FICHE - Arts plastiques
ARTS PLASTIQUES
ANALYSE D'UNE ŒUVRE AU PROGRAMME :
ANNETTE MESSAGER, CASINO
Rédaction : Anne Gavarret, docteure en Arts et Sciences de l'art.
Réf. 5AP68TEWB1524 CNED CRPE ARTS PLASTIQUES – Fiche Analyse Casino 1
Annette Messager, Casino, 2005, tissu pongé de soie rouge, cordes, caoutchoucs, matériaux divers, tubes fluorescents, ventilateurs, système
piloté par ordinateur, 4 x 16 x 12 m © Annette Messager © ADAGP, Paris.
Invitée à représenter la France à la 51e Biennale de Venise, du 12 juin au 6 novembre 2005, avec quatre
artistes français cette année-là, et première artiste femme à le faire, Annette Messager installe cette œuvre
dans les trois salles du pavillon français. À cette occasion, elle reçoit le prix le plus prestigieux, le lion d’or,
choisie parmi les artistes des soixante-dix pavillons nationaux présents à la Biennale.
Inspirée par le héros de la littérature italienne le plus connu et le plus représenté, Pinocchio, de Carlo
Collodi, elle met en scène et en espace une installation métaphorique où le destin du pantin devient celui
de l’humain.
Philippe Dagen écrit : « Casino opérait sur le mode du piège et du rêve. Sensations visuelles : être noyé
dans du rouge, la plus organique des couleurs ; être pris au dépourvu par le mouvement de formes
peu définissables ; la pénombre de la dernière salle, striée de lumières rougeâtre ou verdâtre selon les
tubes. Sensations sonores : d’abord des glissements, des souffles, des frôlements ; le souffle d’une bête
démesurée, mais respirant régulièrement et de façon assez rassurante ; des claquements de pistons
et câbles, qui détonnent et que l’on entend avant de comprendre ce qui se passe et à quoi sert cette
mécanique1. »
Une installation doit être expérimentée, vécue. Plongeons-nous dans cette visite en l’évoquant comme si
nous y étions.
L’ensemble des trois salles déroule une sorte de tragédie en trois actes où les scènes sont changeantes,
mobiles, modifiées par des mécanismes et sonorisés, éclairées de façons différentes pendant 15 minutes
environ.
Après avoir soulevé les grands rideaux blancs qui cachent l’entrée, le spectateur entre dans la première
salle. Elle présente une accumulation verticale un peu chaotique de traversins blancs rayés de gris,
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assemblés entre eux par des liens noirs, sorte de montagne ou de mur instable, d’où émergent ça et là
des formes rouges organiques et indéfinissables, mais évoquant clairement des entrailles, et d'étranges
animaux, peluches ou jouets. Tous ces objets sont des fabrications cousues, rembourrées. Messager utilise
la couture et la broderie, activités traditionnellement féminines, de façon détournée du beau et du bien fait
pour les charger de dérision ou d’inquiétude, voire de sordide.
Pinocchio, inerte, allongé sur un traversin, est tiré par un câble et promené dans cette forêt de polochons.
C’est l’acte premier où le pantin est de bois, sans vie, en sommeil.
Le monde de l’enfance est clairement convoqué, mais avec ce mélange d’éléments à la fois ludiques et
inquiétants que l'artiste utilise souvent. Le traversin est un élément de son vocabulaire plastique, un de ces
innombrables objets du quotidien qu’elle utilise (crayons de couleurs, ficelles, bâtons, cadres, peluches,
etc.) pour leur valeur simple, intime, banale, mais dans des quantités qui leur confère un sens augmenté.
Les peluches font également partie des éléments récurrents dans son œuvre : celles-ci sont souvent
décousues et recousues entre elles, rendues ainsi monstrueuses.
La deuxième salle (dont l’image proposée ici est une vue) plonge le visiteur dans la pénombre d’abord, puis
dans une ambiance rouge vif, due à cet immense voile de soie très fine qui se soulève sporadiquement,
au gré des souffles des ventilateurs, engendrant comme une respiration, calme ou tempétueuse. La salle
comporte une ouverture dans le fond, entièrement occupée aussi par ce rouge qui semble bouillonner,
se déverser dans la salle, évoquant une blessure répandant le sang, ou encore un accouchement. Pour
Messager, elle traduit la transformation du pantin de bois en humain, et le passage dans le ventre de la
baleine du récit italien.
Le pongé de soie est généralement utilisé pour des foulards ou des volants superposés car il est transparent,
souple et doux. L’étoffe de soie rouge déployée, transparente, laisse entrevoir des fragments de corps et des
objets colorés qui s’allument et s’éteignent régulièrement, changent de couleur. Au plafond, soudain, des
masques noirs au nez très long descendent doucement et mettent fin au mouvement, rendant à nouveau
cette mer de soie étale. On y reconnaît aussi Pinocchio, qui projette son ombre sur le mur.
La troisième salle met en scène un chaos qui survient après un temps calme. Casino, le titre de l’œuvre
en italien, signifie petite maison, mais aussi désordre. La salle est occupée par un filet noir descendant du
plafond dans lequel reposent des peluches, des sacs plastiques et des objets faits de tissus rembourrés
étranges et informes, mais évoquant des membres, des morceaux de corps, des résidus du vivant. On
s’approche, et soudain un jeu de pistons se met en mouvement, tendant et détendant brutalement ce filet
où tous les objets sautent comme sur un trampoline, puis retombent. Pinocchio est devenu humain, et
embrasse cette condition : le mouvement, la vie, mais aussi la mort.
Annette Messager joue avec le spectateur dans cette scénographie où la mécanique singe le vivant. Répondant
aux questions de Suzanne Pagé et Béatrice Parent lors d’un entretien, elle explique : « J’ai réalisé de
nombreux personnages de chiffon (…) tirés par des cordes, reliés à des moteurs, qui se contorsionnent, se
désarticulent de manière grotesque. Ils sont comme nous, pauvres animaux humains pathétiques, tentant
de survivre à toutes nos aventures comme ce petit Pinocchio, simulacre de nous-même2. »
Née en 1943, en pleine deuxième guerre mondiale, à Berck-sur-Mer, Annette Messager est marquée dès
son enfance par l’art brut que son père architecte lui fait connaître, et les formes d’art ou d’expression
populaire comme les pratiques artistiques amateurs ou thérapeutiques, les ex-voto. Comme d’autres
artistes de sa génération (on ne peut faire autrement que de citer Christian Boltanski, son compagnon
pendant longtemps), elle mêle récit, fiction, autobiographie feinte et formes d’art hybrides utilisant la
photographie, les objets, les modes d’installation comme les cadres, les vitrines, les sellettes.
Dans la décennie 1970 à 1980, elle accole à son patronyme des fonctions diverses (collectionneuse,
bricoleuse, artiste, femme pratique, truqueuse, colporteuse…) et développe une cinquantaine d’albums
qui déclinent ces identités multiples et fictives. Exposée dans les plus grands musées du monde, Annette
Messager est la première artiste française vivante à bénéficier d’une rétrospective au MoMa (New York)
en 1995. Son travail a fait l’objet d’importantes rétrospectives (au Centre Pompidou en 2007, au Mori Art
Center au Japon en 2008, à la Hayward Gallery à Londres en 2009, au MARCO à Mexico en 2010, au MCA
2 Annette Messager, Les messagers, catalogue de l’exposition éponyme (Centre Pompidou, 2007), Paris, co-ed. Centre Pompidou-
Xavier Barral, page 530.
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Australia à Sydney en 2014, au Tel Aviv Art Museum en 2022). Outre le lion d’or à Venise, elle a reçu en 2016
le Praemium Imperiale au Japon, l’équivalent du prix Nobel pour les arts, récompense prestigieuse. Sa
reconnaissance internationale a été plus lente que celle de Boltanski, mais elle est bel et bien là.
Si cette installation a été conçue pour la 51e Biennale de Venise et de ce fait, est ancrée dans ce « hic et
nunc », irrémédiablement, elle a pour autant aujourd’hui et ailleurs toujours autant de sens et de force. La
plasticienne l’a exposée en de multiples autres occasions.
• Expositions de l’œuvre (source galerie Marian Goodman, Paris) :
— Annette Messager, Desire, Disorders, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv, 28 février – 3 septembre 2022
— Annette Messager, motion / emotion, MCA Australia, Sydney, 24 juillet - 26 octobre 2014
— Annette Messager, Antiguo Colegio de San Ildefonso, Mexico, 17 janvier 2011 – 31 août 2011
— Annette Messager, Museo Amparo, Puebla, 2 octobre 2010 – 10 janvier 2011
— Annette Messager, The Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Mexico, 30 avril -
12 septembre 2010
— Annette Messager: Les messagers, Centre Pompidou, Paris, 6 juin - 17 septembre 2007
— Espoo Museum of Modern Art (EMMA), Finland, novembre 2007 - janvier 2008
— Seoul National Museum of Contemporary Art, 27 mars - 28 juin 2008
— Mori Art Museum, Tokyo, Japan, 9 août - 3 novembre2008; 21st Century
— Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japon, 2008 - 2009
— Hayward Gallery, London, UK, 4 mars - 25 mai 2009
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Pistes d'exploitation de cette œuvre en classe
S’agissant d’une installation ayant une durée d’exposition chaque fois définie, en un lieu précis, souvent à
l’étranger, il est impossible de faire expérimenter aux élèves l’œuvre véritable. On ne proposera donc cette
œuvre en référence qu’aux élèves de cycle 3, de façon à ce qu’ils comprennent bien cet enjeu que recouvre
la forme d’art en question, « ici et maintenant », qui prend en compte les données du lieu géographique,
comme du temps, à double titre : le temps contemporain et la convocation de temps passés.
On présentera donc cette œuvre en histoire des arts, dans un corpus comprenant d’autres installations et
également des œuvres éphémères, pour bien en comprendre les enjeux. Les trois premières compétences
sont exercées par l’analyse des œuvres.
Par exemple :
— Robert Smithson, Glue Pour, 1969 : série de onze photos séquentielles rendant compte du processus
d’écoulement de la colle contenue dans un bidon. Cette action est l’œuvre, plus encore que la série
de photographies qui la documente ; elle rend compte de l’écoulement inexorable du temps et de
l’entropie qui en résulte.
— Michel Blazy, Mille feuilles, 1994 : installation éphémère constituée de papier toilette déchiqueté et
mis en forme serpentine, l’œuvre a été vendue au MNAM accompagnée d’une vidéo qui permet au
Centre Pompidou de la reconstituer pour une nouvelle exposition.
À voir ici :[Link]
— Urs Fischer, Untitled (Giambolonia), 2011-2020 : réplique à l'échelle 1 du célèbre groupe Le rapt des
Sabines de Jean de Bologne, chef d'œuvre de la sculpture Renaissance maniériste de 1580 (Piazza
della Signoria, Florence). Mais l’œuvre est en cire et truffée de mèches que l’artiste demande
d’allumer au fur et à mesure du temps de l’exposition dans le lieu d’art ouvert récemment à Paris
par François Pinault, « La bourse du commerce ». La sculpture fond inexorablement...
À voir ici : [Link]
Le point commun de ces œuvres est cette conjonction d’espace et de temps précis qui les ancre, en dehors
de laquelle elles n’existent plus sous la même forme. En cela, elles ressemblent à une performance de
spectacle vivant. Dès lors, elles sont rappelées par des éléments documentaires, photos, textes ou vidéos.
Après cette séance d’histoire des arts où ces éléments seront définis, l’enseignant pourra inviter les élèves,
en arts plastiques, à imaginer, en petits groupes, une performance ou une installation éphémère (thème à
définir par eux ou donné par l’enseignant) et à la documenter avec ces trois moyens : textes, photos, vidéos.
Il s’agit d’une séquence où les quatre compétences d’arts plastiques pourront être exercées.
Par exemple, l’enseignant pourra exploiter aussi l’usage d’objets du quotidien en demandant aux élèves
d’apporter des objets, lui-même en collecterait, et cette collection d’objets serait le vocabulaire plastique
d’une installation. Les élèves devront interroger ces objets, réfléchir à ce qu’implique leur usage, décrire
leur forme, leurs matériaux, etc. Puis, par petits groupes, ils décideront de leur faire raconter une histoire
en les installant. La classe disposera d’appareils photos numériques pour garder trace de ce récit ou
l'appuyer.
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