TEMA 47: LA LIRICA RINASCIMENTALE.

GARCILASO DE LA VEGA

1. CONTEXTO SOCIOCULTURALE
Come atto di battesimo della lirica rinascimentale si considera di solito la conversazione tra Boscán
e Navagiero nel 1526. A partire da questa data il petrarchismo inizia a delineare le linee essenziali
della nostra lirica e si fissano le linee di riferimento che offrono gli archetipi oggi duraturi. La
la penetración del petrarquismo en Spagna si inserisce in un contesto culturale e politico specifico:
i primi anni del regno di Carlo V. Questo momento storico si caratterizza per:
- Dinamismo politico: la monarchia spagnola si espande territorialmente e politicamente.
- Dinamismo culturale: si crede in un patrimonio romano e cristiano, chiamato a unificare l'Europa.
L'idea imperiale si basa su un'antica idea medievale: l'imperatore deve mantenere la
unità europea su una lingua comune e una unica religione.
- Apertura della Spagna al resto d'Europa, soprattutto all'Italia che contribuisce alla nostra cultura
raffinamento nella vita e nelle abitudini, il concetto di “civiltà” con la ponderazione di
lo civile di fronte a quello militare e guerriero; e la riflessione sulla propria lingua, che si considera
compagna dell'impero, come si manifesta nel Dialogo della lingua di Valdés.
L'influenza di Erasmo nella cultura spagnola è radicale: offre una visione culturale di
ordine pratico ed esistenzialista del religioso e del morale.
- Il mercato del libro si sta agilizzando, anche se la lettura rimane patrimonio di pochi. Esistono
inoltre altre vie di diffusione alternative:
. Cartapaci: antologie manoscritte che confezionavano gli adepti alla poesia
. Antologie stampate che diffondevano soprattutto la poesia octosillabica
. Canto o musicalizzazione di testi poetici
. Novela: all'interno del racconto si inseriscono poesie, così Cervantes diffuse la sua poesia.
. Pliegos sciolti: letteratura di corda in cui si diffusero soprattutto i romanzi.
. Teatro collegiale: nelle attività sceniche della scuola vengono presentati alcuni poesie

A. BREVE CARATTERIZZAZIONE DEL RINASCIMENTO

Il termine Rinascimento, coniato da Michelangelo nel XIX secolo, designa il movimento culturale
che si sviluppa in tutta Europa con la decomposizione del Medioevo. Per Burckhardt il
Il Rinascimento implica l'impianto dell'ideario del Quattrocento italiano nella letteratura e nel
arte europeo. È una cultura nuova che si oppone al medievale in diversi ordini, in cui il
lo spirito del Quattrocento italiano si rifletterà nella Spagna del XVI secolo:
Ritorno all'antichità greco-romana, attraverso lo studio e l'utilizzo delle sue fonti.
Antropocentrismo: l'uomo è misura di tutte le cose e non Dio.
Individualismo
Secolarizzazione
- Auge della borghesia
- Platone serve da guida spirituale detronizzando Aristotele.
- Nazionalizzazione dell'umanesimo. Studio delle proprie fonti. Il vero umanista del
Il Rinascimento è Fray Luis per la sua difesa dello spagnolo a oltranza.
- Preoccupazione per il nazionale, da cui lo studio delle lingue vernacolari. Si attribuisce una
grande importanza alla lingua vernacolare come veicolo letterario e culturale. In precedenza,
Santillana si dedicava già al coltivare la lingua, ora questa idea fa parte del pensiero
della maggior parte. Una prova di ciò sarà l'edizione in Spagna della prima Grammatica di Lebrija
nel 1492 (prescriptita) e il Dialogo della lingua di Juan Valdés (più descrittivo che la
anterior: llaneza espressiva: scrivo come parlo).
Influenza di Erasmo e le sue concezioni che hanno portato a una Spagna più aperta verso
Europa. Propone un ritorno alla religiosità precedente, un'esperienza di introspezione della

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 religiosità e un ritorno del clero alla cultura. Si produce una secolarizzazione della cultura:
Nel 1508 si produce la fondazione dell'Università di Alcalá de Henares per risolvere la
incultura del clero.
- Concezione più universale della letteratura, con procedimenti come l'imitatio, che
possono rendere possibile l'esistenza di un'episteme comune a tutto l'Occidente europeo.
- Concetto di poesia d'arte: poesia come un oggetto bello.

Il periodo che inizia in luci termina in ombre anche se non è un ostacolo affinché si dia una
letteratura di qualità.

2. LA LIRICA RINASCIMENTALE: TRA LA POESIA DI CANCIONERO E LA

POESIA ITALIANIZZANTE.
La lirica rinascimentale spagnola nasce dalla confluenza di due correnti: la continuazione del
mundo poetico dei Cancioneros del secolo XV e l'introduzione delle forme italianizzanti di
raigambre petrarchesca, da parte di Boscán e Garcilaso.
Entrambe erano conseguenza dell'implementazione di un'intera epistemologia poetica, ben consolidata
in Europa, che parte della lirica provenzale
A partire dal 1526 la lirica raggiunge le sue vette più alte con la riscrittura di un petrarchismo con
accenti della lingua spagnola, che impregna la cosmovisione poetica incentrata sul tema amoroso
e nelle sue molteplici ramificazioni.

A. CONCOMITANZE TRA LIRICA CANTAUTORA E LA NUOVAPOESIA

La poesia di canzoniere si componeva per essere cantata, letta o recitata alla corte, luogo
propizio per cantare all'amore e lodi alle dame, dando spazio anche ai lamenti, ai
considerazioni morali e ai giochi di ingegno poetico.
La poesia della Bassa Età Media affonda le sue radici in un terreno comune a tutto l'Occidente
europeo: la triplice eredità rappresentata dallo spirito e dalla liturgia cristiani, dalla tradizione classica latina e
l'influenza dei trobadour provenzali. Attraverso il fondo comune trobadoursco, si originano
múltiples coincidenze tra la poesia castellana e il codice petrarchesco:
l'amore come servizio che dignifica l'innamorato
la descrizione ponderativa dei sentimenti
il godimento del dolore
la lotta tra la ragione e il desiderio
l'ansia della morte
turbamento davanti all'amata.

La lirica castellana del XV secolo già prepara un clima poetico affine al petrarchista: l'idea del
amor come destino imposto nonostante il libero arbitrio umano, le tensioni provocate da
contraddizioni interne, il piacere nel ricordo, la sensibilità verso la natura... La poesia
di canzoniere aveva inoltre tra i suoi principali effetti formali un elevato concettismo: la
l'antitesi dota di forma verbale alla contesa interiore che sottende alla passione amorosa.
Alla fine del XV secolo, la poesia del canzoniere era un prodotto estetico molto elaborato.
anche se era già esausto riguardo a forme e temi; per questo motivo trionfarono presto
le novità italiane introdotte da Boscán e Garcilaso: i metri lenti, riposati, meno
pendenti che l'ottosillabo di una rima urgente; il fluire dell'endecasillabo e del
l'heptasillabo rifiuta l'espressione diretta e il realismo frequenti nei canzonieri e suppone il
ritmo appropriato per l'esplorazione interiore.
Ci sono due grandi temi che instaura la nuova scuola poetica: l'interiorismo, l'esplorazione del
io e il trascorrere dell'anima e il rapimento di fronte alla contemplazione della natura.

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 B. FORME E SPIRITO ITALIANI NELLA POESIA: IL CODICE POETICO
PETRARQUISTA.
Il maestro indiscutibile del nuovo arte rinascimentale è Petrarca e accanto a lui appaiono
figure importanti come Sannazaro e Ariosto, che tutelano i poeti con l'adesione a
modelli latini, costituiti principalmente da Virgilio, Orazio e Ovidio.
Le basi che sostengono il petrarchismo sono:
- L'imitatio: l'ideale retorico dell'imitazione si basa su un atteggiamento di ammirazione nei confronti dei
modelli classici. Ogni creazione deve partire da un modello, poiché essa è concepita come
ricreazione, che consiste nel mantenere la fedeltà verso i temi ma con modelli retorici
nuovi, cioè, rispettare il contenuto cambiando la forma.
Coerenza tra forma e contenuto, rispetto del vecchio precetto virgiliano della misura tra
la res e la verba.
- Dotazione detono personale alla tematica amorosa: di fronte al carattere astratto dell'amore
trasmesso dalla poesia del canzoniere, la nuova poesia italianizzante fa del tema amoroso
il trasunto dell'esperienza vitale: il tono esperienziale e il io poetico inondano la composizione.

- Nuovo concetto di versificazione: radicano principalmente il sonetto, in endecasillabi, e la

canzone, in settenari. Furono introdotti anche il terzetto dantesco e l'ottava reale utilizzati
nella poesia di intenzione moralizzante o narrativa.
Ma la novità più importante nella nostra metrica è l'importanza concessa a
endecasillabo come unità di base. La qualità di questo verso si basa sulla musica interna, in
la disposizione accentuale, in un senso del ritmo che dipende dalla distribuzione degli accenti
e non della rima. È un verso di qualità tecnica pura.
- Introduzione delle correnti amorose del neoplatonismo: si abbandona l'idea medievale del
l'amore come punizione e destino tragico, l'amore è ora qualcosa di buono in sé stesso.
Il concetto amoroso della lirica del XVI secolo si riassume a grandi linee nel modo seguente: Il
l'amore si concepisce come bene e come desiderio; l'amore cerca di essere corrisposto e deriva da
bellezza dell'amata, per questo tutto ciò che è visivo (gli occhi, lo sguardo...) diventa isotopia. La
la ferita dell'amore è gradevole, la ragione è sconfitta dall'amore, l'assenza dell'amata produce
dolore perché si separano due esseri che in realtà sono uno; La dama non deve essere solo bella,
poiché la sua bellezza conduce il poeta al Sommo Bene, ma deve anche possedere una
serie di virtù. I neoplatonici apportano alla visione poetica dell'amore due concetti
fondamentali: l'amore tra l'uomo e la donna è trattato dai due poli, con ciò che
si attribuisce alla donna un'importanza diametrale. D'altra parte, si considera che attraverso il
l'amore porta a Dio e all'assoluto: in esso si verifica un processo di ascesa simile a ciò che
esprimi la mistica.
Le due costanti riferimenti nel neoplatonismo sono la donna e la natura, surrogato del
sentire del poeta. Entrambi sono riflesso della bellezza divina e presentano un codice estetico
reiterato una e l'altra volta.

3. GARCILASO DE LA VEGA (1501 – 1536)

A. L'OPERA
L'opera di Garcilaso è breve, costituita da cinque canzoni, tre egloghe, due elegie, una
epistola in versi a Boscán, 38 sonetti e alcuni esempi di poesia tradizionale.
Nella sua opera confluiscono le correnti estetiche in voga, diventando il paradigma della lirica
del XVI secolo. Queste correnti sono:
- L'elemento classico: sia la tematica greco-latina che i suoi precetti artistici.

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La sintesi di diverse correnti che ha presupposto la poesia del canzoniere: la tradizione provenzale
diretta, quella trasmessa dai trovatori gallego-portoghesi, i nuovi influssi di
poesia islamica, le irradiazioni del dolce stil nuovo e Petrarca e gli echi di Ausiàs March
- L'eredità di Petrarca: rivelazione dell'anima moderna con i suoi desideri e disperazioni,
contraddizioni e melanconie, approfondendo la conoscenza del regno interiore mentre
inaugura un nuovo sentimento dell'amore, della bellezza femminile e della natura.
- La concezione amorosa derivata dal lascito provenzale in concomitanza con il petrarchismo,
secondo la quale l'amore è concepito come culto e servizio.
- La concezione dell'arte e la forma poetica: Petrarca inaugura l'anelito dell'opera compiuta e
imperituro che significava ansie di celebrità, desideri di eternarsi e di eternizzare a
amata, attraverso la fama ottenuta dai versi.

B. DISPOSIZIONE DELL'OPERA GARCILASIANA

Ci sono stati molti tentativi di dare unità all'opera di Garcilaso, il più interessante è il
deAntonio Prieto, che considera che l'opera di Garcilaso possa essere ordinata in modo di
Canzoniere petrarchesco
Petrarca compose il suo Canzoniere con un criterio intenzionale: lasciare i suoi poemi pronti per la
posterità. La disposizione della sua opera riflette un processo poetico, la riordina e la sottopone a un
ordine non cronologico, ma narrativo. Narra la storia di un processo vitale visto poeticamente
per mostrare i momenti del processo amoroso. Laura agisce come elemento coesivo,
fino al punto che diventa il motivo divisorio: Rimae in vita / Rimae in morte.
Secondo A. Prieto, se la morte non gli fosse sopraggiunta all'improvviso, Garcilaso avrebbe ordinato
su opera secondo questo modello. Prieto indica i seguenti traguardi nella vita del poeta:
Anno chiave 1526: Garcilaso incontra Isabel a Granada, si innamora e come risultato elabora
Il sonetto V. La donna si insedia nella sua anima e diventa il motore della sua scrittura.
Anno 1529: Garcilaso parte per l'Italia dopo che Isabella sposa Fonseca. Il poeta adotta
un atteggiamento di risentimento riflesso nella Canzone 2ª e nel sonetto III.
Anno 1530: torna in Spagna e trascorre alcuni giorni a Toledo, fatto che viene raccolto nel Sonetto IV.
È un momento di ritrovata speranza, ma dura poco.
Anno 1534: riceve la notizia della morte di Isabella e inizia un cambiamento di rotta nella sua opera.
Il poeta si rivolge a lei con altri termini, perfino con un'altra forma strofica. Per questo nella
Nell'Égloga I c'è un disgregamento poetico:
- Garcilaso – Salicio racconta le esperienze poetiche con Isabel viva come asse centrale.
- Garcilaso – Nemoroso narra le esperienze con il fulcro di Isabella morta.
Il ipotetico canzoniere si chiuderebbe con l'Égloga III, destinata al ricordo sereno,
idealista e sereno dell'amata, che si incornicia in una coordinata temporale acanonica e
ubicata in uno spazio idilliaco. Prieto lascia senza collocare l'Égloga II, di minor lirismo.

C. TRAIETTORIA POETICA DI GARCILASO

1. L'iniziazione al Petrarchismo: A Petrarca Garcilaso deve molti dei tratti che
caratterizzano le sue opere: la tecnica artistica, il tema dell'amore come asse portante, l'analisi di
le emozioni e i contrasti sottili, l'atteggiamento spirituale di malinconia amara e tenera, di fronte a un
amore inaccessibile. Ci sono composizioni in cui l'imitatio arriva a una completa assimilazione:
- La canzone I inizia ispirandosi al sonetto CXLV dell'italiano e a un'ode horaziana.
Tuttavia, il contenuto della poesia si avvicina alla precedente lirica spagnola e non si adatta
bene alla tersa lentezza dell'endecasillabo. Non cerca la morbidezza ma l'intensità.

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La canzone II mostra un atteggiamento essenzialmente petrarchista: ricerca della solitudine, dove
la natura è testimone delle sofferenze del poeta. Si continua a notare l'influenza della
poesia di canzoniere.

2. Conflitto tra due arti: Tra il 1529 e il 1532 il petrarchismo di Garcilaso arriva al suo
massima espressione. In questo periodo viene rifiutato dalla donna amata e trova quindi in Petrarca
e in Ausías March ai mentori capaci di guidarlo nella sua lotta interiore, delle sue alternative
tra la speranza e la disillusione.
La canzone IV: è l'opera più importante di questi anni. Con gli insegnamenti di March è
capace di creare un tono esasperato e fornire idee per un'azione allegorica in cui
contendono la Ragione e l'Appetito, soccombendo la prima. In essa lottano anche due
tecniche: la prima più spontanea di origine ispanica, si caratterizza per un'espressione
veemente, tratti accentuati dalla preoccupazione spirituale e dall'influenza letteraria di A. March.
La seconda è la tecnica petrarchesca, più serena e ricca di elementi sensoriali.
- I sonetti I e VI: nel primo i versi iniziali ricordano l'errore di Dante per la
selva oscura, il ricordo del passato si cancella per la forza del male presente. Nel sonetto VI
La dipendenza rispetto al Canzoniere è stretta.
La Canzone III introduce la natura come elemento armonico con il sentire dell'io poetico.

3. La collaborazione con Boscán: La storia dell'apprendimento poetico di Garcilaso non può

obviare la figura di Boscán. Lo scambio amichevole li portò a un vero scambio
estetico: Boscán fu il primo a dare i tentativi innovativi, Garcilaso chi sapeva portarli a
cima della perfezione. Il patrimonio di motivi letterari e atteggiamenti vitali di entrambi i poeti si
caratterizzava per l'intimismo, la contemplazione, personificazioni, allegorie, concettismo, ecc.

4. Sannazaro, Ariosto e i classici: A partire dal 1532 - 1536 l'accomodamento dei

i classici raggiungono la loro massima cima. Stabilito a Napoli, la vita letteraria del Rinascimento gli si
mostra in tutta la sua ricca intensità. Garcilaso amplia le sue letture di greci e latini e le
incorpora nella sua opera, che diventa un puro culto alla bellezza. A questo scopo collaborarono le
influenze di certi autori contemporanei, come Sannazaro e Ariosto, e di
classici, soprattutto Virgilio, Orazio e Ovidio:
- Sannazaro è stato l'autore coevo che più lo ha influenzato. L'Arcadia rivela il mondo del
bucolismo e della contemplazione estetica della natura. Garcilaso fece suo il mondo
pastorale di Sannazaro e inoltre infuse alle sue stesse egloghe una forza vivificante
assente nel libro dell'italiano.
Nell'autore di La Arcadia, l'abbondanza di epiteti e superlativi è consustanziale, poiché
che bisogna dotare ogni elemento della natura del proprio animismo. Così, la poesia di
Garcilaso trasforma l'aggettivazione in un piacere per i sensi. Allo stesso tempo, il suo
l'espressione acquisisce plasticità: colore, movimento, musicalità...
- Ariosto è stata un'altra delle sue letture predilette, in modo che l'influenza dell'Ariosto si fa sentire.
sentire in episodi di grande magnitudo.
- Virgilio, Orazio e Ovidio: dopo aver seguito i suoi coetanei italiani Garcilaso ha imparato a tornare
lo sguardo alle fonti. Impara la tecnica imitativa e inonda la sua opera di riferimenti
costanti e varie, dotandole di una grande personalità. Garcilaso perseguita la perfezione
della lirica oraciana mediante un rigoroso cura della forma e con Ovidio accentua il suo
abilità descrittiva.

5. L'egloga II: Nonostante sia così numerata, la sua scrittura è anteriore a quella dell'egloga I.
È l'opera più estesa di tutta la produzione garcilasiana. La sua struttura si basa su

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juxtaposizione di una pastorale dialogata e di un racconto panegirico. La poesia comprende tre parti:
una azione drammatica e due ampie narrazioni: l'azione ha come nucleo argomentativo i
amori del pastore Albanio per Camila. Albanio sta per annegare e viene salvato da Salicio e
Nemoroso.
La scelta delle forme metriche è dovuta all'influsso di Sannazaro: i terzetti sono usati in
monologhi e dialoghi drammatici e in parti narrative, le stanze appaiono in momenti di
azione pacata e hanno una funzione corale. L'opera mostra una disposizione molto simmetrica,
collocando al centro le scene di maggiore movimento drammatico. In generale, l'egloga II si
aggiusta a un piano in cui ogni parte determina la presenza, le dimensioni, il metro e il carattere di un'altra.

a) Alcune interpretazioni: uno degli aspetti che ha suscitato maggiormente l'interesse della critica è
chi si riferisce a chi è il trasunto reale di Albanio. Le interpretazioni pongono fino a
quattro possibilità: la più classica sostiene che si tratta del duca d'Alba, altri critici
alcuni considerano che sia lo stesso Garcilaso. Alcuni ritengono che si produca un
desdoblamiento del poeta: Albanio incarnerebbe la passione disperata e Nemoroso la libertà
conseguita dopo la dura lotta. La quarta possibilità è che Albanio sia don Bernardino di
Toledo, fratello minore del duca, che essendo ancora giovane poteva permettersi l'umorismo.
verso la sua persona, caratteristica che fa pensare ad alcuni critici che il pastore non incarni la
figura del proprio duca.
b) Fonti e originalità: Garcilaso incorpora nel poema il frutto delle sue recenti letture: sono
evidenti le tracce de La Arcadia di Sannazaro e dell'Orlando di Tasso, così come di
Horacio, Ovidio, Catulo, Juan de Mena e persino Fernando de Rojas. Nonostante tutto la
l'opera mostra una notevole originalità nella relativa mobilità drammatica, nella semplicità di
dialoghi e nel autentico sentimento della natura e il potere di ispirazione di essa
c) Valor e significato dell'ecloga II: occupa un posto centrale, da una parte si collega con la
produzione precedente ma per altra con la seguente: creazione saggia, piena di reminiscenze
culturas rielaborate, dotata di plasticità e armonia. In essa confluisce il meglio di
generi di moda dell'epoca: bucolismo, commedia, tragedia e poema eroico.

6. Poemi “in morte”. L'elegia I: Questa elegia esprime l'emozione avvolta nel
scenario pastorale. Il poeta si sdoppia nei due personaggi che erano già comparsi nel
egloga II. Questa duplicità Salicio–Nemoroso è legata ad altri contrasti della propria personalità
literaria. Il piano compositivo dell'opera si adegua allo schema della VIII Bucolica di Virgilio.
- Salice rappresenta l'amante ferito, rimprovera alla dama la sua crudeltà, libera l'amore.
proprio ferito e si lamenta.
La lamentazione di Nemoroso rappresenta la più perfetta compenetrazione di Garcilaso con lo
meglio della poesia petrarchesca. Le poesie in morte del Canzoniere si lasciano vedere nei loro
parole, ma non come pura imitazione, bensì come un perfetto stampo in cui versa il suo dolore
reale. La natura personificata si mostra compassionevole con il sentire poetico del io lirico.

7.ConLa égloga IIIGarcilaso impara a rifugiarsi nell'arte, la poesia è un mezzo per

scappare dalla realtà. In questa egloga, forse la sua ultima creazione, raggiunge la massima abilità
tecnica. L'opera consiste in due parti: da un lato quella dedicata alle ninfe e alle loro opere, le loro
I ricami rappresentano scene di amori sfortunati della mitologia classica: Orfeo ed Euridice,
Apolo e Dafne, Venere e Adone; la seconda parte è occupata dal canto di Tirreno e Alcino.

8. Tre nuovi generi: Garcilaso introduce nella nostra letteratura questi tre generi:
-Epistola a Boscán: è la prima epistola oraziana della letteratura spagnola. È una miscela
perfetta dei precetti dottrinali e del tono familiare e amichevole.

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-Elegia dedicata al fratello minore del Duca d'Alba
-Ode al fiore di Gnido: è un'imitazione perfetta dell'Ode I di Orazio. La versione del
Toledano è così cruciale che il nome della strofa utilizzata passa alle lettere spagnole
Dal primo verso di questa composizione: Se dalla mia bajalira...

4. LA SCUOLA GARCILASISTA
L'accettazione del nuovo stile introdotto da Garcilaso e Boscán fu rapida e già nel secolo
Il XVI toledano ebbe seguaci. Questi poeti erano quelli che prima erano riusciti a ottenere fama con il
coltivazione della poesia tradizionale di canzoniere, il che segna che non ci fu un taglio radicale
tra entrambe le arti. Dei seguaci di Garcilaso si distinguono quattro, uniti anche dall'amicizia,
ciò che rende più fruttuose le influenze è il trovarsi in contatto diretto:
DIEGO HURTADO DE MENDOZA: usò la metrica tradizionale e il nuovo stile italianizzante.
GUTIERRE DE CETINA: mostra la postura estetica più vicina a Garcilaso, la sua poesia è
di tematica amorosa, è dispersa e non fu pubblicata neppure in vita del poeta.
HERNANDO DE ACUÑA: coltiva il metro italiano e la tematica classica, mette in risalto il suo Sonetto
al Rey Nostro Signore.
FRANCISCO SÁ DE MIRANDA: È per la letteratura portoghese ciò che Garcilaso è per la
ispaniche. Si distingue la sua eglogaNemoroso, scritta in memoria di Garcilaso, alla sua morte.

4. CONCLUSIONE

All'inizio si concretizzava in un aspetto culturale o estetico, ma col tempo, il

Il significato di 'Rinascimento' si è ampliato, diventando oggi un'espressione che identifica tutto
un'epoca.
Se comprendiamo che i Secoli d'Oro iniziano con il regno di Carlo I, nel 1519, e
si concludono con la morte di Calderón nel 1681, l'inizio della lirica rinascimentale spagnola deve
situarsi nei primi decenni del XVI secolo.
Le relazioni politiche con la penisola italica hanno aiutato all'installazione del
Rinascimento nel nostro paese. In quegli anni, docenti e studiosi, della statura di Antonio di
Nebrija o i fratelli Juan e Alfonso Valdés portano nelle università e nelle corti spagnole
lo spirito dell'Italia del Rinascimento. La tradizione castigliana era, ancora nella prima metà del
XVI, la cancioneril, con sus metros y formas propias: octosílabos, concettismi, giochi di
parole…
Nel 1526 Carlo I sposa Isabella di Portogallo a Granada; lì Juan Boscán conversa
con Andrea Navagiero riguardo alla necessità di introdurre qui la nuova estetica, lavoro che si
si svolgerà con successo: questa è la data di nascita della poesia lirica rinascimentale nel nostro
paese, poesia che raggiunge il suo massimo splendore nelle composizioni di Garcilaso e che sarà
ampiamente coltivata dai suoi seguaci, ma che avrà anche il rifiuto di alcuni
autori, come Cristóbal de Castillejo.
Garcilaso fu ammirato dai suoi contemporanei ed è stato successivamente considerato come
il principe dei poeti poiché sapeva dominare il linguaggio, dotarlo di armonia, flessibilità e
eleganza. Strofe come il sonetto, la lira e il terzetto, iniziano con Garcilaso e perdurano in
la nostra poesia.
I metri italiani continuarono ad essere utilizzati nel XVII secolo e, addirittura, fino all'arrivo
del Modernismo. Nei nostri giorni, poeti come Miguel Hernández e Luis Rosales si sono
trovato sotto l'influsso di Garcilaso.