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ACAD E MY
INTRODUCTION
Lorsque vous débutez dans la production musicale, le mixage est la dernière
chose à laquelle vous pensez. Vous consacrez la majeure partie de votre
temps et de votre énergie à apprendre à produire des sons, à programmer des
batteries, à maîtriser la théorie musicale et un million d'autres choses.
C'est comme pour l'écriture d'un livre : l'écrivain se concentre sur la
rédaction d'une histoire - l'histoire est votre chanson. Le mixage est comme
l'édition : l'histoire est terminée, mais il faut maintenant la parcourir et
s'assurer que tout s'imbrique bien. Tout comme l'édition, le mixage est
essentiel pour garantir un son propre et professionnel à votre morceau. En
fait, savoir mixer est l'un des principaux facteurs qui distinguent les artistes
professionnels des producteurs de chambre moyens.
Pour toutes ces raisons, le mélange peut être intimidant. Mais nous avons de bonnes
nouvelles :
Le mélange est un processus qui peut être facilement
maîtrisé en adoptant une approche structurée.
Bien sûr, vous développerez constamment votre oreille pour le mixage, mais
même les débutants peuvent obtenir des mixages de batterie et de basse de
qualité radio en suivant des étapes éprouvées.
Dans ce guide, nous allons décomposer ces étapes en une feuille de route
réalisable. Nous verrons également comment vous pouvez entraîner votre
oreille à toujours écouter avec le mixage à l'esprit, ainsi que les raisons
pour lesquelles votre mixage peut rencontrer des difficultés.
Prêt ?
01
S'ORGANISER
Avant de passer à l'étape du mixage, il est extrêmement utile (et très
professionnel) de prendre le temps d'organiser son projet. Il n'y a pas de
"bonnes" réponses, mais il peut y en avoir de "mauvaises". Au fur et à mesure
que vous développerez vos compétences en tant que producteur et mixeur,
vous développerez également un style particulier d'organisation de votre flux
de travail.
Les approches les plus courantes consistent à regrouper les pistes par
instrument ou par bande de fréquence, puis à les macro-grouper en fonction
de la section du morceau (dans Logic, par exemple, vous pouvez créer des
piles de pistes imbriquées). (Dans Logic, par exemple, vous pouvez créer des
piles de pistes imbriquées.) La meilleure façon de délimiter visuellement vos
ressources est de leur attribuer un code couleur. Tous les logiciels
d'enregistrement disposent de cette fonction. Par exemple, vous pouvez
faire en sorte que votre spectre visuel reflète le spectre sonore : tout ce qui
se trouve dans le bas du spectre peut être de différentes nuances d'une
couleur plus sombre (batterie, basse, etc.), les médiums (voix, percussions,
synthétiseurs, etc.) peuvent être légèrement plus clairs, et tout ce qui se
trouve dans le haut du spectre peut être d'une couleur pastel brillante.
Encore une fois, il existe des tonnes d'approches différentes, alors n'ayez pas peur
d'expérimenter !
02
RÉFÉRENCE
Les pistes de référence sont en fait des codes de triche.
Comme son nom l'indique, une piste de référence est une chanson à laquelle vous
vous référez lorsque vous mixez votre propre chanson. Elle doit être du même
genre ou d'un style similaire, car les chansons du même genre ont souvent les
mêmes caractéristiques sonores.
Se référer à une piste mixée par un professionnel peut être une technique puissante.
Il est probable que vous mixiez votre piste sur des moniteurs grand public ou dans des
espaces non traités sur le plan acoustique. Mais une piste professionnelle aura été
mixée dans un environnement professionnel. Cela signifie qu'ils sont en mesure
d'entendre la version la plus "honnête" de leurs pistes.
Qu'est-ce que cela signifie ?
Prenons l'exemple d'une paire d'écouteurs ordinaires. Si vous essayez de mixer votre
piste en utilisant ces écouteurs, vous pouvez atteindre un point qui vous semble bon
sur ces écouteurs spécifiques. Si vous essayez de jouer le même mixage sur les haut-
parleurs de votre téléphone, toutes sortes de problèmes deviendront évidents. En
effet, la plupart des c a s q u e s et haut-parleurs ordinaires "colorent" le son, c'est-
à-dire qu'ils ajoutent ou retranchent certaines fréquences pour les rendre plus ou
moins proéminentes. Les casques Beats, par exemple, sont réputés pour augmenter
les basses fréquences.
En analysant une piste de référence, vous pouvez voir exactement quel type de
profil sonore vous devez viser et utiliser une variété d'outils et de techniques
pour sculpter votre piste de manière à ce qu'elle reflète la référence.
Voici comment ce processus devrait se dérouler :
A) Choisir une référence
Il n'y a vraiment que deux conditions pour choisir une piste de référence : elle doit
être du même genre (ou d'un genre similaire) que votre propre piste, dans ce cas
la drum and bass (assurez-vous de choisir une piste dans un sous-genre similaire
au vôtre, par exemple liquid vs. neurofunk), et il doit s'agir d'une sortie
professionnelle (utiliser le mix douteux de votre copain n'est probablement pas la
meilleure idée).
Faites quelques recherches en ligne pour voir s'il y a des morceaux dans votre
genre qui sont généralement considérés comme ayant un bon mixage. DES
MORCEAUX DE DRUM AND BASS ?
De même, essayez de trouver des chansons que les gens considèrent comme
ayant de mauvais mixages. Cela vous donnera une idée de ce qui sépare les
bons des mauvais.
Ensuite, et c'est essentiel, téléchargez ces chansons dans un format de fichier
sans perte comme FLAC, WAV, AIFF (si vous avez acheté une chanson, elle
devrait être dans l'un de ces formats). Par ailleurs, essayez de trouver un MP3
d'au moins 320 kbps. Les formats sans perte garantissent que vous entendez la
meilleure version possible de la chanson.
B) Commencer à écouter
Vous devez maintenant commencer à améliorer votre capacité à entendre ce
qui différencie un bon mixage de batterie et de basse d'un mauvais mixage de
batterie et de basse. Écoutez les pistes de référence sur autant d'appareils
différents que possible.
C) Mettez votre chanson à l'épreuve
Une fois que vous avez pris connaissance de vos pistes de référence, il est temps
de les comparer à votre propre piste. Chargez votre DAW avec deux pistes, l'une
pour la référence et l'autre avec un bounce de votre chanson.
Nous devons d'abord faire un peu de ménage pour nous assurer que les deux
pistes sont réellement comparables l'une à l'autre. Vous devrez baisser le
niveau de la piste de référence pour qu'il corresponde à la marge disponible sur
votre propre piste (Note : la marge est le niveau en dessous de 0 dB de votre
piste).
Dès le début du processus de production, vous devez veiller à ce que toutes les
pistes de votre chanson soient bien en dessous de 0 dB. Cela vous permettra
de tirer le meilleur parti de
des phases de mixage et de masterisation). Supposons que votre bounce soit à -
3 dB. Ramenez la piste de référence à -3 dB à l'aide d'un outil de gain.
Ensuite, chargez des instances d'un égaliseur graphique et d'un imageur stéréo
sur les deux pistes et lancez la lecture. Passez d'une piste à l'autre en mode
solo et comparez les résultats :
• Comment la piste de référence est-elle
balancée par rapport à la mienne ?
• Comment le spectre de fréquences de la piste
de référence se compare-t-il au mien ?
• Quelle est la profondeur acoustique globale de
ma piste par rapport à la référence ?
• Y a-t-il beaucoup de réverbération ? A-t-on
l'impression que tout se passe dans la même
pièce ?
Ne vous souciez pas de trop analyser ce genre de choses d'un point de vue
technique. Essayez plutôt de vous concentrer sur ce que vous disent vos oreilles.
Comment le son vous affecte-t-il au niveau des tripes ?
Voici quelques-unes de nos recommandations pour des pistes de drum and bass
avec des mixes solides. Écoutez et voyez lequel reflète le mieux le style de votre
propre morceau.
HumaNature Ivy
Depuis que je te Lab 20
connais Questions
Masque June Miller
de ski Spin Test
Kasra
03
ÉCHANTILLONS
De nombreux producteurs négligent les mesures d'anticipation qui peuvent
être prises pour faciliter la phase de mixage. Il est important de reconnaître
que le mixage commence à la minute où votre piste est créée. Cela ne
signifie pas qu'il faille mixer activement tout en arrangeant (cela peut en fait
entraîner de nombreux problèmes), mais il faut prendre les décisions
d'arrangement en gardant le mixage à l'esprit.
L'un des moyens les plus simples d'éviter les maux de tête est de commencer
votre piste avec des échantillons de haute qualité. Par exemple, un échantillon
de batterie 808 acheté au hasard aura probablement beaucoup d'artefacts de
bruit et sonnera assez mal. Corriger cela demandera beaucoup d'efforts
pendant la phase de mixage (si c'est même possible). En revanche, si vos
échantillons de batterie sont déjà compressés et égalisés dès le départ, ils ne
nécessiteront qu'une attention minimale.
Il existe des tonnes de packs d'échantillons en ligne. Si vous cherchez un point
de départ, jetez un coup d'œil à nos échantillons gratuits !
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04
SPECTRE DE
FRÉQUENCES
Au cours de votre analyse de la piste de référence, vous devez vous faire une
idée de la façon dont le spectre de fréquences est rempli. Pour ce faire, il
suffit de charger un égaliseur et d'écouter le morceau.
Un graphique détaillant où se situent les sons communs dans le spectre
des fréquences.
Guide général sur
l'emplacement des sons dans
l'image stéréo.
Cette image est une excellente représentation de la gamme de fréquences
en relation avec la production de tambours et de basses.
(Image tirée de l'Internet)
05
GAIN
L'étagement du gain semble beaucoup plus compliqué qu'il ne l'est. Il s'agit
également d'un processus incroyablement puissant qui améliorera vraiment
vos pistes.
Il s'agit simplement de maintenir un niveau d'entrée/sortie cohérent dans la
chaîne de signal d'une piste. À l'époque du matériel strictement analogique,
l'échelonnement du gain était crucial pour garantir que votre signal ne soit
pas déformé après avoir traversé plusieurs unités matérielles, chacune
d'entre elles laissant une trace audio marquée. À l'ère du numérique, les
producteurs ont accès à des outils beaucoup plus propres, mais
l'échelonnement du gain reste néanmoins important.
Alors, que se passe-t-il réellement ?
Supposons que nous ayons un échantillon vocal sec. Lorsque nous le jouons,
il sort à environ -9dB. C'est bien, mais certaines de ces crêtes sont trop
élevées. Nous ajoutons donc un com- presseur. L'audio est plus uniforme,
mais il est devenu plus silencieux - nous sortons maintenant à -12dB.
L'étagement du gain est le processus qui consiste à ramener ce signal à la
valeur de -12 dB.
-9dB. Un moyen simple d'y parvenir est d'ajouter un plug-in de gain et de
l'augmenter à +3dB, faisant ainsi passer notre sortie de -12dB à -9dB. Il
s'agit d'un exemple très simple, et il existe une multitude de techniques
d'échelonnement du gain. Automatisation du volume
est un autre moyen rapide de gagner du terrain. Le principe général
reste cependant le même.
Il y a deux choses à garder à l'esprit en ce qui concerne la mise en scène du gain.
Garder les niveaux d'entrée et de sortie exactement les mêmes n'est pas une
règle absolue. Parfois, une légère augmentation du volume sonore est ce dont
votre piste a besoin. En revanche, même si votre rapport entrée/sortie est
cohérent, vous risquez de perdre de la puissance globale.
L'utilisation d'un effet comme la réverbération, par exemple, va mettre
l'accent sur les hautes fréquences, que nos oreilles entendent comme plus
silencieuses en raison de leurs longueurs d'onde plus courtes. Ainsi, même si
votre entrée dans la réverbération est de -9dB et que votre sortie est
identique, il se peut que vous perdiez encore de la puissance, auquel cas une
légère augmentation de votre sortie ne serait pas une mauvaise idée.
L'étagement du gain est également la phase d'équilibrage initial de tous les sons dans
le mixage.
Par exemple, si vous faites du gain sur votre batterie, vous équilibrez le kick, le
snare, les hats, les percs, etc. afin de trouver l'équilibre que vous souhaitez au sein
de votre batterie.
L'échelonnement et l'équilibrage des gains représentent environ 50 % de
l'ensemble du processus de mixage, voire plus.
Vous pouvez faire tout ce que vous voulez en matière d'égalisation, de compression, de
limitation, etc. Mais si votre piste n'est pas correctement équilibrée, elle ne sonnera pas
bien.
Il est possible d'équilibrer correctement un mixage sans faire d'égalisation et
d'obtenir un bon son. L'obtention de niveaux corrects est la partie la plus importante
du mixage.
Il y a deux choses à garder à l'esprit en ce qui concerne la mise en scène du gain.
Garder les niveaux d'entrée et de sortie exactement identiques n'est pas une règle
absolue.
Parfois, une légère augmentation du volume sonore est ce dont votre piste a
besoin. D'un autre côté, même si votre rapport entrée/sortie est cohérent, il se
peut que vous perdiez encore de la puissance globale.
L'utilisation d'un effet comme la réverbération, par exemple, va mettre
l'accent sur les hautes fréquences, que nos oreilles entendent comme plus
silencieuses en raison de leurs longueurs d'onde plus courtes. Ainsi, même si
votre entrée dans la réverbération est de -9dB et que votre sortie est
identique, il se peut que vous perdiez encore de la puissance, auquel cas une
légère augmentation de votre sortie ne serait pas une mauvaise idée.
06
BUSING DE CANAUX
Les bus peuvent être un autre sujet de confusion pour les débutants, mais leur
but est en fait révélé par leur nom : lorsque vous créez un bus, vous prenez un
groupe de pistes de mixage multiples et "bussez" leur signal vers une autre
piste de mixage unique, où ils sont traités en tant que groupe.
Le bussing est utile dans de nombreux cas. Tout d'abord, il permet
d'économiser beaucoup de puissance de traitement, surtout si vous travaillez
avec un vieil ordinateur. Au lieu de charger des instances de réverbération
sur chaque piste, par exemple, créez un bus de réverbération et envoyez-y
toutes vos pistes. De cette façon, votre processeur ne devra traiter qu'une
seule instance de réverbération appliquée à plusieurs pistes.
Il peut également être utilisé pour obtenir une uniformité stylistique entre les
différents é l é m e n t s d e votre morceau. Vous voulez peut-être que tous vos
synthés aient le même son de grit et de flanger. Vous pouvez créer un bus et
le charger d'un saturateur et d'un flanger, puis acheminer toutes vos pistes de
synthé vers ce bus. Cela créera beaucoup de profondeur et de séparation
entre les synthés et les autres sections de votre piste.
Il convient de garder à l'esprit le concept de traitement parallèle. Si vous traitez
quelque chose en parallèle, cela signifie essentiellement que vous l'utilisez deux
fois. Lorsque vous envoyez une piste à un bus, celui-ci crée une deuxième
instance de cette piste. Imaginez deux lignes parallèles côte à côte. Imaginez
maintenant qu'il s'agit de deux pistes : l'une est votre piste de batterie originale,
et l'autre est la piste de batterie mise en bus avec réverbération, compression,
égalisation, etc. Si vous ne voulez entendre que la piste de bus traitée, vous
devez baisser le curseur de la piste de batterie originale que vous envoyez.
Généralement, vous devrez également augmenter son niveau de sortie, car le
bus a tendance à réduire le volume sonore.
E0
Le QE peut être une
bête capricieuse.
Q7
Le principe sous-jacent est assez simple : il s'agit d'augmenter ou de diminuer
l'intensité sonore d ' une partie particulière du spectre des fréquences. Les
effets, cependant, peuvent être assez radicaux.
L'égaliseur est généralement utilisé pour deux objectifs différents : la
conception sonore et le mixage. Bien qu'il puisse y avoir un certain
chevauchement, ils requièrent en grande partie des moyens très différents.
Lors de l'égalisation pour la conception sonore, vous êtes assez libre d'exercer
votre sens de la créativité. Des coupures exagérées et des augmentations
extrêmes sont à prévoir, et l'expérimentation peut donner des résultats très
intéressants.
E n r e v a n c h e , lors de l'égalisation pendant la phase de mixage, la retenue est
d e mise. Vous devez toujours avoir un objectif, quelque chose de concret que
vous essayez d'atteindre. Jouer au hasard avec différentes bandes de
fréquences pour voir si les choses commencent à sonner "juste" n'est pas une
stratégie efficace et, si vous le faites trop brutalement, cela peut avoir un effet
négatif sur votre piste. Il peut être utile de considérer l'égalisation comme un
processus de yin et de yang - faire des coupures pour ouvrir de l'espace à
d'autres fréquences, faire des augmentations pour remplir les espaces vides.
Règle générale : prenez
une approche soustractive de l'égalisation pendant la phase de mixage. Il
est préférable d'effectuer des coupures plutôt que des augmentations.
Tout d'abord, vous devez déterminer la raison pour laquelle vous égalisez une
piste. Est-ce parce qu'il y a une résonance bourdonnante ? Peut-être beaucoup
de sibilance (sons "s") ? Une technique courante pour identifier les fréquences
problématiques consiste à renforcer une bande avec un f a c t e u r Q très élevé
("Q" signifie facteur de qualité, Q > 1 signifie une largeur plus étroite, tandis que <
1 signifie une largeur plus grande) et à la balayer sur tout le spectre.
Cela permet de mettre en évidence toutes les tonalités bizarres de la piste.
Vous souhaitez peut-être appliquer un égaliseur parce que vos voix sont noyées.
Votre instinct vous poussera probablement à accentuer les voix - ne le faites pas !
Ava n t d'augmenter une fréquence pour la faire ressortir dans le mixage, essayez
toujours de réduire les fréquences qui l'entourent.
Examinez vos pistes et voyez celles qui sont susceptibles d'entrer en conflit
avec les voix, et diminuez-les à la place (pour des voix plus nettes et plus
claires, essayez de couper autour de 2 kHz). Si vous commencez toujours par
augmenter une fréquence, cette augmentation de volume peut contribuer à ce
que l'on appelle le "loudness creep", qui se produit lorsque les producteurs
augmentent lentement mais sûrement le volume global de leur piste en
essayant de faire ressortir différents éléments dans le mixage.
Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas booster, mais cette approche
vous aidera à maintenir un équilibre dynamique dans votre piste.
Pour obtenir des
informations plus
approfondies sur le QE,
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programme de QE.
FONDATIONS DNB
PROGRAMME DE
FORMATION
08
COMPRESSION
La compression est similaire à l'égalisation en ce sens qu'il s'agit d'un outil très
important mais souvent mal compris.
Un compresseur fait ce qu'il dit : il "compresse" un signal audio de manière à
réduire la différence entre ses parties les plus fortes et les plus faibles. C'est
très utile pour donner un son plus fort sans augmenter le volume.
Nos oreilles perçoivent l'intensité sonore comme une plénitude et une richesse, ce qui
donne un son "meilleur".
Vous voudrez presque toujours compresser votre batterie et vos voix (s'il
s'agit de prises originales ; les échantillons de voix peuvent déjà être
fortement traités, alors jouez avec eux). Il est également utile de placer un
compresseur sur tous les bus de groupe que vous avez, comme le bus de
batterie, ce qui permettra à ces pistes de sonner de manière plus cohérente
dans leur ensemble. Une autre astuce consiste à compresser les sons
singuliers qui se perdent dans le mixage. Même si cela n'augmente pas le
volume sonore, nos oreilles sont plus à même d'entendre un signal dont la
dynamique est uniforme.
La quantité de compression que vous appliquez doit également être déterminée
en fonction du style de votre chanson et des sections de votre arrangement.
Certains passages, comme une intro calme, ne nécessiteront pas beaucoup de
compression, alors que la chute énergique en nécessitera beaucoup pour créer
un équilibre harmonieux entre tous les éléments disparates.
Pour un examen plus approfondi de la compression, consultez notre rubrique GRATUITE
Mixage pour DAWs
vidéos.
09
PANNING
Le panoramique est la façon dont vous organisez l'image stéréo de votre
piste, et c'est quelque chose que les nouveaux producteurs ont tendance à
négliger ou carrément à oublier.
Lorsque vous écoutez de la musique en direct, les musiciens qui jouent des
instruments ne sont pas tous en ligne droite. Le batteur peut se trouver à
gauche, le bassiste à droite, le guitariste principal au milieu, etc. Le
panoramique permet d'apporter cette dynamique spatiale aux pistes
produites, tout en contribuant à votre mixage en donnant à chaque piste de
l'espace pour respirer.
Regardez où sont placés la plupart des éléments d'un morceau moderne de
drum and bass :
KICK
SYNTHE GUITARE
S BASS
La prochaine fois que vous écouterez de la musique, faites un effort
concerté pour cartographier l'image stéréo de ce que vous entendez. Une
fois que vous aurez assimilé les règles générales, vous pourrez commencer à
expérimenter : le panoramique peut être un moyen très intéressant
d'ajouter une dimension unique à vos morceaux.
10
REVERB
Même les meilleurs producteurs mettent des années à maîtriser la
réverbération. Il s'agit d'un effet complexe qui peut être utilisé d'une variété
apparemment infinie de façons. Mais ne vous inquiétez pas.
Ce n'est que si l'on veut en faire quelque chose de vraiment funky. Dans la
plupart des cas, la réverbération est utilisée de manière très simple.
L'objectif principal de la réverbération est de donner à vos chansons un
aspect organique. Vous ne remarquerez peut-être pas la présence de la
réverbération, mais vous la remarquerez certainement si elle n'est pas
présente - une chanson sans réverbération sonnerait très stérile et fausse.
Même lorsque nous produisons de la musique électronique comme la drum
and bass, nous voulons donner une impression d'espace, comme si tous nos
morceaux étaient joués dans la même pièce.
Conseil de pro : L'envoi de vos pistes à un bus de
réverbération appliquera la même quantité de réverbération à
toutes les p i s t e s , contribuant ainsi à l'impression
psychoacoustique qu'elles sont toutes jouées dans le même
espace. Cela vous permettra également d'économiser une
tonne de CPU.
Les réverbérations plus courtes (200 à 700 ms de temps de déclin) donnent
l'impression que les choses se trouvent dans la même pièce. Une réverbération
moyenne (1 à 2 secondes de déclin) ajoutera plus de profondeur à votre mixage
et aidera à distancer une piste des sons qui l'entourent.
Les réverbérations plus longues (2 secondes ou plus de déclin) sont
typiquement stylistiques et sont utilisées pour créer de grandes atmosphères
délavées qui aident à ajouter de la gravité à certains moments, tels que la
construction d'un drop ou d'un pont spatial. Utilisez les réverbérations
longues avec parcimonie, car elles ajouteront beaucoup de boue si elles sont
poussées trop loin.
DERNIÈRES ÉTAPES
Avant de considérer que votre morceau est prêt pour le mastering, assurez-
vous que vous avez effectué les opérations suivantes :
• Regroupement et organisation de toutes vos pistes et mise en place de
bus en conséquence : synthétiseurs, batterie, voix, effets, etc.
• Mixage de toutes les pistes autour d'un point de référence. Pour la batterie
et la basse, cela signifie que vous avez traité le kick et la basse en premier (à
environ -6dB) et que vous avez ensuite mixé toutes les autres pistes pour
qu'elles s'adaptent à eux.
• J'ai examiné chaque piste et je l'ai traitée de manière à ce qu'elle remplisse une
fonction dans le mixage.
• Utilisez la réverbération pour créer l'effet désiré, qu'il s'agisse de cohésion, de
gravité ou d'espace.
• Vous avez pris du recul par rapport à votre morceau et l'avez revu quelques
jours plus tard. La fatigue auditive est réelle et si vous avez mixé toute la
journée, vous n'aurez pas une impression réaliste de votre mixage.
Pour un examen plus approfondi du mixage et des autres
principes fondamentaux de la production drum and bass,
n'oubliez pas de vous inscrire à notre programme
PROGRAMME DE
FORMATION AUX
FONDEMENTS DE LA DNB
LISTE DE CONTRÔLE DES MÉLANGES
1. S'organiser
Assurez-vous que votre piste est organisée d'une manière qui vous semble intuitive. Cela rend le mixage
un million de fois plus facile.
2. Référence
Comparez votre chanson à une piste bien mixée. Utilisez cette piste comme guide - voyez comment elle
remplit le spectre des fréquences et où les éléments se situent dans le champ stéréo.
3. Échantillons
Choisissez des échantillons de haute qualité qui ont déjà fait l'objet d'un traitement professionnel. Votre
travail sera ainsi beaucoup moins compliqué.
4. Fréquence
Veillez à ce que le spectre des fréquences soit bien rempli, sans qu'aucune piste ne soit en concurrence
pour dominer une bande donnée.
5. Mise en scène du gain
Assurez-vous que les signaux entrant dans vos pistes sont au même niveau que les signaux sortant. Organisez
le volume de votre piste autour du kick et de la basse.
6. Chaîne
Envoyez les groupes de pistes aux bus qui traiteront ces sons en tandem. Décidez si vous voulez ou non
un traitement parallèle ou seulement le signal du bus humide.
7. QE
L'égalisation est-elle destinée à la conception sonore ou au mixage ? Adoptez l'état d'esprit "couper avant
d'augmenter". Veillez à ce que rien ne vienne concurrencer le kick et les basses dans le bas du spectre.
8. Compression
Certains échantillons peuvent déjà avoir été compressés. Assurez-vous que votre batterie et vos voix
passent par un compresseur. Envisagez d'ajouter de la compression aux pistes qui ne sont pas tout à fait à
la hauteur.
9. Panoramique
Donnez à chaque piste l'espace nécessaire pour respirer. Au centre, vous voulez : le kick, la basse, les voix,
les leads (parfois) ; sur le côté : FX, percussions, synthés, pianos, etc.
10. Réverbération
Bussez les pistes similaires vers un canal de réverbération. Essayez de créer l'impression psychoacoustique
que toutes vos pistes se trouvent dans le même espace réel. Utilisez la réverbération avec parcimonie pour
créer des passages moroses et atmosphériques.
MIXING BUNDLES
L'une des façons dont les producteurs commencent à développer leur style est de
rassembler un arsenal d'outils et de plug-ins qu'ils utilisent beaucoup. De nos jours,
la plupart des logiciels d'enregistrement sont fournis avec un arsenal d'outils de base
incroyables qui auraient fait pâlir d'envie de nombreux studios d'antan. Vous devriez
apprendre les principes généraux du mixage en utilisant les plug-ins que vous
utilisez.
DAW, mais si vous décidez de faire le grand saut (coûteux) dans les VST tiers, voici nos
choix pour les meilleurs packs de mixage.
Vagues DIAMANT
Waves est l'un des plus grands noms de la
production audio, et leur Diamond
bundle vous fournit tous les outils
nécessaires pour commencer à mixer
vos propres pistes.
Avec un total de 73 plugins, ce pack est
souvent proposé avec des réductions
allant jusqu'à 95 %, alors soyez à l'affût
d'une vente flash !
$415
Fab Filter MIXING
Nombreux sont ceux qui considèrent la
$679
suite de plug-ins Fab Filters comme un
standard de l'industrie. Avec leur pack
Mixing, vous avez accès à 8 plugins, dont le
très populaire Pro-Q 3 EQ et le
compresseur Pro-C 2, ainsi qu'u n e
réverbération, un deesser, et bien plus
encore. La qualité de ces outils ne peut
être surestimée.
Slate VMR 2.0 MIXING BUNDLE
Le VMR 2.0 Mixing Bundle de Slate Digital
recrée l'aspect et le son des tables de
mixage analogiques du passé. Jusqu'à 8
plug-ins peuvent être placés dans un rack,
ce qui permet d'obtenir une multitude de
sons analogiques. Il peut être acheté en
tant que VST autonome, ou utilisé dans le
cadre du All Access Pass unique de Slate,
qui vous permet d'utiliser des plug-ins
d'une valeur de 5 000 $ pour 149 $.
$149
Melda Production
MMIXINGFXBUNDLE
Ignorez le nom, cet assortiment de 31
plug-ins de la société Melda Productions,
basée à Prague, met à votre
d i s p o s i t i o n une armée d'outils de
mixage.
Il contient tout ce dont vous pouvez avoir
besoin, et chaque plug-in est doté d'une
interface utilisateur élégante et intuitive.
$657
Kilohearts TOOLBOX ULTIMATE
Kilohearts est un petit éditeur de logiciels
audio, mais son approche modulaire
unique des chaînes de signaux vous
permet de créer vos propres racks
d'effets personnalisés. La Toolbox
Ultimate contient tous les plug-ins de leur
gamme, ce qui permet de créer un
système d'effets robuste.
workflow de mixage. Et à 499 $, c'est une
véritable aubaine.
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Informations sur les droits d'auteur
LA FEUILLE DE
ROUTE DU MIXAGE
DRUM 'N BASS
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sans le consentement exprès du propriétaire.
