La comedia
Dramaturgia I
Comedia
Al ser «una imitación de hombres de cualidad moral inferior»
(ARISTÓTELES).
Está consagrada a la realidad cotidiana y prosaica de los humildes.
«La tragedia juega con nuestras angustias profundas, la comedia con
nuestros mecanismos de defensa frente a ellas» (1964, pág. 36).
Si bien la comicidad del héroe amenaza el orden establecido, la
conclusión se encarga de llamarlo de nuevo al orden, a veces
amargamente, y de reintegrarlo a la norma social dominante.
Finalmente, las contradicciones son resueltas de un modo amable (o
áspero) y el mundo recupera su equilibrio. Sin embargo, también en este
caso, el restablecimiento del orden y el happy end deben pasar
obligatoriamente por un momento de incertidumbre en el que todo
parece perdido para los buenos, que desembocará, después, en la
resolución final optimista.
La comedia griega
Las comedias en Atenas, al igual que las tragedias, se
representaban bajo los auspicios del Estado y eran tema de
competición.
Fueron representadas por primera vez en la festividad anual de las
Dionisias Urbanas en el 486 a.c. y en las Leneas.
Aristóteles, en su Poética, vio el desarrollo de la comedia a partir
de dos influencias: la primera en los “directores de las canciones
fálicas”, es decir, los jefes que acompañaban a los phalloi (falos)
en procesión durante las Dionisias de Atenas.
Esta teoría queda reforzada por la palabra griega para designar a
la comedia, Komoidia, que quiere decir “canto de un komos” y
deriva del griego komos, procesión de comparsas que cantaban y
bailaban (no deriva de kome “aldea” como creía Aristóteles”
Comedia Antigua.-
Llamamos comedia antigua a la que se representa en Atenas durante el s. V a.C. y los
primeros años del s. IV.
Las principales características eran:
1.- Temas de carácter político, no relativo a problemas domésticos.
2.- Es un teatro muy vinculado a un contexto político-social. Temas varios de
actualidad.
3.- Carácter crítico. Ataques virulentos contra personajes conocidos incluso los
dioses.
4.- Gusto por la grosería y obscenidad.
5.- Trama deshilvanada e incoherente.
6.- Incompleta definición de caracteres.
7.- Primacía de lo cómico, lo fantástico y dislocado sobre lo verosímil
8.- Conservación del coro y su carácter musical y coreográfico.
9.- Intención edificante. Se defiende ideas importantes, como la paz.
Estructura.-
El agón es un debate oratorio y a menudo violento
entre dos partes opuestas, ya sea entre dos personajes o
entre un personaje y el coro.
La parábasis, que sigue al agón, es una especie
de exhibición del coro durante la cual este se dirige
directamente al público mediante fragmentos hablados
o cantados, increpándolo frecuentemente (función
catártica); es completamente ajena a la acción, no hay
mimesis.
Estructura.-
Una comedia aristofánica responde en su elaboración a una estructura y puede dividirse
en las siguientes partes (que se encuentran, con algunas variantes, en las primeras nueve
obras):
Prólogos, “prólogo”, una escena que abre la obra, de tipo expositivo, antes de la
entrada del coro.
Párodos, “entrada del coro” escena en la que el coro entra y se le presenta al público.
Agón, “debate” entre dos adversarios a favor y en contra del tema central de la obra.
Normalmente tiene forma de un par de discursos en tetrámetros y el primero en
hablar es siempre el perdedor.
Parábasis, “marcha hacia delante”. Tras el agón todos los personajes abandonan el
escenario, el coro “se adelanta” y el corifeo se dirige al público en tetrámetros
anapésticos, sin que el contenido de las palabras tenga mucho que ver con el
argumento.
Episodios, separados por breves cantos de coro que a veces continúan la línea de la
trama principal, aunque por regla general se limitan a ilustrar la conclusión que se
desprende del agón.
Exódo, escena final, en la que l anota predominante es la alegría que generalmente
da paso a una boda o a una fiesta. La obra puede concluir con un córdax o danza
ritual.
La comedia nueva. Menandro.- (342-291
a.C)
Históricamente coincide con la decadencia de Atenas.
Época de restricciones a la libertad de expresión. No
existen referencias a la actualidad política. Lo que
reflejan las comedidas de Menandro es un retrato de
costumbres. Es el inspirador de la comedia occidental
Personajes y tipos.
Los personajes son hombres corrientes, de
aspiraciones modestas, preocupados por la vida
cotidiana.
Estructura.-
A diferencia de las obras de Aristófanes, las
comedias de Menandro están muy estructuradas. Va
desapareciendo los elementos no dramáticos y las
intervenciones del coro, en beneficio del argumento y
los caracteres.
Intrigas mejor elaboradas y mejor resueltas
Utiliza los prólogos y los apartes para explicar y
acercarse al espectador.
COMEDIA ROMANA
Si en el campo del Drama trágico los autores latinos estuvieron lejos de alcanzar las cumbres de
la tragedia griega, en el Drama cómico no sólo emularon la comedia griega, sino que, en ciertos
aspectos la superaron. La comedia latina tiene una fuerza propia y, en cierto modo, una
originalidad típica y perenne en la historia del teatro mundial.
El teatro latino no tiene un origen religioso. Para los griegos el teatro es un rito, para los
romanos un ludus. Manifestaciones de comedia:
a) Fescennino, el término es tomado de fescino (mal de ojo). A quien se suponía aquejado del
influjo maléfico se le zarandeaba bruscamente en un intento de sacarle el mal del cuerpo. El
fescenino, en consecuencia, se reduce a breves improvisaciones basadas en la violencia verbal y
física.
b) Satura, hace alusión a un plato de la época (lank satura) en los que se combinaban varios
manjares, todos de fuerte sabor. El espectáculo se compone de una atorbellianda mezcla de
canciones, bailes y diálogos.
c) Atellana.- Especie de farsa o fábula procedente de Atella (Campania). Tiene gran
importancia porque los actores encarnaban enmascarados papeles fijos (Maccu Pappus, Bucco,
Dossennus). Precedentes de la Commedia dell’arte. Solía ser grosera y vulgar.
d) Mimo.- era una especie de caricatura escénica o farsa acompañada de canto y de acción
desenvuelta, en la que se mezclaba lo grave con lo licencioso, lo serio con lo bufo.
Clases de comedias.-
Comedia Palliata: nombres, argumento y vestidos
griegos.
Comedia Togata: nombres, argumentos y vestidos
latinos (aldeas, no Roma).
Comedia Trabeata: Personajes relevantes.
Comedia Tabaernaria: Personajes populares.
ESTRUCTURA
Argumento: es un resumen de la obra realizado también por los gramáticos
posteriores.
Prólogo, exposición del argumento a cargo de un actor o de un personaje
simbólico. Los prólogos de las comedias latinas son una magnífica fuente de
información sobre el teatro del siglo II A.C. Los prólogos de Plauto son
joviales, pretenden divertir y, además de su carácter expositivo, incluyen
chistes y advertencias jocosas a los espectadores. Los prólogos de las
comedias de Terencio tienen una mayor profundidad y contienen la réplica
del autor a los ataques de que era objeto.
Diálogo o divervia: partes dialogadas en verso.
Cántica: parte del texto de las comedias que se cantaba con
acompañamiento de flauta. En el teatro de Plauto la cántica tiene mucho
desarrollo.
COMEDIA DELL´ARTE
En otros tiempos, la commedia dell'arte se denominó commedia
all'improviso, commedia a soggetto, commedia di zanni. Hasta el siglo
XVIII (según C. MIC, 1927), esta forma teatral, que existe desde
mediados del siglo XVI, no tomó el nombre de commedia dell'arte. El
arte es, a la vez, el arte, la técnica y el lado profesional de los actores,
los cuales siempre son gente de oficio.
No está demostrado que la commedia dell'arte provenga directamente
de las farsas atelanas romanas o del mimo antiguo. En cambio, es
verosímil que estas formas populares, a las cuales habría que añadir
los juglares, los malabaristas y los bufones del Renacimiento y las
comedias populares prepararon el terreno de la commedia.
COMEDIA DELL´ARTE
La commedia dell'arte se caracteriza por una creación colectiva de los
actores que elaboran un espectáculo improvisando gestual o
verbalmente a partir de un cannovaccio que no ha sido previamente
escrito por un autor y que siempre es extremadamente sumario
(indicaciones sobre entradas y salidas y sobre las grandes articulaciones
de la fábula). Una vez obtenido el esquema, cada uno de ellos improvisa
teniendo en cuenta los lazzi característicos de su papel (indicaciones
sobre los juegos de escena cómicos) y las reacciones del público.
Los actores, agrupados en compañías homogéneas, recorren Europa
actuando en salas alquiladas, en las plazas públicas o para el príncipe
que les contrata; mantienen una fuerte tradición familiar y artesanal.
Tipos: Pantalone, capitano, Dottore, Inamoratti, Zanni:
Arlecchino, briguella, etc.
COMEDIA DELL´ARTE
En este teatro de actor (y de actriz, lo cual es una novedad en la época), se
pone el acento en el dominio corporal y de organizar la representación
«coreográficamente, es decir, en función del grupo.
El arte del actor es el arte de la variación y de la oportunidad verbal y
gestual.
Profunda influencia ha ejercido sobre autores «clásicos» como
SHAKESPEARE, MOLlERE, LOPE DE VEGA o MARIVAUX. En el
siglo XIX, la commedia dell´arte desaparece completamente y encuentra
su prolongación en la pantomima o en el melodrama, que se basa en
estereotipos maniqueos. Hoy sobrevive en el cine burlesco o en el trabajo
de los payasos. La formación de los actores de la commedia dell´arte se ha
convertido en el modelo de un teatro completo, basado en el actor y en el
colectivo, capaz de redescubrir los poderes del gesto y de la improvisación
(MEYERHOLD, COPEAU, DULLlN, BARRAULT).
