Spécialité Arts plastiques Épreuve du
Corrigé express 19 juin 2024
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Voici des éléments de réponses possibles pour les sujets proposés.
Ce corrigé est un ensemble de pistes qu’un élève de terminale pouvait exploiter au regard des entrées de programme ciblées
cette année, des œuvres obligatoires et d’une culture artistique pré-requise à ce niveau d’enseignement.
Partie 1 :
L’axe de travail est à définir et à décliner sous forme de sous-axes, de sous-questions, de problématique, d’enjeux plastiques
à cerner, ou de lignes directrices.
« À partir de la sélection d’au moins deux œuvres du corpus que vous analyserez, développez une réflexion personnelle,
étayée et argumentée sur l’axe de travail suivant : l’idée, la réalisation et le travail de l’œuvre.
Vous élargirez vos références à d’autres œuvres de votre choix
4 documents en annexe 1 ».
Le corpus d’œuvres à analyser, à comparer, à mettre en relation au regard des déclinaisons de l’axe de travail était constitué
de :
- HUANG Yong Ping, Serpent d’Océan, esquisse préparatoire, 2010 + maquette de l’œuvre, 2011 + sculpture
monumentale, 2012, aluminium, 128 x 3 m, création pérenne dans le cadre du parcours Estuaire, Saint-Brévin-les-Pins,
Pointe de Mindin, Loire-Atlantique, France.
- Léonard de VINCI, Sainte Anne, la Vierge, l’Enfant Jésus et saint Jean-Baptiste enfant, entre 1499 et 1501
ou entre 1506 et 1513, carton préparatoire pour le tableau Sainte Anne, la Vierge, l’Enfant Jésus jouant avec un agneau,
fusain, sanguine, craie ocre, avec des rehauts de blanc sur papier blanc crème teinté, 141,5 x 106,5 cm, National Gallery,
Londres, Royaume-Uni.
- Sophie TAEUBER-ARP, Étude pour marionnette, 1918, graphite sur papier, 30,2 x 18,1 cm, MoMa New-York +
Marionnette « le Roi-Cerf, 1918, Freud Analyticus (Freud) », 1918, bois tourné, métal et matériaux divers, 60,9 x 17,2 cm,
Musée de design et de communication visuelle, Zürich, Suisse.
- Fabrice HYBER, La Serrie, paysage biographique de mes parents, 2022, Fusain, peinture à l’huile, pastel sur
toile, papier marouflé et punaise sur toile, 240 x 700 cm. Collection de l’artiste. Vues de l’artiste au travail et de l’œuvre
dans l’exposition La Vallée à la Fondation Cartier, Paris, du 8 décembre 2022 au 30 avril 2023. Situé en Vendée, La Serrie
est le paysage d’enfance de Fabrice Hyber. C’est aujourd’hui l’un de ses ateliers.
Le candidat devait choisir au moins 2 œuvres de ce corpus.
Afin de conduire une analyse croisée pertinente, 3 œuvres au moins peuvent être exploitées. En revanche, utiliser la totalité
des œuvres risque d'être excessif. Pour rappel, 2 h peuvent être consacrées à cette partie écrite et 1 h 30 pour la seconde
partie.
Pour répondre à cet axe et à ce corpus, il n’existe pas un seul plan possible. Il faut organiser votre écrit mais
cette organisation reste très libre : sous forme dissertée (introduction, développement en 2 ou 3 parties, conclusion), sous
forme dialectique (thèse-antithèse-synthèse), sous forme de réponse à une problématique…
Soignez l’introduction (mettre en appétit le jury-lecteur) et la conclusion (lui laisser un bon souvenir de sa lecture).
L’axe de travail peut être transformé en problématique ou en questionnements.
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Ce qui est attendu :
• « analyse méthodique d’un corpus d’œuvres et réflexion sur certains aspects de la création artistique » signifie mettre
en relation des œuvres entre elles : en trouvant des points communs ou des oppositions. Il ne faut pas les analyser
séparément, les unes après les autres mais faire émerger de leur comparaison des arguments venant soutenir votre idée
principale, sous-axe, sous-question, élément de votre problématique, dans votre paragraphe.
• Expliquez pourquoi vous choisissez ces œuvres et pas d’autres avec des arguments plastiques liés aux œuvres (« Les
œuvres 2 et 3 questionnent la notion de … » et surtout pas « Les œuvres 2 et 3 me plaisent plus car … »).
• Lisez bien les cartels des œuvres, ils peuvent contenir des informations importantes à exploiter (date de création,
technique, format, support, durée ou lieu d’exposition…).
• « développez une réflexion personnelle, étayée et argumentée sur l’axe de travail » : signifie que vous avez une grande
liberté d’analyse et d’organisation de votre copie mais il faut savoir y dé-montrer votre culture artistique, et pas
la limiter aux œuvres obligatoires. Il faut donc mettre en avant vos connaissances (grandes innovations plastiques
comme l’invention du tube de peinture, de la photographie, etc. ; le contexte historique et personnel, s’ils permettent
d’expliquer l’œuvre et la démarche de l’artiste, etc.), vos capacités d’analyse plastique qui doit dépasser la simple
description, votre maîtrise du vocabulaire spécifique. Une réponse personnelle n’induit absolument pas l’utilisation du
« je », « nous » ou « on ». Une copie aisée à lire sera construite avec des sujets réels et non des pronoms. Ex :
au lieu d’écrire : « Nous pouvons voir que l’œuvre… montre un contraste coloré. En effet, … », écrire : « L’œuvre…
montre un contraste coloré. En effet, … »).
• Copie rédigée, organisée, aérée (saut de lignes entre parties, alinéa entre idées dans un paragraphe), à la syntaxe et à
l’orthographe maîtrisées, sans ratures ni astérisques, dont les titres d’œuvres seront soulignés.
• Indiquez partie 1 et partie 2A ou 2B car il n’est pas interdit de commencer par la partie 2, si cela vous convient mieux.
Ce qu’il faut éviter :
• Une présentation sous forme de « catalogue » des œuvres du corpus choisies. Il est plus judicieux de les associer aux
sous-axes/sous questions déclinés de l’axe de travail.
• Une analyse séparée et successive des œuvres choisies.
• Un catalogue de références personnelles énumérées sans lien avec l’enjeu plastique évoqué et les œuvres choisies dans
le paragraphe ou dont le lien implicite n’est pas clairement expliqué.
• Une analyse plus centrée sur vos références personnelles au détriment des œuvres du corpus.
• Les confusions ou fausses informations. Vous avez un doute sur l’artiste auteur d’une œuvre, sur le titre ou la date
d’une œuvre : abstenez-vous. Inutile aussi d’inventer des œuvres, le jury peut à tout moment vérifier vos références sur
des ressources fiables. Les références personnelles citées doivent être des œuvres patrimoniales, connues et reconnues.
Éviter les œuvres confidentielles vues lors de petites expositions très locales ou les productions diffusées sur internet
(blog d’artistes, Pinterest, Instagram…), qui, bien que parfois très intéressantes plastiquement, ne sont pas (encore)
reconnues par les institutions muséales et artistiques.
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Axe de travail : L’idée, la réalisation et le travail de l’œuvre.
Rappel des programmes
Domaines de la formalisation des processus et des démarches de création
• Projet de l’œuvre : modalités et moyens du passage du projet à la production artistique, diversité des
approches
= entrée ciblée pour cette session 2024.
Cet axe suppose la compréhension de ce qu’est un processus de création et une démarche artistique. De l’intention
de l’artiste, sa première idée, à la réalisation finale jusqu’à l’exposition de l’œuvre.
Lors du processus de création, l’intention de départ peut être adaptée à différents paramètres comme la faisabilité, les
évolutions du projet de l’artiste, et peut conduire à un résultat final qui ne sera pas identique, pas prévisible.
Pablo Picasso disait « Si l'on sait exactement ce qu'on va faire, à quoi bon le faire ? ». Cette citation pouvait être la
phrase d’accroche en introduction.
Ces mots clés et leur définition seraient attendus dans une copie :
• Projet : brouillon, premier état, l’image d'une oeuvre que l'on pense atteindre.
• Projet abouti : l’image d'une œuvre que l'on souhaite atteindre.
• Projet achevé : l’image d'une œuvre que l'on sait pouvoir atteindre.
• Non finito : partie d’une œuvre qui n’est pas terminée volontairement par l’artiste (traces de la gradine dans le marbre
des sculptures de Michel-Ange ou de Rodin).
• Démarche artistique : le cheminement, les intentions, les objectifs de création et de production d’un artiste.
• Processus de création : étapes de réalisation d’une œuvre bi ou tridimensionnelle.
• Réalisation : fait de créer une œuvre bi ou tridimensionnelle selon un cheminement fait d’expérimentations, de
tâtonnements, de choix, d’abandons, de renoncement, de changements, d’adaptations et de finalisation.
• Ébauche : le véritable début de l’œuvre réalisé au pinceau et en couleur sur le support vierge ou sur une première
esquisse du sujet faite au fusain ou au crayon.
• Étude : exécutée d’après nature, afin de saisir la réalité sur le vif. L’étude peut être exécutée pour elle-même ou
comme préparation d’une œuvre plus élaborée. Les études sont souvent présentées sous forme de fragments d'un
intérêt particulier, visant à l'approfondissement et à une meilleure compréhension de la forme réalisée.
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• Esquisse : de l’italien schizzo, schizzare, « jaillir », première réalisation d'une peinture en vue de l'exécution d'une plus
grande œuvre ; état d'un dessin ou d'une peinture apparaissant comme un premier projet, une première idée mettant
en place des éléments constitutifs fondamentaux, sur un support indépendant de celui sur lequel sera réalisé l'œuvre
définitive. L'esquisse est souvent de petit format.
• Carton : ébauche, à l’échelle ou en dimensions réelles, à partir de laquelle la version définitive d’une peinture, d’une
fresque, d’une mosaïque, d’un vitrail, d’une sculpture ou d’une tapisserie, est réalisée.
• Croquis : capture ou transcription très rapide d’une scène visuelle sur un support en deux dimensions. Il s’agit d’un
dessin exécuté à main levée qui révèle l’essence de ce qui a été observé ou imaginé. Le croquis peut être réalisé au
crayon, à l’encre, à l’aquarelle… des techniques rapides d’exécution et de séchage.
• Repentirs / repeints : changement visible apporté dans un dessin ou une peinture au cours de son exécution. Cette
correction du trait ou des couleurs (repentirs) est immédiate et spontanée, à la différence du repeint, fait après coup.
L’artiste a pu tenter de dissimuler cette correction ou, au contraire, la laisser visible volontairement.
• Bozzetto : idée première traduite directement en volume, sous l’aspect d’une esquisse modelée en argile ou en cire,
point de départ de la création de la sculpture définitive qui sera en bronze ou en marbre.
• Pochade : croquis en couleur exécuté en quelques coups de pinceau.
• Maquette : représentation en trois dimensions, à échelle réduite, mais fidèle dans ses proportions, d'une œuvre
monumentale, sculpturale ou architecturale. Les matériaux utilisés sont adaptés à la réalisation en petit format
(carton, contreplaqué, balsa, papiers, argile…).
• Work in progress : présentation d’un projet évolutif ou d’une œuvre pendant son exécution, en cours de réalisation.
Questionnements à soulever :
• De l’intention de départ à la finalisation de son œuvre, qu’est-ce qui contraint l’artiste à adapter sa démarche, ses
moyens et ses modalités de réalisation ?
• Est-ce qu’une œuvre a besoin d’être réalisée pour acquérir le statut d’œuvre ?
Pour Léonard de Vinci, l’œuvre est d’abord cosa mentale, c'est-à-dire que toute forme artistique prend d'abord naissance
dans l'esprit de l’artiste qui conçoit l'œuvre. Cette acceptation conduira à l’art conceptuel des années 1960 qui affirme la
primauté de l’idée sur la réalisation.
• Est-ce qu’une œuvre inachevée pour être considérée comme aboutie et exposée avec le statut d’œuvre ? Est-ce que le
processus créatif peut être admiré au détriment du produit fini ?
Problématiques possibles :
• Dans quelle mesure l’idée et le travail de l’œuvre sont-ils encore perceptibles dans la réalisation finale ?
• Dans quelle mesure la réalisation de l’œuvre est-elle le reflet d’un cheminement lors du processus créatif ?
• Idée et réalisation finale d’une œuvre sont-elles toujours en adéquation ?
• Dans quelle mesure un projet a-t-il déjà le statut d’œuvre d’art ?
Notion possible : le temps de l’œuvre, de sa naissance sous forme d’idée à sa réalisation finale exposée, reçue par un large
public.
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Œuvres du corpus en fonction de cet axe de travail et références complémentaires possibles :
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Plans possibles
I. L’artiste présente les traces de son processus de création
• Huang Yong Ping, Serpent d’Océan
• Fabrice HYBER, La Serrie, paysage biographique de mes parents
• Auguste Rodin, Christo et William Kentridge
II. L’œuvre évolue au cours de sa réalisation
• Léonard de VINCI, Sainte Anne, la Vierge, l’Enfant Jésus et saint Jean-Baptiste enfant
• Huang Yong Ping, Serpent d’Océan
• Jean-François Millet
• Film d’Henri-Georges Clouzot, Le Mystère Picasso, 1956
III. Les étapes de création font œuvre
• Sophie TAEUBER-ARP, étude et marionnette
• Fabrice HYBER, La Serrie, paysage biographique de mes parents
• Auguste Rodin, Christo
OU
I. L’œuvre est déjà présente sous forme d’idée
• Huang Yong Ping, Serpent d’Océan
• Fabrice HYBER, La Serrie, paysage biographique de mes parents
• Cosa Mentale de Léonard de Vinci
• Auguste Rodin, Christo, William Kentridge
II. L’œuvre est présente et son évolution est visible dans une temporalité
• Huang Yong Ping, Serpent d’Océan
• Fabrice HYBER, La Serrie, paysage biographique de mes parents
• Film d’Henri-Georges Clouzot, Le Mystère Picasso, 1956
• Christo
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III. L’œuvre questionne son statut d’œuvre d’art
• Sophie TAEUBER-ARP, étude et marionnette
• Fabrice HYBER, La Serrie, paysage biographique de mes parents
• Auguste Rodin
• Études et ébauches de Claude Monet
La conclusion pouvait ouvrir sur le travail de l’artiste parfois délégué à d’autres ou sur les œuvres qui disparaissent dans
leur matérialité (œuvres éphémères ou à matérialité intermittente).
Partie 2 Sujet A
Copie d’écran : https://www.beauxarts.com/grand-format/art-et-science-en-symbiose/
Retranscription du document :
« Art et science en symbiose
Par Julie Ackermann
Publié le 28 novembre 2017 à 17h11, mis à jour le 29 novembre 2017 à 17h11
On le sait bien, l’art emporte tout sur son passage : les artistes n’hésitent pas à faire référence à la philosophie,
l’histoire, la littérature, la géopolitique, la religion, l’économie… et aux sciences du vivant et des technologies, qui occupent
une place de choix. Comment expliquer cette attirance mutuelle ? Art et science n’ont ni le même objet ni les mêmes
méthodes. L’un se réfère à la raison et au réel, l’autre flirte avec l’insensé, sonde l’imaginaire et les formes sensibles. »
« Commentaire critique d’un document sur l’art. En vous appuyant sur le document, vous expliquerez … ».
Le document proposé dans cette partie d’épreuve soulève un questionnement plastique ou met en avant un enjeu artistique,
souvent transhistorique ou qui a révolutionné le monde artistique.
Il s’agit donc de repérer cet enjeu (donné dans la demande), de savoir l’expliquer, à l’aide des données du document et de
vos connaissances personnelles (références d’œuvres, démarches artistiques en lien ou en opposition, scandale possible, …).
Ce qui est attendu :
• 1 à 2 pages maximum
• Une forme organisée dans cet écrit est également demandée mais pas nécessairement sous forme dissertée. Elle peut
prendre la forme d’un dialogue entre, par exemple, un artiste et un critique d’art.
• Une présentation du document est toujours appréciable et la légende peut contenir des indices à exploiter.
Ce qu’il faut éviter :
• Des paraphrases du texte donné ou une réécriture des données du document sans explications ou réflexions plus globales
questionnant des aspects de la création artistique.
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Présentation du document :
Le document est une capture d’écran de la page internet du site Beaux-Arts magazine, une revue spécialisée dans le domaine
de l’art.
Ce court passage est rédigé par Julie Ackermann et a été publié en 2017.
Quels sont les questions ou enjeux artistiques soulevés dans le document ? Quels sont les mots clés à définir,
appelant à faire des références, amenant à exposer vos connaissances et votre point de vue ?
Le titre « art et science en symbiose » incite à ajouter un point d’interrogation : art et science sont-ils en symbiose ? ou
art et science peuvent-ils être en symbiose ?
Art = l’insensé, l’imaginaire, le fictif, le fictionnel, les formes sensibles, inventées, créées
Science = la raison et le réel déjà existant
Deux domaines du savoir humain qui semblent en opposition
Et pourtant
Symbiose (terme scientifique : association biologique, durable et réciproquement profitable, entre deux organismes
vivants, en constante évolution) ou attirance mutuelle
(art attire la science, des scientifiques s’intéressent à l’art et la science attire l’art, des artistes s’intéressent aux sciences)
car
l’art s’inspire de la science, les artistes collaborent avec des scientifiques, à partir de données scientifiques, avec des méthodes
scientifiques
• Carte du ciel de l'hémisphère Nord, carte des étoiles, Zodiac, par Albrecht Dürer (dessinateur, graveur, peintre,
contemporain et ami de Joachim Patinir) en 1515
• Biologiste allemand Ernst Haeckel (1834–1919) : planches avec talent de dessinateur incontestable
• Collaboration de Étienne-Émile Baulieu, ami de Jean Tinguely et inventeur de la pilule abortive dans le Cyclop de
Jean Tinguely sous la forme de l’œuvre intitulée « Molécule RU-486»
• Abraham Poincheval réalise des performances sous forme d’expériences scientifiques basées sur sa claustrophilie.
• Mark Dion pour ses installations complexes inspirées de laboratoires scientifiques, questionnant le rapport que l'homme
entretient à la Nature à travers la construction du savoir et des discours scientifiques ayant cours depuis l'Antiquité
• Hicham Berrada crée des paysages mouvants à partir de réactions physiques et chimiques de la matière
Champ d’action des artistes : multiples, ouverts, transversaux, interdisciplinaires. L’art est ouvert à toutes les autres formes
de savoir et de savoir – faire et les artistes se nourrissent, se renouvellent par ses porosités entre les domaines du savoir.
Sciences du vivant : bioart, art écologique avec Stelarc et ses prothèses humaines, Eduardo Kac avec Alba, lapine vert
fluorescent ou encore Cactus Project de Laura Cinti
Technologies : numérique avec Miguel Chevalier ou Refik Anadol, intelligence artificielle avec Aï-da, artiste robot humanoïde
de l’ingénieur Aidan Meller.
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Point de vue critique :
Les artistes peuvent être des lanceurs d’alerte par leurs œuvres polémiques, ils questionnent et nous amènent à questionner
les limites à la science.
Ex : Dolly première brebis clonée en 1996 et Alba d’Eduardo Kac en 2000.
Les scientifiques et ingénieurs par leurs innovations peuvent questionner l’art, l’artiste, le rôle de celui-ci. Rappelons que
l’art est ce qui fait notre spécificité humaine.
Si les productions d’Aï-da obtiennent le statut d’œuvres d’art, que devient le talent humain ?
Partie 2 Sujet B
« Note d’intention pour un projet d’exposition (le candidat choisit une des œuvres du corpus du sujet de la première partie
pour développer son projet).
À partir d’une œuvre choisie dans le corpus de la première partie, vous développerez un projet d’exposition en présentant
vos intentions et les modalités envisagées.
Votre projet doit :
• respecter obligatoirement l'intégrité de l'œuvre du corpus ;
• s’intituler : « dessins d’artistes ».
L’œuvre choisie n’est pas nécessairement exploitée dans votre rédaction de la partie 1. Vous avez le choix donc repérez une
œuvre pour laquelle un projet d’exposition vous semble faisable et pertinent.
Par exemple, choisir une œuvre in situ, qui par définition ne peut être déplacée, n’est peut-être pas une idée facile à exploiter
dans un projet d’exposition, même si des solutions existent.
Ce qui est attendu :
• Un projet d’exposition clairement explicité sous la forme d’une note d’intention accompagnée de croquis. Cette note,
sous la forme d’un écrit organisé n’est pas non plus nécessairement une dissertation. Elle peut prendre la forme d’un
dialogue entre, par exemple, un artiste et un commissaire d’exposition ou un scénographe ou encore être le compte-rendu
d’un visiteur potentiel (simple spectateur ou journaliste).
• Au moins trois croquis d’environ 15 cm de haut ou de large (pas trop petits pour être lisibles mais pas trop grands
pour être collés sans pliage sur votre copie) :
◦ une vue d’ensemble en perspective à point de fuite ou en axonométrie (https://www.profartspla.site/
wordpress/Glossaire/axonometrie/) de votre espace d’exposition
◦ une vue de détail avec la présence d’un spectateur (grouillot) qui par sa silhouette donne une échelle (attention à
bien vérifier les dimensions réelles des œuvres proposées)
◦ un plan (vue de dessus) qui proposera un parcours de visite
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Ce qu’il faut éviter :
• L’absence de croquis ou des croquis redondants avec la note d’intention, et/ou peu ou pas lisibles.
• Un projet d’exposition fantasque, irréalisable et n’apportant pas d’éclairage sur l’œuvre choisie (proposition à ne
pas faire : exposer une peinture ou une photographie ou une sculpture au fond de l’eau, sans explication ni raison
particulière).
• Un projet d’exposition qui se comprend comme une œuvre en soi ou comme un complément ou un ajout ou un
prolongement à l’œuvre choisie. Un projet d’exposition repose sur une scénographie donc sur une mise en espace, une
mise en scène, et non une nouvelle création artistique.
Propositions de projet d’exposition pour chacune des œuvres du corpus :
Là aussi l’axe proposé est à définir, à décliner, à questionner.
« Dessins d’artistes » : le pluriel des deux mots était à prendre en compte. Il était possible de comprendre plusieurs dessins
à exposer de plusieurs artistes différents.
Les dessins dans les musées sont exposés dans des cabinets d’arts graphiques avec des modalités de conservation adaptées
à ces œuvres souvent sur papier, très fragiles et sensibles aux écarts de températures et d’humidité. Cette précision sera
appréciée dans les projets scénographiques envisagés.
Le mot s'est écrit indifféremment « dessein » ou « dessin » jusqu'au XVIIème siècle, impliquant la notion d'intention, de projet,
dans un travail de plus grande portée, en architecture, en peinture, en gravure. À partir du milieu du XXème siècle, design,
un mot anglais qui réunit les deux sens de dessin ou dessein, ce qui pouvait faire écho au travail de Sophie Taeuber-Arp.
Les techniques de gravures, les pastels, la technique des 3 crayons (noir, sanguine et blanc) ou l’aquarelle sont aussi des
variantes possibles du dessin.
Les reproductions des dessins dans le corpus permettaient par leur petite taille d’être découpées et collées directement sur
vos feuilles de croquis comme cela est autorisé vous permettant de gagner du temps.
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Rappel du vocabulaire scénographique possiblement attendu :
Expôt, scénographie, accrochage, black box, white cube, murs colorés, period room, cimaise, niche, potelets de protection,
cartel, panneaux explicatifs, éclairage diffus, éclairage directionnel, éclairage zénithal, grouillot, dispositif de monstration,
dispositif de présentation, dispositif d’exposition, commissaire d’exposition ou curateur, exposition temporaire ou pérenne
ou itinérante, monographique ou rétrospective ou thématique ou chronologique ou intermittente ou réactivée, cadre, socle,
vitrine, étagère, signalétique, déambulation, parcours, mise en scène, point de vue, point de vue frontal, distance, recul,
expérience spectatorielle, expérience esthétique, expérience sensorielle, expérience haptique, médiation culturelle, expérience
immersive, contemplation…
Les définitions sont sur : https://www.profartspla.site/wordpress/glossaire/
