Analyser une œuvre picturale

Document réalisé par Corinne Bourdenet, enseignante en arts plastiques (mise à jour en 2019).

Introduction de l’analyse

1. Identification : cartel de l’œuvre

- Quelle nature d’image : originelle ou reproduite ?

- Quel type (suivant sa destination) : image pieuse, laïque, enluminure, miniature, propagande politique… ?
- Technique :
− support : bois ; toile ; métal ; papier ; ivoire ; carton ; paroi ; marouflage d’un support à un autre…Le
support est-il visible à l’œil nu ? Voit-on la préparation par endroits ? Unique ou multiple (triptyque,
retable, série…)
− medium : détrempe (tempera) ; huile ; gouache ; aquarelle ; fresque ; acrylique… / Mixte : ajout de
matériaux, de collages
− outil : pinceau, brosse, couteau, doigt, aérographe…
− état : degré d’altération ; restauration à faire ? déjà effectuée ? révélation de repeint ou de repentir ;
rentoilage ; transposition ; retouche ; allègement de vernis ; dévernissage…
- Localisation (lieu d’exposition / de conservation) : musée, bâtiment public civil, église, collection particulière…
L’œuvre est-elle exposée dans le lieu qui lui était destiné ? S’il y a eu changement, cela modifie-t-il sa
perception ? Fait-elle partie d’un ensemble dont elle a été extraite ?
Présence d’un cadre ; si oui, est-il d’origine ? Quel rôle joue-t-il dans la perception de l’œuvre par rapport à son
environnement ?
Accrochage : le contexte de son exposition joue-t-il un rôle dans la lisibilité de l’œuvre ?
- Origine :
Artiste : certain (signature ?) ou supposé (problèmes d’attribution) : anonyme, atelier de…, école de … ; degré
d’authenticité : œuvre originale, réplique (répétition par l’artiste lui-même), copie (par un autre), faux (copie se
donnant pour originale).
Titre : donné par l’artiste ou par quelqu’un d’autre après coup ? Orientant vers une première piste de lecture ou
brouillant les pistes, c’est-à-dire s’inscrivant dans une tradition iconographique (une Nativité), se bornant au
descriptif (Soleil couchant à Étretat) ou, inversement, (dé)jouant la notion de titre (Sans titre, LHOOQ, Ceci n’est
pas une pipe…) ?
- Date de réalisation
- Format (rectangle format paysage ou portrait, rond, ovale…), taille (dimensions en cm) / lieu d’exposition
- Est-ce une œuvre f igurative (on reconnaît ce qui est montré) ou abstraite (jeux de couleurs, lignes, formes,
matières) sans représentation de choses connues ? Il existe deux types d’abstraction : abstraction géométrique
et abstraction lyrique ou tachiste (coulures, jeux de couleurs, de lumières, de gestes…)
Si elle est figurative, préciser son genre : nature morte, portrait, paysage, peinture d’histoire, religieuse,
mythologique, scène de genre (vie quotidienne)... Savoir expliquer ce qu’est un genre.

2. Présentation de l’artiste : biographie dates / genre ou mouvement artistique auquel il appartient /

quand ce tableau a été réalisé (début ou fin de carrière), en quoi les éléments de sa vie peuvent venir
éclairer l’analyse de son œuvre ? Pouvez-vous parler de son métier ?

3. Pourquoi avoir choisi cette œuvre ? / Quel est son intérêt ou son originalité ?

4. Pourquoi cette œuvre appartient au domaine artistique des arts du visuel ? Être capable
d’expliquer et de citer les autres domaines artistiques.

5. Quel est le contexte historique de l’œuvre ? Les éléments relevés doivent permettre d’éclairer
l’analyse de l’œuvre.

6. Rapport à son temps : quels liens entretient l’image avec son contexte historique : événements,
mœurs, société, histoire littéraire et culturelle ? quelle est sa place dans le contexte de la création
artistique du moment : rupture ou continuité ? Appartenance à une école ? à un mouvement ?
 Développement de l’analyse : Décrire

1. Sujet : Quels sont les principaux éléments du sujet ? (qui, quoi, où, quand, comment).
Scène d’intérieur, d’extérieur ? Où précisément ? Quand : le jour ? La nuit ? Repérer et nommer les personnages,
les animaux, les objets, les éléments du décor ; essayer de dater la scène. Réutiliser le titre pour cette opération
peut vous donner des indices.

Réalisme et degré d’iconicité : jusqu’à quel point l’illusion de ressemblance a-t-elle été recherchée ? de l’objet
cubiste parfois évoqué par un signe (l’ouie d’un violon) au trompe-l’œil baroque illusionniste, toute une variation
de degrés de ressemblance pour surprendre, amuser, explorer, méditer, faire réfléchir…

Utilisation intentionnelle de symboles : attributs (éléments permettant d’identifier quelqu’un, comme la massue
d’Hercule) ; blasons ; emblèmes ; animaux, objets, couleurs symboliques (vêtement féminin rouge et bleu =
Marie) ; se méfier de leur polysémie, qui se réduit souvent en songeant au contexte (la colombe symbolise la paix
dans un dessin d’humour contemporain mais la virginité dans une annonciation).

2. Espace : Quels sont les principaux plans qui composent le tableau ? Ne pas hésiter à tracer les lignes
de composition / à montrer des gros plans
− grandes lignes (obliques, diagonales, horizontales, arabesques, courbes et contre-courbes, spirales…) et
formes géométriques qui structurent les masses : triangle, cercle, ellipse, rectangle, carré…
− d’où une composition statique/dynamique ; symétrique/dissymétrique ; centrée/décentrée ; saturée/sobre ;
pyramidale ; rayonnante ; ascensionnelle…
− utilisation de proportions harmonieuses : nombre d’or (à peu près 8/5) ; division au tiers…
− rythme : régulier/irrégulier, croissant/décroissant, saccadé… ; contrastes de direction ; sens de lecture induit
par les lignes...

Composition de l’espace représenté :

− Rapport au cadre : champ/hors champ ; Y a-t-il des éléments hors-champ (coupés par le cadre) ? Est-ce le
choix du peintre ou est-ce que le tableau a été coupé, abîmé ?
− Étagement des plans du premier plan à l’arrière-plan ; Hiérarchiser sa description : à droite, à gauche, au
premier plan, en arrière plan....
− Perspective : linéaire, aérienne (ou atmosphérique), cavalière… ; lignes et point de fuite ; ligne d’horizon/ligne
de terre… ; raccourci ; repoussoir ; coulisse ; écran ; déformation et trucages de perspective (anamorphose par
exemple)…
− Cadrage : plan d’ensemble, plan moyen (en pied), plan américain (aux cuisses), gros plan, très gros plan
(insert)… ; rapport des figures à l’espace environnant…
− Rapport des figures à l’observateur : angle de vue (vision frontale, en plongée, en contre-plongée) ;
personnages vus de face, de trois quarts, de profil, à profil perdu, de dos…

3. Personnages et/ou éléments peints et leur signification pour l’artiste et/ou le spectateur.
− Y a-t-il un ou des personnages, éléments principaux (plus importants que d’autres) ?
− Comment sont-il mis en valeur dans la composition du tableau (centre, lumière, vêtements, posture) ?
Pourquoi ?
− Quels sont ses vêtements (nature, couleur, forme), ses caractéristiques ? Quel est le but recherché par l’artiste
dans ce choix
− Quelle est sa posture (attitude : assis, debout, couché, bras levés, tenant quelque chose ou pas…
Quelle est la position des mains) ? Que fait-il / elle ?
− Quels détails sont liés aux personnages ou aux éléments représentés ? Où ? Quelle est la signification de
chacun ?

4. Eléments plastiques
Formes
Savoir les caractériser : pleines, lourdes, épanouies, monumentales, hiératiques, souples, élancées, élégantes,
émaciées, anguleuses, rigides, schématiques, stylisées, géométriques…

Graphisme (importance du trait dans l’image) : formes et relief donnés par des lignes comme dans le dessin ou
absence complète du trait comme dans la peinture néoclassique qui utilise exclusivement le modelé pour le
relief ; utilisation de traits-contours ; force ou faiblesse du trait ; combinaison du trait et de points ; hachures ;
rayures…
Touche (en peinture) : trace de l’outil donc indication de la facture, du geste du geste du peintre ; de la touche
effacée, lisse, léchée à l’empâtement créant un fort effet-matière il y a toute une gamme : touche légère, délicate,
hésitante (repentirs visibles), souple, nerveuse, cotonneuse, mosaïquée, méticuleuse, en virgules, large,
appuyée, vigoureuse, emportée, tourmentée… Travail (classique) gras sur maigre ; glacis ; vernis…
Ainsi la matière peut être transparente, diaphane, légère, soyeuse, neigeuse, vaporeuse, brumeuse,
granuleuse, mate, crayeuse, poudreuse, scintillante…

Couleurs :
Quelles sont les couleurs principales ? Savoir décrire les couleurs du tableau
Savoir utiliser le vocabulaire de la couleur : contrastes (clair/foncé, complémentaires, chaud / froid), cercle
chromatique, couleurs rompues, couleurs rabattues, couleurs saturées, nuancées, camaïeu, gamme chromatique
(=palette colorée utilisée par l’artiste), couleur dominante / couleur tonique, aplat/dégradé ou en nuances…

− Couleurs primaires (jaune, rouge, bleu), couleurs secondaires (vert, orange, violet),
couleurs complémentaires (jaune/violet ; rouge/vert ; bleu/orange)
− Différencier la couleur (la teinte) de la valeur (degré d’éclaircissement ou d’obscurcissement d’une
même teinte) ; rendu des volumes : aplats ou modelés
− Harmonie (avec éventuellement une teinte dominante) ou contrastes : chaud/froid ; clair/foncé ; des couleurs
complémentaires ; de couleurs vives/ternes, éclatantes/sourdes, lumineuses/fuligineuses, suaves/acidulées,
mates/brillantes… Rehauts de blanc;
− Couleur saturée (pure), rompue (additionnée de noir ou de gris), lavée (mêlée de blanc), rabattue (mêlée
de sa complémentaire) ; pigments ;
− La couleur et la spatialité : couleur qui avance ou recule par rapport à d’autres ; d’où son rôle dans le rendu
de la profondeur.

Lumière : Est-elle représentée dans le tableau ? D’où vient-elle ? Qu’éclaire-t-elle ? Pourquoi ? Où sont les
ombres propres et portées (ou projetées) ?
Savoir utiliser le vocabulaire de la lumière : clair-obscur ; contre-jour ; éclairage latéral ; lumière vive/diffuse

5. Rapports au spectateur :
Est-ce que le spectateur est pris à témoin par des éléments représentés ? (personnage qui le regarde, qui le
montre, qui lui sert de miroir = personnage repoussoir, de dos dans le tableau).

A qui s’adresse l’œuvre ? Quel risque d’être la réaction du public ? Pourquoi ?

Comment le spectateur doit-il regarder l’œuvre ? de près, de loin, en se déplaçant, frontalement, à hauteur des
yeux, en levant la tête…

Quels sont les sentiments que l’auteur cherche à faire passer ? Quelles sont les sensations qui se dégagent de
l’œuvre, pourquoi ?

Pouvez-vous parler de la muséographie de l'œuvre ? Comment est-elle exposée ? Pouvez-vous parler du métier
de scénographe ? de critique d'art ? de commissaire d'exposition ?

Développement de l’analyse : Interpréter l’œuvre

1. Le message de l'œuvre : pourquoi l'artiste a-t-il fait cette œuvre ?

Ce message est religieux ? politique ? personnel ? esthétique …?
2. Le rapport avec la vie et les idées de l'artiste :
- Quelles sont les idées de l'artiste ? L’œuvre est-elle une marque de son engagement ? Plus couramment,
répond-elle à une commande ? de qui ? à quelle occasion ? quelle fut la marge de liberté de l’artiste par rapport à
son commanditaire ?
- Fait-il parti d'un courant artistique connu ?
- Y a-t-il d'autres œuvres qui parlent du même sujet ?
3. Comment le peintre montre-il que cette représentation est importante ?
4. Pourquoi peut-on dire que cette oeuvre a une valeur politique / historique / artistique ?
Quelle fut sa vie jusqu’à nous : a-t-elle subi un purgatoire ? postérité, résistance au temps ? Accueil par le grand
public différent de l’accueil des spécialistes ? A-t-elle fait couler beaucoup d’encre ? quelles sont les critiques à
son sujet ? Quelle est sa place dans l’histoire de l’art ?
5. Est-elle novatrice ? Par quels procédés artistiques l’artiste a-t-il créé une œuvre différente de celles
qui existaient déjà ?
 Conclusion

Quelles sources avez-vous utilisées ? Comment avez-vous vérifié leurs informations ? Expliquez ce que vous

avez appris en travaillant sur cette œuvre et/ou cet artiste (ou ces artistes), ce que vous avez ressenti.

Cherchez l’inspiration ou la postérité du peintre et/ou de cette œuvre (d’autres artistes ont-ils copié cette
œuvre, son thème, la manière dont elle a été faite, etc. ou au contraire est-il le seul à l’avoir fait).

Cherchez une ou des œuvres à mettre en lien mais appartenant à d’autres domaines artistiques et/ou d’autres
périodes historiques. Quel(s) lien(s) faites-vous entre elle(s) ?