ARTE PROCESUAL

Historia de las Artes Visuales V

Laurenzi EVHU7 (1 C-2024)

• Liliana Gudiño
• Lucía Frias Ardissone
• Luciana Ferreiro
• Malena Podestá
 Arte Procesual
Happeninng, Body Art, Accionismo Vienés
El arte procesual o arte de proceso, se refiere a una práctica artística centrada en el proceso de
creación más que en el producto final. En lugar de enfocarse únicamente en la obra de arte
terminada, los artistas que trabajan en este ámbito ponen énfasis en el acto de creación, el
desarrollo, la evolución y la transformación que ocurre durante el proceso artístico.
El arte procesual o arte de proceso, se refiere a una práctica artística centrada en el proceso de
creación más que en el producto final. En lugar de enfocarse únicamente en la obra de arte
terminada, los artistas que trabajan en este ámbito ponen énfasis en el acto de creación, el
desarrollo, la evolución y la transformación que ocurre durante el proceso artístico.
Muchas obras de arte procesual invitan a la participación activa del espectador, transformando la
experiencia artística en un acto colaborativo y co-creativo donde el público puede influir en el
desarrollo y el resultado de la obra. Estos nuevos formatos van a derivar en la desmaterialización
de la obra.
 Antecedentes

Ballet Triádico- Oscar Schlemmer Tonsura- Marcel Duchamp

El violín de Ingres - Man Ray Danza Macabra - Black Mountain College

Pierre Paolo Pasolini La Ricota film 1969- cita apropiacionismo- arte de desarrollo de
proceso- Obra de Pontormo Descendimiento
John Cage (E.U.1912- 1992)

Estudio con Arnold Schoenberg. A fines de los 40 comenzó a

estudiar filosofía india y budismo zen y en 1951 comenzó a
componer sus primeras obras de música aleatoria.
En el Black Mountain College fue uno de los precursores de la
performance. Junto a colegas como Raschenberg realizaba los
primeros happenings, en los que el azar y la improvisación
eran fundamentales.
Piero Manzoni (Italia1933- 1963)
Manzoni fue un artista italiano autodidacta, conocido por
su enfoque irónico con respecto al arte conceptual. Éste
consideró el cuerpo del artista como productor de arte,
por lo que todo lo que saliera de él sería una obra, ya
fuera aliento, excrementos, e incluso la simple firma
colocada sobre cualquier cosa. En 1957 publica el
manifiesto “El arte no es verdadera creación”
En 1961 en la Galería La Tartaruga de Roma, crea su
obra Esculturas Vivientes, en la que firmaba los cuerpos
de personas, convirtiéndolas así en obras de arte,
recibiendo cada persona un recibo de autenticidad.
 Yves Klein (Niza 1928-
1962)
Fue innovador y pionero de diversas ideas que cristalizaron luego como corrientes
artísticas, como pinturas monocromas, música monocorde, una atracción por el
vacío que disparó la idea de la desmaterialización de la obra de arte y el
distanciamiento del artista en la realización de las obras.
Vitalista y controversial montaba espectáculos para mostrar sus obras en que usaba
los cuerpos de las modelos como pinceles mientras se tocaba su música. Las
Antropometrías causaron sensación, su papel era dirigir verbalmente el movimiento
de las modelos.
Obsesionado por el color puro, investigó sobre pigmentos patentando el IKB
International Klein Blue.
Happening
El Happening surgió en plena recuperación dadaísta, es una prolongación lógica de los “ambientes”,
que desembocan en la acción en el espacio. El propio Kaprow los considera una derivación del
“ambiente”. Las ideas que gestaron este movimiento a principìo de los años cincuenta provienen del
entorno de John Cage, que venía utilizando los sonidos “no artísticos” (Conciertos en Black
Mountain, College, 1951/52). También derivó en experiencias ligadas a la pintura de acción y
automatismo de J. Pollock.
Los happening responden, en el fondo, a la intención del artista de apropiarse de la vida y de
trasladarla parcialmente a otros a través de ciertos actos; implican modelos intervencionistas de
apropiación y estrategia de cambio de la realidad desde la perspectiva de una investigación del
comportamiento, en palabras de Simón Marchan Fiz.
Hacia 1960, el happening arraigó en Europa en dos importantes núcleos creativos: el iniciador fue el
alemán Wolf Vostel y el francés Jean Jacques Lebel, artista y teórico. Vostel fue el rpimero en llevar a
cabo un happening. El happening europeo reclamó el derecho del individuo a su propia vida psiquica
y se implicó en la crítica política del sistema.
 Allan Kaprow (E.U. 1927- 2006)
A. Kaprow, llevó a cabo su primer happening en 1959, en la Galería Reuben de Nueva
York, 18 happenings in 6 parts. Constaba de elementos combinados de diferentes
espacios artísticos: construcciones de muros, música concreta, esculturas de ruedas,
monólogos, proyecciones de diapositivas, movimientos de danzas y un cuadro
realizado durante la propia acción; esta se llevó a cabo en tres enclaves al mismo
tiempo y en seis partes sucesivas, no existiendo entre ellas una relación lógica, podían
entenderse como autónomas. Kaprow quería generar una obra que conjuga elementos
muy diversos y la intensidad de la acción vivida, de hecho lo visual y lo acústico
tienden más a la acción que a la representación de una obra acabada.
 Kaprow, esutdió composición con John Cage en su famosa
clase en la New School for Social Reserch, pintura con Hans
Hofmann e historia del arte con Meyer Shapiro. Los trabajos de
este artista intentan integrar el arte y la vida. A través de
happenings, la separación entre vida y arte, y el artista y el
público se vuelve borrosa.
Es célebre su frase “La que puso en línea entre el arte y la vida
debe mantenerse tan fluida, y quizás indistinta, como sea
posible”.
Jim Dine (E.U. 1935)

Se instala en Nueva York en 1958 donde realiza, el mismo año,

sus primeros ”happenings”. The Simling Workman, de 1960,
Dine vestido con una túnica, cubierto su rostro con una careta
escribió en sobre una tela I love what I`m doing . Acto seguido
bebía de uno de los baldes de pintura, tirando sobre su cabeza el
contenido de otros dos baldes para luego refregarse sobre la tela.
Esto ocurría en 30 segundos.
The Car Crash (1960), fue el happening más destacado una
especie de psicodrama con el objetivo de exorcizar la experiencia
del artista ante un choque o una colisión real.
Claes Oldenburg (Suecia 1929- N.Y. 2022)

Oldenburg asociaba sus happenings a los temas de sus esculturas.

Store Days I fue la primera acción de un ciclo de happenings titulado
Ray Gun Theatre dedicado a los cambios de estación y a los
recuerdos. La cción de Store Days I constaba de tres fases: “Un
cliente entra”, “La transacción comercial” y “Cómo se esforzaron los
propietarios”, acciones por lo general sencillas variaciones de
situaciones domésticas banales.
C. Oldenbur realizó algunos happenings, tanto en galerías como en
espacios públicos, entre ellos, Injun (1962) en unos edificios
limítrofes al Museum of Art de Dallas y Autobodys (1963) en un
parking público de Los Angeles.
Accionismo Vienés
Formado por un grupo de artistas austríacos cuyas obras abarcan la perfomance, el arte sobre
el cuerpo y las artes plásticas. Además cine y video como forma de registro de las
performances y como medio de expresión. La radicalidad y la ación obscena y en ocasiones
violenta sobre el cuerpo, arraigada a una fuerte convicción anti sistemaeran algunos de los
elementos representativos del Accionismo Vienés mostrando caos, violencia, sarcasmo,
sexo, destrucción, feísmo y convirtiendo el cuerpo en materia prima. Aproximadamente
entre 1965-70 exponían en la Galería Nachst St. Stephan.
Según Foster, la performance pone de manifiesto que el compromiso con rituales redentores
o sanaciones catárticas carece de sentido en un mundo dominado por los avances
tecnológicos y la industrialización de la cultura del espectáculo.
Gunter Brus (Austria 1938- 2024)

Su primera performance “Ana” (1964), significó

su entrada al Accionismo. Brus transfirió
directamente el proceso pictórico al cuerpo en
acción, exhibiéndose, pintado de [Link] 1968
fue sentenciado a 6 meses de prisión después del
evento Kunst und Revolution en la Universidad
de Viena, huyó a Berlín con su familia y regresó a
Austria en 1976. Brus orinó en un vaso y luego
procedió a cubrir su cuerpo con su propio
excremento, y terminó la pieza bebiendo su
propia orina. Durante la actuación, Brus también
cantó el Himno Nacional de Austria mientras se
masturbaba. Brus terminó la pieza vomitando y
luego fue arrestado.
Hermann Nitsch (Viena 1938-2022)

Considerado uno de los precursores del accionismo

vienés. Conocido por su original y polémica forma
de combinar, la pintura, el teatro, la música y la
esencia en los rituales religiosos y paganos. A
finales de los años 50 desarrolló el concepto del
Teatro de Orgías y Misterios, una especie de
proyecto en el que sus ideas se fundían para dar
lugar a “acciones”colectivas donde se exploraban de
manera profunda y fiel las raíces y la fuerza de
rituales antiguos, donde a veces se llevaban a cabo
sacrificios de animales.
Rudolf Shwarzkogler (Austria 1940- 1969)

Las aciones de Rudolf Shwarzkogler, seguían un

detallado guión previo, se realizaban siempre en
espacios cerrados y eran registradas en fotografías. Son
acciones desconcertantes que no parecen regirse por una
lógica racional y en las que el cuerpo del artista ocupa
un lugar central.
 Grupo Gutai (“Gu”= instrumento;“tai”= útil, concreto)
El Grupo Gutai se valió de los procedimientos del happening para sus acciones,
entre ellas de protesta contra la renovaciòn del tratado de seguridad estadounidense-
nipón. Con anterioridad a los planteamientos de A. Karpow, el grupo Gutai había
llevado a cabo acciones en espacios públicos en Osaka y Tokio a partir de
[Link] fue fundado en 1945 por el artista y maestro Yoshihara Jiró, un grupo de
artistas que realizaban el arte de acción. Sus miembros principales fueron Jirō
Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō
Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka. Rechazan el consumismo
capitalista, realizando ironías irónicas, con un sentimiento de crispación, con una
agresividad latente (ruptura de objetos).
Los happenings y eventos Gutai se multiplicaron en los años 1962-64 con las
nuevas adscripciones de Yoko Ono, Hijikata, Ichiyanagi y el grupo Ongaku.
Fluxus
Fluxsus fue un movimiento internacional de artistas, arquitectos, compositores
y diseñadores fundado por George Maciunas, teniendo su mayor apogeo entre
la década de los 60´s/70´s. Su nombre significa “fluir”, ya que se centra en la
idea de que el arte puede ser una acción que sucede y es efímera. El Happening
está ligado a este arte, y a su vez, es paralelo al mismo. El Happening es más
complejo, de mayor duración e integra mucho más al espectador en la obra,
mientras que el Fluxus se concentra en la vivencia de un acontecimiento
improvisado, simple y más distanciado del espectador. Se interesa mayormente
en la música que en las artes plásticas e incorpora tendencias del ballet y la
música, además de las artes visuales.
Sus objetivos no son estéticos, sino sociales. Buscan la eliminación de las
bellas artes y su elitismo. Quieren generar una relación con la vida y los
espectadores. De igual manera, está en contra del objeto artístico tradicional
como mercancía y cosa comercial y se opone a las instituciones
 Nam June Paik y Ch. Moorman, D. Higgins, Musica peligrosa, Festival
Concierto para TV-Cello y videotape, 1965 Fluxus,
Wiesbaden, septiembre, 1962
BODY ART
Una forma de arte procesual
En el Desarrollo del body art jugaron un gran papel los foros y las
revistas como : “Avalanche” y “arTitudes” que
mostraban una nueva generación de artistas, sirviéndose de
materiales no tradicionales y alejándose de al escultura-objeto,
hacían de su propio cuerpo el soporte y el material de su arte
creando así una tendencia totalmente liberadora del ser humano
Se escribieron TRES MANIFIESTOS sobre el BODY ART
Escritos por François Pluchart, en el segundo planteó cuatro etapas que
precedieron el body art:
1-1870 y 1960 («La liberación de lo bello»),crearon un lenguaje individual y
social al margen de los criterios artísticos y estéticos tradicionales.
2-1965 («Las derivaciones del happening»), incorporaron el cuerpo humano a
distintas modalidades del arte de acción y de participación
3-1970 («La acción corporal»), de aquellos para los que el cuerpo era lugar
algebraico de las componentes biológicas, pero también tópico último y lugar de
encuentro irreductible del discurso a la vez fundador y fundado en el cual es
ubica el lenguaje que se involucra en al vieja ontología y que, al mismo tiempo,
pretende establecer una nueva definición del hombre
4-1975 («El lenguaje»), alude al momento en que al expresividad corporal
rechaza el exhibicionismo, el masoquismo y al sexualidad en aras de un nuevo
lenguaje expresivo universal que pueda jugar en todos aquellos terrenos en los
que el arte se mide, incluyendo el del cuerpo.
 El BODY ART fue distinto en EEUU y en EUROPA...
En Europa tendieron a utilizar el cuerpo objectualmente y a plasmar sus creaciones a
través documentos estáticos (fotografías, notas, dibujos,etc.)
Los norteamericanos dieron prioridad a al acción o performance y, por tanto, a
cuestiones como a la percepción y el comportamiento de los espectadores y la
temporalidad ed al obra. En este caso, los documentos son en su mayoría «documentos
dinámicos» como filmes y los vídeos.
También fueron distintas las temáticas, los artistas norteamericanos par- tieron por lo
común de conceptos de creación artística próximos al minimal y al conceptual y los
europeos, sin duda influidos por los accionistas vieneses, realizaron trabajos
corporales en los que predominaban los aspectos dramáticos, masoquistas y
sadomasoquistas no ajenos, por otra parte, a las relecturas de Sigmund Froyd
BODY ART EN EEUU
 VITTO ACCONCI
V. Acconci pretende que su cuerpo se convierta
en lugar sobre el que poder intervenir (cubre al
boca con sus manos hasta el punto límite del
ahogo, se masturba, se muerdeetc.). Un lugar
que el permite, además, medir diferentes tipos de
sensaciones.
Busca, pues, una intensificación de las relaciones
de él consigo mismo.
Posteriormente pasa a un estadio de «no acción»,
Seedbed. 1972 en el que algo exterior se apodera de él, el arte
modifica su cuerpo.

Trademarks. 1970
 DENNIS OPPENHEIM
El artista trabaja sobre su propio cuerpo o sobre
cuerpos ajenos activando experiencias de
transmisión sensorial en las que adquieren
especial relieve, más que ningún otro artista
corporal, las relativas a la pintura (color, dibujo,
fondo-figura, etc.), pero a las que tampoco son
ajenas las relacionadas con el dolor y la
vulnerabilidad del cuerpo.
En otras ocasiones, D. Oppenheim trabaja con
aquello que, aunque altera el cuerpo y se altera a
sí mismo, no es evidente ni deja huella
Reading position for second degree apreciable, como ocurre con acciones
burn. 1970 fisiológicas tales como al digestión.
Gingerbread man 1970
 BRUCE NAUMAN
Las primeras acciones corporales de Bruce
Nauman datan de 1966, año en que empezó a
realizar performances con su propio cuerpo
editadas en fotografía, vídeo y filme. Ejemplo de
ello es al serie Eleven Color Photographs en las
que escenifica ante una cámara la presencia de
su cuerpo en situaciones fuera de lo normal.
Eleven coloured photographs. 1966
La amistad que en 1968 B. Nauman entabla con
la bailarina y coreógrafa Mere-
dith Monk le refuerza la idea de que los
movimientos corporales y las acciones de la vida
cotidiana pueden convertirse en obras de arte tal
como mostrará, por ejemplo, en sus primeras
series de hologramas haciendo muecas (1968) y
en al segunda serie de poses (1969).
 CHRIS BURDEN
A principios de los setenta inicia sus acciones
corporales basadas en la transmisión de energía y
en los conceptos de riesgo, de peligro imprevisto
y de catástrofe con el fin de cuestionar y
denunciar las prohibiciones e injusticias
colectivas e individuales
Lleva el arte al terreno de la herida y cree que la
praxis artística sólo tiene sentido si se involucra
totalmente en un proceso transformador de la
sociedad
Se ocupaba de que sus obras puedan captarse
con una imagen fotográfica o con un objeto y
describirse con un breve parrafo.

Shoot. 1971
 BODY ART EN EUROPA
Las acciones, performances, ritos y ceremoniales de los artistas corporales europeos,
siguiendo la herencia dejada por los accionistas vieneses y, en especial por Hermann
Nitsch inciden mayoritariamente en los aspectos profundos de la vida individual y
colectiva, en el sufrimiento físico y en las prácticas masoquistas o sadomasoquistas no
exentas de un cierto misticismo que hunde sus raíces en la doctrina cristiana de la
redención humana a través del dolor y de la mortificación del cuerpo y en la
plasmación artística de ésta en los cruentos suplicios, martirios, muertes de santos y de
la pasión y crucifixión de Cristo.
 VALIE EXPORT
Como tema nuclear tenia la resistencia femenina
al orden patriarcal dominante en la sociedad. Esa
denuncia en clave feminista de la dominación
del hombre sobre la mujer, queda de manifiesto
en la acción Aus der mape der Hundigkeit (Del
dossier de lo canino, 1968) en las que la artista
pasea por las calles de Viena a Peter Weibel que
camina a gatas como si fuera un perro.

Del dossier de lo canino, 1968.

 PETER WEIBEL
Realizó durante los años setenta acciones
que ponían a prueba su cuerpo como en Scar Poems
(Poemas cicatriz, 1970) en la que introducía poemas
escritos en papel debajo de su piel tras realizar los
necesarios cortes que posteriormente cosía o en
Space of Language performance en la que el artista,
durante seis horas, colocaba us lengua en contacto
con un bloque de hormigón con la voluntad de
establecer el punto de fricción entre lo escultórico
inanimado y un organismo vivo que, como
consecuencia, sufría serías lesiones.

More warmth among human beings. 1972

 MICHEL JOURNIAC
En 1968 realiza sus primeras acciones en las que su
cuerpo aparece dominado por la carne y el sexo. Usa
los rituales como medios para interrogar, revelar y
denunciar la situación del cuerpo como “carne
socializada” en una clara advertencia a los que
ostentan el poder.
En “Misa para un cuerpo” en la galería Daniel
Templon de París ofreció a todos los asistentes su
propio cuerpo a través de al comunión de éstos con
hostias cocinadas con su sangre, cuya receta fue
repartida entre los que comulgaron

Misa para un cuerpo 1969

 GINA PANE
La consideración de lo sagrado, del misticismo de
aquellos que tan sólo quieren vivir en el cuerpo para
descubrir sus debilidades y su insalvable
temporalidad , está también en al base de las obras
corporales de Gina Pane dominadas por la herida,
entendida como apertura sacrificial del cuerpo para
hacer- lo accesible a los demás, por «amor a los
demás».
Con ello la artista no sólo denunciaba los
condicionantes sociales que pueden conducir al
hombre a la automutilación. Quería provocar en el
espectador, fuese con su hostilidad o con su
indiferencia, un estado de malestar que le hiciese
Action Sentimentale. 1973 reaccionar ante tales condicionantes
 El cuerpo sólo existe en tanto objeto de un
URS LUTHI travestismo cargado de significados perturbadores.
Urs Lüthi es considerada exhibicionista y esteticista,
buscando poner en evidencia el carácter ambiguo de
su personalidad.

Autoretratos 1976
 JURGEN KLAUKE Y KLAUS
El travestismo, el maquillaje, el camuflaje y las prácticas
RINKE son asi mismo lugares comunes de las acciones de
sadomasoquistas
Jurgen Klauke ,y sobre todo, de Klaus Rinke para quienes el cuerpo,
entendido de forma abstracta, es medio y, a la vez, instrumento que
puede proyectarse en el espacio involucrándose en conceptos como los
de tiempo y el movimiento.

Time, Space, Body, Transformations

Viva España 1976

EN LA FRONTERA DEL ARTE CORPORAL
GILBERT Y GEORGE
Paralelamente a los creadores del arte corporal,
numerosos artistas europeos han utilizado su
cuerpo con fines artísticos. Entre ellos cabe
destacar a Gilbert & George
Ellos tienden a tratar el cuerpo como una
imagen /objeto externa al yo, una especie de
doble de ellos mismos, convertidos en
esculturas (en este caso de bronce) que por
serlo son sólidas y tridimensionales, pero, a la
vez, por allanar los sentidos son
significativamente incorpóreas y abstractas.

The singing sculpture. 1970

 ABRAMOVIC Y ULAY
En el terreno de las acciones a dúo o compartidas hay que citar
también el trabajo en equipo de la serbia Marina Abramovic y
del alemán Ulay, Su contacto físico y psicológico sólo tienen
la barrera del acto sexual. En su primera acción conjunta
“Relación en el espacio” presentada en el marco de la Bienal
de Venecia de aquel año, durante 58 minutos sus cuerpos
desnudos se cruzaban, se rozaban y se topaban, bruscamente
incluso, en un espacio amplio y vacío.

Relations in space. 1977

 ORLAN
En las introspecciones y acciones corporales enraizadas
en al mística cristiana, cabe citar a al artista francesa
que en 1962 decidió adoptar una nueva personalidad
con el nombre de Orlan

Orlan delimitó su territorio en el ámbito del arte

corporal, considerando que el cuerpo podía ser
transformado e incluso metamorfoseado tantas veces
como lo podía ser un traje. A partir de 1975 realizó
acciones y performances, registradas en filmes, vídeos
y hologramas, en las que, a modo de escultura viviente,
Orlan aparece como la Virgen o como santa a través de
modelos bíblicos

Escenificación para una santa. 1980

 HANNAH WILKE
En Estados Unidos, las acciones que desbordan los
límites del Body Art carecen del componente mítico-
religiosa de las europeas amparándose más en
cuestiones sociales y concretamente feministas
Hanna Wilke utiliza su cuerpo como medio
de expresión pero sobre todo como medio de lo que
Craig Owens denominó “retórica de la pose”.
Ella explora su cuerpo no haciendo gala de su
feminidad ni ocultándola, sino utilizándola para poner
al descubierto al alienación a la que tradicionalmente
se ha visto sometida la mujer en una sociedad patriarcal
 CAROLEE SCHNEMANN
Carolee Schnemann parte de las
sensaciones y funciones asociadas
al cuerpo femenino -un cuerpo
erótico, sexual, deseado y deseante
Hace de la carne material artístico
en un proceso conceptual
interrelacionado con los procesos
del vivir y en fomentar la
interdependencia entre el cuerpo-
acción y el cuerpo-intelecto.
Earth Art o Land Art (Arte de la Tierra)
 El Land Art y el Arte Ecológico, nacen de la necesidad de los humanos de reconectar con la naturaleza
luego de haber vivido una masiva industrialización que llevo a la humanidad a la artificialidad,
consumismo y contaminación.
La ecología se relacionaba con los procesos vitales, las transformaciones de energía y la relación entre
humano, planta, animal y naturaleza. Hans Haacke, decía que al hacer algo que se relaciona con el
ambiente, este arte no puede ser predicho con total exactitud. Esto da pie al azar y a los “defectos” que no
estaban presentes en la industrialización, ya que era todo idéntico, el arte más natural, se presta a lo
único.
Los temas que trata el Land Art son relacionados con la polución, la superpoblación, la supervivencia,
etc.
Estas obras abandonan el taller, museo y galería, y son realizadas en mares, montañas, campos, etc. Usan
la naturaleza como espacio expositor, y también para crear la obra. La naturaleza se convierte en un
objeto artístico, el paisaje incontaminado por el humano y la artificialidad avasallante que dejo la
industrialización y el consumismo. Es un retorno de la naturaleza.
Al hacerse en lugares alejados, el espectador muchas veces solo lo ve por registros.
Islas rodeadas. “1983” Christo Reichstag envuelto “1995”
Javacheff y Jeanne-Claude Christo Javacheff y Jeanne-
Claude

Cortina en Colorado “1972” Christo

Javacheff y Jeanne-Claude
 “Spiral Jetty” (1970) por Robert Smithson. Hecha
con tierra y lodo, pertenece al Land Art.

“Double Negative” (1969) por Michael Heizer.

Tamaño: 15 m x 9 m x 457 m. Pertenece al
Land Art.
 • Los artistas abandonan el taller para intervenir directamente en la
naturaleza, desafiando el concepto y la objetualidad tradicional del
arte. Robert Smithson y Michael Heizer son dos pioneros en el
Earth Art,
• Robert Smithson exploró el diálogo entre el arte y la naturaleza a
través de obras como "Spiral Jetty",
• Michael Heizer creó monumentales obras como "Double
Negative" utilizando grandes excavadoras para modificar el
paisaje

• Guasch, Anna María: Capítulo I y II en El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural (2000).
Conceptos importantes
 Exposiciones Claves
• "Nine at Leo Castelli" (1968): mostró obras de artistas
europeos y norteamericanos que destacaban los
principios de la antiforma con trabajos a gran escala y
materiales industriales.

• "Anti-Ilussion" (1969): subrayó la importancia de las

cualidades tácticas y físicas de las obras, despreciando la
noción del estilo.

• Guasch, Anna María: Capítulo I y II en El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural (2000).
 La Teoría de la Antiforma

Morris creía que el arte perdía su status de objeto cuando la forma se

disolvía en indeterminación, atacando la noción racionalista del arte
como trabajo que produce un producto acabado. Su obra "Nine at Leo
Castelli" ilustra esta filosofía.

• Guasch, Anna María: Capítulo I y II en El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural (2000).
 El Artista como Creador de Formas Imprevisibles

Alternativos al minimalismo, artistas como Serra, Le Va, Sonnier,

Benglis y Nauman integraron diversos componentes procesuales en
sus obras, explorando la manipulación directa del material y la
relación con el espacio.

• Guasch, Anna María: Capítulo I y II en El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural (2000).
“Dis-Play” (1970) por Keith Sonnier. “Raw/War” (1971) por Bruce Nauman.
Obra in situ perteneciente al Obra in situ perteneciente al
minimalismo. minimalismo.
 BIBLIOGRAFÍA
• Marchán Fiz, Simón: Capítulo III y IV en Del arte objetual al arte de concepto (1986)
• Guasch, Anna María: Capítulo I, II y III en El arte último del siglo XX. Del
posminimalismo a lo multicultural (2000).
• Foster, H., Bois, Y.A., Buchloh, B.H.D., & Krauss, R.E. (2006, October 27). Arte
desde 1900. Ediciones Akal.