Books by francesca rachele oppedisano
Ti con Zero, 2021
Algorithms that use error as a system for generating forms, synthetic biological apparatuses, int... more Algorithms that use error as a system for generating forms, synthetic biological apparatuses, intuitive eukaryote microbes and artificial intelligences, territorial transformation processes, desertification, space exploration and Martian panoramas. The research of the artists involved in the T Zero exhibition is configured as a venue for debate, for discarding or overturning the themes and paradigms of our contemporary world: profiling and automation, the frontiers of medical genetics, global warming, ecological reconversion, forecasting models and spillover. Through direct collaboration with scientists and research institutes, and making the best possible use of the sweeping opportunities offered by technology, these artists transcend the current moment of applied research and using the imaginative strength proper to the work of art they configure unique and occasionally dystopic visions of the potential future. T Zero, based on a tale by Italo Calvino published in 1967, is a mathematical notation used to indicate the first moment at which one begins to observe a phenomenon, a moment of stasis fixed in time and space that opens up to endless possibilities. This dimension turns out to be a privileged viewpoint in which knowledge and imagination can converge. The thirty Italian and international artists involved in the exhibition have based their research path on the exchange, dialogue and interaction between these two environments.
Several of the most celebrated players on the contemporary art scene such as come Tacita Dean, Agnes Denes, Antony Gormley, Pierre Huyghe, Ryoji Ikeda, Carsten Nicolai, Roman Ondak, Giuseppe Penone, Rúrí and Sissel Tolaas dialogue with a selection of artists of a younger generation including Hicham Berrada, Tega Brain, Dora Budor, Revital Cohen, Alexandra Daisy Ginsberg, Adelita Husni-Bey, Christian Mio Loclair, Daniel Steegman Mangrané, Richard Mosse, Rachel Rose, Jenna Sutela, Troika and Tuur van Balen, and with a number of famous artists of the past such as Alighiero Boetti, Gino De Dominicis, Albrecht Dürer, Nancy Holt and Robert Smithson, Channa Horwitz, Gustav Metzger, Roman Opałka and Rudolf Steiner.
THREE STATIONS FOR ART-SCIENCE
From 12 October 2021 to 27 February 2022 the Palazzo delle Esposizioni in Rome has hosted "Three Stations for Art-Science", a sweeping project seen from three different viewpoints: the historical viewpoint (The Science of Rome: a City's Past, Present and Future); the artistic viewpoint (T Zero); and the viewpoint of contemporary scientific research (Uncertainty: Interpreting the Present, Foreseeing the Future).
L'arte come percezione dell'invisibile- Disegni alla lavagna di Rudolf Steiner , 2011
Il corpo della voce. Carmelo Bene, Cathy Berberian, Demetrio Stratos, Catalogo della mostra a cura di Anna Cestelli Guidi e Francesca Rachele Oppedisano, 2019
Il catalogo della mostra "Il corpo della voce. Carmelo Bene, Cathy Berberian, Demetrio Stratos" (... more Il catalogo della mostra "Il corpo della voce. Carmelo Bene, Cathy Berberian, Demetrio Stratos" (con testi di Guido Barbieri, Adriana Cavarero, Anna Cestelli Guidi, Angela Ida de Benedictis e Nicola Scaldaferri, Franco Fussi, Luca Nobile, Francesca Rachele Oppedisano, Gianni Emilio Simonetti, Graziano Tisato) è dedicato alla voce intesa come pura potenzialità sonora e intende ripercorrere quegli avvenimenti che hanno infranto il legame indissolubile tra il significato della parola e la sua dimensione sonora, attraverso la scelta di alcune opere di tre straordinari protagonisti: la cantante mezzosoprano americana di origine armena Cathy Berberian (1925-1983), l’attore e regista Carmelo Bene (1937–2002) e il musicista cantante di origine greche Demetrio Stratos (1945-1979). Il catalogo contiene numerosi documenti esposti per la prima volta al pubblico, una documentazione resa possibile grazie alla consultazione di diversi archivi che hanno permesso di mostrare del materiale mai divulgato prima. / The exhibition catalogue (with essays by Guido Barbieri, Adriana Cavarero, Anna Cestelli Guidi, Angela Ida de Benedictis e Nicola Scaldaferri, Franco Fussi, Luca Nobile, Francesca Rachele Oppedisano, Gianni Emilio Simonetti, Graziano Tisato) is devoted to the Voice in terms of its potential as pure sound. It sets out to provide an overview of the artistic events which broke the indissoluble bond between the meaning of a word and its sound dimension by showcasing a selection of works by three outstanding figures from the second half of the century: Cathy Berberian (1925–83), an American mezzo soprano singer of Armenian origin; actor and director Carmelo Bene (1937–2002); and Demetrio Stratos (1945–79), a singer and musician of Greek origin. The exhibition catalogue contains archive material, original musical scores, correspondence and documents on public display for the very first time.
Benedette foto! Carmelo Bene visto da Claudio Abate, 2012
Per la prima volta nella mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma e in questo catalogo l'ingen... more Per la prima volta nella mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma e in questo catalogo l'ingente archivio fotografico di Claudio Abate su Carmelo Bene è stato indagato ed estesamente pubblicato. Claudio Abate, acclamato testimone dell'avanguardia artistica, ha seguito il lavoro di Carmelo Bene per dieci anni, dal 1963 al 1973, fotografando nove opere teatrali e il lungometraggio Salomè. A eccezione del lungometraggio, queste fotografie alzano il sipario su spettacoli dei quali non si possiedono altre esaustive memorie visive: Cristo '63, Salomè da e di Oscar Wilde, Faust o Margherita, Pinocchio '66, Il Rosa e il Nero, Nostra Signora dei Turchi, Salvatore Giuliano, Arden of Feversham e Don Chisciotte. Nel volume testi di Daniela Lancioni, Jean-Paul Manganaro e Francesca Rachele Oppedisano/
A portrait of one of the greatest figures in contemporary Italian theatre by one of the leading practitioners of auteur photography “Thank God for photos!” This is what Carmelo Bene wrote in his first autobiography, recalling how the photographs of Claudio Abate led to his acquittal on charges of indecency for the staging of Cristo 63. Ten years after the death of Carmelo Bene, Abate’s images bear vital witness once again in this monograph celebrating the man and his work in theatre.
About 120 photographs in black and white and colour taken between 1963 and 1973 on the opening nights and sometimes also during the rehearsals of ten of Carmelo Bene’s first productions, from Cristo 63 (1963) to Salomè (1973), all works of which Claudio Abate’s largely unpublished images constitute the only known visual record at present. The volume ends with the shots taken during the making of the film of Salomè in 1972, all colour photographs that give an effective idea of what the “gamble of light and colour” meant for Carmelo Bene.
Claudio Abate’s photographs capture the theatre of Carmelo Bene, pinpointing figures and objects and their spatial relations with all of his customary and exemplary clarity. Moreover, they also make it possible to verify many of the elements that the notes later published by Carmelo Bene show to have played a crucial part in these early works: some celebrated inventions, the lighting, and sometimes the importance attached to costumes and make-up, including the mosaic-like masks of costume jewellery he often used. Above all, as Jean-Paul Manganaro writes in the accompanying text, they bear witness to the particular moments in which Carmelo Bene took stock of the power of his scenic decisions, affording insight into the exceptional nature of a type of stagecraft already vibrant with the forms, lights and shadows that were to be his constant trademarks, his own programme for constant reworking and exploration.
Book Reviews by francesca rachele oppedisano
Mnemosyne o la costruzione del senso n° 7 - 2014 Autobiographies et biographies de scientifiques entre hasard et nécessité , 2014
Il filosofo austroungarico Rudolf Steiner (Kraljevec 1861- Dornach 1925) tra il 1882 e il 1897 è ... more Il filosofo austroungarico Rudolf Steiner (Kraljevec 1861- Dornach 1925) tra il 1882 e il 1897 è chiamato a curare la pubblicazione degli scritti scientifici di Wolfgang Goethe per la Deutsche National-Literatur. Lo studio delle opere di Goethe si offre alla sensibilità di Steiner come il principio di una nuova e moderna visione del mondo in cui filosofia, scienza e arte si possono efficacemente integrare nel processo conoscitivo. Goethe rappresenta per Steiner l’artista che ha sentito la necessità di passare dall’attività poetica allo studio scientifico per scoprire che « l’arte è una delle rivelazioni della legge primordiale del
mondo; la scienza l’altra ». Da qui ne deriva per Steiner l’elaborazione di un sapere che pensa la natura come teorema e l’arte come problema.
The Austro-Hungarian philosopher Rudolf Steiner (Kraljevec 1861 - Dornach 1925) was called upon to oversee the publication of the scientific writings of Wolfgang Goethe for the Deutsche National-Literatur between 1882 and 1897. Steiner saw the study of Goethe’s works as the beginning of a modern vision of the world where philosophy, science, and art could be integrated into the learning process efficiently. For Steiner, Goethe represented the artist who felt the necessity to move from poetry to scientific studies upon finding out that « art is one of the revelations of the primordial law of the world, science the other ». From this point of view Steiner elaborated his idea of knowledge considering nature as the theorem and art as the problem.
Mnemosyne o la costruzione del senso n°5-2012 Il ribelle, la scrittura di sé e forme di autolegittimazione, 2012
Durante gli Anni Sessanta del secolo scorso, all’apice dello sviluppo della cultura giapponese r... more Durante gli Anni Sessanta del secolo scorso, all’apice dello sviluppo della cultura giapponese riformata secondo i canoni liberaldemocratici di stampo occidentale, lo scrittore giapponese Yukio Mishima (Tokyo 1925 - 1970) decide di deporre le armi della poesia e della letteratura per incarnare l’eroe della restaurazione. Contro la progressiva colonizzazione del mondo orientale da parte dell’occidente, Mishima oppone l’antico mondo dei guerrieri e dei samurai ribellandosi alla parola e ai suoi regimi discorsivi in quanto responsabili del radicale fraintendimento del soggetto, costantemente ecceduto da qualcosa che discorre e, soprattutto, legifera al suo posto. Nel 1970 Mishima porterà a termine il suo compito infliggendosi un taglio nello stomaco alla maniera dei samurai. Resta tra gli esempi più rimarchevoli di ribelli dello spirito.
During the Sixties of the past century, at the height of the development of Japanese culture reformed according to Western-style liberal-democratic canons, the Japanese writer Yukio Mishima (Tokyo 1925 - 1970) decided to depose the arms of poetry and literature in order to personify the hero of the restoration. Against the progressive colonization of the Eastern world by the West, Mishima opposes the ancient world of samurai. In 1970 Mishima accomplished his task by inflicting a cut in the stomach in the manner of the samurai. Mishima is one of the most remarkable examples of spirit rebels.
Mnemosyne o la costruzione del senso, Presses universitaires de Louvain, 2011
Inizia da un assassinio il destino di un genio, o meglio il suo mito, reinventato quattro secoli ... more Inizia da un assassinio il destino di un genio, o meglio il suo mito, reinventato quattro secoli più avanti alla luce d’una nuova visione del mondo. L’opera di Caravaggio, infatti, rivive in virtù d’un interesse recente. A cominciare da Roberto Longhi, tra i primi storici dell’arte a riconoscere la straordinarietà del maestro lombardo, l’arte di Caravaggio comincia a riverberare d’un senso altro, comincia ad essere attraversata da quegli incontri postumi con intellettuali, studiosi e poeti del novecento che hanno contribuito a riscrivere la biografia d’un genio inscrivendovi la propria. È dunque anche sulla scorta di queste alleanze che si analizzeranno alcuni aspetti dell’opera di Caravaggio che insiste a ripresentarsi di fronte alla contemporaneità del nostro sguardo con perentoria crudele artaudiana teatralità.
The fate of a genius, or rather his myth, begins with a murder, reinvented four centuries later in the light of a new vision of the world. Starting with Roberto Longhi, one of the first art historians to recognize the extraordinary nature of the Lombard master, Caravaggio's art begins to reverberate with a different meaning: it begins to be crossed by those posthumous encounters with intellectuals, scholars and poets of the 20th century which have rewritten the biography of a genius by writing their own. It is therefore also on the basis of these alliances that we will analyze some aspects of Caravaggio's work that insists on recurring in front of the contemporaneity of our gaze with peremptory cruel Artaudian theatricality.
Mnemosyne o la costruzione del senso. Auto/biographie, polyphonie, plurivocalité / Auto/biography, polyphony, plurivocality /Auto/biografia, polifonia, plurivocalità, Presses universitaires de Louvain , 2018
Nanà, protagoniste du film de Godard Vivre sa vie (1962), au point culminant d’un interrogatoire ... more Nanà, protagoniste du film de Godard Vivre sa vie (1962), au point culminant d’un interrogatoire par la police, répond à la question « Qui êtes-vous ? » : « Moi je ne le sais pas. Moi je suis une autre ». Phrase qui indique toute la complexité de l’articulation du sujet avec son propre Moi et surtout avec l’ordre- dispositif- du discours que le sujet entretient avec lui-même et avec l’autre. À la question d’individuation le sujet au pied du mur se déclare excentré par rapport à l’ordre du discours imparti par les autorités. Ce faisant il se livre et en même temps se sauve, parce que ce qu’il laisse sous surveillance est un sujet désindividué dont, du point de vue de la loi, il reste difficile de disposer. À partir de ce noyau de vérité Jean-Luc Godard affronte le dispositif cinéma, une matière linguistique pré-instituée et légiférante avec laquelle le sujet autorial va devoir compter, pour déclarer, à l’extrême, l’impossibilité de devenir l’auteur de ce qui se dit.
Nanà, protagonista del film di Godard Vivre sa vie (1962), al culmine di un interrogatorio da parte della Polizia alla domanda “chi è lei?” risponde: “Io non lo so. Io sono un’altra”. Frase che nell’originale francese mantiene tutta la complessa articolazione del soggetto con il proprio Io e soprattutto con l’ordine -dispositivo- del discorso che il soggetto intrattiene con se stesso e con l’altro. Moi…, «Je» suis une autre.
Alla domanda di individuazione il soggetto messo alle strette si dichiara eccentrico rispetto all’ordine del discorso impartito dalle autorità, vacilla, demanda ad un altro il proprio essere. Così facendo si consegna e al tempo stesso si salva, perché quel che lascia in custodia è un soggetto disindividuato di cui, sul piano della legge, rimane difficoltoso disporre. A partire da questo nucleo di verità JLG affronta il suo cinema, che nasce dalle parole e dalla loro ramificazione linguistica, che sorge letteralmente dalla carta stampata, dai libri, dai romanzi e dalle poesie, dai giornali e dalle riviste, da tutta una materia pre-istituita e legiferante con la quale si ritrova a fare i conti, per dichiarare attraverso l’uso della citazione l’impossibilità di divenire l’autore di ciò che si dice. Quale sia l’esito di questo dislocamento linguistico e sintattico se ne ricaverà sempre il paradosso di un messaggio, di cui, tuttavia, si è smarrito l’autore.
Mnemosyne o la costruzione del senso. L'ascoltare, il sentito dire, la phonè, in filigrana nei racconti di sé Directeur éditorial Beatrice Barbalato, Presses universitaires de Louvain , 2010
Carmelo Bene coglie nella caduta residuale d’un frammento acustico involontario, letterario o poe... more Carmelo Bene coglie nella caduta residuale d’un frammento acustico involontario, letterario o poetico, estraneo al soggetto, la possibilità di dar vita a un’infinità di mondi impossibili. Attraverso la rielaborazione d’un accadimento che prende il soggetto costantemente impreparato, nella ripetizione d’una percezione costantemente rinnovata, l’attore, nell’atto del porsi in ascolto, scopre attraverso il dire che l’essere umano è condannato a trovar posto all’interno d’una esteriorità già data che lo precede, da sempre. Non resta dunque al nostro artefice che dribblare le direttive del senso imposte all’essere parlante, operare, all’interno di una sorta di fucina del senso, la materia di cui si compone la phonè, per invocare al grado ultimo della sua arte teatrale l’attenzione d’uno spettatore sordomuto che incapace di restituire l’inaudito è in grado di preservare l’assoluta purezza d’una voce esterna al soggetto che si dica senza intenzione.
Papers by francesca rachele oppedisano
in D'après Carmelo Bene. Dossier Numérique, «Revue d'histoire du Théâtre», n. 263, luglio-settembre 2014, 2014
L’AUCTORIALITÉ est doublement un faux : dans l’idée qui l’engendre et
dans l’artifice qui boulev... more L’AUCTORIALITÉ est doublement un faux : dans l’idée qui l’engendre et
dans l’artifice qui bouleverse cette idée.
Mnemosyne
Carmelo Bene coglie nella caduta residuale d’un frammento acustico involontario, letterario o poe... more Carmelo Bene coglie nella caduta residuale d’un frammento acustico involontario, letterario o poetico, estraneo al soggetto, la possibilità di dar vita a un’infinità di mondi impossibili. Attraverso la rielaborazione d’un accadimento che prende il soggetto costantemente impreparato, nella ripetizione d’una percezione costantemente rinnovata, l’attore, nell’atto del porsi in ascolto, scopre attraverso il dire che l’essere umano è condannato a trovar posto all’interno d’una esteriorità già data che lo precede, da sempre. Non resta dunque al nostro artefice che dribblare le direttive del senso imposte all’essere parlante, operare, all’interno di una sorta di fucina del senso, la materia di cui si compone la phoné, per invocare al grado ultimo della sua arte teatrale l’attenzione d’uno spettatore sordomuto che incapace di restituire l’inaudito è in grado di preservare l’assoluta purezza d’una voce esterna al soggetto che si dica senza intenzione: «Ah soltanto esser solo UNA VOCE!»
Mnemosyne
Il filosofo austroungarico Rudolf Steiner (Kraljevec 1861- Dornach 1925) tra il 1882 e il 1897 ... more Il filosofo austroungarico Rudolf Steiner (Kraljevec 1861- Dornach 1925) tra il 1882 e il 1897 è chiamato a curare la pubblicazione degli scritti scientifici di Wolfgang Goethe per la Deutsche National-Literatur. Lo studio delle opere di Goethe si offre alla sensibilità di Steiner come il principio di una nuova e moderna visione del mondo in cui filosofia, scienza e arte si possono efficacemente integrare nel processo conoscitivo. Goethe rappresenta per Steiner l’artista che ha sentito la necessità di passare dall’attività poetica allo studio scientifico per scoprire che « l’arte è una delle rivelazioni della legge primordiale del mondo; la scienza l’altra ». Da qui ne deriva per Steiner l’elaborazione di un sapere che pensa la natura come teorema e l’arte come problema.
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Books by francesca rachele oppedisano
Several of the most celebrated players on the contemporary art scene such as come Tacita Dean, Agnes Denes, Antony Gormley, Pierre Huyghe, Ryoji Ikeda, Carsten Nicolai, Roman Ondak, Giuseppe Penone, Rúrí and Sissel Tolaas dialogue with a selection of artists of a younger generation including Hicham Berrada, Tega Brain, Dora Budor, Revital Cohen, Alexandra Daisy Ginsberg, Adelita Husni-Bey, Christian Mio Loclair, Daniel Steegman Mangrané, Richard Mosse, Rachel Rose, Jenna Sutela, Troika and Tuur van Balen, and with a number of famous artists of the past such as Alighiero Boetti, Gino De Dominicis, Albrecht Dürer, Nancy Holt and Robert Smithson, Channa Horwitz, Gustav Metzger, Roman Opałka and Rudolf Steiner.
THREE STATIONS FOR ART-SCIENCE
From 12 October 2021 to 27 February 2022 the Palazzo delle Esposizioni in Rome has hosted "Three Stations for Art-Science", a sweeping project seen from three different viewpoints: the historical viewpoint (The Science of Rome: a City's Past, Present and Future); the artistic viewpoint (T Zero); and the viewpoint of contemporary scientific research (Uncertainty: Interpreting the Present, Foreseeing the Future).
A portrait of one of the greatest figures in contemporary Italian theatre by one of the leading practitioners of auteur photography “Thank God for photos!” This is what Carmelo Bene wrote in his first autobiography, recalling how the photographs of Claudio Abate led to his acquittal on charges of indecency for the staging of Cristo 63. Ten years after the death of Carmelo Bene, Abate’s images bear vital witness once again in this monograph celebrating the man and his work in theatre.
About 120 photographs in black and white and colour taken between 1963 and 1973 on the opening nights and sometimes also during the rehearsals of ten of Carmelo Bene’s first productions, from Cristo 63 (1963) to Salomè (1973), all works of which Claudio Abate’s largely unpublished images constitute the only known visual record at present. The volume ends with the shots taken during the making of the film of Salomè in 1972, all colour photographs that give an effective idea of what the “gamble of light and colour” meant for Carmelo Bene.
Claudio Abate’s photographs capture the theatre of Carmelo Bene, pinpointing figures and objects and their spatial relations with all of his customary and exemplary clarity. Moreover, they also make it possible to verify many of the elements that the notes later published by Carmelo Bene show to have played a crucial part in these early works: some celebrated inventions, the lighting, and sometimes the importance attached to costumes and make-up, including the mosaic-like masks of costume jewellery he often used. Above all, as Jean-Paul Manganaro writes in the accompanying text, they bear witness to the particular moments in which Carmelo Bene took stock of the power of his scenic decisions, affording insight into the exceptional nature of a type of stagecraft already vibrant with the forms, lights and shadows that were to be his constant trademarks, his own programme for constant reworking and exploration.
Book Reviews by francesca rachele oppedisano
mondo; la scienza l’altra ». Da qui ne deriva per Steiner l’elaborazione di un sapere che pensa la natura come teorema e l’arte come problema.
The Austro-Hungarian philosopher Rudolf Steiner (Kraljevec 1861 - Dornach 1925) was called upon to oversee the publication of the scientific writings of Wolfgang Goethe for the Deutsche National-Literatur between 1882 and 1897. Steiner saw the study of Goethe’s works as the beginning of a modern vision of the world where philosophy, science, and art could be integrated into the learning process efficiently. For Steiner, Goethe represented the artist who felt the necessity to move from poetry to scientific studies upon finding out that « art is one of the revelations of the primordial law of the world, science the other ». From this point of view Steiner elaborated his idea of knowledge considering nature as the theorem and art as the problem.
During the Sixties of the past century, at the height of the development of Japanese culture reformed according to Western-style liberal-democratic canons, the Japanese writer Yukio Mishima (Tokyo 1925 - 1970) decided to depose the arms of poetry and literature in order to personify the hero of the restoration. Against the progressive colonization of the Eastern world by the West, Mishima opposes the ancient world of samurai. In 1970 Mishima accomplished his task by inflicting a cut in the stomach in the manner of the samurai. Mishima is one of the most remarkable examples of spirit rebels.
The fate of a genius, or rather his myth, begins with a murder, reinvented four centuries later in the light of a new vision of the world. Starting with Roberto Longhi, one of the first art historians to recognize the extraordinary nature of the Lombard master, Caravaggio's art begins to reverberate with a different meaning: it begins to be crossed by those posthumous encounters with intellectuals, scholars and poets of the 20th century which have rewritten the biography of a genius by writing their own. It is therefore also on the basis of these alliances that we will analyze some aspects of Caravaggio's work that insists on recurring in front of the contemporaneity of our gaze with peremptory cruel Artaudian theatricality.
Nanà, protagonista del film di Godard Vivre sa vie (1962), al culmine di un interrogatorio da parte della Polizia alla domanda “chi è lei?” risponde: “Io non lo so. Io sono un’altra”. Frase che nell’originale francese mantiene tutta la complessa articolazione del soggetto con il proprio Io e soprattutto con l’ordine -dispositivo- del discorso che il soggetto intrattiene con se stesso e con l’altro. Moi…, «Je» suis une autre.
Alla domanda di individuazione il soggetto messo alle strette si dichiara eccentrico rispetto all’ordine del discorso impartito dalle autorità, vacilla, demanda ad un altro il proprio essere. Così facendo si consegna e al tempo stesso si salva, perché quel che lascia in custodia è un soggetto disindividuato di cui, sul piano della legge, rimane difficoltoso disporre. A partire da questo nucleo di verità JLG affronta il suo cinema, che nasce dalle parole e dalla loro ramificazione linguistica, che sorge letteralmente dalla carta stampata, dai libri, dai romanzi e dalle poesie, dai giornali e dalle riviste, da tutta una materia pre-istituita e legiferante con la quale si ritrova a fare i conti, per dichiarare attraverso l’uso della citazione l’impossibilità di divenire l’autore di ciò che si dice. Quale sia l’esito di questo dislocamento linguistico e sintattico se ne ricaverà sempre il paradosso di un messaggio, di cui, tuttavia, si è smarrito l’autore.
Papers by francesca rachele oppedisano
dans l’artifice qui bouleverse cette idée.
Several of the most celebrated players on the contemporary art scene such as come Tacita Dean, Agnes Denes, Antony Gormley, Pierre Huyghe, Ryoji Ikeda, Carsten Nicolai, Roman Ondak, Giuseppe Penone, Rúrí and Sissel Tolaas dialogue with a selection of artists of a younger generation including Hicham Berrada, Tega Brain, Dora Budor, Revital Cohen, Alexandra Daisy Ginsberg, Adelita Husni-Bey, Christian Mio Loclair, Daniel Steegman Mangrané, Richard Mosse, Rachel Rose, Jenna Sutela, Troika and Tuur van Balen, and with a number of famous artists of the past such as Alighiero Boetti, Gino De Dominicis, Albrecht Dürer, Nancy Holt and Robert Smithson, Channa Horwitz, Gustav Metzger, Roman Opałka and Rudolf Steiner.
THREE STATIONS FOR ART-SCIENCE
From 12 October 2021 to 27 February 2022 the Palazzo delle Esposizioni in Rome has hosted "Three Stations for Art-Science", a sweeping project seen from three different viewpoints: the historical viewpoint (The Science of Rome: a City's Past, Present and Future); the artistic viewpoint (T Zero); and the viewpoint of contemporary scientific research (Uncertainty: Interpreting the Present, Foreseeing the Future).
A portrait of one of the greatest figures in contemporary Italian theatre by one of the leading practitioners of auteur photography “Thank God for photos!” This is what Carmelo Bene wrote in his first autobiography, recalling how the photographs of Claudio Abate led to his acquittal on charges of indecency for the staging of Cristo 63. Ten years after the death of Carmelo Bene, Abate’s images bear vital witness once again in this monograph celebrating the man and his work in theatre.
About 120 photographs in black and white and colour taken between 1963 and 1973 on the opening nights and sometimes also during the rehearsals of ten of Carmelo Bene’s first productions, from Cristo 63 (1963) to Salomè (1973), all works of which Claudio Abate’s largely unpublished images constitute the only known visual record at present. The volume ends with the shots taken during the making of the film of Salomè in 1972, all colour photographs that give an effective idea of what the “gamble of light and colour” meant for Carmelo Bene.
Claudio Abate’s photographs capture the theatre of Carmelo Bene, pinpointing figures and objects and their spatial relations with all of his customary and exemplary clarity. Moreover, they also make it possible to verify many of the elements that the notes later published by Carmelo Bene show to have played a crucial part in these early works: some celebrated inventions, the lighting, and sometimes the importance attached to costumes and make-up, including the mosaic-like masks of costume jewellery he often used. Above all, as Jean-Paul Manganaro writes in the accompanying text, they bear witness to the particular moments in which Carmelo Bene took stock of the power of his scenic decisions, affording insight into the exceptional nature of a type of stagecraft already vibrant with the forms, lights and shadows that were to be his constant trademarks, his own programme for constant reworking and exploration.
mondo; la scienza l’altra ». Da qui ne deriva per Steiner l’elaborazione di un sapere che pensa la natura come teorema e l’arte come problema.
The Austro-Hungarian philosopher Rudolf Steiner (Kraljevec 1861 - Dornach 1925) was called upon to oversee the publication of the scientific writings of Wolfgang Goethe for the Deutsche National-Literatur between 1882 and 1897. Steiner saw the study of Goethe’s works as the beginning of a modern vision of the world where philosophy, science, and art could be integrated into the learning process efficiently. For Steiner, Goethe represented the artist who felt the necessity to move from poetry to scientific studies upon finding out that « art is one of the revelations of the primordial law of the world, science the other ». From this point of view Steiner elaborated his idea of knowledge considering nature as the theorem and art as the problem.
During the Sixties of the past century, at the height of the development of Japanese culture reformed according to Western-style liberal-democratic canons, the Japanese writer Yukio Mishima (Tokyo 1925 - 1970) decided to depose the arms of poetry and literature in order to personify the hero of the restoration. Against the progressive colonization of the Eastern world by the West, Mishima opposes the ancient world of samurai. In 1970 Mishima accomplished his task by inflicting a cut in the stomach in the manner of the samurai. Mishima is one of the most remarkable examples of spirit rebels.
The fate of a genius, or rather his myth, begins with a murder, reinvented four centuries later in the light of a new vision of the world. Starting with Roberto Longhi, one of the first art historians to recognize the extraordinary nature of the Lombard master, Caravaggio's art begins to reverberate with a different meaning: it begins to be crossed by those posthumous encounters with intellectuals, scholars and poets of the 20th century which have rewritten the biography of a genius by writing their own. It is therefore also on the basis of these alliances that we will analyze some aspects of Caravaggio's work that insists on recurring in front of the contemporaneity of our gaze with peremptory cruel Artaudian theatricality.
Nanà, protagonista del film di Godard Vivre sa vie (1962), al culmine di un interrogatorio da parte della Polizia alla domanda “chi è lei?” risponde: “Io non lo so. Io sono un’altra”. Frase che nell’originale francese mantiene tutta la complessa articolazione del soggetto con il proprio Io e soprattutto con l’ordine -dispositivo- del discorso che il soggetto intrattiene con se stesso e con l’altro. Moi…, «Je» suis une autre.
Alla domanda di individuazione il soggetto messo alle strette si dichiara eccentrico rispetto all’ordine del discorso impartito dalle autorità, vacilla, demanda ad un altro il proprio essere. Così facendo si consegna e al tempo stesso si salva, perché quel che lascia in custodia è un soggetto disindividuato di cui, sul piano della legge, rimane difficoltoso disporre. A partire da questo nucleo di verità JLG affronta il suo cinema, che nasce dalle parole e dalla loro ramificazione linguistica, che sorge letteralmente dalla carta stampata, dai libri, dai romanzi e dalle poesie, dai giornali e dalle riviste, da tutta una materia pre-istituita e legiferante con la quale si ritrova a fare i conti, per dichiarare attraverso l’uso della citazione l’impossibilità di divenire l’autore di ciò che si dice. Quale sia l’esito di questo dislocamento linguistico e sintattico se ne ricaverà sempre il paradosso di un messaggio, di cui, tuttavia, si è smarrito l’autore.
dans l’artifice qui bouleverse cette idée.