INTRODUCTION A L’ESTHETIQUE

1. DEFINITION ETYMOLOGIQUE

Etymologiquement parlant le terme Esthétique vient de deux termes grecs :

AISTHETIS ou ESTHETICOS qui veut dire qui a la faculté de sentir.

Par définition l’Esthétique est donc la science du beau dans la nature et

dans l’art.

 La nature est l’ensemble de tout ce qui existe

 L’art c’est le résultat d’une activité créatrice de la beauté

C’est l’allemand ALEXANDER GOTTLIEB BAUMGARTEN qui en est le

père, car c’est lui qui publia un traité d’esthétique en 1750

Les autres concepts liés à l’Esthétique sont :

a) esthète : un esthète est une personne qui professe le culte du beau,

quelqu’un qui aime le beau.
b) esthéticien : un esthéticien est un professionnel s’occupant d’esthétique,
une personne chargé de soins dans un établissement donné.
c) esthétisme : c’est une tendance à évaluer les choses au seul point de vue
esthétique, le beau étant alors considéré comme une valeur absolue.
d) esthétiquement : c’est un adverbe qui veut dire de manière Esthétique.

Faisons le point :

L’Esthétique est une science dont l’objet d’étude est caractère du beau. Elle s’insère activement dans nos vies et
elle s’applique sur l’homme, son environnement et sa création artistique
 TRAVAIL PRATIQUE
Relire les définitions des concepts ci-après, dégager les éléments de :
a) ressemblance et,
b) dissemblance entre ces concepts

Esthète Esthéticien
Ressemblance

Objet d’art Œuvre d’art

Ressemblance

Esthète Esthéticien
Dissemblance

Objet d’art Œuvre d’art

Dissemblance
2. OBJET DE L’ESTHETIQUE
Ce cours a pour objet le beau dans la nature et dans l’art. ce cours se
limite aux arts plastiques « beaux - arts » :
-la peinture : l’art de peindre
-la sculpture : l’art de tailler
-l’architecture : l’art de construire
3. OBJECTIF DU COURS
Le cours d’Esthétique devrait donc former l’élève à une attitude critique
vis-à-vis de la création artistique, lui fournissant des clés, lui ouvrant des
voies vers la découverte du beau dans l’œuvre. Il lui apprendra à
l’apprécier, c’est-à-dire, à la connaitre et à l’aimer avec discernement. Il faut
s’efforcer de découvrir ce que l’auteur a voulu dire à travers son œuvre.
 4. LE BEAU, LA BEAUTE
4.1. Définition
En esthétique le beau est tout ce qui suscite un plaisir d’être admiré ; tandis que la
beauté est la propriété, la qualité de la réalité par laquelle celle-ci suscite en nous une
émotion esthétique.
4.2. DIVISION

La beauté est divisée en deux grandes catégories :

La beauté naturelle : c’est une beauté qui n’a subie aucune modification tel
que Dieu a créé. C’est la splendeur agréable de la nature Ex : un paysage, un
visage
La beauté œuvre humaine : c’est une beauté forgée par l’homme avec la
petite connaissance. Dans cette catégorie nous y trouvons :
-la beauté artificielle : est celui qui produit par l’homme en accord avec
les règles des beaux-arts

4.3. OBJECTIF

La beauté poursuit un double but :

 Créer une satisfaction profonde, intime ; la beauté semble combler une

attente, satisfaire un besoin
 Susciter une certaine émotion proche de l’admiration, de l’enthousiasme, de
l’émerveillement, et qu’on appelle « émotion esthétique »
4.3. LE JUGEMENT DU BEAU

Le beau envisagé sous la perspective soit de l’objet, soit du sujet c’est-à-dire

que le terme beau se rapporte quelque fois à l’objet et d’autres fois à l’émotion
expérimentée par le sujet humain devant cet objet-là.

C’est ainsi que le beau peut être objectivement considéré ou

subjectivement considéré.
 1. Le beau jugé objectivement (le beau objectif)

Dans ce cas le beau est tout objet où toute personne impressionnée par la
sensibilité supérieure, la représentation surtout de l’œil et l’oreille et est capable
d’éveiller l’observation, un sentiment de l’admirer, de respecter et de plaisir de
s’intéresser. C’est un jugement appartenant à l’objet jugé

Ex. un beau visage, une belle voix

a) Les éléments du beau objectif :

Les éléments du beau objectif sont :

 L’intégrité : c’est la totalité absolue de l’être

 La grandeur : c’est la proportion entre la forme physique et la nature de
l’objet
 L’ordre : on voit l’enchainement logique de ses parties
 L’excellence : c’est la splendeur agréable ou l’éclat de la qualité de l’œuvre

b) Les caractères du beau objectif

Un beau objectif est un beau qui est :
 Sublime
 Joli
 Magnifique
 Superbe
 Mignon
 splendide
2. le beau subjectif ou le sentiment Esthétique

Nous appelons sentiment toute réaction affirmative d’une certaine intensité

provoqué et alimentée par une connaissance complexe. Ex : la joie, le chagrin, la
peur, la colère, l’amour, le dégoût.

Le sentiment esthétique est une modification complexe d’admiration,

de plaisir désintéressé et de nostalgie de l’esprit.

C’est un jugement appartenant au sujet qui juge

 4.4. IMPORTANCE DE LA BEAUTE

L’importance de la beauté réside dans les trois besoins spécifiques, spirituels de

l’homme dits « supérieurs » ces besoins le distingue des autres êtres :

 L’homme cherche à connaitre la vérité (d’où le sage ou le savant)

 L’homme cherche à faire le bien, de bonté (d’où le saint)
 L’homme cherche à créer la beauté (d’où l’artiste)

Ces trois valeurs fondamentales : le VRAI, le BIEN et le BEAU sont étudiées

dans trois branches de la philosophie qui sont la logique, la morale et
l’esthétique.

En conclusion la beauté est donc importante ; elle répond à un besoin

fondamental, et est étroitement liée au vrai et au bien, elle procure à l’homme
cette source de sérénité et de bien-être qu’est l’émotion esthétique. C’est pourquoi
nous devons rechercher la beauté pour ne pas jeuner les autres.
 4.5. L’ESTHETIQUE OU LE BEAU DANS LA VIE QUOTIDIENNE
1. Définition. La vie quotidienne c’est la vie de chaque jour ou de tous les
jours.
2. Beauté : pour se convaincre de la présence de la beauté dans la vie
quotidienne de tout homme, il suffit de faire les observations suivantes :
On s’habille avec goût, on se coiffe, on orne sa chambre, se maquille, on
met des fleurs dans un vase
On parle de l’art d’écrire :
-la calligraphie
-la composition littéraire
On parle de l’art de parler (éloquence), de se vêtir (la haute couture), l’art
de chanter, de danser, d’enseigner, de jouer, de faire la cuisine (art
culinaire)
A. L’ESTHETIQUE CORPORELLE

L’élégance d’une personne dépend du grand soin que cette personne met au profit de
son corps. On doit donc pour paraître attrayant, veiller à sa tête, la qualité de ses
cheveux ; les traits de son visage ; la nature de maquillage ; à sa peau (son état, son
teint) à mon haleine qu’il soit toujours admirable)

Voici quelques éléments qui confèrent l’aspect d’élégance à l’individu ou à l’objet,

nous citons :

- La propreté
- La forme (les lignes)
- La couleur (le teint)
- Le maintien (la posture)
- Le mouvement (la démarche)

C’est quand ces éléments conjuguent qu’ils dégagent un aspect harmonieux, captivant
à quoi devons-nous veiller.
 Travail pratique :

Donnez le nom et déterminez la composition de vos produits cosmétiques (Savon –

Lotion-Shampoing-parfum).

Tracez un tableau de cinq colonnes et cinq lignes. Telles que :

a. Colonnes : 1) Ordre ; 2) Savon ; 3) Lotion ; 4) Shampoing 5) Parfum

b. Lignes : 1) marque ; 2) composants chimiques ; 3) motivations à l’l’utilisation ;
4) ces composants chimiques détruisent ou protègent la peau ; 5) produit de
remplacement
Exemple du tableau :
Ordre Savon Lotion Shampoing Parfum
01
02
03
04
05

B. ESTHÉTIQUE VESTIMENTAIRE

Questions de découverte

- Parmi mes vêtements quelle tenue je semble le plus aimer, pourquoi ?

- A quelle circonstance je la porte ? Que me disent mes amis (amies) me voyant
dans cette tenue ?
Notion de base

Quoi que servant premièrement à couvrir le corps, les vêtement nous confèrent une
apparence définissant notre statut c’est-à-dire suivant que je m'habille de telle ou
telle autre manière, celui qui me regarde se dit : j’ai à faire à :

- Un fou
- Un voyou
- U n putain
- Une star
- Un agent de l’ordre
 - Un élève, un étudiant, un cadre

On peut s’habiller ainsi soit :

-
- Classique
- À la mode fashion
- Relaxe.

FASHION MODE

FEMMES AFRICAINES EN PAGNES

IMAGE 1

IMAGE 2
TENUE DE
VILLE

Notre habillement est un élément de communication : de la couleur, en passant par la

taille pour aboutir au modèle, ceux qui me regardent, me jugent, m’identifient.
Raison pour laquelle, je dois, à chacune de mes tenues veillées à la symbiose des
valeurs.
VOICI QUELQUES CONSEILS DU POINT DE VUE DE LA COULEUR

Dans la composition d’une tenue, veillez à la couleur principale (dominante)

Du point de vue de la couleur

- Le noir :
Il ne faut pas en abuser si vous êtes brun, ou si vos cheveux grisonnent ou même si
votre mine est un peu brumeuse, il vous donnerait la gaieté d’un employé des pompes
funèbre.
- Le blanc :
Pour une journée ensoleillée à condition d’être impeccable. Et à la saison sèche, une
chemise blanche est indispensable à l’ensemble habillé.
- Le gris :
A décliner dans toutes les nuances et à harmoniser avec une couleur qui lui ôtera
tout côté triste.
- Le beige :
C’est la plus belle couleur des jours ensoleillé
- Rouge :
En petite quantité, il réveille les neutres et dynamise une tenue. Le bordeaux reste
chic, classique, facile à porter et assez lumineux.
- Le bleu
Le bleu dur ne fait guère de cadeaux mais le marine donne de l’allure (la clarté) pour
peu que vous sachiez le choisir.
- Le jaune :
Il y a de merveilleux tons de jaune, à porter pendant la période de chaleur
- Le vert :
A porter foncé ou kaki tant qu’on l’aime
- Le violet :
A doser avec parcimonie même quand la mode vous y incite
- Les bruns, les orangés :
C’est la couleur « bonne mine » par excellence que l’on peut porter toute l’année.
NB : pour conclure nous disons que dans l’habillement, l’harmonie est
comprise comme la concordance entre la forme, le teint, la couleur des
différents éléments composant une tenue.
TRAVAIL PRATIQUE

Trouvez la photographie ou l’image d’une personne habillée et indiquez les éléments

suivants :

a. Photographie :

b. Quel est son statut ?

c. Portez un regard critique sur son habillement

A quelle circonstance il convient de s’habiller ainsi ? Pourquoi ?

d. Quelle catégorie d’habillement est-ce ?

(Classique, fashion, relaxe)
NB : En morale, il est demandé à tout un chacun que quand on s’habille
c’est pas pour envouter les autres ou les mettre mal à l’aise donc il est
bien de savoir que ce qui est caché est cher et que ce qui se vend sur tapis
est moins cher. Un corps bien caché attire les gens et un corps exposé
chasse les gens.
 TRAVAIL PRATIQUE
- Pour la séance prochaine tous les élèves filles viennent habillées en vêtement de
pagne mode traditionnel congolais voir image en haut (image 1 femmes
africaines)
- Les élèves garçons viennent en tenue de ville (tenue de ville image 2)

C. ESTHETIQUE ENVIRONNEMENTALE

Questions d’observations
Lorsque tu arrives dans un milieu (parcelle, concession, école, quartier, paysage, etc.
Qu’est-ce qui te pousse à admirer ou à mépriser ce milieu ?
Notion de base
Depuis toujours l’homme songe à orner sa demeure, son environnement en veillant
sur deux éléments principaux : le décor et la décoration. Ceci pour des raisons
esthétique et sanitaire.
Cependant, à l’époque moderne, on ajoute aux deux précédentes raisons la raison
économique. Le tourisme étant considéré comme une source intarissable de revenu.

Ainsi l’esthétique environnementale est la somme des notions concourant dans

l’organisation de l’environnement de l’homme. L’homme, de même qu’il soigne son
corps, doit entretenir, soigner l’aspect global de son cadre de vie en veillant bien sur
deux éléments principaux :

a. LE DECOR :
Qui est l’ensemble des éléments qui ont pour fin l’organisation de l’espace, quelle que
soit la structure de cet espace. Il comprend tout ce qui est ferme, châssis, rideau
appliqué, etc…
 b. LA DECORATION :
Elle comprend un ensemble plus vaste d’éléments qui s’étend jusqu’aux mobiliers et
aux accessoires : table, pendule, tableau ; lustre, toile flottante, etc…

Nb : Nous devons rendre notre espace de vie sain et surtout propre

c’est-à –dire l’embellir à notre goût.

3. En conclusion

-1ère conclusion : toute personne est dans une certaine mesure artiste
-2ème conclusion : toute activité peut s’élever au rang d’art, lorsqu’elle atteint une certaine
perfection.
4.6. A PROPOS D’UNE DOUBLE OPPOSITION

a. Nature et culture

L’homme a la différence de l’animal, ne se contente pas de ce que lui offre la

nature, en cherchant à embellir celle-ci, il la transforme, l’imprègne des marques de
son esprit ; il la cultive, y introduit la culture.

b. Utilité et beauté

l’homme ne se contente non plus de ce qui est utile fonctionnel ; l’objet

utile doit dans la mesure du possible revêtir une forme belle, harmonieuse.
CHAPITE I. ETUDE DES ELEMENTS FORMELS OU DES VALEURS
PLASTIQUES

INTRODUCTION

Pour mieux comprendre le contenu d’une œuvre d’art, il faut comprendre sa

forme. Pour cela, il existe des éléments qu’il faut « regarder » afin de bien lire la
pensée de l’artiste. Ces éléments sont : la ligne, la forme, la surface, le volume, la
perspective, la couleur…

1.1. LA LIGNE
1. Définition

La ligne est un trait fin et continu qui forme la limite d’une œuvre.

2. Fonctions

La ligne rempli 3 fonctions qui sont :

La ligne peut donc servir à représenter le sujet, à en détailler les

particularités, à en donner une image. D’où sa fonction de
représenter.
la ligne peut aussi exprimer le caractère du sujet représenté et les
sentiments de l’artiste. Elle est donc un moyen d’expression
autrement dit langage.
l’observation du mouvement des trajets des lignes dans une œuvre est
un plaisir pour l’œil, elle devient un jeu. Là où ce jeu est important, on
parle d’arabesque, par allusion à l’art arabe, qui, faute de pouvoir
représenter des êtres vivants recours aux lignes décoratives.
L’arabesque peut être définie comme un jeu de lignes entrelacées, dont les yeux
parcourent aisément le tracé et qui créent une impression de mouvement.

ARABESQUES

3. LES SORTES DES LIGNES

a. Selon leur forme
Selon leur forme, leur apparence, on distingue les lignes :
Les lignes pures :
Sont des lignes d’épaisseur constante comme dans le dessin scientifique

Les lignes sensibles ou expressives :

D’épaisseur inégale, avec des pleins et des déliés, des traits légers ou appuyés,
rapides, nuancés. Sont des lignes à travers lesquelles l’artiste s’exprime.
 b. Selon leur importance

On distingue :

 Les lignes dominantes :

Elles sont dites dominantes cela à cause de leur nombre dans une œuvre.
 Les lignes secondaires :

Elles sont dites secondaires à cause de leur nombre réduit dans une œuvre.

4. LA LIGNE EN SCULPTURE ET EN ARCHITECTURE

a. EN SCULPTURE :
le jeu de lignes est également riche et varié selon le point de vue. C’est
pourquoi il est recommandé de tourner autour d’une sculpture, de manière à
découvrir la danse des lignes dans toute sa variété.

b. En architecture : l’architecture offre le plus souvent un contraste équilibré

entre droites verticales (qui poussent vers le haut) et droites horizontales
(qui pèsent vers le bas)
 5. LES TROIS FACTEURS D’UNE ŒUVRE

Les trois facteurs ou les composantes de toute œuvre d’art sont :

LA RÉALITÉ, LA NATURE :

Qui fournit des modèles, des sujets à représenter et des sentiments à exprimer ;

L’ARTISTE :

Qui choisit parmi ces modèles ceux qui l’invitent à exprimer son admiration, ses
idées, ses sentiments et émotions, sa façon de voir les choses

LES MOYENS PLASTIQUES OU FORMELS :

Sont des matériaux pouvant aider l’artiste (encres, tubes de couleur, papier, bois ou
argile)*

Réalité Représentation

D’une façon synthétique voici dans un tableau les facteurs, les fonctions et les
valeurs de l’œuvre.

Représentation Réalité ou Nature

Facteurs Fonctions valeurs
La réalité est représentée L’œuvre représente une L’œuvre est image de la
personne, un animal… réalité, a valeur d’image
L’artiste s’exprime L’œuvre exprime des L’œuvre en acquiert une
idées, des sentiments, livre valeur de langage
un message
Les moyens plastiques L’œuvre est un lieu où L’œuvre a donc aussi
permettent de créer des sont librement créées valeur comme jeu de
formes des formes formes.
MOYENS PLASTIQUES

DEFINITION DE L’ŒUVRE D’ART

L’œuvre d’art est une création dans laquelle l’artiste puise dans la réalité des
modèles à représenter ; exprime ses idées, ses émotions, sa manière de voir les
choses tout en utilisant à son gré les moyens plastiques.

REMARQUE

Il faut noter que l’art n’est jamais une simple copie de la réalité, il est une
libre création en général à partir de la réalité.

Pour apprécier une œuvre il faut aller au-delà de ce qui est représenter car
dans l’art le visible est au service d’un message invisible.

C’est pourquoi il faut éviter la confusion entre le terme représenter et le

terme exprimer. Une œuvre peut représenter autre chose en même temps
exprimé aussi autre chose.
 Regarde bien l’image et tu comprendras
Il y a deux personnes qui imitent le caméléon

1.2. LA FORME ET LA SURFACE@

1. Définition

La forme est le contour d’un objet ou encore la configuration donner par la

ligne qui la délimite. La surface au contraire c’est la partie extérieure visible de
l’œuvre.

2. ASPECTS

La forme est un élément esthétique important, en effet, elle peut être :

Richement ornée ; plein des variétés

Austère : absences des fantaisies
La forme sert à identifier une œuvre, elle sert normalement à la description des
choses, l’importance d’une œuvre réside dans la richesse de sa forme.

3. Fonctions de la forme

La forme a trois (3) fonctions :

 Elle est un moyen qu’utilise l’artiste pour représenter une œuvre. D’où sa
fonction est de représenter ou renseigner ;
 La forme et la surface remplissent aussi la fonction d’exprimer, ont valeur
de langage.
 La forme en art est aussi un but, elle constitue en elle-même,
indépendamment de ce qu’elle représente l’objet de la création et de la
contemplation artistique. La réalité représentée n’est souvent plus qu’un point
de départ, un prétexte. Quand elle disparait totalement on aboutit à l’art
abstrait, non figuratif. L’artiste se contente alors d’un jeu de formes,
accordant la priorité aux valeurs plastiques.

4. Deux visions de la forme

 À la vue d’une œuvre, la première question qui vient généralement à l’esprit

est qu’est-ce que c’est ? et qu’est-ce que cela représente ?
 Pour apprécier une œuvre d’art, il faut être attentif aux valeurs plastiques.

NB : pour apprécier le jeu de forme en sculpture et en architecture, il est

recommandé de tourner autour d’une sculpture ou d’une architecture.
1.3. LE VOLUME ET LA PERSPECTIVE
1. Définition

Le volume est l’épaisseur ou la grosseur d’une œuvre. Il s’explique par 3

dimensions : l’étendue, l’espace occupé par un corps et la mesure de
cette étendue.

Par perspective on voit l’art de représenter les objets sur une surface plane tel
qu’ils apparaissent à une certaine distance.

2. Notion

La notion du volume renvoi aux arts de l’espace. On appelle arts de l’espace ceux
de la grosseur :

-la sculpture

-l’architecture

Ces deux arts figurent parmi les arts plastiques (les beaux-arts). Si la
peinture n’a pas figuré c’est parce que la peinture n’a que deux dimensions dont la
longueur et la largeur ; tandis que la sculpture et l’architecture ont en plus la
profondeur. C’est pourquoi elles sont appelées « arts de l’espace »
 3. PROPRIETE PARTICULIERE DE LA SCULPTURE ET
L’ARCHITECTURE
La sculpture et l’architecture sont des arts de volume car elles occupent
l’espace et on peut en faire un tour :

-la sculpture s’adresse à l’organe de la vue (œil) mais aussi au touché (la
peau)

-elle peut être marquée par la lumière

- Selon Henri Focillon, un historien français des Arts ; né le 7 septembre 1881 à Dijon et
mort le 3 mars 1943 l’esthéticien français du 20ème siècle, distingue 2 sortes de
sculptures :

 La sculpture par le galbe ou en espace limite : semble comprimer par

l’espace inscrite dans des formes relativement convexes ; la surface et
l’arabesque s’impose
 La sculpture par l’arête ou en espace-milieu : semble envahir l’espace et s’y
épanouir, jouit de la liberté de la ligne, l’arabesque ne se concentre pas.

NB : en peinture on obtient la troisième dimension au moyen de la « perspective

illusionniste » qui aboutit à l’illusion de la profondeur. Elle se compose de deux
éléments :

-la fuite des lignes vers les points de l’horizon (perspective linéaire)

-le dégrade des couleurs et des contours (perspective aérienne)

1.4. LA COULEUR ET LA MATIERE

1. Définition

La couleur est une impression produite sur l’œil à partir de la lumière diffusée
sur un corps.

Par matière on voit l’endroit sur lequel agit la peinture (bois, argile) ou encore la
matière peut être une substance colorante.

2. Fonctions

Comme la ligne et la forme, la couleur aussi a trois fonctions qui sont :

 On reconnait les objets grâce à leur couleur ; d’où sa première fonction est
de représenter

 Grâce à sa valeur symbolique, la couleur est aussi un moyen d’expression

de l’artiste ; d’où sa fonction d’exprimer

 C’est une source des relations multiples dans une œuvres, à ce titre, elle
peut devenir elle-même le but de la création artistique en tant que jeu de
formes. En ce sens on parle de la musique des couleurs.

- Le premier domaine de couleur est le noir et le blanc du dessin et

de la gravure. Avant la naissance de la photographie, les
illustrations des écrits étaient faites à l’aide de gravures. Les
gravures célèbres

3. Domaine de la couleur
 Le premier domaine de la couleur est le noir et blanc du dessin et de la
gravure. Avant l’invention de la photographie, les illustrations des écrits étaient
faites à l’aide des gravures

4. Synthèse des couleurs

 Synthèse additive : c’est le blanc qui est la présence de toutes les
couleurs de lumière
 Synthèse soustractive : c’est le noir qui est l’absence de toutes les
couleurs de lumière

5. Sortes des couleurs

Il existe 3 grandes sortes des couleurs :

1. Les couleurs fondamentales ou primaires

Sont des couleurs dont leur mélange peut produire les autres couleurs ou encore
sont des couleurs auxquelles peuvent se ramener toutes les autres couleurs. Il
s’agit du Bleu, Jaune, Rouge

2. Les couleurs binaires ou secondaires

Sont des couleurs qui résultent d’un mélange entre deux primaires. Ces couleurs
sont : Orange, Violet, Vert.

Dans la synthèse additive on les obtient :

VERT = Bleu + Jaune

VIOLET= Rouge + Bleu
 ORANGE= Rouge + Jaune
3. Les couleurs tertiaires ou intermédiaires

Ce sont des couleurs qui proviennent d’un mélange entre une couleur primaire et
une couleur secondaire. Ces couleurs sont : Olive, Turquoise, Campanule,
Amarante, Capucine, Safran

Dans la synthèse additive on les obtient :

 OLIVE= Jaune + Vert

 TURQUOISE= vert + bleu
 CAMPANULE= bleu + violet
 AMARANTE = Violet + rouge
 CAPUCINE = Rouge + Orange
 SAFRAN = Orange + jaune

NB : partant de ces différentes sortes des couleurs on obtient la ROSE DES

COULEURS sur base de 4 triangles superposés.

p
 6. LES INTERACTIONS DES COULEURS

Les couleurs ont entre elles des relations multiples, elles n’existent pas avec
elles-mêmes, mais en relation les unes des autres.

a. Les couleurs peuvent se renforcer ou s’exalter, on les appelle les

complémentaires :
 Dans le cas des couleurs primaires on appelle complémentaires, les couleurs
dont leur mélange produit la totalité des couleurs primaires. Ex : Rouge
+ Vert sont complémentaires car R+V= R+J+B qui sont les trois
couleurs primaires.
 Dans le cas des couleurs secondaires ; la complémentaire d’une secondaire
est donc la couleur qui n’entre pas dans sa composition.
Ex. la complémentaire de l’orange c’est le bleu car il n’entre pas dans la
composition de l’orange.
NB. On constate que les couleurs complémentaires sont toujours
diamétralement opposées sur la rose des couleurs.
b. Au contraire les couleurs voisines s’atténuent mutuellement. Ex : Rouge
et Rose
c. Toute couleur secondaire projette autour d’elle-même son propre
complémentaire (notion de la valeur contraire).
Ex : l’orange projette bleu parce que bleu n’entre pas dans sa
composition.
7. LES EFFETS PSYCHOLOGIQUES DES COULEURS

Les couleurs peuvent produire deux effets :

Les couleurs saillantes ou chaudes

Elles sont appelés ainsi parce qu’elles semblent se rapprocher du spectateur,

il s’en dégage une impression de rigueur, de vie active, de passion.
Ces couleurs sont : Rouge, Jaune, Orange et les couleurs voisines
Les couleurs froides ou fuyantes
Elles sont appelées ainsi parce qu’elles semblent s’éloigner du spectateur, il s’en
dégage une impression de sècheresse, de vie négative.
Ces couleurs sont : Olive, Noir, bleu, Vert, Violet et les couleurs voisines
 8. SYMBOLES DES COULEURS

Communément, on reconnait aux couleurs une valeur représentative, chaque

couleur a ses symboles qui la différencient des autres. C’est ainsi :

1. NOIR : couleur terne, qui symbolise les valeurs négatives comme : le deuil,
la déception, la perte, le vide, virginité, angoisse, la peur, la tristesse.
2. BLANC : couleur chaude qui représente les valeurs positives comme : la
pureté, la fête, la propreté, le calme, la paix, l’innocence, l’équilibre, la sainteté
3. ROSE : couleur qui symbolise la douceur, le sucré, le calme, la confiance, le
bonheur, la paix.
NB. Cette couleur est liée à la vie des filles et des enfants
4. VIOLET : c’est une couleur ambiguë, le luxe, la fraicheur, la délicatesse, la
pureté, le rêve, la jalousie, la tristesse, la spiritualité.
5. ROUGE : « couleur du sang » c’est une couleur qui a de tempérament. Elle
peut symboliser l’amour, la haine, la force, le pouvoir, la vie, la mort, la
détermination, la passion, le feu, le luxe, la guerre, la puissance, la tentation, la
violence, la condamnation.
6. JAUNE : « couleur du soleil et de l’or » le jaune symbolise la lumière, la
richesse, l’énergie, l’intelligence, la force, le danger et le dynamisme
7. BLEU : « couleur du ciel et de la mer » elle nous rappelle la nature,
l’infini ; symbolise la sagesse, le bonheur, la noblesse, l’intelligence, le calme,
la royauté, fraicheur, sérénité, la sensibilité, la tranquillité.
- Le bleu ciel : peut symboliser la gloire, la grâce.
8. VERT : « couleur du printemps » symbolise la réussite, le bonheur, la
jeunesse, l’équilibre, le repos, la chance, l’espoir, la régénérescence.
9. ORANGE : « couleur vivante » qui symbolise l’audace, l’intelligence, la
confiance, la chaleur, la méfiance, le rayonnement, la lumière, la joie, le plaisir,
la flamme.
10. GRISE : provient du mélange entre le noir et le blanc, représente les
valeurs négatives comme la tristesse, la dépression, le désarroi, la solitude,
la monotonie.

En Afrique certaines couleurs étaient utilisés pour de Cérémonies, circonstances, à la

conception religieuse.
FAISONS LE POINT ou EN CONCLUSION :

Notre système de perception identifie des images grâce à leur forme en rapport avec
des objets réels que nous connaissons. Ainsi, quand nous représentons les objets sur
des étendues, employons les éléments techniques de la forme de manière à offrir un
sens à l’observateur.

La couleur, en donnent une nuance de clair-obscur à la lumière, à la particularité

d’influencer notre affectivité (nous égayer ou nous attrister). C’est ainsi que les
différentes civilisations leur attribuent des significations selon la coutume, les
mœurs.

TRAVAIL PRATIQUE

D’après les mœurs et coutumes de votre tribu, donnez l’appellation de ces couleurs en
votre langue maternelle et déterminez les significations des chacune des couleurs ci-
après :

Nom de la tribu :……………………………………………………………………………….

Appellation en Signification
Désignation langue de la
tribu
Rouge
Bleu
Orange
Jaune
Blanc
Noir
CHAPITRE II. LA MISE EN VALEUR DES ELEMENTS FORMELS

2.1. LA COMPOSITION
2.1.1. Définition

La composition est la manière dont les éléments formels forment un tout ou

encore c’est l’ensemble des opérations qui règlent le rapport d’une œuvre en vue
d’attirer sa cohésion.

Dans le tableau ci-contre le peintre florentin du

13ème siècle crée une composition qui met bien
au centre le personnage qu’on vénère, la vierge
à l’enfant.

2.1.2. MODEL

Pour ce qui concerne la composition ; chaque artiste a sa façon de composer en

tenant compte du but unitaire désiré (idée, émotion à exprimer)

2.1.3. MOYEN DE COMPOSITION

Il existe deux principaux moyens de composition :

 La construction : l’Assemblage des parties selon un plan géométrique

 La couleur : la manière dont la peinture agit
- Par Harmonie : quand on groupe des nuances autour d’un accord donnée.
- Par contrepoint : quand des taches de même tonalité se correspondent à
travers l’œuvre.

Composition de
Fernand léger
 2.2. LE MOUVEMENT ET LE RYTHME
2.2.1. Définition

Parler du mouvement ou rythme on fait appel à la tension qui est une

forte concentration sur une œuvre donnée.

EX : Quand on regarde une belle créature, on est concentré on se sait plus

distinguer.

2.2.2. Source du mouvement

C’est la tension qui est une source de mouvement « agitation » à partir de

l’impression de dynamisme, de vie intérieure, de sentir les formes vives que donne
une œuvre.

NB : le mouvement plastique est présent dans tout œuvre, on peut l’accentuer en

s’intégrant à la représentation du mouvement au sens ordinaire soit par un jeu
particulier des lignes et des couleurs

Le Discobole
De Myron
 Par rythme on voit la cadence, la succession régulière de temps forts et temps
faibles. Le rythme né à partir de la concentration qui pénètre la vie biologique de
l’homme et qui provoque en lui des résonnances profondes.

2.3. LA PROPORTION

Généralement, la proportion est le rapport des mesures entre elles et avec

l’ensemble.

Esthétiquement, ce terme peut exprimer :

Un rapport entre les dimensions de l’œuvre par rapport à l’homme c’est-à-

dire il faudrait que l’œuvre proportionnée puisse naitre dans l’homme
l’impression du respect, de la crainte, d’émerveillement.
Le respect des rapports existants entre les parties du model.

EX : quand on dessine une personne avec une grande tête mais un petit
corps.
 NB : on parle de la proportion quand il y a exigence d’exactitude, toute
inexactitude devient une fausse œuvre. C’est ainsi qu’on parle de la
CARICATURE.

On appelle caricature quand intentionnellement ces rapports ne sont

pas respectés, dans un but humoristique, mais la déformation peut être
idéologique ou expressionniste.
2.4. L’HARMONIE
2.4.1. Définition

L’harmonie est la perfection de l’œuvre en tant que tout y concourt.

Par harmonie on veut exprimer la qualité synthétique, l’impression d’ensemble qui

donne une œuvre d’art.

L’HARMONIE
 2.4.2. DÉTAIL

C’est un élément d’une œuvre ; un détail peut être harmonieux que s’il s’intègre bien
à l’ensemble, ne crée pas de déséquilibre ne détonne pas.

UN DETAIL

2.4.3. CONCLUSION

Entant que qualité de synthèse, l’harmonie est avant tout une question de
composition et de proportion, d’unité tant plastique que psychologique.

L’effet de l’harmonie consiste à conduire l’observation grâce au jeu de

l’esprit sur l’œuvre d’art mais on s’attache à expliciter ce qu’elle contient.

Le plaisir de l’art résulte de cette activité de l’esprit qui guide la sensibilité

tout en restant dominé par la totale présence de l’œuvre.
CHAPITRE III. DE LA FORME AU CONTENU

3.1. ART ET REALITE

1. Nouvelle terminologie
 Sujet littéraire ou illustratif ou encore figuratif : l’ouvre d’art en tant
qu’image et langage, autrement dit : l’œuvre dans la mesure où elle est
représentation de la réalité telle qu’elle est vue et ressentie par l’artiste ;
 Sujet formel ou pictural : l’œuvre dans la mesure où elle est jeu de forme.
2. La comparaison entre l’artiste et l’homme de science
 Dans la science, c’est la représentation de la réalité qui passe avant
tout, elle doit être objective, souvent anonyme et au service de l’unité
du savoir humain
 Dans l’art, c’est l’artiste, sa manière de voir et de représenter la réalité
qui compte. Il ne doit pas communiquer une connaissance objective de
la réalité, comme le savant mais en offrir une vue essentiellement
æsubjective « originale », donc signée et différente de celle des autres
artistes.

En bref le savant expose la réalité, l’artiste expose sa réalité

3. Conclusion
 L’artiste ne copie pas la réalité, mais l’interprète, la recrée de manière
originale, personnelle, subjective ; l’art est création et la contemplation doit
suivre l’artiste dans ce projet ;
 Il y a donc deux causes ou sources de déformation de la réalité dans l’art, de la
manière propre de l’artiste d’exprimer sa vision de la réalité
 Le style d’un artiste peut précisément être défini comme sa manière
personnelle, originale, de déformer la réalité
 3.2. ART ET UTILITE

L’art comme recherche exclusive de beauté, l’art aussi au service de la beauté.

Mais l’art utile est toujours ambigu : car ou bien on considère sa valeur d’utilité et on
oublie sa valeur esthétique, ou bien on fait l’inverse.

EX : devant un beau tableau religieux dans une église, on pourra soit se

recueillir, soit admirer sa beauté.

L’éducation artistique nous fait ainsi découvrir deux attitudes fondamentales à

l’ égard des êtres et des choses :

 l’attitude contemplative, désintéresser qui voit leur valeur esthétique, leur

beauté ; qui les apprécie donc pour ce qu’ils sont en eux-mêmes, avec
respect, attitude proche du sens du sacré. Cette attitude fait appelle à une
connaissance subjective
 l’attitude utilitaire, intéressée, qui voit leur valeur pratique, leur utilité,
profit à en tirer. Elle tend à la domination, l’autre à la communion. Cette
attitude fait appelle à une connaissance objective.

3.3. ART ET SENTIMENT

1. Problème : il existe une autre forme d’ambiguïté et donc de danger de
confusion. Dans l’appréciation d’une œuvre. Au lieu de se laisser guider par
l’émotion esthétique on peut se laisser entrainer par toutes sortes d’émotions
et sentiments suscités par le sujet figuratif.
 2. L’émotion esthétique :
Le vrai sentiment de la beauté, nait de la réussite de l’œuvre en tant
qu’expression, au moyen de formes plastiques heureuses d’une vision et d’une
émotion de l’artiste, donc avant tout du sujet pictural. Le beau n’est pas dans le
sujet, mais dans la manière de le représenter. L’art n’est pas la représentation
d’une belle chose, mais la belle représentation d’une chose, qu’elle soit belle ou
non.
3.4. ART ET HISTOIRE
1. Problème : A chaque époque correspond une mentalité, une conscience
collective que l’artiste exprime dans ses œuvres. C’est donc parce qu’il a un
caractère sociologique que l’art est historique.
2. Rapport entre l’art et le passé, la création artistique et les œuvres du passé.
 Pris comme modèle absolu : est une dorme de démission,
d’inauthenticité ; on renonce à exprimer sa propre personnalité, à créer
des formes originales
 Pris comme source d’inspiration : peut donner un nouvel élan.

L’art classique est celui qui transcende la conscience collective de son époque en
exprimant les éléments éternels et universels de l’humanité.

L’académisme est la tendance à imiter aveuglement les classiques, pris comme

modèles absolus

Greco, Saint Martin P. Sarto, Annonciation

 3.5. L’EXPRESSION ET LE STYLE

Comme en littérature, le style est la manière propre à un artiste d’exprimer sa

perception de la réalité, ses sentiments et émotions, il peut aussi désigner la manière
propre aux artistes d’une société donnée, d’une certaine époque, manière définie par
un certain nombre de caractères formels

IV. QUELQUES ESTHETIQUE TYPES

A. ART NEGRE :

Quand on parle de l’art nègre, nous voyons l’art de toute l’Afrique subsaharienne

L’art nègre : une expression artistique riche et diversifiée

L’art nègre, une appellation souvent utilisée pour désigner les productions artistiques des cultures
africaines, englobe une vaste diversité d’expressions culturelles, spirituelles et esthétiques issues du
continent africain. Ce terme, bien qu’aujourd’hui critiqué pour son caractère globalisant et colonial, fait
référence à des œuvres variées comme les sculptures, les masques, les textiles, les peintures
corporelles, et l’architecture.

CARACTERISTIQUES PRINCIPALES DE L’ART AFRICAIN TRADITIONNEL :

1. FONCTION SPIRITUELLE ET SOCIALE :

L’art africain est intimement lié à la vie quotidienne, aux rituels religieux et à l’organisation sociale. Par
exemple, les masques et sculptures sont souvent utilisés dans des cérémonies pour communiquer avec
les ancêtres, invoquer des esprits ou marquer des événements importants tels que les initiations,
mariages ou funérailles.

Exemples :

NKISHI art Luba

Art Bambara
COTE D’IVOIRE
Amitié
 2. SYMBOLISME :

Chaque œuvre est imprégnée de symboles qui reflètent des concepts abstraits comme la force, la
fertilité, la protection ou la sagesse. Les formes et motifs abstraits visent à transmettre des messages
complexes plutôt qu’à imiter la nature.

3. MATERIAUX NATURELS :

Bois, ivoire, terre cuite, métal (bronze et cuivre) et fibres végétales sont les matériaux de prédilection.
Ces matières, souvent travaillées avec soin, confèrent une dimension durable et sacrée aux objets.

4. ESTHETIQUE FONCTIONNELLE :
L’art africain met souvent l’accent sur l’expressivité et l’impact spirituel plutôt que sur la perfection
réaliste. Les proportions exagérées (grandes têtes ou membres) servent à souligner des traits
symboliques, comme la sagesse ou la puissance.

L’IMPACT DE L’ART AFRICAIN SUR L’OCCIDENT :

Au début du XXe siècle, l’art africain a profondément influencé l’art moderne en Europe, notamment
grâce à des artistes comme Pablo Picasso, Henri Matisse et Amedeo Modigliani, qui ont trouvé dans les
formes épurées et les concepts abstraits une source d’inspiration pour leur propre travail. Ce
mouvement a contribué à une redéfinition des normes artistiques occidentales, notamment à travers le
cubisme et le fauvisme.

CRITIQUES ET REDECOUVERTE :

Bien que l’art africain ait longtemps été réduit à des objets d’ethnographie dans les musées
occidentaux, il est aujourd’hui redécouvert pour sa richesse et sa complexité. Des efforts sont entrepris
pour restituer des œuvres pillées pendant la colonisation, et pour reconnaître l’art africain comme une
part essentielle du patrimoine mondial.

. L'Art de Nok (Nigéria, env. 1000 av. J.-C. – 300 ap. J.-C.)

L’art de Nok est l’une des plus anciennes expressions artistiques de l’Afrique subsaharienne.

Matériaux : Principalement des sculptures en terre cuite.

Sujets : Représentations humaines et animales, souvent stylisées et expressives.

Caractéristiques : Têtes surdimensionnées, traits géométriques, trous percés pour les yeux, la bouche
et les narines.

Utilisation : Probablement des fonctions religieuses, rituelles ou commémoratives.

Importance : Ce style artistique a influencé des cultures ultérieures, notamment celles d’Ifé et du Bénin.

2. L’Art de Sao (Tchad et Cameroun, env. Vie siècle av. J.-C. – XVIe siècle ap. J.-C.)

L’art de Sao reflète une culture prospère et avancée le long du bassin du lac Tchad.

Matériaux : Sculptures en terre cuite, métal (bronze, cuivre, fer).

Sujets : Figurines humaines et animales, ornements et armes.

Caractéristiques : Figures robustes, détails complexes, motifs symboliques.

Utilisation : Objets rituels, commémorations ou éléments liés au statut social.

Importance : Témoigne d’une civilisation ancienne sophistiquée, influençant les cultures voisines.

3. L’Art d’Ifé (Nigéria, XIIe Ŕ Xve siècles)

L’art d’Ifé, produit par le peuple Yoruba, est célèbre pour sa finesse et son réalisme.

Matériaux : Bronze, cuivre, laiton et terre cuite.

Sujets : Portraits humains, souvent de souverains et de figures divines.

Caractéristiques : Réalisme saisissant, détails anatomiques précis, harmonie des proportions.

Utilisation : Œuvres destinées à honorer les rois (oba) et les divinités, notamment dans des contextes
rituels.

Importance : Symbole de raffinement artistique, influençant l’art du Bénin et reconnu mondialement.

 5. L’Art du Bénin (Nigéria, XIIIe – XIXe siècles)

L’art du Bénin est associé au royaume d’Édo, centré sur Benin City.
Matériaux : Bronzes, ivoire, bois.
Sujets : Plaques, statues, têtes commémoratives, objets rituels.
Caractéristiques : Motifs élaborés, scènes narratives, symbolisme politique et religieux.
Utilisation : Célébration des oba (rois), décoration des palais, objets rituels.
Importance : Témoignage de l’histoire politique et culturelle du royaume, célèbre pour ses bronzes
raffinés exportés en Europe au XIXe siècle.

Transmission de pouvoir

Au Benin

1. Art Luba ou Luna

L’art Luna provient du peuple Luba, qui occupe principalement le sud-est de la République
démocratique du Congo (RDC). Cet art est réputé pour ses sculptures raffinées, souvent à des fins
spirituelles ou politiques. Les objets notables incluent :
Statues : Représentent souvent des ancêtres ou des esprits protecteurs.

Tabourets royaux : Symboles de pouvoir, finement sculptés, souvent ornés de figures féminines en
signe de fertilité et de continuité.

Reliquaires et objets divinatoires : Utilisés pour transmettre des messages spirituels.

2. Art Lunda

Les Lunda, établis dans l’actuelle RDC, en Angola et en Zambie, sont connus pour leur art lié au
pouvoir et à la spiritualité.
Objets cérémoniels : Masques et sculptures en bois.

Tissus tissés et décorés : Utilisés dans les rituels et pour indiquer le rang social.
Les motifs Lunda intègrent souvent des symboles cosmologiques et mythiques.

Respect de la jeune femme

chez le Lunda

3. Art Tshokwe

Les Tshokwe, présents en Angola, en RDC et en Zambie, sont célèbres pour leurs masques expressifs.
Masques (mukanda) : Utilisés dans des rites d’initiation masculine, comme le masque Chihongo
(masculinité et prospérité) et Mwana Pwo (féminité).

Sculptures en bois : Incluent des figures d’ancêtres et des objets symboliques.

Ornementation : Peinture corporelle et décoration des objets du quotidien.
 Masque-mwana-pwo-chokwe

4. Art Yeke

Les Yeke (ou Bayeke), localisés en RDC, sont associés à l’ancien royaume de Garenganze. Leur art
est souvent lié aux traditions royales :

Insignes royaux : Sceptres et ornements utilisés par la cour.

Sculptures et figures : Parfois reliées aux cultes des ancêtres.

L’origine des ancêtres chasse

aux éléphants, jusqu’en RDC

5. Art Pende

L’art Pende, issu du peuple vivant dans l’ouest de la RDC, est marqué par sa richesse symbolique.
Masques : Très variés, comme le masque de danse Mbangu, représentant les forces du bien et du mal
ou la maladie.

Figures en bois : Utilisées dans les pratiques magico-religieuses et comme symboles de protection.

Tapisseries en fibres naturelles : Employées dans les rites communautaires.

Danseurs traditionnels pende

6. Art Ndembo
Les Ndembo (ou Ndembu), localisés principalement en Zambie et en RDC, développent un art axé sur
les rituels et la médecine traditionnelle.
Objets rituels : Sculptures, figurines et instruments associés à des cérémonies initiatiques
Symboles cosmiques : Incluent des représentations de la dualité, comme la vie et la mort.

La maternité kamba chez le Ndembo

 7. Art Kongo

L’art Kongo, produit par les peuples Kongo vivant en RDC, Angola et République du Congo, est célèbre
pour son caractère spirituel et puissant.

Statues nkisi nkondi : Figures cloutées utilisées pour la justice ou la protection.

Masques : Employés dans les cérémonies funéraires et pour incarner des esprits ancestraux.

Objets funéraires et reliquaires : Symboles de respect envers les ancêtres.

Orfèvrerie : Bijoux en métal précieux, signes de statut social élevé.

Ces arts reflètent une richesse culturelle profonde et des pratiques ancestrales mêlant esthétique,
symbolisme et spiritualité

CONCLUSION :

L’art africain dépasse la simple esthétique pour incarner un mode de vie, une pensée et une spiritualité.
Sa diversité témoigne de l’extraordinaire richesse culturelle du continent africain, et son influence
continue de résonner dans l’art contemporain.

L’art africain dépasse la simple esthétique pour incarner un mode de vie, une pensée et une spiritualité.
Sa diversité témoigne de l’extraordinaire richesse culturelle du continent africain, et son influence
continue de résonner dans l’art contemporain.