Art. Culture française.
Premiere partielle
Index:
1. Symbolisme
2. L’impressionisme
3. Le pointillisme
4. Les nabis
5. Les fauves
6. Le cubisme
7. Le futurisme
8. L'expressionnisme allemand
9. L’abstraction
10. Le dadaisme
11. Le surréalisme
1. LE SYMBOLISME: LA RÉALITÉ
C’est un courant littéraire et artistique associé à l’école décadente. Il assigne à l’artiste
un rôle nouveau, celui de voyant, de déchiffreur et de médium… C’est un fait qui copier la
réalité dans un surface au-delà (el más allá), le destin, la confrontation de la mort, l’inconnu,
le mystère.
L'élément central est la réalité, regarde la réalité et la copie. On parle des associations
de comparaison, de symboles, donner une image du mystère, aussi sur les mythes, des
personnages mythologiques, les femmes fatales mené à la perdition… dont les artistes
cherchent l’essentiel. La mélange des arts a élaboré de l’art totale, comme l'opéra, la
correspondance des arts. On a créé des formes nouvelles, un sens nouveau.
CARACTÉRISTIQUES:
- On aborde le thème de la vie quotidienne notamment de Paris, la modernité, la
transformation, le monde qui change;
- les couleurs peuvent être vives et contrastées ou utiles et éthérées, selon l’intention de
l’artiste;
- application de coups de pinceau simples et gestuels, tels que l’utilisation d’effets
visuels et de matériaux inhabituels;
- cherchent à capturer l’expérience subjective et l’essence des émotions à travers des
images évocatrices et énigmatiques
Puvis de Chavanne déclare significativement: “La peinture n’est pas une imitation de
la réalité, mais un parallélisme à la nature”, l’artiste symboliste oppose au réel le monde du
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rêve, du sommeil, des névroses. Cet art anti matérialiste et cultivé emploie le mythe et
l’allégorie dans des thèmes iconographiques canoniques, comme la nuit, la fôret, la femme
tentatrice. Il fait une peinture décorative et a une technique révolutionnaire.
Le symbolisme se caractérise précisément par la primauté de l’idée et le dépassement
résolu de l’attitude, positive, emphatique et tournée vers le réel, du naturalisme et de
l'impressionnisme.
Sur le plan stylistique, le symbolisme se traduit aussi bien dans l’indéfini que dans la
description analytique, caractérisée par l’exactitude de la forme figée déjà typique des
préraphaélites anglais du milieu du XIXe siècle.
2. L'IMPRESSIONISME: NATURALISMO
Paul Cézanne (1839-1906): c’est un artiste impressioniste et se caracterice
- pour la touche de couleur très marqués;
- s'intéresse pour la lumière et la nature et pour la marque de ligne, pour la texture du
couleur;
- dans son imagination, l’utilisation de couleur est particulier,
- il utilise elements impressionistes et a toujours cherché la figure, les figures
geometriques,
- cherche un paysage; il étude les details.
Dans les dernières décennies du XIXe siècle, l'impressionnisme ouvre la peinture à la
modernité. L'impressionnisme aborde la nature dans une perception aiguë et, s’y immergeant
totalement, il la rend, en plein air, avec une peinture caractérisée par la surexposition à la
lumière, à la couleur, aux conditions atmosphériques. Placé sous le signe de la lumière du
jour, c’est un art qui consacre une attention toute visuelle au paysage, aux objets, aux us et
coutumes collectifs, donnant naissance à une iconographie inédite, fondée sur le refus des
aspects littéraires et historiques du sujet chers à la tradition académique.
CARACTÉRISTIQUES
Une des caractéristiques principales de l’impressionnisme:
- les scènes de la vie quotidienne, les impressionnistes peignaient des scènes de la vie
quotidienne, comme des paysages, des intérieurs, des activités de plein air.
- Ils s’éloignent des thèmes historiques et mythologiques ;
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- ils cherchent à capturer l’atmosphère et la sensation du moment, comment la lumière
affecte les objets et l’environnement en un instant précis ;
- coups de pinceau lâches et visibles sous forme de touches de couleur ;
- absence de contours définis, évitent les contours nets et les lignes fortes
La peinture en plein air
Tous les artistes du groupe pratiquent, dans la nature comme en ville. La peinture en
plein air implique que le tableau soit exécuté et achevé sur la place. La technique picturale se
fait rapide, usant d’une touche brève, en virgule, et fluide, qui dissout les contours et fond les
sujets dans leur environnement, obtenant un effet atmosphérique d’ensemble.
3. LE NÉO IMPRESSIONNISME OU LE POINTILLISME
La confrontation entre impressionnisme et néo-impressionnisme révèle les
changements de style au sein de leur programme fondé sur “l’effet couleur-lumière”: l’artiste
rentre travailler dans l’atelier, renonçant au plein air ou s’y limitant aux études préparatoires
de l’oeuvre, fondée sur une composition formelle rigoureuse.
Les néo-impressionnistes expérimentent sur la toile les rapports entre
complémentaires et, surtout, le “mélange optique”, selon lequel deux couleurs pures
juxtaposées produisent, par fusion rétinienne, une couleur notablement plus lumineuse que
celle obtenue par mélange. Seurat est le premier à appliquer ce principe, réduisant les
couleurs aux quatre fondamentales et à leurs tons intermédiaires, renonçant à les mélanger sur
la palette et s’en remettant pour leur fusion à l’oeil de celui qui regarde. La fragmentation
chromatique développe en un système de hachures et de touches séparées et juxtaposées de
plus en plus menues jusqu’à n’être que de petits points - le point étant l”unité de mesure” du
néo-impressionnisme, appelé aussi pour cette raison pointillisme.
CARACTÉRISTIQUES:
- Le pointillisme est caractérisé par des couleurs pures, chaque point de couleur est
appliqué dans sa forme la plus pure, ce qui contriubuye à la luminosité vibrante des
œuvres pointillistes;
- est basé sur la théorie de l’optique et la perception visuelle;
- créer un sentiment de luminosité dans les peintures en raison de la façon dont les
points de couleurs purs se combinent dans l’esprit du spectateur;
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- les coups de pinceau ont tendance à être uniformes et réguliers sur toute la surface de
l’œuvre;
- divers sujets tels que paysages, portraits et scènes urbaines;
- et la caractéristique principale, l’utilisation de points
La cloisonnisme: Il s'agit d'un style de peinture post-impressionniste dans lequel des
couleurs plates sont utilisées, dans des silhouettes sombres parfaitement délimitées. Il se
caractérise par son effet décoratif. Le cloisonnisme est né à un moment où l'artiste n'a plus
ressenti le besoin de copier la nature et a commencé à exprimer ses propres sentiments et
émotions à travers chaque objet ou figure qu'il peignait. La couleur commence à jouer un rôle
crucial, renforcé par cette technique qui permet de violents contrastes.
Le synthétisme: On repose sur l'idée que l'art doit être une synthèse de trois
caractéristiques : l'aspect extérieur des formes naturelles, les sentiments de l'artiste à l'égard
du sujet et les considérations purement esthétiques de la ligne, de la couleur et de la forme. Il
utilise des figures distorsionnées, les figures sont exagérées. L’observation est essentielle
pour les artistes, il utilise des formes qui les génèrent et crée une imagination.
4. LES NABIS
Le choix du mot hébreu signifiant “prophète” pour nommer le groupe des nabis révèle
qu’ils appartiennent au symbolisme et qu’ils en partagent la conception de l’artiste inspiré et
“voyant”. Ils sont parmi les premiers à définir un programme artistique qui conjugue
principes stylistiques et codes de comportement, suivis dans des cérémonies à mi-chemin
entre le jeu, la théâtralité et la spiritualité. Ils utilisent des surnoms et se réunissent dans un
“temple”; ils considèrent la peinture comme une oeuvre éthique.
Les nabis tirent les principes de leur style commun, bien que se différenciant par la
suite dans leurs recherches individuelles.
Sensible au climat symboliste, le groupe des nabis puise ses sources d’inspiration dans la
tradition décorative, dans les estampes japonaises, dans la peinture égyptienne et, surtout,
dans les vitraux médiévaux, dont l’iconographie nourrit le programme contemporain de
renouvellement de l’art religieux connu sous le nom d’”esthétique de Beuron”
5. LES FAUVES
Le premier des mouvements d’Avant garde du XXe siècle. Les Fauves marquent la
phase de transition qui ouvre l’époque des avant-gardes. Le fauvisme est traditionnellement
assimilé à l’expressionnisme, terme employé pour la première fois en Allemagne en 1911. Le
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recours à la déformation et l’emploi de couleurs intenses et peu naturelles sont communs au
petit groupe français et au large mouvement allemand. L’élan vital des “fauves” est toutefois
éloigné de la tension dramatique des expressionnistes. L’expérimentation des
néo-impressionnistes est l’un des premiers points de convergence des fauves. Le principe de
la division fait naître chez ces artistes une réflexion sur la couleur. Le petit point devient
touche, puis large aplat, sans échelle et sans contours. C’est Matisse qui démontre que les
rapports entre les couleurs dépendent de leur taille sur la surface, comme il l’explique dans
une phrase qui a valeur d’axiome: “ Un centimètre carré de bleu n’est pas aussi bleu qu’un
mètre carré du même bleu”
Se caracterice pour la critique, c’est une appellation insultante pour l’utilisation de
couleur violentes. La subjectivité est le plus important. ne se souciait pas de représentation
réaliste. Les couleurs étaient choisies plus pour exprimer des émotions que pour leur relation
avec la réalité ; elles simplifient les formes et les lignes, souvent en représentant des objets et
des figures de manière schématique, une vision plus abstraite et expressive ; ils présentaient
des plans superposés et des compositions qui suggérait un manque de profondeur spatiale; ils
se concentrent sur l’expression émotionnelle comme sur l’expressionnisme; leur focalisation
était plus sur l’expression subjective que objective ; le rejet des couleurs conventionnelles,
utilisaient des couleurs inhabituelles et non mélangées, donnant des combinaisons étonnantes.
6. LE CUBISME
De 1908 à 1910, le cubisme est un “laboratoire” à deux, le résultat d’une
expérimentation intense et partagée entre Braque et Picasso. La géométrie est l’un des
premiers points communs de leur parcours côte à côte, caractérisé en ces années-là par le
partage des thèmes. Après un échange réciproque de sujets, ils font de la nature morte le
terrain de leur travail parallèle. L’objet regardé de plusieurs points de vue se décompose en
une multiplicité de petits plans inclinés et se restructure en réseaux de lignes servant
d’échafaudage à la composition. Le choix de couleurs se porte aussi sur une palette
commune, de plus en plus sombre, dominée par les ocres et les gris. Les deux artistes
emploient les ombres, procédé canonique servant à donner l’illusion du volume, pour obtenir
au contraire le plus petit relief possible, arrivant à concilier de manière inédite la
tridimensionnalité des objets et la bidimensionnalité de la toile.
Le cubisme se caractérise par la représentation d’objets et de figures à travers des
formes géométriques. Il cherchait à représenter la réalité sous de multiples perspectives et à la
fragmenter en formes géométriques; par l’utilisation de couleurs terreuses et de tons ternes
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contrastant avec des couleurs vives et vives d’autres mouvements; le cubisme tend à
l’abstraction, s’éloignant de la représentation naturaliste et réaliste, les artistes cherchent à
capturer l’essence d’un objet ou d’une figure au lieu de son apparence réaliste; la tension
entre ces relations spatiales se condense au centre du tableau et se relâche sur ses bords, et
elle prend enfin l’ovale pour format d’élection, qui marque la rupture radicale avec
l’expédient illusionniste du rectangle-fenêtre, traditionnel depuis la Renaissance.
7. LE FUTURISME
Le futurisme étend son champ d’action aux arts plastiques, à la musique, au théâtre, à
l’architecture, selon une perspective totalisante qui investit la vie quotidienne jusqu’à inclure
la politique, son projet finissant par se rapprocher du fascisme. Les peintres futuristes
publient leur propre manifeste en 1910; l’appel aux “artistes jeunes” sert de cadre à un
programme technique qui vise à représenter la “sensation dynamique” et à placer “le
spectateur au centre du tableau”, en recourant notamment au procédé du divisionnisme. La
peinture et la sculpture futuristes se concentrent sur le mouvement et sur les relations entre
objet et espace.
L’art futuriste profite des découvertes de la chronophotographie et introduit dans
l’espace pictural la sensation de l’écoulement du temps en utilisant l’effet
optico-ménémonique. Grâce aux expositions internationales, le futurisme exerce son
influence sur les avant-gardes russes et sur la naissance du vorticisme, du rayonnisme et du
synchronisme.
Certaines des caractéristiques du futurisme sont : l’accent mis sur la technologie, les
artistes ont incorporé des éléments tels que machines, moteurs et câbles dans leurs œuvres
d’art pour représenter l’influence de la technologie dans la société, puis la représentation de
la guerre et de la violence, certains artistar ont glorifié la guerre et la violence comme une
forme de libération et de rajeunissement; l’abstraction et la fragmentation, les futuristes
décomposent la réalité en formes géométriques et fragmentées ce qui a contribué au
développement de l’art abstrait; l’utilisation de la couleur, ont connu des couleurs vives et
contrastées pour représenter la vitalité et l’énergie; accent sur la ville et la vie urbaine, étaient
des thèmes récurrents dans les œuvres futuristes reflétant la transformation de la société dans
l’ère industrielle
- Boccioni remplace les figures ouvertes, les figures en mouvement, ce sont les
sculptures très révolutionnaires.
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- Russolo explore l'énergie, son apport le plus important est la musique, la théorie de la
musique. Il a théorisé l’effet du bruit. La musique contemporaine est expliquée dans
le bruit. L'époque industrielle et il va faire un concert de bruit. On le va faire une
influence énorme
- Antonio de Sant-Elia va théoriser l’art futuriste. Il fait une nouvelle de la structure, et
profite du nouveau matériau des innovations techniques.
8. L'EXPRESSIONNISME ALLEMAND
L'étiquette de “l'expressionnisme abstrait” se diffuse dans les années 1950 et devient
l’emblème du succès de l’art américain engagé dans une confrontation d’égal à égal avec l’art
européen. Elle était déjà apparue en 1919 dans la revue expressionniste Der sturm pour
désigner la manière de Kandinsky. Elle unit efficacement la catégorie de l’abstraction et celle
de l’expression. L’expressionnisme américain marque un changement de l’iconographie de
l’art abstrait: les formes géométriques dessinées sur un fond disparaissent, la géométrie
s’efface au profit d’une peinture caractérisée par la liberté de touches, des coulures… Les
artistes déclarent puiser désormais dans l’inconscient les émotions, les sentiments.
L’une des caractéristiques communes des expressionnistes est leur enthousiasme
initial pour le surréalisme. Le dripping pousse le système d’éclaboussures. Les
expressionnistes abstraits sont des “peintres d’action”: ils considèrent “la toile comme une
arène où agir” et la transforment en un “événement”; dès le début, ils ont une “préférence
pour le grand format” et prônent les “formes plates”, qui annulent la profondeur, selon la
leçon du cubisme analytique.
CARACTÉRISTIQUES:
- Les expressionnistes démontrent la vision comme une vision de la liberté, romantique
et aussi critique de la réalité, mais ils la copient
- Ils ont une obsession de la mort et capturent simultanément l’impression;
- la liberté du sujet et la relation entre les éléments;
- l’utilisation de la couleur est vibrante et contrastée pour évoquer des émotions et
accentuer la tension dans les œuvres.
- Ils peuvent être naturels ou irrationnels
- expression emotionel intense: transmettre emotions personels
- exagération des formes, souligner le contenu émotionnels de l’oeuvre
- distorsion de la réalité pour exprimer tensions et conflits interne
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9. L’ABSTRACTION
L'art abstrait est le nom donné aux expressions artistiques fondées sur des éléments
tels que la ligne, le point, la couleur et la matière en tant que langage autonome, indépendant
de la reproduction d'objets reconnaissables. L'art abstrait renonce totalement au figurativité
en se passant de la représentation d'objets reconnaissables.
Dans l'art abstrait, le rôle de protagoniste est joué par les éléments plastiques
eux-mêmes, sur lesquels repose tout le poids significatif. La ligne, le point, la couleur, le
plan, la géométrie (plane ou spatiale), la matière et la composition sont au centre de l'intérêt
de l'artiste, et non de simples ressources pour se référer à des éléments extérieurs à l'œuvre.
L'abstraction est souvent utilisée comme un moyen d’exprimer des émotions, des concepts et
des humeurs à travers la combinaison de formes et de couleurs. Ils transmettent des émotions
ou des sentiments à travers leur travail ; expérimentent la couleur et la texture, utilisent des
couleurs vives et contrastantes qui ajoutent profondeur et dimensions à l’œuvre ; liberté
créative pour expérimenter avec différentes approches et techniques ; les spectateurs peuvent
trouver leur propre signification et lien personnel avec l’œuvre; l’absence de représentation
figurative
L'origine de l'art abstrait est généralement datée de 1910 avec l'apparition de l'œuvre
Première aquarelle abstraite du peintre russe Vassily Kandinsky ou Kandinsky.
Kandinsky croyait en l’importance de la spiritualité et de la musique dans l’art abstrait. Il
considérait que les couleurs et les formes avaient la capacité d’évoquer des réponses
émotionnelles chez le spectateur. Ses œuvres sont souvent caractérisées par l’intensité des
couleurs, les formes abstraites et une forte connexion avec la spiritualité.
Malevich
En 1913, il présente un ensemble d'œuvres cubo futuristes et alogiques. En 1915 il
présente carré noir sur fond blanc (c’est le zèro dans la forme du couleur. C’est le rien de
volté. La réelle complémentaire est dépassée. La tension est claire: opposition entre le blanc
et le noir.)
Il va s'intéresser dès les premiers tableaux au milieu du travail, les allusions sociales, les
couleurs vifs. Dans l’abstraction il y a une tension entre différentes formes et couleurs. Il n’y
a pas représentation d’objets, seulement figures géométriques. Malevitch a été influencé par
le nihilisme ruse, c’est un mouvement qui rejette le réel. Du point de vue de l’expression, on
peut exprimer l’inexprimable. C’est le monde sans objets.
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10. LE DADAÏSME
Le dadaïsme était un mouvement artistique formé pendant la Première Guerre
mondiale à Zurich en réaction aux horreurs et à la folie de la guerre. L’art, la poésie et les
représentations produites par les artistes dadaïstes sont souvent de nature satirique et dénuée
de sens. Les artistes dadaïstes ont senti que la guerre défiait tous les aspects d’une société. Par
conséquent, les artistes ont visé avec ces nouvelles œuvres d’art à détruire les valeurs
traditionnelles de l’art et créer un nouvel art pour remplacer l’ancien.
Les artistes dadaïstes ont innové avec le collage et le photomontage, utilisant des
matériaux peu orthodoxes et des procédures basées sur le hasard, explorant des jeux, théâtre
expérimental et performance.
Les artistes de ce mouvement improvisent, le donne une grand importance à l'improvisation,
ils veulent changer le monde avec ce mouvement.
Le dadaïsme se caractérise par son attitude provocatrice et si le désir de démolir les
conventions artistiques existantes, considèrent que l’art traditionnel a échoué; l’utilisation de
l’ironie et de l'absurde, la dérision à la classe bourgeoise capitaliste, la guerre glorifié et l’art ;
le collage et le montage; recourent à l’utilisation du clair-obscur et la couleur modelée;
cherchaient à scandaliser les spectateurs.
