-POP이 있다. K-POP이란 사실상 한국의 아이돌 댄스 음악을 뜻하지만, 포괄적인 뜻으로 표기할 때는 트로트부터 한국식 발라드까지 총칭하는 것처럼 그렇다.
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외부 링크

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