Les 7 principes de l'art et du design

Les éléments et les principes de l'art et du design sont la base du langage

nous parlons d'art. Les éléments de l'art sont les outils visuels que l'artiste
utilise pour créer une composition. Ceux-ci sont : ligne, forme, couleur, valeur, forme, texture,
et espace.

Les principes de l'art représentent comment l'artiste utilise les éléments de l'art pour
créer un effet et aider à transmettre l'intention de l'artiste. Les principes de l'art et
les éléments de design sont : l'équilibre, le contraste, l'emphase, le mouvement, le motif, le rythme, et

unité/variété.

L'utilisation de ces principes peut aider à déterminer si une peinture est réussie,
etque la peinture soit finie ou non.

L'artiste décide des principes de l'art qu'il ou elle souhaite utiliser dans une peinture.
Bien qu'un artiste ne puisse pas utiliser tous les principes de design dans une seule œuvre, le
les principes sont entrelacés et l'utilisation de l'un dépendra souvent d'un autre. Pour
par exemple, en créant de l'emphase, l'artiste pourrait également utiliser le contraste ou vice versa
Il est généralement admis qu'une peinture réussie est unifiée, tout en étant également
ayant une certaine variété créée par des zones de contraste et d'emphase ; est
visuellement équilibré; et déplace l'œil du spectateur autour de la composition. Ainsi, cela
un principe de l'art peut influencer l'effet et l'impact d'un autre.

VOICI LES 7 PRINCIPES DE L'ART

L'équilibre se réfère au poids visuel des éléments de la composition. C'est un

sens que la peinture semble stable et "semble juste." Le déséquilibre provoque une sensation
d'inconfort chez le spectateur.

L'équilibre peut être atteint de trois manières différentes :

1. La symétrie, dans laquelle les deux côtés d'une composition ont les mêmes éléments dans
la même position, comme dans une image miroir, ou les deux côtés d'un visage.
2.Asymétrie, dans laquelle la composition est équilibrée en raison du contraste de
n'importe lequel des éléments de l'art. Par exemple, un grand cercle d'un côté d'un
la composition pourrait être équilibrée par un petit carré de l'autre côté
3. La symétrie radiale, dans laquelle les éléments sont également espacés autour d'un centre.
point, comme dans les rayons sortant du moyeu d'un pneu de bicyclette.

Voir l'article,Équilibre, pour quelques exemples visuels de la manière dont les éléments de l'art peuvent
être utilisé pour atteindre l'équilibre.
Le contraste est la différence entre les éléments de l'art dans une composition, de sorte que
chaque élément est renforcé par rapport à l'autre. Lorsqu'ils sont placés côte à côte
d'autres éléments contrastants attirent l'attention du spectateur. Zones de contraste
sont parmi les premiers endroits où l'œil d'un spectateur est attiré. Le contraste peut être obtenu
par des juxtapositions de n'importe quel des éléments de l'art. L'espace négatif/positif est un
un exemple de contraste. Des couleurs complémentaires placées côte à côte sont un exemple de
le contraste. Notan est un exemple de contraste.

L'accent est mis lorsque l'artiste crée une zone de la composition qui est visuellement
dominant et capte l'attention du spectateur. Cela est souvent réalisé par
contraste.
Le mouvement est le résultat de l'utilisation des éléments de l'art de manière à ce qu'ils se déplacent.
l'œil du spectateur autour et à l'intérieur de l'image. Un sens du mouvement peut être créé par
lignes diagonales ou courbes, réelles ou implicites, par les bords, par l'illusion d'espace,
par répétition, par des marques énergétiques.

Le motif est la répétition uniforme de n'importe lequel des éléments de l'art ou de tout
combinaison de cela. Tout peut être transformé en un motif grâce à
répétition. Certains motifs classiques sont des spirales, des grilles, des tissages. Par exemple de
différents types de motifs voir leGlossaire Artlandia du design de motifs. Un populaire
la pratique du dessin estZentangles,
dans lequel un contour abstrait ou représentatif est
divisé en différentes zones, chacune contenant un motif unique.

Le rythme est créé par le mouvement impliqué à travers la répétition des éléments de
l'art de manière non uniforme mais organisée. Il est lié au rythme dans la musique. Contrairement à
le motif, qui exige de la cohérence, le rythme repose sur la variété.

Unité/Variété Vous voulez que votre peinture soit unifiée de sorte que tous les éléments
s'adapter confortablement. Trop d'unité crée la monotonie, trop de variété
crée le chaos. Vous avez besoin des deux.

Idéalement, vous souhaitez des zones d'intérêt dans votre composition ainsi que des endroits pour votre
œil au repos.
Comment critiquer formellement l'art

1. COMMENT CRITIQUER L'ART

2.WNous allons critiquer cette œuvre d'art ensemble. La Nuit étoilée de Vincent
Van Gogh Huile sur toile 1889
3. Ccritique Instructions1. Lorsque vous critiquez, vous devez utiliser ce qui suit
quatre étapes/slides en séquence ! 2. Les Quatre Étapes : 1. Décrire 2. Analyser
Interpréter
4.SÉtape Un : Description PREMIER - Écrivez le titre, l'auteur, la date et le style de
L'œuvre d'art. Faites une liste de toutes les choses que vous voyez dans le travail. Décrivez le
sujet. (De quoi il s'agit, ce qui se passe, s'il n'y a pas de sujet, décrire)
les éléments) Esquissez rapidement l'œuvre d'art dans votre carnet de croquis. Ne faites pas de
type de jugement sur le travail. Il est important d'examiner attentivement, sans jugement
observez l'art.
5.SÉtape 1 Spirales, étoiles, bâtiments, collines ondulantes, un grand arbre, la lune, des arbres, un
église. Cela semble être une scène nocturne peinte depuis un point de vue élevé
position. Il y a une ville au premier plan, des collines au second plan et une étoile-
ciel rempli en arrière-plan.
6.SÉtape Deux : Analyse Faites attention aux éléments artistiques que l'artiste
utilisé. Ligne, forme, couleur, valeur, texture et espace. (La forme est 3D et ne sera pas
appliquer aux critiques de peinture) RECHERCHER des façons dont les éléments ont été utilisés pour
organiser la composition en utilisant le rythme, l'équilibre, le mouvement, la proportion, la variété
y, emphase et unité.
7.SL'étape 2 L'artiste a utilisé une palette de couleurs froides de bleus, de verts et de violets,
avec une couleur jaune orangé complémentaire qui illumine les lumières et les étoiles. Il y a
une variété d'épaisseur et de direction de ligne dans les coups de pinceau de couleur. Il y a un
contraste des formes géométriques dans les maisons et des formes organiques des
paysage environnant. Le mouvement est créé par les tourbillons dans le ciel et le
les coups de pinceau utilisés. De plus, l'arbre crée un sens du mouvement avec ses lignes ondulées.
8.SÉtape Trois : Interprétation Listez toutes les émotions ou ambiances que vous ressentez de la part de
œuvre d'art. Pensez de manière créative et imaginative à ce stade. Basez votre
interprétation de ce que vous avez conclu dans les deux premières étapes de la critique
processus.
9.SInterprétation Calme, excité, détendu, triste, relaxé Les couleurs de
cette œuvre d'art crée un sentiment de calme pour moi et pourtant le jaune orangé dans le
la lune apparaît comme un pétard et crée un sentiment d'excitation en même temps
le temps. Les lignes et les vagues des couleurs utilisées ajoutent également au calme de cela
une œuvre d'art me rappelant de l'eau qui roule.
10.SÉtape Quatre : Jugement/Évaluation Décidez si le travail est réussi
ou a du mérite. Soutenez votre jugement avec les réponses des trois premières étapes.
11.SÉtape Quatre : Jugement/Évaluation Ceci est une œuvre d'art qui a réussi
a utilisé les éléments et les principes de l'art pour créer une peinture qui montre de l'émotion
 et la vie à travers des coups de pinceau expressifs. Le sujet évoque un calme
le sentiment tandis que les couleurs utilisent avec succès le contraste pour créer une excitation calme
dans le ciel nocturne. Une excellente PEINTURE post-impressionniste !

Artiste Vincent van Gogh

Année 1889

Catalogue F612JH1731

Média Huile sur toile

Dimensions 73,7 cm × 92,1 cm (29 po × 361⁄4dans)

Emplacement Musée d'Art Moderne, New York City

ART ASIATIQUE
Fujishima Takeji - Lever de soleil sur la mer de l'Est
Fujishima Takeji était un peintre japonais, reconnu pour son travail dans le développement du romantisme.
etArt impressionnistedans le mouvement artistique yōga (de style occidental) à la fin du 19e et au début du 20e siècle
peinture japonaise du siècle. En 1905, il a voyagé en France, où il a été influencé par le français
les mouvements de cette époque, en particulier par l'impressionnisme, qui peuvent être vus dans sa peinture Lever du soleil
sur la mer orientale qui a été exécuté en 1932.
Art asiatique

La collection d'art asiatique du Met—plus de 35 000 objets, datant du 3ème millénaire avant J.-C. jusqu'à
21e siècle - est l'une des plus grandes et la plus complète à l'Ouest. Chacune des nombreuses civilisations d'Asie
est représenté par des œuvres exceptionnelles, offrant une expérience inégalée des traditions artistiques de près de la moitié de
monde.

Qu'est-ce qui est exposé

L'aile asiatique Florence et Herbert Irving, occupant 64 500 pieds carrés, est dédiée à l'art asiatique, présentant
peintures, calligraphie, impressions, sculptures, travail du métal, céramiques, laques, œuvres d'art décoratif et textiles de
L'Asie de l'Est, l'Asie du Sud, les royaumes himalayens et l'Asie du Sud-Est. Aussi distinctives que soient les cultures de l'Asie par rapport à
les uns les autres, de nombreux éléments de la collection révèlent des similitudes de forme et d'iconographie dues au partage de
religions, telles que le bouddhisme et l'hindouisme, ou thèmes et techniques, tels que ceux que l'on trouve en bleu et blanc
céramiques ou peinture à l'encre. Ainsi, même si les galeries sont disposées géographiquement et chronologiquement, un
L'exploration des œuvres exposées offre à la fois une appréciation de l'art des nombreuses cultures asiatiques et une compréhension
des liens entre ces traditions. Certaines installations de galerie, telles que celles des Chinois, des Coréens, des Japonais, des Indiens,
et peintures tibétaines, tournant tous les six mois, et présentations de textiles plus fragiles, laques et estampes sur bois
changent environ tous les quatre mois. Ces rotations permettent au département de créer des installations ciblées et
des expositions thématiques qui mettent en valeur différents aspects de la collection permanente.

Arts de Chine
La collection du Met de peinture et de calligraphie chinoises figure parmi les plus belles en dehors de la Chine, avec des chefs-d'œuvre
datant du huitième au 21e siècle. Une autre grande force est la collection de sculptures bouddhistes chinoises.
du 5e au 19e siècle. Les collections d'antiquités et d'œuvres d'art vont du 3e millénaire
De la période B.C. jusqu'au 18e siècle, y compris des jades, des bronzes, du laque, des textiles, de la céramique et des œuvres dans d'autres médias. Un souvent
Le domaine visité du musée est la cour Astor, inspirée d'une cour d'une résidence domestique du XVIIe siècle à
Suzhou, une ville célèbre pour ses jardins. S'ouvrant sur la cour, une pièce présente des meubles en bois dur de la
même période.

Arts du Japon
L'éventail complet de l'art japonais, des céramiques néolithiques (environ 1500–300 av. J.-C.) aux estampes sur bois de l'époque Edo (1615–1868)
Les impressions et textiles aux céramiques contemporaines et œuvres d'art sont présentés chronologiquement dans onze salles.
Détails traditionnels, tels qu'une plate-forme d'autel (basée sur un exemple du XIIe siècle) pour l'exposition de sculptures bouddhistes
et une salle de réception de style smallshoin typique de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle, sont au cœur des Arts de
Galeries du Japon. Les points forts incluent des peintures narratives du 13e et 14e siècle (rouleaux à main) connus sous le nom de emaki.
collection de paravents allant du 15e au 18e siècle, et des porcelaines de l'époque Edo pour un usage domestique
utiliser et exporter.
Arts d'Asie du Sud et d'Asie du Sud-Est
Les traditions visuelles de l'Inde, de l'Afghanistan, du Pakistan, du Bangladesh, du Sri Lanka, de la Birmanie (Myanmar), du Cambodge, de la Thaïlande,
Le Vietnam et l'Indonésie, des premières civilisations jusqu'au 16e siècle, sont représentés dans la collection. Les domaines de
La force particulière comprend des sculptures en pierre et en bronze bouddhistes de la dynastie kouchan (1er au 3e siècle,
environ); sculptures de la période kashmiri et pala (VIe au XIIIe siècle); bronzes hindous de la période Chola (IXe
au XIIIe siècle); une collection sans pareille de métal travaillé du Sud-Est asiatique; et des sculptures monumentales provenant de la
L'empire khmer au Cambodge et en Thaïlande (environ du 9e au 14e siècle). Au troisième étage se trouvent des galeries pour les arts de
Népal et Tibet, y compris des images religieuses en peinture et en sculpture, principalement du 11e au 18e siècle, et
instruments rituels. Également au 3ème étage se trouve une galerie pour des expositions temporaires sur des sujets spéciaux relatifs à l'Himalaya ou
l'art indien plus tard.

Arts de Corée
Peintures et céramiques bouddhistes des dynasties Goryeo (918–1392) et Joseon (1392–1910), ainsi que
des expositions thématiques présentant des prêts provenant de collections aux États-Unis et à l'étranger, offrent un aperçu complet
aperçu du patrimoine artistique et culturel de la Corée.

Studio de Conservation de l'Asie de l'Est

Pour la conservation de ses collections, le Département comprend un studio de conservation de l'Asie de l'Est, avec un hautement
personnel formé spécialisé dans la restauration et le remontage d'œuvres sur papier chinoises, japonaises et coréennes
et soie, y compris des rouleaux à la main, des rouleaux suspendus, des albums et des paravents.

Histoire du département
Le Met collectionne de l'art asiatique depuis la fin du 19ème siècle. Nombre de ses premiers bienfaiteurs – Benjamin Altman,
les Havemeyers, les Rockefeller et d'autres - ont inclus des objets d'Asie dans leurs larges legs au Musée
la première moitié du 20ème siècle, et en 1915, le Département des Arts de l'Extrême-Orient a été établi. Le véritable élan pour
La création d'une collection complète d'art asiatique est venue de Douglas Dillon, qui a été élu président de la
Le conseil des administrateurs du musée en 1970. En 1986, le nom du département a été changé en Département de l'art asiatique.

L'histoire de l'art asiatique ou de l'art oriental, comprend une vaste gamme d'influences provenant de diverses cultures
et religions. Les développements dans l'art asiatique parallèlent historiquement ceux dansArt occidental, en général quelques
siècles plus tôter.Art
[1]
chinois, art indien, art [2]
coréen, art japonais, chacun avait
[3]
une influence significative
sur l'art occidental, et, vice versaersa.Proche-Orient
[4]
l'art a également eu une influence significative sur l'Occident
art.[5]À l'exception deart préhistorique, leart de la Mésopotamiereprésente les plus anciennes formes d'art asiatique.
Huang Gongwang , 1269–1354), nom original Lu Jian (), se faisait appeler le
nom de courtoisie Zijiu () et sobriquets Dachi Daoren (, Un Daoïste Silly) et
Yifeng Daoren (, Daoïste d'un Pic). Originaire de Changshu, Jiangsu, il est venu
d'une famille pauvre et orphelin à un jeune âge. Huang Le () de Yongjia avait 90 ans
âgé de plusieurs années à l'époque et sans héritier mâle. Appréciant les talents du jeune garçon,
il traitait l'enfant comme le sien. La famille Lu a alors consenti à permettre à Huang de
adoptez-le et poursuivez le nom Huang. Huang s'exclama en disant « Vieil homme Huang »
a toujours désiré un fils ( )”. Cela est devenu la base de Huang
Le nom de Gongwang, qui se traduit littéralement par « Le désir du vieil homme Huang ».
Huang Gongwang était exceptionnellement doué dans sa jeunesse, maîtrisant le chinois.
classiques à un jeune âge. Il a également étudié le taoïsme et est devenu plus tard un adepte de la
Secte Quanzhen (). Voyageant à travers les régions de Songjiang et Hangzhou, il
gagnait sa vie par la divination. Comme son intérêt pour la calligraphie et la musique, la peinture était
une activité pratiquée en parallèle. Ses peintures paysagères sont basées sur les manières
deDong Yuan ( ) etJuran ), Les artistes du 10ème siècle qui ont représenté les douces collines ondulantes
paysage du sud. En plus deWu Zhen ( , 1280–1354), Ni Zan ( 1301–
1374, etWang Meng 1308–1385), Huang Gongwang est considéré comme l'un des
Quatre Grands Maîtres de la dynastie Yuan et vénérés comme leur leader spirituel.
Il a travaillé sur la peinture « Résidence dans les montagnes Fuchun » par intermittence quand le
l'humeur l'a frappé de 1347 à 1350, lorsque les principales parties de ce rouleau de main
ont été achevés. Cette représentation des montagnes Fuchun a été peinte pour un camarade
Le taoïste nommé Maître Wuyong () représente le plus grand héritage survivant de Huang.
chef-d'œuvre, qui se trouve maintenant au Musée national du palais à Taipei.

le Rouleau du Maître Wuyong ( )

Dépeint dans ce rouleau à main est un panorama idéalisé des montagnes Fuchun, à l'ouest
de Hangzhou, où Huang est retourné dans ses dernières années. Commençant par une vaste étendue
du paysage fluvial à droite, la peinture passe aux montagnes et aux collines, puis revient
à des zones de rivière et de marais qui se terminent par un sommet conique. Enfin, le paysage s'estompe.
dans les collines lointaines de lavis au-dessus de l'eau. La composition a d'abord été esquissée avec de l'encre légère.
et puis terminé par des applications successives de coups de pinceau plus sombres et plus secs. Parfois
les formes ont été légèrement modifiées, les contours renforcés et les coups de texture ou les groupes d'arbres
ajoutés ici et là. De plus, des points de pinceau ont été répartis dans le travail comme
accents abstraits. Les bâtiments, les branches des arbres et le feuillage sont réduits à leurs formes les plus simples.
comme la Nature a été traduite en termes de pinceau et d'encre de l'artiste.

Huang Gongwang a commencé à travailler sur la peinture vers 1347 et a mis environ trois
quatre ans pour le terminer. Il l'a présenté à Maître Wuyong en guise de cadeau en 1350. Un siècle
plus tard, la peinture a été acquise par le peintre de la dynastie MingShen Zhou ( 1427–
1509). Pendant le règne de Chenghua (1464–1487), Shen Zhou envoya la peinture à
quelqu'un pour l'inscription. Cependant, le fils de ce calligraphe saisit la peinture qui,
après quelques changements de mains, réémergea sur le marché à un prix beaucoup plus élevé. Incapable
pour se permettre le prix, il n'y avait rien que Shen Zhou puisse faire sauf faire une copie de la
se peignant lui-même d'après sa mémoire. Cette imitation par Shen Zhou est également très appréciée
et maintenant au Musée du Palais à Pékin.

L'art dans l'Inde ancienne

Chaque époque est unique dans sa culture distinctive. De la même manière, les formes d'art indiennes ont continuellement évolué.
pendant des milliers d'années. Dans l'Inde ancienne, diverses formes d'art comme la peinture, l'architecture et la sculpture
évolué. L'histoire de l'art dans l'Inde ancienne commence avec des peintures rupestres préhistoriques. De telles peintures rupestres
peut être vu dans les peintures de Bhimbetaka, appartenant à l'âge préhistorique. Par la suite, un avancé
L'urbanisme est observé à Harappa et Mohenjodaro, avec leurs villes planifiées de manière centrale indiquant un
architecture hautement développée. Un autre exemple remarquable de sculpture de la civilisation harappéenne
vient dans le formulairede le danse fille de Mohenjo-daro.

L'utilisation des formes symboliques en Inde est aussi ancienne que les sceaux harappéens. Les autels du feu de la période védique,
avec leur signification astronomique et mathématique jouent également un rôle important dans l'évolution de
les temples ultérieurs. Cela a été suivi d'une période dans l'histoire de l'art indien qui est importante pour les sculptures rupestres.
grottes et architecture des temples. Les bouddhistes ont initié les grottes taillées dans la roche, les hindous et les jaïns ont commencé
imiter eux à Badami, Aihole, Ellora, Salsette, Éléphante, Aurangabad et Mahabalipuram.
L'art rupestre a continuellement évolué, depuis les premières grottes taillées dans la roche, pour s'adapter à différents usages, sociaux
et religieux contextes, et régional différences.

Aux côtés des formes d'art comme l'architecture, la peinture et la sculpture, il y a eu une évolution, un changement,
transformer les traditions artistiques populaires et tribales en Inde. Ces formes d'art sont l'expression des peuples appartenant
à différents groupes culturels et sociaux de l'Inde. C'est l'expression de personnes dont la vie est harmonisée avec le
les rythmes de la nature et ses lois de changement cyclique et dont la vie est entremêlée avec l'énergie naturelle. Ça a été
une tradition en Inde selon laquelle les dieux et les légendes sont transformés en formes contemporaines et en images familières.
Les foires, les festivals et les divinités locales jouent un rôle essentiel dans le développement de ces formes artistiques.

C'est un art où la vie et la créativité sont indissociables. Les arts tribaux ont une sensibilité unique, car le
Les peuples tribaux possèdent une conscience intense très différente de celle des gens sédentaires et urbanisés. Leur
les esprits sont souples et intenses avec les mythes, les légendes, des extraits d'épopées, des dieux multiples nés de
rêve et fantaisie. Leur art est une expression de leur vie et contient leur passion et leur mystère.