OPÉRA SEC.

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ITALIE

Le terme d'opéra vient de la langue italienne - opera, comme une abréviation de l'expression opera in musica,
c'est-à-dire pièce ou œuvre musicale.
Les débuts de l'œuvre se situent à l'époque de la Renaissance, lorsqu'un groupe d'humanistes florentins
(intellectuels, artistes amateurs), essayant de faire revivre le spectacle antique – celui où l'on dansait, se
parlaient et chantaient à la fois, ils ont fini par créer une nouvelle forme d'art. Ils rêve d'un acteur qui...
Chantez pour danser dans un décor à son tour dynamique, émanant émotion et drame.
Italie, siècles XVI-XVII
La première œuvre qui semble avoir été chantée était Dafne, composée par Jacopo Peri en 1597 sur un
libret de Ottavio Rinuccini représenté au Palazzo Corsi à Florence pendant le Carnaval de
1598. Au cours de cette période de la fin du XVIe siècle, les premières expériences et tentatives ont lieu.
conduit la nouvelle formule appelée œuvre.
Il est intéressant de savoir que l'apparition de l'œuvre à Florence n'est pas du tout le fruit du hasard. Il y a eu trois
implications importantes de la culture florentine qui ont permis la nouvelle relation entre la musique et le mot :
C'est avant tout celle de la tradition du théâtre musical, à travers des moments appelés intermezzo (c'est-à-dire interlude)
soit marquant la fin d'un acte ou suggérant le passage du temps (le rideau n'existant pas à cette époque); a
Deux consistent dans l'histoire humaniste et l'intérêt des intellectuels florentins à redécouvrir la culture classique.
greacă ș i română; nu în ultimul rând, Florenț a cunoș tea o raportare „magică” a lumii la muzică,
dérivée de la conviction platonicienne que par la musique la sphère terrestre interagit avec celle
cosmique.
Un des habitués de ces groupes était Claudio Monteverdi, considéré par certains comme l'auteur
premières œuvres au véritable sens du terme – La Favola d’Orfeo (La Légende d’Orphée, 1607), mais
première œuvre qui s'est maintenue dans les répertoires actuels.
En très peu de temps, la «drame avec musique» s'est répandue dans d'autres villes comme Mantoue, Rome, Venise.
Pendant trois décennies, le spectacle d'opéra n'a été présent que dans les palais nobles, les seuls qui...
s'offraient l'entretien de ce luxe artistique.
En 1637, le premier opéra public ouvre : le Teatro di San Cassiano à Venise, un théâtre
commercial, administré par un impresario ou un manager général, dans lequel le public avait accès sur la base de
de billet. Passant du cadre officiel et restrictif des palais à la sphère publique, l'œuvre s'impose comme
le principal type de spectacle, le plus répandu et le plus acclamé par les Italiens. À partir de ce moment,
Commence l'histoire du théâtre lyrique !
Une des différences entre les théâtres de cour et les théâtres publics réside dans le nombre de places : si
les premières pouvaient accueillir quelques centaines de spectateurs, tandis que les dernières dépassaient 1000 ou 2000 de places,

parfois atteignant même 3000 spectateurs.

Opéra seria
Pendant cette période, l'opéra seria (opéra sérieux) s'impose, avec une structure musicale complexe, avec
arii longs da capo, transmettant des sentiments grandioses, sur des événements dans la plupart des cas
tragiques, inspirées des mythes antiques ou des événements historiques. La mode du XVIIIe siècle imposait
et une technique vocale rigoureuse, ce qui a conduit au style appelé bel canto. C'est également à cette époque, au siècle de
XVIIe, car les femmes étaient interdites de monter sur scène, apparaissent les interprètes castrats – des hommes
castrés avant la puberté, pour conserver leur timbre vocal aigu. Aujourd'hui, ces parties sont
interprétées par des femmes ou des contre-ténors. Les compositeurs d'opéra seria les plus connus étaient
Alessandro Scarlatti, Apostolo Zeno, Pietro Metastasio ou George Frideric Handel.
Jusqu'en 1730, l'opéra italienne devient internationale, s'étendant dans la plupart des villes.
importante d'Europe et de Russie. L'opéra de série, en revanche, connaît les premières critiques dirigées justement
le formalisme et la rigidité qui les caractérisaient.
Opéra bouffe
Le déclin de l'opéra sérieux conduit à l'émergence d'un autre sous-genre : l'opéra buffa ou l'opéra comique, qui se
trouvait jusqu'alors timid à l'intérieur de la première, à travers des personnages comiques mineurs, ou entre les actes, sous
forme d'intermèdes. Inspirées des personnages archétypaux de la commedia dell'arte, l'opéra comique gagne
avec le temps en vitalité, devenant indépendante et avec un sens aigu de la satire.
Libérée de la coquille de l'opéra sérieux, l'opéra comique met de côté ses règles, embrassant
l'innovation musicale et dramatique, ainsi qu'une orientation vers la vie des gens simples. L'évolution a fait
pourtant, à l'âge adulte - au XVIIIe siècle, l'opéra comique souhaite la dimension émotive et
«sérieuse» qu'il avait laissée derrière et d'introduire des personnages qui apporteraient plus de poids
compoosition. Le résultat a été un hybride entre les deux, exponentielles étant deux créations inspirées de
les pièces de Beaumarchais : Le Barbier de Séville (Le Barbier de Séville, 1782) de Giovanni Paisiello
et Les noces de Figaro (Le Mariage de Figaro, 1786) de Mozart, ou Le mariage secret
secretă, 1792) de Domenico Cimarosa.
Rossini – Donizetti – Bellini
La période suivante surprendra l'Italie dans une position d'ombre, toute l'attention étant portée sur
oeuvre se dirigeant vers le centre de l'Europe. Cette situation durera jusqu'au XIXe siècle lorsque,
Avec l'apparition d'un nouveau courant, le Romantisme, la musique italienne retrouve ses droits. Le premier
le compositeur qui va "sauver" la musique italienne était Giovani Simone Mayr, celui qui a utilisé pour
Première fois que l'orchestre est en formation complète. Bien qu'il ait eu une vie de compositeur active, ses œuvres ne
mais sont populaires de nos jours. À sa suite viendra cependant un « trio d'or » : Gioachino Rossini,
Gaetano Donizetti (qui fut l'élève de Mayr) et Vincenzo Bellini. Par eux, le style bel canto s'est
consacré.
L'œuvre la plus célèbre de Rossini est le célèbre Il Barbiere di Siviglia (Le Barbier de Séville)
1816) – probablement la plus représentative des opéras buffa, à côté de L’Italiana in Algieri (L'Italienne à Alger)
Alger, 1813), La Cenerentola (Cendrillon, 1817), Le Comte Ory (Le Comte Ory, 1828). Rossini
aborde avec une grande créativité le style comique, mais aussi des œuvres avec une plus grande charge dramatique
précum : Otello (1816), Armida (1817), Le Siège de Corinthe (Asediul Corintului, 1826), Guillaume
Dis (Wilhelm Tell, 1829).
Tout comme Rossini, Donizetti aborde avec aisance des sujets comiques, sentimentaux et
sujets plus graves, en particulier le drame historique. Imposé par Ann Boleyn (1830), Donizetti a continué
L’Elisir d’amore (Elixir de l'amour, 1832), Lucrezia Borgia (1833), Maria Stuarda (1834)
Lucia di Lammermoor (1835), La Fille du Régiment (1840), Don Pasquale
(1843).
Bellini s'est senti le plus proche des drames d'amour, des émotions intenses et des enjeux moraux, étant
un excellent soutien du belcanto. Parmi les 10 opéras qu'il a composés figurent : Norma (1831),
Il Pirata (Piratul, 1827), La Sonnabula (Somnambula, 1831), I Puritani (Puritanii, 1835).
Giuseppe Verdi
Après que ces trois immense musiciens se soient retirés de la vie artistique italienne, Giuseppe Verdi est le
care remplit le vide laissé derrière. Verdi était un compositeur qui a dominé la scène italienne du milieu
du XIXe siècle, s'impliquant même dans la vie politique, militant pour l'indépendance et la réunification
L'Italie est devenue membre du premier Parlement. Parmi ses créations figurent : Nabucco (1842),
Rigoletto (1851)
(Les Siciliennes du soir, 1855), Un bal masqué (Bal masqué, 1859), Aida (1871), Othello (1887) et
sa dernière composition, inachevée, Falstaff (1893). Verdi s'est beaucoup inspiré de la culture française - de
grande opéra à partir des pièces pleines d'imagination de Victor Hugo et Alexandre Dumas, mettant
accent, principalement sur les personnages de la vie contemporaine (un exemple étant la courtisane
Violetta Valéry de La Traviata.
Après Verdi, le style réaliste (verisme en italien) s'impose en Italie, à travers des opéras tels que : Cavalleria
rusticana (Onoareaț ărănească, 1890) de Pietro Mascagni ou I pagliacci (Paiaț e, 1892) de Ruggero
Leoncavallo. Au premier plan, des gens simples sont placés, avec les drames et les difficultés de leur vie,
mettant en évidence la misère sociale qu'ils endurent.
Giacomo Puccini
Giacomo Puccini, « le dernier grand lyrique du siècle » et un amoureux des personnages féminins,
enrichir le répertoire universel avec des œuvres qui dominent encore aujourd'hui les scènes du monde : Manon Lescaut
(1893), La Bohème (1896), Tosca (1900), Madama Butterfly (1904), Turandot (non finalisé, mais
présenté au public en 1926, avec le dernier duo et la scène finale composés par Franco Alfano), Il Trittico
(Tripticul, 1918) – un cycle dont fait partie la seule œuvre comique du compositeur – Gianni
Schicchi (aux côtés de Il tabarro et Suor Angelica).

ALLEMAGNE

L'opéra est arrivé en Allemagne en plus des cours princières, dominé par les artistes invités d'Italie.
L'influence a été si forte que les compositeurs allemands ont repris pour leurs créations non seulement
style, c'est la langue italienne.
Singspiel
La première forme d'opéra qui se développe en Allemagne à la fin du XVIIe siècle est le singspiel :
une œuvre accessible, généralement comique et contenant un dialogue parlé; elle ressemblait à ce que portait
le nom en Angleterre de ballad opera, et en France d'opéra comique.
Wolfgang Amadeus Mozart
L'un des compositeurs les plus importants de Vienne a été sans aucun doute Wolfgang Amadeus Mozart.
(1756-1791). Avec une carrière commencée à 10 ans, Mozart a abordé tous les genres : symphonique, concertant,
cameral, instrumental, vocal scénique. Sa rencontre avec le librettiste Lorenzo da Ponte a permis de prendre forme
certaines des plus belles créations d'opéra : Les Noces de Figaro
Pierre de Beaumarchais, 1786), Don Giovanni (1787), opera buffa Cosi fan tutte (Ainsi font toutes,
1787), aux côtés de deux autres chefs-d'œuvre, qui dominent les répertoires internationaux : Die Zauberflöte
(La flûte enchantée, 1791) et sa dernière création, l'opéra seria La Clemenza di Tito (représenté en public
en 1791).
Richard Wagner
L'Allemagne s'imposera définitivement dans l'opéra international grâce à Richard Wagner (1813-1883) - un
personnalité souvent gênante, mais incontestablement musicalement. Il a reformé
le genre de l'œuvre par ce que l'on appelle la drame musicale; le théâtre de Bayreuth, construit selon
ses indications en 1876, semble être la seule salle véritablement adaptée aux spectacles de théâtre
musicale. Le bâtiment apporte une innovation aussi pour les spectateurs, car l'opulence est remplacée par des conditions
care pun accent pe receptarea spectacolului : la salle ne sera plus éclairée pendant les spectacles, les loges
et les balcons disparaissent, les rangées vont s'élever sur un plan incliné - comme l'auditoire antique, et l'orchestre est
introduite dans la fosse. Parmi les œuvres signées par lui figurent : Der fliegende Holländer (Le Vaisseau fantôme,
1843), Tristan et Isolde (Tristan et Isolde, 1865), Les Maîtres chanteurs de Nuremberg (Les Maîtres chanteurs de Nuremberg
chanteurs de Nuremberg, 1868) – sa seule comédie, Der Ring des Nibelungen (L'Anneau des Nibelungen
Nibelungen) – la fabuleuse série d'opéras inspirée de la mythologie nordique.
Un autre compositeur qui a connu le succès était Carl Maria von Weber, celui qui a annoncé
le début de la période romantique dans l'opéra. Dans l'opéra, il s'est distingué par ses créations : Der Freischütz
(1821), Euryanthe (1823) et Oberon (1826).
Le prochain grand nom qui émerge dans l'espace germanique était Richard Strauss, à travers deux drames
musicales : Salomé (Salomea, 1905) et Électre (1909).

FRANTA
Bien qu'il soit arrivé en France avant 1650, l'œuvre a rencontré des difficultés à s'imposer et cela depuis
la raison de la tradition du théâtre parlé et du ballet - la forme préférée de la cour.
La première création française d'opéra a été commandée pour l'inauguration de l'Académie Royale de Musique
(aujourd'hui l'Opéra national de Paris ou le Palais Garnier) en 1671 et plus précisément la pastorale Pomone de Robert
Camembert.
Jean-Baptiste Lully
Le compositeur qui a réussi à introduire l'opéra sous le patronage royal de Louis XIV
(supranumit le Roi Soleil, lui-même un très bon danseur) était Jean-Baptiste Lully. Bien que
Originaire de Florence, le compositeur était un ardent amoureux de l'esprit de l'adoption. S'inspirant de
d'après ce qui était profondément français dans l'art, le compositeur a introduit quelques changements déterminants dans
histoire de l'opéra : il a créé le sous-genre tragédie en musique ou tragédie lyrique (une combinaison entre la tragédie
français parlé et le ballet de cour), a introduit le style récitatif inspiré du style déclamatoire de
Comédie Française, a particularisé l'ouverture française (une partie introductive lente suivie d'une fugue)
différente de celle italienne (composée de trois composantes rapide-lent-rapide), aux côtés de Molière a
L'exploration du genre comédie-ballet (qui combine des passages parlés ou chantés avec du ballet) a accordé une attention
la danse, le chœur, les intermèdes musicaux, les décors et l'action dynamique. Depuis 1672, Lully a
détenu le monopole dans l'opéra français et ne put être détrôné jusqu'à sa mort en 1687 (il prenant
et la direction de l'Académie Royale de Musique en 1672). L'un des successeurs les plus importants de lui
Lully était Jean-Philippe Rameau, dont les créations (en particulier les opéras-ballets) se retrouvent dans
répertoires modernes : Les Indes galantes (Indes galantes, 1737), Castor et Pollux (Castor et Pollux,
1737).
Opéra comique
Dans un contexte où l'on cherchait des formules d'œuvre qui dépassent les archétypes aristocratiques, dans
La France développe le genre de l'opéra comique - inspiré de la ballad opera (une variante britannique de l'opéra)
comique, caractéristique au XVIIIe siècle), Singspiel et opera buffa. L'opéra comique provient de
la prescurtation de la formule « opèra rendu comique », c'est-à-dire œuvre faite de manière comique, « non-sérieuse ».
Jean-Jacques Rousseau a une contribution importante parce qu'en 1752, il monte à Fontainebleau, sur
un livret propre, Le Devin du Village (Le Sorcier du village) – qui met en avant le thème de la simplicité
rural et le dialogue parlé.