LECTURES FINALES

APPRÉCIATION DES ARTS

PRINCIPES DES ARTS

Pour réitérer, l'appréciation et l'engagement envers l'art reposent essentiellement sur le fait d'être équipé de
un langage approprié qui le rend plus compréhensible. Ce sont les principes de l'art qui influencent
l'effet obtenu par les éléments, et les liaisons d'autres principes.

1. ÉQUILIBRE – ce principe fait référence à la distribution des éléments visuels en fonction de leur placement
en relation les uns avec les autres.

Trois formes d'équilibre

a. Symétrique - les éléments utilisés d'un côté sont reflétés de l'autre. Cela offre le plus
sens visuel stable à toute œuvre d'art.
Statue Oblaton de l'UP Diliman
b. Asymétrique – les éléments ne sont pas identiques (ou le même poids de chaque côté, mettant le
lourdeur d'un côté.
c. Radial – il y a un point central dans la composition, autour duquel les éléments et objets sont
distribué.
2. ÉCHELLE ET PROPORTION – L'échelle concerne la taille par rapport à ce qui est normal pour la figure de
L'objet en question. Les sculptures de grande échelle sont courantes dans le monde entier, car de nombreux artistes le sont.
pris par la qualité fantaisiste. Aux Philippines, Arturo Luz a créé d'énormes versions sculpturales
du trombone. Pendant longtemps, il a occupé une place importante à l'entrée du Musée Ayala.
LA PROPORTION, en revanche, est la taille des composants, ou des objets les uns par rapport aux autres.
lorsqu'il est pris comme une composition ou une unité. Cela peut également faire référence à des valeurs telles que le nombre d'éléments ou

les objets dans la composition. L'un des canons les plus courants affirmés concerne la proportion de la
corps. Cela varie d'une culture à l'autre. Pour les artistes égyptiens, la forme humaine suit un carré.
grille et est informé de la main comme unité de mesure. Pour compléter une figure humaine debout, 18 unités
(les carrés) sont nécessaires de la tête aux pieds. D'autre part, les Grecs soutenaient que les relations numériques - le
le rato doré - était la clé de la beauté ou de la perfection. Dans le rato doré, la figure est divisée en deux
segments inégaux où le plus petit est au même ratio que le plus grand segment, et que le plus long
le segment est le même raton par rapport au tout. En chiffres, il peut être évalué à 1:1.618. LEONARDO DA
L'«Homme de Vitruve» de Vinci est une exploration des idées de l'architecte romain Vitruve, dans laquelle le
Le corps humain est un exemple de proportion classique en architecture, le corps de l'homme peut être utilisé pour mieux
comprendre la symétrie qui existe dans la nature et l'univers.
Proporton peut être :
1. Naturel – se rapporte à la taille réaliste des éléments visuels dans l'œuvre d'art, en particulier pour
art visuel figuratif. Lorsque c'est l'exactitude par rapport au monde réel que l'artiste recherche, cela devient maintenant
appelé le principe d'échelle.
2. Exagéré – fait référence aux relations de taille inhabituelles des éléments visuels, délibérément
exagérer l'immensité ou la petitesse d'un objet.
3. Idéalisé – le plus commun pour ceux qui peuventons de perfection, les relations de taille des éléments ou
objets, qui réalisent les relations de taille les plus idéales.
3-4 MISE EN ÉVIDENCE ET CONTRASTE
L'accentuation permet d'attirer l'attention du spectateur sur un ou plusieurs points focaux, en accentuant ou en attirant.

prêtez attention à ces éléments ou objets. Cela peut être fait par la manipulation des éléments ou
à travers l'assistance d'autres principes, en particulier celui du contraste. LE CONTRASTE est la disparité
entre les éléments qui figurent dans la composition. Un objet peut être renforcé par rapport à
d'autres objets (d'où l'accent). Par exemple, l'espace, en particulier l'utilisation de l'espace négatif et positif
est un exemple de contraste. Un autre exemple est l'utilisation de couleurs complémentaires dans une œuvre d'art.

5-6 UNITÉ ET VARIÉTÉ

À moins que cela ne soit destiné autrement, les compositions visent à imprégner un sentiment d'accord ou
la complétude de l'œuvre d'art. C'est l'UNITE. Le principe qui vise à retenir l'intérêt en permettant
des patchs ou des zones qui excitent et permettent à l'œil de se reposer.

7. HARMONIE – L'unité et la variété sont liées au principe d'harmonie, dans lequel les éléments ou objets
atteindre un sens de fluidité et d'interconnexion.

8. MOUVEMENT – cela fait référence à la direction de l'œil du spectateur en parcourant l'œuvre, souvent
guidés par des zones ou des éléments qui sont mis en avant. Ces points focaux peuvent être des lignes, des bords, des formes et des couleurs.

dans l'œuvre d'art, entre autres.

9. RYTHME – Ceci est créé lorsque les éléments sont répétés, créant un mouvement implicite. Variété de
Repetton aide à revitaliser le rythme tel que dépeint dans l'œuvre d'art.

10-11 RÉPÉTITION ET PATRON - Des lignes, des formes, des couleurs et d'autres éléments peuvent apparaître dans une œuvre d'art dans
une manière récurrente. Cela s'appelle la répétition. De plus, l'image créée par la répétition est appelée
patron.

ÉLÉMENTS DE L'ART : VISUEL

En se basant sur la référence scientifique, les éléments de l'art sont semblables aux atomes qui sont définis comme
les unités ou "briques" de la matière. Ensemble, dans une variété de combinaisons et de formations, elles
avoir la capacité de créer des molécules telles que l'eau, ou des sucres plus complexes comme le saccharose. Il faut souligner que,
Cependant, toutes les œuvres d'art nécessitent la présence de tous les éléments. Par exemple, les sculptures automatiquement
avoir les éléments suivants avec ou sans la décision de l'artiste de les inclure : forme, forme, et
L'espace. Les éléments sont les conditions préalables nécessaires à la création de l'art.

1. LIGNE – fait référence à un point se déplaçant sur un chemin identifiable - elle a une longueur et une direction. Elle a également une largeur.
est unidimensionnel cependant, il a la capacité de définir soit les paramètres de l'œuvre d'art (bords)
et/ou devenir un élément substantiel de la composition. Connu pour utiliser des lignes pour fournir le
contour ou contour des figures qu'il représente dans son œuvre, Keith Haring a d'abord réalisé la fresque murale publique
«Ensemble, nous pouvons arrêter le sida» à Barcelone en 1989. En 2014, il
a été créé au foyer du Museu d’art Contemporani de Barcelone (Musée d'art contemporain de Barcelone
Art contemporain) pour le commémorer. Haring a lutté contre le VIH/SIDA auquel il a succombé en
1990.
Une qualité qui est attribuée aux lignes est sa capacité à diriger les yeux pour suivre le mouvement ou fournir des indices alors que
au point focal d'un travail.
1. Lignes Horizontales et Verticales – fait référence à l'orientation de la ligne. Ces lignes sont normalement associées
avec repos et calme. Les paysages contiennent souvent ces éléments car des œuvres comme celles-ci connotent souvent un visuel
sentiment d'être parallèle au sol. Cela fait également allusion à la position du corps allongé au repos. Vertical
les lignes, en revanche, connotent élévation ou hauteur, ce qui est généralement pris pour signifier exaltation ou
aspiration pour l'action. Ensemble, ces lignes communiquent stabilité et fermeté.
2. Lignes Diagonales et Croisées - Les lignes diagonales transmettent du mouvement et de l'instabilité, bien que le
la progression peut être vue. Des lignes courbées ou dentelées, en revanche, rappellent la violence,
conflit, ou lutte.
3. Lignes courbes – ce sont des lignes qui se plient ou s'enroulent. Elles évoquent la douceur, la grâce, la flexibilité, ou même
sensualité. Un des artistes espagnols les plus importants est Francisco de Joya. Connu pour ses estampes, il est
maître des œuvres gravées et de l'utilisation de l'aquatinte. Les lignes ne doivent pas nécessairement être explicites ou littéralement montrées. Comme
Ce que de nombreux exemples vont montrer, les lignes implicites peuvent être tout aussi puissantes, sinon plus. Dans "L'art de
Medusa, la position et l'orientation des corps à bord du radeau sont principalement diagonales.
dans la direction. Cela crée non seulement du mouvement mais aussi de la tension dans la scène. Basé sur le réel
l'événement, la peinture représente l'épave de 1816 du navire gouvernemental français appelé Méduse.

2-3 FORME ET CONTOUR – La forme fait référence à deux dimensions : hauteur et largeur, tandis que les contours se réfèrent à trois.
dimensions : hauteur, largeur et profondeur. Même si les formes font partie d'un tableau plus vaste, chacune peut être identifiée.
en séparant les composants visuels et en faisant des distinctions basées sur ce que nous savons et ce que nous
ont vu.
Deux catégories peuvent être utilisées comme une large distinction
1. Géométrique – ces formes trouvent leur origine dans des propositions mathématiques.
2. Organique – les formes organiques sont celles qui se produisent naturellement, souvent irrégulières et asymétriques.
Les formes peuvent également être implicites. Par exemple, le célèbre tableau de Raphael "La Madone des prairies"
représente 3 figures : Marie, le jeune Jésus et le jeune Jean-Baptiste.

4. L'ESPACE lié à la forme et à la structure est l'espace. Il est généralement déduit d'un sens de profondeur, qu'il soit réel ou
simulé. Au milieu de la Plaza AT&T au Millennium Park dans le quartier de la Loop.
Chicago, l'emblématique "CLOUD GATE" occupe un espace considérable. De forme similaire à un haricot, d'où son autre
référent, la sculpture publique a été dévoilée en 2004. La bosse au milieu offre un espace où les gens
peuvent passer et contempler la sculpture sous un angle différent. Cependant, toutes les œuvres ne sont pas
sculptures. Dans les œuvres d'art en deux dimensions, elles peuvent être implicites.
1. Espace positif et espace négatif. Habituellement, l'espace blanc est identifié comme l'espace négatif. L'espace positif
l'espace, en revanche, est l'espace où l'ombre est fortement utilisée.
2. L'espace tridimensionnel - peut être simulé à travers une variété de techniques telles que l'ombrage.

5. COULEUR – La couleur est peut-être l'un des éléments qui améliore l'attrait d'une œuvre d'art. Son effet a
plage, permettant au spectateur de faire des réponses basées sur la mémoire, l'émotion et la distinction, entre autres,
Cet élément est une propriété de la lumière, car il est réfléchi par l'objet. La couleur n'est pas intrinsèque à un objet et
sans lumière, on ne peut pas percevoir la couleur. Une grande partie de ce que nous savons sur les couleurs commence par la notion de
Une théorie des couleurs qui a été d'abord dévoilée par les expérimentations entreprises par Sir Isaac Newton en 1666.
Un rayon de soleil passant à travers un prisme révèle une palette de couleurs semblable à celle d'un arc-en-ciel.
La roue des couleurs correspond à la première propriété de la couleur, la teinte.
a. TEINTE – cette dimension de la couleur porte son nom. Elle peut être divisée en :
Couleurs primaires - rouge, jaune et bleu
Secondary colors – green, orange, and violet
Les couleurs tertiaires – au nombre de six, ces teintes se forment lorsque les couleurs primaires et secondaires
sont mélangés
b. VALEUR - cela fait référence à la clarté ou à l'obscurité de la couleur. Souvent, cela est utilisé par les artistes pour créer une illusion
de profondeur et de solidité, une humeur particulière, communiquer un sentiment, ou dans l'établissement d'une scène (par exemple jour et
nuit)
Couleurs claires - considérées comme la source de lumière dans la composition.
Couleurs sombres - le manque ou même l'absence de lumière. Cependant, nous pouvons identifier la couleur même.
lorsqu'une gamme nous est présentée. Des attentes sont également établies sur la notion que
le jaune est dans la valeur de la lumière; tandis que le violet est l'obscurité.
Teinte – c'est une couleur plus claire que la valeur normale, (rose pour rouge)
Ombre – c'est une couleur plus sombre que la valeur normale (marron pour rouge)
c. Intensité – c'est la luminosité ou l'obscurité de la couleur. Elle est identifiée comme la force de la couleur, qu'elle soit
est vif ou atténué. Pour atteindre une intensité spécifique d'une couleur, on peut ajouter soit du gris ou son
couleur complémentaire.
Couleurs vives ou chaudes - énergie positive
Couleurs ternes ou froides - apaisantes/relaxantes, sérieux ou calme
Harmonies monochromatiques – utilisez les variations d'une teinte. Un exemple est Claude Monet.
Houses of Parliament.
Les harmonies complémentaires impliquent deux couleurs opposées l'une à l'autre sur la roue des couleurs.
Exemple des Trois Saints (Saint Antoine Abbé, Saint Roch et Sainte Lucie, patronne de la)
Cima da Conegliano (Giovanni Bautsta Cima)
Harmonies analogues – utilisez deux couleurs côte à côte sur la roue des couleurs.
D'autres harmonies ont émergé, telles que les harmonies triadiques, qui utilisent trois couleurs de
sites équidistants dans la roue des couleurs. Exemple : "Le Cri" d'Edvard Munch

6. TEXTURE – Comme l'espace, la texture peut être réelle ou implicite. Cet élément dans une œuvre d'art est expérimenté
à travers le sens du toucher (et de la vue). Dans le portrait réalisé par le peintre de cour Frans Pourbus le
Plus jeune, la tenue de la princesse Margherita est ornée de perles opulentes et de broderies dignes de son rang.
Ceci est réalisé en utilisant les techniques employées par l'artiste dans la création de l'œuvre.
1. Texture dans le plan bidimensionnel – la texture peut être impliquée en utilisant une technique ou une combinaison.
d'autres éléments de l'art.
2. Texture de surface – fait référence à la texture de l'objet d'art tridimensionnel

PLANS ET PERSPECTIVE
Le plan pictural est la surface réelle de la peinture ou du dessin, où aucune illusion n'existe. Pendant le
Renaissance (15thAu siècle) le clair-obscur a été développé. Il a fait usage du contraste et des tons de lumière et d'ombre.
dans lesquelles les peintures semblaient non seulement en trois dimensions, mais aussi plus dramatiques. Les premiers partisans incluent

Leon Batsta Albert, Paolo Uccello et l'architecte Filippo Brunelleschi au début du 15thsiècle, qui étaient
publié dans Le Livre de la peinture d'Albert en 1435.
Trois types de perspective :
1. perspective à un point – souvent utilisée pour représenter des routes, des chemins, des couloirs ou des rangées d'arbres ; ce type de
la perspective montre des lignes parallèles qui semblent converger à un point de fuite spécifique et isolé le long de
ligne d'horizon.
G. Herbert et Horace C. Bayley, Nouveau Viaduc Ferroviaire
2. Perspective à deux points – se rapporte à une peinture ou un dessin qui utilise deux points de fuite,
qui peut être placé n'importe où le long de la ligne d'horizon.
Exemple Gustav Caillebotte « Rue de Paris, temps de pluie » (Rue de Paris par temps de pluie)
3. Perspective à trois points - le spectateur regarde une scène d'en haut ou d'en bas.
Exemple Berenice Abbot "Bâtiment Chanon, New York"

ÉLÉMENTS DE L'ART : AUDITIF

ÉLÉMENTS DE LA MUSIQUE

1. RYTHME - Souvent associé aux termes beat, mesure et tempo, le rythme est l'élément de la musique
cela le situe dans le temps. C'est le pouls de la musique. Le beat est l'unité de base de la musique tandis que le tempo se réfère à
la vitesse (battements/seconde). Les battements peuvent être organisés en un motif récurrent reconnaissable, qui est appelé
le compteur.
Les termes classiques sont utilisés pour désigner les variations de tempo, dont certaines sont :
Largo – lentement et largement
Andante – à un rythme de marche
Modéré - à une vitesse modérée
Allegro - rapide
Vivace – vif
Accélérant – s'accélérant progressivement
Rallentando – ralentissant progressivement
Allargando – devenant plus lent, s'élargissant
Rubato – littéralement "volé-temps", le rythme est joué librement pour un effet d'expression
2. DYNAMIQUE - fait référence à la loudness ou à la quietness de la musique. Des termes classiques sont utilisés pour désigner le
différents niveaux concernant cela :
Pianissimo (pp) – très calme
Piano (p) – doux
Mezzo-piano - (mp) modérément silencieux
Mezzo-forte (mf) modérément fort
forte (f)
Fortissimo (ff) - très fort
Lorsque les compositeurs indiquent une augmentation ou une diminution du volume, ils utilisent le terme crescendo pour
le premier, et decrescendo ou diminuendo pour le second.

3. MELODIE – fait référence à la présentation linéaire (horizontale) de la hauteur. Par horizontal, cela signifie que dans
La notation musicale se lit successivement de gauche à droite. La HAUTEUR est la hauteur ou la profondeur de la musique.
son.
4. HARMONIE - si la mélodie est horizontale, l'harmonie est verticale. Elle survient lorsque des hauteurs sont combinées pour former
accords. Lorsque plusieurs notes sont jouées simultanément, cela fait référence à un accord. L'harmonie peut être décrite
en termes de sa « dureté », la dissonance est la combinaison sonore dure tandis que la consonance est la
combinaison fluide.

5. TIMBRE – est souvent comparé à la couleur de la musique.

6. TEXTURE – le nombre de mélodies, le type de couches et leur relation dans une composition est le
texture de la musique. Cela peut être :
Monophonique – lignes mélodiques simples
Polyphonique – deux lignes mélodiques ou plus
Homophonique – mélodie principale accompagnée d'accords

RESTEZ CHEZ VOUS, QUE DIEU VOUS BÉNISSE. . . .