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_Pop Art
Le Pop Art américain désigne une tendance née d’initiatives individuelles. S’il n’est
pas un mouvement structuré au sens d’un groupe qui organise des manifestations
2 collectives, il a néanmoins une cohérence. Globalement issu du travail de Robert
Flag on orange Field, 1957
167 X 124cm 1 Rauschenberg1 et surtout de Jasper Johns2, il se caractérise par un intérêt pour les
Black Market, 1961 objets ordinaires, l’ironie, ainsi que par la confiance en la puissance des images.
152 X 127 cm
Le foyer du Pop Art américain est localisé à New York, où exposent tout d’abord des
artistes comme Claes Oldenburg3 et Jim Dine4, Roy Lichtenstein5, Andy Warhol6,
puis James Rosenquist7, George Segal8, et Tom Wesselman9.
Le Pop Art consiste, à l’origine, à introduire dans l’espace du musée des objets tirés
3 de la culture populaire, canette de soupe, boîte de lessive ou drapeau américain.
Two Cheeseburgers, 1962 À la différence du ready-made, cependant, il en fait souvent des répliques peintes
17 X 35 X 28
ou sculptées en forme de trompe-l’œil. Le Pop Art a été, pour cette raison, souvent
4 comparé à un art célébrant naïvement la société de consommation, mais il est loin
Five Feet of Colorful Tools, 1962 de se réduire à ce lieu commun.
141 X 152 cm
Contre l’expressivité vibrante d’un Rothko, d’un Motherwell ou d’un Newman,
le Pop Art revendique en fait une peinture sans profondeur, mécanique, superficielle,
jugée plus apte que les émois de la subjectivité romantique à dire le trouble de
l’immédiat après- guerre.

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Girl with Ball, 1961
153 X 92 cm
_Quelques dates
6
Green Marylin, 1962 En 1955, le critique anglais Lawrence Alloway introduit le terme « Pop Art »
pour qualifier des productions incluant des images issues de la culture de masse
(publicité, presse, bande dessinée, télévision).
En 1964, la participation américaine à la biennale de Venise constitue un
événement. Le Pop Art déferle avec un battage publicitaire sans précédent. Et
l’offensive du marchand Leo Castelli prend les allures d’un manifeste politico-
culturel. Cette date symbolique marque la fin de l’abstraction comme mouvement
8 d’avant-garde, et confirme l’affaiblissement des artistes européens et la nouvelle
7
Movie House, 1961 puissance du marché américain.
260 X 375 X 370 cm
Broome Street Trucks, 1963
182 X 182 cm
_Andy Warhol
et les icônes de la société de consommation
« Les artistes pop faisaient des images que tous les passants de Broadway
pouvaient reconnaître en un quart de seconde : des bandes dessinées, des tables
de pique-nique, des pantalons, des personnes célèbres, des rideaux de douche, des
9 réfrigérateurs, des bouteilles de Coca… Toutes ces choses modernes formidables,
Still Life #30, 1963 que les expressionnistes abstraits s’efforçaient de ne surtout pas remarquer. »
122 X 167 cm
Après une carrière couronnée de succès comme graphiste publicitaire, Andy
Warhol décide, au début des années 60, de travailler librement comme artiste. Ses
centres d’intérêt demeurent cependant focalisés sur le monde de la consommation
et de l’industrie de masse. Au cours des années 1961 à 1964, Warhol remplace
12 progressivement un langage pictural et formel individuel par un matériel
Green Coca Cola Bottles, 1962
iconographique déjà médiatisé et donc collectif, ainsi que par des procédés
mécaniques d’imagerie.
Warhol croise le glamour et le morbide dans ses thèmes, aux couleurs vives et
saturées s’ajoute un motif récurrent et parfois violent, tranchant totalement avec
les symboles qu’il véhicule.
Appartenant à l’ensemble plus large des Disaster Series10, les sérigraphies sur papier
Electric Chairs11 neutralisent cette image emblématique de l’Amérique qu’est la
chaise électrique au même titre que le Coca-Cola12 ou Marilyn Monroe6.
11 10
Electric Chair, 1967 Orange Disaster, 1963
137 X 185 cm 269 X 207 cm
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_Jasper Johns13 et les signes

On peut rattacher au Pop Art les œuvres de Jasper Johns de la fin des années
1950, en particulier la série des drapeaux américains. Selon Lucy Lippard,
« lorsqu’on comprit que la question : « est-ce un drapeau ou une peinture ?
N’appelait pas de réponse car elle n’offrait aucun intérêt, la voie était ouverte
au Pop Art ». Les réponses de Jasper Johns à des éléments extérieurs « pré-
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Diver, 1962 formés, conventionnels, dépersonnalisés, factuels » restent toujours ouvertes ou
228 X 431 cm volontairement ambigües, l’artiste mettant l’accent sur la possibilité donnée au
spectateur de transformer sans cesse son angle de perception. Ses premières
peintures exécutées à la cire, matière épaisse et translucide, présentant des
drapeaux, des cibles et des nombres, sont dévoilées au public à l’occasion de sa
première exposition personnelle à la Galerie Leo Castelli de New York en 1958.
Le choix des objets, bidimensionnels et familiers, ainsi que la dissociation opérée
entre peinture et expression personnelle annoncent l’avènement du Pop Art en
même temps que l’éclipse progressive de l’Expressionnisme abstrait.
Cependant, Johns s’efforce de se tenir à distance du mouvement, afin de préserver
la singularité de son œuvre. En utilisant une imagerie issue de lieux communs,
13
13
Painted Bronze, 1960 « des choses que l’esprit connaît déjà », il s’interroge sur la fonction propre de la
Target with two Faces, 1955
85 X 66 cm
14 X 20 X 12 cm peinture. La représentation d’un même motif lui permet de pratiquer différentes
techniques de mise en relief de l’objet.

_Claes Oldenburg14 et l’objet

Sa version du Pop Art, art populaire qui se veut à la portée donc de tout public,
consiste à imiter des objets quotidiens, liés à l’univers de la marchandise
alimentaire ou vestimentaire, qu’on achète dans des échoppes ou des boutiques
“bas de gamme”. Les répliques qu’Oldenburg propose de ces objets sont agrandies,
avec une mise à nu de la matière et une exacerbation de la couleur. Sucettes
14
géantes, hamburger, casquettes, vestes, façonnés en plâtre et peints grossièrement
Two Cheeseburgers, 1962 avec des coulures, envahissent l’espace et s’imposent à l’enseigne du mauvais goût.
17 X 35 X 28
14
Soft Pay Telephone, 1963 _Roy Lichtenstein15, la publicité
118 X 48 X 22
populaire et le modèle de la bande dessinée.
Le Pop art comme « n’étant pas une peinture
américaine, mais une peinture industrielle ».
Roy Lichtenstein est une des figures majeures du Pop Art américain. En 1961,
au moment de l’éclosion du mouvement, il a l’idée de peindre l’agrandissement
d’une image de bande dessinée choisie dans un magazine. C’est le point de
départ de toute une série réalisée à partir de bandes dessinées et d’images
publicitaires qu’il poursuit jusqu’en 1964. Lichtenstein est fasciné par l’efficacité
de ces représentations populaires où les objets et les passions sont réduits à un
essentiel accessible et anonyme qui lui paraît d’une vitalité bien supérieure à
15
15 Drowning Girl 1963 l’Expressionnisme abstrait, lequel sombrait alors dans l’académisme.
Girl with Ball, 1961 171 X 169 cm À la recherche de la plus grande neutralité, il en vient à peindre les effets produits
153 X 92 cm
par les techniques de l’imprimerie et les contraintes publicitaires : ses hachures, les
aplats de quelques couleurs standard et la trame de points pour l’ombre et le relief.

_ Robert Rauschenberg
et le recyclage de la culture de masse
« Je désire intégrer à ma toile
n’importe quel objet de la vie »
Robert Rauschenberg est avec Jasper Johns l’un des précurseurs du pop américain
en introduisant dans les happenings et ses oeuvres des objets et des images de
la vie courante. On trouve dans cette construction située entre le réalisme et
l’abstraction l’un des éléments rendus célèbres par Warhol ainsi que certains des
ingrédients idéologiques qui flattent la culte de masse américaine.
Entretenant des relations de plus en plus subtiles entre peinture et sculpture, image
photographique et abstraction, se réclamant d’un art total qui inclut la musique,
la danse, et qui inscrit le temps dans l’œuvre plastique, l’artiste n’a pas arrêté de
questionner et de dépasser les limites entre les arts.
_LES MONOCHROMES
Au début des années cinquante Rauschenberg commençait sa carrière artistique
par des peintures monochromes16 blanches, noires, or et rouges, avec papier journal
marouflé et peint produisant des effets de différentes textures. Il voulait déjà abolir
en art le principe sacro-saint de l’expression de soi. Ces surfaces, et en particulier
16 17 les White paintings, se veulent des miroirs, des surfaces neutres prêtes à accueillir
White Painting, 1951 Erased De Kooning, 1953
le reflet du monde.
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_ET L’EXPRESSIONNISME ABSTRAIT

Robert Rauschenberg en 1953 attaque à la gomme un authentique dessin de
Willem de Kooning (Erased De Kooning Drawning17), un geste interprété comme
une façon de se débarrasser de l’expressionnisme abstrait, mais pour l’artiste une
expression de son « amour ».
_LES COMBINE PAINTINGS
Comme le nom l’indique, les Combines18 sont des œuvres hybrides, qui associent à
18
Monogram, 1959 la pratique de la peinture celle du collage et de l’assemblage d’éléments les plus
divers prélevés au réel quotidien. Ni peinture ni sculpture mais les deux à la fois.
Les tableaux de Rauschenberg, de style post dadaïste, mêlent peinture et objets, et
18
incorporent toutes sortes d’ustensiles : boîtes de conserve, produits alimentaires,
Winter Pool, 1959 chiffons, drapeaux, matelas …
227 X 148 cm
Ces combines s’inscrivent dans le sillage de l’invention du collage par Braque et
Picasso, ainsi que dans celui de l’assemblage dadaïste. Rauschenberg réinvente ces
pratiques pour leur donner un impact autre. Héritier de l’esprit dada, Rauschenberg
est marqué par les assemblages de Kurt Schwitters, à l’instar duquel il suggère que
l’art et la vie ne font qu’un. Néanmoins, l’art de Rauschenberg puise sa source dans
l’Amérique de l’époque, et c’est à l’Expressionnisme abstrait et à ses visées d’absolu
que l’artiste réagit en intégrant l’image tirée de magazines dans ses œuvres ainsi
que des matériaux non artistiques.
_LA PÉRIODE DES SILKSCREEN19
L’image et sa reproduction prennent de plus en plus de place et coexistent avec la
peinture. Utilisant la technique de transfert d’image à l’aide d’essence sur la soie,
Rauschenberg y laisse affleurer sa passion pour l’image photographique qui ne le
18
Bed, 1955
quittera jamais. L’artiste avait hésité, au début, entre être peintre ou photographe,
191 X 80 X 20 cm il conciliera, en effet, les deux pratiques. Ces œuvres ressemblent de plus en plus à
des miroirs où s’inscrit, par les différents procédés d’utilisation de l’image de presse
- transfert, montage et collage -, l’histoire des Etats-Unis des années soixante.
_LES SONS RÉCUPÉRÉS
19
Untitled, 1963 Rauschenberg influencé par les idées de Cage sur l’interchangeabilité du son,
147 X 127 cm du silence et du bruit, s’intéresse au son des objets trouvés, qu’il assemble dans
Oracle20 en 1965.
Réalisée en collaboration avec les ingénieurs Billy Klüver et Harold Hodges, Oracle
est une sculpture interactive composée de cinq éléments qui sont autant d’objets
de récupération (baignoire avec douche, escalier, montant de fenêtre, portière
de voiture, conduits de ventilation), appartenant au monde de la « technologie
quotidienne », et auxquels est intégré un système sophistiqué de radio captant les
diverses émissions du lieu où est présentée la pièce. Les postes de radio étaient
20 à l’origine reliés à une console manipulable par les visiteurs. Les cinq éléments,
Oracle, 1965 dont l’emplacement peut varier en fonction de l’espace d’accueil, ont chacun une
236 X 450 X 400 cm
structure et un fonctionnement particuliers.
_MERCE CUNNINGHAM
_LES PERFORMANCES
Dans Open Score21, Robert Rauschenberg fait dériver le contenu de sa performance
des caractéristiques du lieu où elle est présentée. La joute de tennis évoque à
la fois un ready-made (en temps normal, l’Armory est un terrain pour pratiquer
ce sport) et une danse improvisée selon certaines règles. Cependant, l’éclairage
qui diminue à chaque impact des balles sur les raquettes confère aux gestes une
21 fonction liée à un système technologique complexe. Lors d’un deuxième moment
Open Score, 1966
dans l’obscurité complète, une foule sur scène, filmée grâce à des caméras
infrarouges, semble dédoubler la masse de spectateurs dans les gradins.