TRABAJO FINAL DE HISTORIA DEL

ARTE

PAULA ODÉRIZ EXPÓSITO

PRIMERA EVALUACIÓN
 ÍNDICE
• El arte griego
• El arte romano y su presencia en España
• El arte cristiano medieval
EL ARTE GRIEGO

• La acrópolis: Partenón, Erecteion y templo de Atenea Nike

• Korés: la dama de Auxerre, la kore del Péplum
• Kuros: Moscoforo y Kuros de Anavisos
• Discóbolo de Mirón
• Doriforo de Policleto
• Hermes con Dionisos niño
• Apoxiomeno
• Victoria de Samotracia
• Venus de Milo
• Laocoonte
 Templo de Atenea Nike

LA ACRÓPOLIS Conmemora: la victoria sobre los

persas en la batalla de Salamina.
Partenón Construcción: Las obras no
empezaron hasta 421 a. C.
Ubicación: Atenas Del proyecto se encargó
Construcción:447-432 a. C. Calícrates , arquitecto que
Arquitecto(s): Ictino, Calícrates y también colaboró en la
Fidias construcción del Partenón, junto
Dedicado: a Atenea Erecteion con Ictino, quien diseñó un
Tipo: Templo griego templo de orden jónico.
Estilo: Arquitectura griega (orden Tipo: es un templo griego en el lado
dórico) norte de la Acrópolis de Atenas
En honor : los dioses Atenea Polias y
Poseidón y a Erecteo, rey mítico de
la ciudad.
Estilo: orden jónico, áptero
Arquitecto: arquitecto Filocles .
Material: mármol pentélico.
Se construyó: entre el año 421 a.c. y
406 a.c.
De planta irregular con tres pórticos.
KORÉS
La kore de Peplum
La dama de Auxerre
Autor: Anónimo. A la misma
Autor: Desconocido
mano se le atribuye también
Creación: Siglo VII a.C.
el jinete Rampin y una
Ubicación : Museo del
cabeza del Museo de la
Louvre
Acrópolis.
Estilo: Arcaico griego
Estilo: Período arcaico de
Material: Piedra
Grecia con influencia dórica.
Material: Mármol de Paros,
con policromía.
Altura: 120 centímetros.
Atuendo de la escultura:
peplo dórico y un quitón.
KUROS
Kuros de Anavisos
Moscoforo
Autor: Anónimo, (talleres de Autor: desconocido
Ática). datada: hacia el 525 a. C.
Estilo: Período arcaico de Grecia. Estilo: escultura griega en
Material: Mármol del Monte el periodo arcaico y
Altura: 1,65 metros (desde la actualmente se encuentra
cabeza a las rodillas). en el Museo Nacional de
Inscripción en su base donde se Atenas.
dice que está dedicado por
Rombos, hijo de Pales.
 El Discóbolo es la denominación convencional de
una famosa escultura griega realizada por Mirón de
Eléuteras en torno al 450 a. C. Representa a un
DISCOBOLO DE MIRÓN
atleta en un instante anterior al lanzamiento del
disco. Se encuentra en el museo de las Termas de
Roma.

Mirón representa el cuerpo en el momento de su

máxima tensión y esplendor; ese esfuerzo no se
refleja sin embargo en el rostro de la estatua, que
muestra solo una tenue concentración. La torsión
del cuerpo es vigorosa, pero al mismo tiempo
armoniosa y delicada. Todo el cuerpo está echado
hacia delante, para producir con el balanceo
posterior el impulso necesario para poder lanzar el
disco.

Como ocurre con la mayor parte de las esculturas

griegas más importantes, no se ha conservado la
obra original, seguramente realizada en bronce,
aunque su forma se conoce gracias a varias copias
en mármol talladas en época romana.
HERMES CON DIONISOS NIÑO
Hermes con el niño Dioniso es una escultura griega de mármol con
una altura de 213 centímetros que se encuentra en el Museo
Arqueológico de Olimpia. Su autoría se atribuye al escultor
Praxíteles del período clásico final o bien, según otros autores, se
trataría de una copia del siglo I de un original del mismo artista del
350-330 a. C. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del
templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se
trata de una obra escultórica exenta, inspirada en la mitología
griega.
Autor: Praxíteles que fue uno de los grandes escultores griegos,
que vivió y fue un representante destacado de la escuela ática
durante la parte central del siglo IV a. C. Fue un escultor
reconocido en su época y también posteriormente los romanos
eran conocedores y admiradores de su obra
APOXIOMENO La estatua, realizada en mármol del Pentélico, no es de tamaño natural, sino
ligeramente más grande, pues mide 2,05 metros. Representa a un hombre joven
desnudo, de pie, rascándose la cara posterior del antebrazo derecho con la ayuda
de un estrígil que tiene en su mano izquierda. Ladea ligeramente la cabeza y
mira al frente. Un tronco de árbol sirve de apoyo a la pierna izquierda; otro
apoyo, que se rompió, soportaba el peso del brazo derecho, tendido sobre la
pierna derecha.

La estatua impresiona por su composición, que no es únicamente frontal, como

en el Doríforo o el Discóbolo. El brazo derecho del atleta extendido en ángulo
recto obliga al espectador, si quiere captar el movimiento, a moverse a los lados.
Se distingue también por el empleo del contrapposto («contoneado»): el peso del
cuerpo reposa solo sobre la pierna izquierda, la derecha está ligeramente
avanzada y replegada. Por lo tanto, las caderas están orientadas hacia la
izquierda, mientras que los hombros se giran en dirección opuesta, siguiendo el
movimiento del brazo derecho, creando un movimiento de torsión que el
espectador no puede comprender plenamente más que reproduciendo, imitando
la postura. La musculatura está menos marcada que en las obras de Policleto.
Mientras que el torso denota tradicionalmente la valentía del escultor en
acometer la composición, aquí está parcialmente disimulada por la posición del
brazo.
VICTORIA DE SAMOTRACIA
La Victoria de Samotracia, también conocida como Niké de Samotracia es una escultura
perteneciente a la escuela rodia del período helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre,
París. Representa a Niké, la diosa de la victoria. Tiene una altura de 2,75 m y se elaboró en
mármol hacia el 190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia. Fue
descubierta en 1863 en la isla de Samotracia, por el cónsul francés Charles Champoiseau,
arqueólogo aficionado.

La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de
pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta
en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su
anatomía, tratamiento este que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados»
atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer
luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras figuras
femeninas de la misma época.

Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico
de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo. Hay que precisar que
una de sus alas, al menos en parte, no es original, sino producto de una restauración.
 a Afrodita de Milo ,más conocida como Venus de Milo, es una de las
VENUS DE MILO
estatuas más representativas del período helenístico de la escultura
griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue
creada en algún momento entre los años 130 a. C. y 100 a. C., y se cree
que representa a Afrodita (denominada Venus en la mitología romana),
diosa del amor y la belleza; ​mide, aproximadamente, 211 cm de alto.

La escultura fue hecha en mármol blanco, en varios bloques cuyas

uniones no son visibles, en un tamaño ligeramente superior al natural.
Se desconoce su autor,​pero se ha sugerido que pudiera ser obra de
Alejandro de Antioquía. Esta escultura posee un estilo característico del
final de la época helenística, que retoma el interés por los temas
clásicos al tiempo que los renueva. El aspecto clasicista de sus formas
hacen suponer que su autor se inspiró en la estatua del siglo IV a. C. de
Lisipo, la Afrodita de Capua.
 En la mitología griega, la romana y en el Ciclo épico, ​Laocoonte era el sacerdote de
Apolo Timbreo en Troya, casado con Antipa y padre de dos hijos. Fue atacado, junto
LAOCOONTE con sus dos hijos, por serpientes gigantes enviadas por los dioses. Aunque no lo
menciona Homero, la historia de Laocoonte fue el tema de una tragedia, hoy perdida,
de Sófocles y lo mencionaron otros escritores griegos, aunque los acontecimientos en
torno al ataque por las serpientes varían considerablemente.
El relato más famoso de los acontecimientos está en la Eneida de Virgilio, donde
Laocoonte era sacerdote de Poseidón.

La obra representaba sobre todo todas las características del canon helenístico. En
primer lugar, la copia está realizada en mármol mediante la técnica de la talla en
piedra. En la obra original se utilizó la técnica de la cera perdida. Hay una
exageración en la forma del cuerpo, tal y como se puede ver en la posición del cuello
de Laocoonte siendo atacado por la serpiente y la de sus brazos intentando evitarla.
Al revés que en el estilo clásico que basaba sus obras en la neutralidad facial, esta
obra está dotada de una expresividad muy realzada, pues la expresión de Laocoonte
recuerda cómo se aferra a la vida y el traspaso de la vida a la muerte. El grupo
escultórico presenta una captura del movimiento en forma de triángulo. Se utiliza el
escorzo para dar profundidad a la figura. La escultura es un momento crítico, un
clímax en la temática, cogida directamente del mito. Las diferentes piezas encajan en
armonía y fluidez. El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de
Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro de Rodas y Atenodoro. Está tallada
en una sola pieza de mármol.
EL ARTE ROMANO Y SU PRESENCIA EN
ESPAÑA
• Coliseo
• Panteón
• Termas de caracalla
• Basílica de Majencio
• Teatro de Mérida
• Acueducto de Segovia
• Arco de Tito
• Augusto Primaporta
• Vespasiano
• Marco Aurelio
 El Coliseo o Anfiteatro Flavio es un anfiteatro de la época del Imperio romano,
construido en el siglo I y ubicado en el centro de la ciudad de Roma. Su
COLISEO denominación original, Anfiteatro Flavio, hace referencia a la dinastía Flavia de
emperadores que lo construyó; su nombre posterior, Coliseo, y por el que es más
conocido en la actualidad, se debe a una gran estatua que había cerca, el Coloso de
Nerón, que no ha llegado hasta nosotros. Por su conservación e historia, el Coliseo
es uno de los monumentos más famosos de la Antigüedad clásica. Fue declarado
Patrimonio de la Humanidad en 1980 por la Unesco y una de Las Nuevas Siete
Maravillas del Mundo Moderno el 7 de julio de 2007.

Los materiales utilizados en la construcción de este son bloques de travertino,

hormigón, madera, ladrillo, piedra (toba), mármol y estuco. En la antigüedad poseía
un aforo para unos 65 000 espectadores, con ochenta filas de gradas. Los que
estaban cerca de la arena eran el Emperador y los senadores, y a medida que se
ascendía se situaban los estratos inferiores de la sociedad. En el Coliseo tenían lugar
luchas de gladiadores y espectáculos públicos. Se construyó justo al este del Foro
Romano, y las obras empezaron entre 70 d. C. y 72 d. C., bajo el mandato del
emperador Vespasiano. El anfiteatro, que era el más grande jamás construido en el
Imperio romano, se completó en 80 d. C. por el emperador Tito, y fue modificado
durante el reinado de Domiciano. Su inauguración duró 100 días, participando en
ella todo el pueblo romano y muriendo en su celebración decenas de gladiadores y
fieras que dieron su vida por el placer y el espectáculo del pueblo.
 El Panteón es uno de los monumentos mejor conservados de la Antigua Roma.
Contemplar sus severas formas clásicas conviviendo con normalidad con
PANTEÓN edificios de la ciudad moderna produce una extraña sensación de anacronismo.
Este milagro ha sido posible gracias a que el Panteón fue el primer edificio
clásico transformado en iglesia: en el año 608, el emperador bizantino Focas
(dueño de Roma en aquel momento) se lo ofreció al Papa Bonifacio IV. De este
modo, el antiguo templo dedicado “a todos los dioses de Roma” se convirtió en
la iglesia de Santa María, dedicada a los mártires de las persecuciones. Una
enorme cantidad de huesos procedentes de todas las Catacumbas de Roma fue
trasladada a la nueva iglesia.

Aunque el Panteón conserva en su frontispicio el nombre de Agripa, que levantó

el primer Panteón en tiempos de Augusto, el edificio que hoy vemos fue
construido por el emperador Adriano en el siglo II. La forma esférica de su
interior (la cúpula es una media esfera perfecta) debía reflejar la perfección del
Imperio Romano, destinado a durar eternamente.

El Panteón constituye una de las cumbres de la arquitectura romana, perfecto en

el equilibrio y armonía de sus formas y en su impecable construcción.
TERMAS DE CARACALLA
Las termas de Caracalla, o termas Antoninas, fueron unos baños públicos de la
Roma imperial. Se construyeron entre 212 y 217 d. C., bajo el gobierno del
emperador Caracalla. Se inauguraron con el nombre de Termas Antoninas.
Actualmente, las extensas ruinas de estas termas son una atracción turística
importante. Aunque fueron despojadas de sus esculturas y demás riquezas
desde fecha temprana, se conservan aún grandes fragmentos de mosaicos,
algunos de ellos correspondientes a la planta superior del edificio, que se
desplomó.

Varias de las gigantescas bañeras de mármol, esculpidas en un solo bloque, se

trasladaron al centro de Roma para usarlas como fuentes. Actualmente, los
restos del complejo se encuentran entre el Viale Aventino (avenida Aventino), y
el Viale delle Terme di Caracalla (avenida de las Termas de Caracalla).

El edificio fue destruido por un terremoto en 847, aunque ya desde 537 no se

usaba porque los canales de agua resultaron destruidos en una guerra.
 La Basílica de Majencio o de Majencio y Constantino, es un
antiguo edificio que se encuentra en Roma, Italia. Fue
BASÍLICA DE MAJENCIO
comenzada por el emperador romano Majencio a principios
del siglo IV y terminada por Constantino I, vencedor de
Majencio. Este monumento es el último y más grande
edificio de la época imperial construido en esta parte de
Roma, en el corazón de la ciudad. Es probablemente, en
volumen, la sala más grande construida en la Antigüedad.

En la Antigua Roma, la basílica era uno de los edificios

romanos más importantes destinado a la administración de
justicia, y a los tratos comerciales. Pudo haber numerosas
estatuas de los dioses exhibidas en hornacinas situadas en los
muros. La función predominante de esta basílica en concreto
fue albergar la actividad judicial del prefecto urbano, el
cargo administrativo más importante de la ciudad en la época
bajoimperial. En el siglo IV, el Secretarium Senatus, la sede
del tribunal utilizado para los procesos relacionados con los
miembros del Senado, se trasladó desde la Curia Julia hasta
la zona del ábside septentrional de la basílica de Majencio.
TEATRO DE MÉRIDA
El teatro romano de Mérida es un teatro histórico levantado
por la Antigua Roma en la colonia Augusta Emerita, actual
Mérida (España). Su creación fue promovida por el cónsul
Marco Vipsanio Agripa y, según una fecha inscrita en el
propio teatro, su inauguración se produjo hacia los años 16-
15 a. C. Como lo denominó el arquitecto José Menéndez-
Pidal, el teatro es Patrimonio de la Humanidad desde 1993
como parte del conjunto arqueológico de Mérida.

La traza y orientación del edificio siguen fielmente las reglas

del tratado De arquitectura de Marco Vitruvio, y responde a
un modelo típicamente romano, ya establecido anteriormente
en construcciones como el desaparecido Teatro de Pompeyo
en Roma y el Teatro de Ostia, que todavía se puede
contemplar. El recinto se concibió para acomodar a unos
6000 espectadores y se ubicó junto al anfiteatro lejos del
centro de la urbe, en su extremo sudeste, cerca de las
murallas, que se levantaban por la zona posterior de ambos
edificios.
ACUEDUCTO DE SEGOVIA
El acueducto de Segovia es un acueducto romano que llevaba aguas a la ciudad española
de Segovia. Su construcción data de principios del siglo II d. C., a finales del reinado del
emperador Trajano o principios del de Adriano. La parte más visible, y por lo tanto
famosa, es la arquería que cruza la plaza del Azoguejo, en la ciudad.

Está construido con sillares de granito asentados sin argamasa entre ellos. Sobre los tres
arcos de mayor altura había en la época romana una cartela con letras de bronce donde
constaba la fecha y el constructor. También en lo alto pueden verse dos nichos, uno a cada
lado del acueducto. Se sabe que en uno de ellos estuvo la imagen de Hércules Egipcio,
que según la leyenda fue el fundador de la ciudad. Hoy en día tan sólo se puede apreciar
la primera talla. El 4 de diciembre, fiesta de santa Bárbara, patrona del cuerpo de
Artillería, cuya academia está en Segovia, los cadetes arropan la imagen de la Virgen con
una bandera. La línea de arcos se levanta organizada en dos pisos, con una decoración
simple en la que predominan unas sencillas molduras, que enmarcan y estructuran el
edificio
ESCULTURA :
ARCO DE TITO Y AUGUSTO PRIMAPORTA
Autor: Desconocido
País: Italia
Creación: Siglo I d. C.
Ubicación: Plaza del coliseo,
Ubicación: Museos
Roma, Italia
Vaticanos en Roma
Construcción: Domiciano
Material: Mármol
Inauguración: entre 79 y 81
Dimensiones: 2.06 metros
d.C.
y 0.12 metros x 1.3 metros
Autor: Tito
Tipo: Arco honorífico
Estilo: Imperial Romano
VESPASIANO
Nombre: Tito Flavio Sabino
Vespasiano
Reinado: 1 de julio de 69-23 de junio
de 79
Nacimiento: 17 de noviembre de 9
Falacrinae
Fallecimiento: 23 de junio de 79 (69
años)
Entierro: Roma
Predecesor: Vitelio
Sucesor: Tito Flavio Sabino Vespasiano
Dinastía:Dinastía Flavia
MARCO AURELIO : RETRATO ENCUESTRE
Aunque en esta estatua el emperador Marco Aurelio se presenta a lomos
de un caballo, guarda muchas similaridades con las estatuas propias de
Augusto. El tema central de la estatua es el poder y la grandeza divina,
con el emperador agrandado con respecto a su talla real y tendiendo su
mano, en un gesto muy característico de los retratos de Augusto. En este
caso, el gesto puede también significar clemencia hacia, según algunos
historiadores, un enemigo caído a los pies del caballo, según algunos
historiadores basados en relatos del medievo que especifican que en la
estatua se mostraba también un cacique bárbaro en cuclillas ante la pata
derecha delantera del caballo. Esta imagen tenía como finalidad mostrar
al emperador como un señor de la tierra siempre victorioso y
conquistador. Sin embargo, al no llevar armas o armadura, Marco
Aurelio parece transmitir más una imagen de paz que de héroe militar,
tal y como él se percibía a sí mismo y a su reino.

También cabe señalar que Marco Aurelio monta sin estribos, debido a
que el estribo no había sido introducido aún en el mundo occidental.
 EL ARTE CRISTIANO MEDIEVAL: IGLESIAS Y
MONASTERIOS

• Santa Magdalena de Vezelay

• Santa Fe de Conques
• Saint Sernin de Toulouse
• Abadía de Cluny
• San Vicente de Cardona
• San Martin de Fromista
• Santiago de Compostela
 EL ARTE CRISTIANO MEDIEVAL :
ESCULTURA
• Moissac
• Conques
Reinos hispánicos:
• San isidro de león
• Santiago de Compostela
• Claustro de silos
• San juan de la peña
 ARQUITECTURA Y ESCULTURA ROMÁNICA
EN EL PAÍS VASCO

• Basílica de Armentia
• Nuestra señora de Estibaliz
• Santa María la real de Sanguesa
 PINTURA ROMÁNICA

• San Clemente de Tahull

• Panteón de san Isidoro de león
• Iglesia de san Martin de Gaceo
SEGUNDA EVALUACIÓN
ÍNDICE

• Principales obras arquitectónicas y pictóricas en el arte Gótico

• Principales obras arquitectónicas en el arte Hispano-Musulmán
• Obras arquitectónicas, escultóricas y pictóricas mas destacadas en el arte
del Renacimiento
• Obras arquitectónicas, escultóricas y pictóricas mas destacadas en el
Barroco
 EL ARTE GÓTICO: ARQUITECTURA

La catedral de Nuestra Señora es una catedral de culto católico, sede de la

• Notre Dame: (parís) archidiócesis de París, la capital de Francia.
Se trata de uno de los edificios más señeros y antiguos de cuantos se
construyeron en estilo gótico. Se empezó su edificación en el año 1163 y se
terminó en el año 1345.
Fue dedicada a María, madre de Jesucristo, se sitúa en la pequeña isla de la
Cité, rodeada por las aguas del río Sena. Es uno de los monumentos más
populares de la capital francesa.

El tipo de planta de la catedral es cruciforme, de 5 naves y doble

deambulatorio. Es gótica, tiene una Superficie de 5500 m2(4800 m² interior)
La Nave principal tiene 60 m, el transepto tiene 48 m de longitud,14 m de
anchura y 43m de altura
Además, tiene dos Torres de 69 m de altura
SAINTE CHAPELLE (PARÍS)

La Santa Capilla, también denominada capilla real de la Île de la Cité, es un templo gótico
situado en la Isla de la Cité, en el centro de la ciudad de París, Francia.
Es considerada una de las obras cumbre del periodo radiante de la arquitectura gótica. Fue
construida para albergar las reliquias adquiridas por el rey San Luis de Francia, por lo que ha
sido considerada como un enorme relicario. Las paredes han sido reemplazadas por ventanas
que filtran la luz a través de las vidrieras policromadas.
LA CATEDRAL DE LEÓN

La Catedral de Santa María de Regla de León es un templo de culto católico, sede

episcopal de la diócesis de León, España, consagrada bajo la advocación de la Virgen
María. Fue el primer monumento declarado en España mediante Real Orden de 28 de
agosto de 1844.
Iniciada en el siglo XIII, es una de las grandes obras del estilo gótico, de influencia
francesa. Conocida con el sobrenombre de Pulchra leonina, que significa 'Bella Leonesa’
y se encuentra en pleno Camino de Santiago.2
La catedral de León se conoce sobre todo por llevar al extremo la «desmaterialización»
del arte gótico, es decir, la reducción de los muros a su mínima expresión para ser
sustituidos por vitrales coloreados, constituyendo una de las mayores colecciones de
vidrieras medievales del mundo.
 ARTE GÓTICO: PINTURA

• Giotto/ Italia Trecento/ escuela de Florencia: la huida a Egipto

La Huida a Egipto es una escena obra del pintor italiano Giotto. Está realizado al fresco, y fue pintado entre 1305 y 1306.
Se encuentra en la Capilla de los Scrovegni de Padua.

Giotto, fue el primer pintor toscano que trabajó en Italia del norte, en Rímini y Padua. Una de las obras que ejecutó en
Padua fue el ciclo de frescos sobre la Vida de la Virgen y de Cristo en la Capilla de los Scrovegni, obra fundamental para
comprender la evolución de la pintura europea.

Esta es una de las escenas más famosas del ciclo paduano. Representa a José, María y Jesús Niño huyendo a Egipto para
evitar la persecución de Herodes, que había ordenado la matanza de los inocentes. Habían sido advertidos en sueños por
un ángel, que les marca el camino. María, montada en un asno conducido por José, lleva al Niño sujeto por un pañuelo;
del grupo forman también parte una figura joven, con la cabeza coronada de hiedra, y con una cantimplora al cinto, junto
a José y otros tres jóvenes por el mismo camino de la caravana.
 PINTURA FLAMENCA:
• Jan Van Eyck : Matrimonio Arnolfini
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434,
representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Giovanna Cenami, que se establecieron y
prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte
discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida
por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos,
celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto
acerca del cuadro, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.
En todo caso, la pintura se considera una de las obras más notables de van Eyck. Es uno de los primeros
retratos de tema no hagiográfico que se conservan, y a la vez una informativa escena costumbrista. La pareja
aparece de pie, en su alcoba; el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras apoya la
izquierda en su vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa, prácticamente hierática;
algunos especialistas ven en estas actitudes flemáticas cierta comicidad, aunque la extendida interpretación
que ve en el retrato la representación de una boda atribuye a ello su aire pomposo.
 PINTURA FLAMENCA:

• El Bosco: El jardín de las delicias

El jardín de las delicias es el nombre contemporáneo con el que se conoce a una de las obras más conocidas del pintor
neerlandés Jheronimus Bosch (el Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 389 cm, compuesto
de una tabla central de 220 cm x 195 cm y dos laterales de 220 cm x 97 cm cada una (pintadas en sus dos lados) que se
pueden cerrar sobre dicha tabla.
Es una obra de contenido simbólico, sobre el que se han ofrecido variadas interpretaciones, como El carro de heno o la
Mesa de los pecados capitales, obras, todas ellas, adquiridas por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, y
guardadas durante algún tiempo en el Monasterio de El Escorial. Obedece a una intención moralizante y satírica que iba
a hacer fortuna ya en su época, como demuestra la temprana aparición de copistas e imitadores.

Es considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma
parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid, donde ingresó como depósito del
Patrimonio Nacional en 1939.
 EL ARTE HISPANO-MUSULMÁN:
ARQUITECTURA

• La mezquita de Córdoba Se empezó a construir como mezquita en el año 786, con la apropiación por los
conquistadores musulmanes de la basílica hispanorromana de San Vicente Mártir y la
reutilización de parte de los materiales, quedando reservada al culto musulmán. El
edificio resultante fue objeto de ampliaciones durante el Emirato de Córdoba y el
Califato de Córdoba. Con 23400 metros cuadrados, fue la segunda mezquita más
grande del mundo en superficie, por detrás de la Mezquita de La Meca, siendo sólo
alcanzada posteriormente por la Mezquita Azul (Estambul, 1588). Una de sus
principales características es que su muro de la quibla, no fue orientado hacia La
Meca, sino 51º grados más hacia el sur, algo habitual en las mezquitas de al-Ándalus.

Hoy, constituye el monumento más importante de Córdoba, y también de toda la

arquitectura andalusí, junto con la Alhambra, así como el más emblemático del arte
omeya hispanomusulmán.
LA ALHAMBRA DE GRANADA

La Alhambra es una ciudad palatina andalusí situada en Granada, en comunidad

autónoma de Andalucía, España. Consiste en un conjunto de palacios, jardines y
fortaleza, que albergaba una verdadera ciudadela dentro de la propia ciudad de
Granada, que servía como alojamiento al monarca y a la corte del Reino nazarí de
Granada. Su verdadero atractivo, como en otras obras musulmanas de la época, no solo
radica en los interiores, cuya decoración está entre las cumbres del arte andalusí, sino
también en su localización y adaptación, generando un paisaje nuevo pero totalmente
integrado con la naturaleza preexistente. En 2016 fue el segundo monumento más
visitado de España, por detrás de la Sagrada Familia de Barcelona, recibiendo la cifra
histórica de 2615188 visitantes.
EL PATIO DE LOS LEONES EN LA
ALHAMBRA

• El Patio de los Leones , es el patio principal del palacio de los Leones, en el

corazón de la Alhambra. Fue encargado por el sultán Muhammed V del
Reino nazarí de Granada en el segundo periodo de su reinado y se construyó
entre 1362 y 1391. Además, apareció en la moneda conmemorativa de 2
euros de España.
LA GIRALDA EN SEVILLA

Giralda es el nombre que recibe la torre campanario de la catedral de Santa María de la Sede de la
ciudad de Sevilla, en Andalucía (España). Los dos tercios inferiores de la torre corresponden al
alminar de la antigua mezquita de la ciudad, de finales del siglo XII, en la época almohade, mientras
que el tercio superior es una construcción sobrepuesta en época cristiana para albergar las campanas.
En su cúspide se halla una bola llamada tinaja sobre la cual se alza el Giraldillo.

La Giralda mide 94,69 metros de altura, incluido el Giraldillo, que mide 7,69 metros. Fue durante
siglos la torre más alta de España, así como una de las construcciones más elevadas y famosas de
toda Europa. El 29 de diciembre de 1928 fue declarada Patrimonio Nacional y en 1987 integró la
lista del Patrimonio de la Humanidad. Su arquitectura única y original de formas cuadrangulares
exactas, adornada de torrecillas y pináculos, ha servido de inspiración a multitud de torres posteriores
en Estados Unidos, Rusia, Polonia y otros países del mundo.
 EL ARTE DEL RENACIMIENTO: QUATTROCENTO: ARQUITECTURA

• Brunelleschi : cúpula de santa maría de las flores.

La basílica catedral de Santa María del Fiore, o catedral de Santa María de la Flor, es la sede
episcopal de la archidiócesis de Florencia, Italia. Es una de las obras maestras del arte gótico
y del primer Renacimiento italiano.

Fue símbolo de la riqueza y del poder de la capital toscana durante los siglos XIII y siglo
XIV, la catedral florentina es uno de los edificios más grandes de la cristiandad. Su nombre se
refiere al lirio, símbolo de Florencia. Pero, por otra parte, un documento del siglo XV afirma
que la «flor» se refiere a Cristo.

Destaca, de forma singular, la grandiosa cúpula, obra de Filippo Brunelleschi, ​una estructura
isostática de 100 m de altura interior; 114,5 m de altura exterior; 45,5 m de diámetro exterior
y 41 m de luz (diámetro interior) con la particularidad de que esta cúpula, en sí misma, anula
los empujes horizontales para no transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más
cargas que las verticales correspondientes a su propio peso.
 ALBERTI: PALACIO RUCELLAI

El palacio Rucellai en Florencia, es un típico ejemplo de arquitectura del siglo XV en esta ciudad, situado en el 18 de la
vía della Vigna Nuova. Fue construida por Alberti entre el año 1446 y 1455, sigue el modelo de palacio renacentista.
La fachada se terminó cuando ya estaba terminado todo el interior hacia 1455. Fue encargado por Giovanni Rucellai,
miembro destacado de la familia Rucellai, ricos tintoreros de tejidos. Este palacio está hecho de piedra.
Alberti realizó una obra maestra de estilo y sobriedad, y se dice que proyectó este palacio casi como ilustración de su
manual De Re Aedificatoria (Sobre la Arquitectura) de 1452, en donde se explica que la arquitectura debe imponerse más
por el prestigio de las proporciones que por la demostración de belleza y lujo. Rossellino no se limitó a ejecutar los
planos, sino que aportó un aumento de las dimensiones originales.

El palacio sigue perteneciendo a la familia Rucellai. En los años 1990 ha sido sede del Museo de Historia de la Fotografía
Fratelli Alinari.
 QUATTROCENTO: ESCULTURA

• Ghiberti : las Puertas del Baptisterio de Florencia

La Puerta del Paraíso (Porta del Paradiso, en italiano) es el nombre con el que se conoce popularmente a la puerta este del
Baptisterio de Florencia. Se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore. Es obra del escultor y orfebre
italiano Lorenzo Ghiberti, quien la comenzó en 1425 y la finalizó en 1452.

La "Puerta del Paraíso" es la obra cumbre de Ghiberti y una de las producciones más destacadas del Renacimiento.
Completamente dorada, le fue puesto el sobrenombre de del Paraíso por Miguel Ángel Buonarroti. Su popularidad en el
Renacimiento fue considerable. El arquitecto y pintor Giorgio Vasari dijo de ella que era “la obra de arte más fina jamás
creada”.

Después de la inundación de Florencia en 1966, la puerta fue sustituida por una réplica y los paneles originales fueron
restaurados y se conservan en el Museo dell'Opera del Duomo que se encuentra en las inmediaciones.
DONATELLO: EL DAVID

El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor

italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos
expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería colocarla en los jardines
de su palacio de Florencia.

Actualmente, se encuentra en el Bargello. El David de Donatello es una de las

obras más relevantes del primer Renacimiento. Era la primera vez que un escultor
se atrevía a crear un desnudo masculino desde la Antigüedad clásica.​Y también
era el inicio por liberar a la escultura del marco arquitectónico.
 QUATTROCENTO: LA PINTURA:

Massacio: el tributo de la moneda

El tributo es una de las escenas más famosas de los frescos más destacados de pintados por Masaccio en la Capilla Brancacci
(iglesia de Santa María del Carmine en Florencia). Algunos autores han señalado intervenciones de Masolino en esta pintura.
El tema del conjunto de frescos es la salvación de la Humanidad operada por Jesucristo a través de Pedro. Se narran, por lo
tanto, principalmente episodios de la vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar.
El Tributo está en la fila superior del muro lateral izquierdo, junto a La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal. Las figuras
de Jesús y Pedro se muestran en una narrativa en tres partes. Se describe la historia narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo
(Mateo 17:24-27: al ser solicitado a Jesús y sus discípulos en Cafarnaúm el pago del tributo para el templo, Éste ordena a Pedro
que pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo)

Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos.

 PIERO DELLA FRANCESCA: LA
FLAGELACIÓN

La "Flagelación de Cristo" (en italiano, Flagellazione di Cristo) es una pintura al temple sobre tabla de 59 x 81,5 cm, realizada
entre 1444 y 1469 por el pintor italiano Piero della Francesca. Es una de sus obras más conocidas.

Esta obra pone de manifiesto que Piero era consciente de las innovaciones arquitectónicas de la época. Está marcado por un aire
de sobriedad geométrica.
La luz proviene del espectador, es diáfana e ilumina también el recuadro bajo el que está situado Cristo; la extraordinaria fuerza
del arte de Piero se encuentra en la maestría con la que usa el color, que en él se transforma en luz, y en la forma, con la que
alcanza un gran valor plástico. Gana en abstracción cuanto pierde en movimiento, dando a la representación una fijeza
atemporal: la realidad del hecho particular coincide con la totalidad de la realidad, el tiempo coincide con el espacio y lo hace
eterno.

El resultado expresivo es la impersonalidad, la ausencia de emociones, la calma solemne en la digna severidad manifestada por
los personajes representados. Es esa luz clara y fría la que "inmoviliza a las figuras en una expresión impasible y silenciosa“. Y
van vestidos de forma habitual.
 FRA ANGÉLICO: LA ANUNCIACIÓN

La Anunciación es un retablo realizado por el pintor toscano del Renacimiento Fra Angélico,
sobrenombre de Guido di Pietro da Mugello (1400-1455). Está realizado en oro y temple sobre
tabla, y fue pintado hacia 1426. Consta de una escena principal, con el tema de la Anunciación a
la Virgen María, y de una predela o banco con cinco pequeñas escenas más. El conjunto mide
194 cm de ancho y 194 cm de alto. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid.
 MANTEGNA: CRISTO YACENTE

Lamentación sobre Cristo muerto es una de las más célebres obras de Andrea Mantegna. Es un óleo sobre tabla de 68
centímetros de alto por 81 de ancho, conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, cuya fecha de realización no se
ha establecido con certeza, proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501, aunque lo más probable es que sea
de la etapa de madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.

La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en
uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte contraste de luces y sombras, la escena
transmite un profundo sufrimiento y desolación. La tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su
violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax. Los estigmas de las manos y los
pies están representados sin idealismo ni retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los
mismos tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que concluye en los rasgos de la cabeza,
inclinada e inmóvil.
 BOTTICELLI: LA PRIMAVERA

Alegoría de la primavera (en italiano, Allegoria della primavera), más conocido simplemente como La
primavera, es un cuadro realizado por el pintor Sandro Botticelli, una de las obras maestras del artista
renacentista italiano. Está realizado al temple sobre tabla y mide 203 cm de alto por 314 cm de ancho. Su
fecha de realización fue probablemente entre 1477 y 1482. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia.
 BOTTICELLI: EL NACIMIENTO DE
VENUS

El nacimiento de Venus (en italiano, La Nascita di Venere) es un cuadro realizado por el pintor renacentista Sandro
Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del Quattrocento italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo
y mide 278,5 cm de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia.

Este cuadro fue en su momento una obra revolucionaria por cuanto presentaba sin tapujos un desnudo no justificado por
ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al
cristianismo, lo que suponía la plena aceptación del nuevo humanismo renacentista alejado del oscurantismo medieval. Su
interpretación iconográfica se vincula con la Academia Platónica Florentina, un círculo intelectual patrocinado por la
familia Médici que se desarrolló tanto en el terreno de la filosofía como de la literatura y el arte. El significado de la obra
está relacionado pues con el neoplatonismo y la formulación por Marsilio Ficino de un concepto idealizado del amor donde
la figura de Venus se desdobla en dos versiones complementarias, la Venus celeste y la Venus terrenal, que simbolizan el
amor espiritual y el amor material.
 EL CINQUECENTO : ARQUITECTURA

• Bramante: Templete de San Prieto in Montorio

La construcción corrió a cargo de Los Reyes Católicos en honor al nacimiento de su único hijo varón, que coincidió con la
festividad de San Pedro Apóstol, en el mismo lugar donde según la tradición sufrió martirio. La Iglesia de San Pietro in
Montorio y el Templete de Bramante en el Janículo son el exvoto de los Reyes Católicos por el fallecimiento del Príncipe Juan
de Aragón y Castilla el 1497, según figura en las inscripciones del Templo.

Esta obra se considera como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad
decorativa.
El templete fue realizado en granito, mármol y travertino, con acabados de estuco y revoco.
peristilo.
MIGUEL ÁNGEL: CÚPULA DE SAN PEDRO DEL VATICANO

La cúpula de san Pedro fue diseñada por Miguel Ángel a mediados del siglo XVI. La
arquitectura renacentista del cinquecento alcanza con esta obra uno de sus momentos
culminantes. Pablo III había mandado a Miguel Ángel la terminación de la basílica
encomendada por Julio II a Bramante a comienzos del XVI.

Proyecta una doble cúpula (una interior y otra exterior) según el modelo que ya había
realizado Brunelleschi en Santa María de las Flores en Florencia en el XV.

Para realizar la gran cúpula en el centro se tenían que reforzar los cuatro pilares que había
previsto Bramante y que servirían para sostener la enorme cúpula de 42,5 metros de
diámetro.
 PALLADIO: LA ROTONDA

Villa Capra (conocida también como Villa la Rotonda) es un palacio campestre de planta
central diseñado por Andrea Palladio y construido a partir del año 1566 en las afueras de la
ciudad de Vicenza en Italia.

El nombre Capra deriva del apellido de dos hermanos que completaron el edificio luego que
les fuera cedido en 1591. Villa más famosa de Palladio y probablemente de todas las villas
venecianas, la Rotonda es uno de los más celebrados edificios de la historia de la
arquitectura en la época moderna.1
 EL CINQUECENTO: ESCULTURA

• Miguel ángel: El David

El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros1​de altura y 5572 kilogramos de masa, realizada por
Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la catedral de Santa María del
Fiore de Florencia. La escultura representa al rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue
acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los
Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.

El David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores,​y una de las esculturas
más famosas del mundo. Actualmente, se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia, aunque
hasta 1873 estuvo ubicada en la plaza de la Señoría de la capital toscana; desde entonces en su lugar se erige una
copia de 3 metros realizada también en mármol blanco.
 GIAMBOLOGNA: EL RAPTO DE LAS
SABINAS

El Rapto de las Sabinas es una escultura realizada en mármol obra de Juan de Bolonia escultor franco-
flamenco activo en Florencia en el siglo XVI. La escultura formaba parte de la colección ducal de La
Logia en la plaza de la Señoría de la ciudad.

Juan de Bolonia en 1581 comenzó lo que se considera su obra maestra, el Rapto de las Sabinas,
finalizado alrededor de 1582. Al parecer, la escultura no fue producto de un encargo y se llevó a cabo
por el autor como una demostración de virtuosismo. Cuando Francisco I de Médici vio la obra se
entusiasmó y ordenó su instalación en la Loggia dei Lanzi, cerca del Palazzo Vecchio. La presencia allí
de la obra Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini, que representaba el triunfo del bien
sobre el mal y el símbolo de la victoria de los Médici en Florencia después de haber sido expulsados
de la ciudad en 1494, hizo al autor pensó en un tema relacionado con que bautizar su trabajo,
decidiéndose por la historia del Rapto de las sabinas, ya una vez colocada la pieza en la plaza.
 CINQUECENTO: PINTURA

• Leonardo da Vinci: la Gioconda

El Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo,​más conocido como La Gioconda o La Mona Lisa, es una
obra pictórica del polímata renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a
comienzos del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se halla expuesta en el Museo del Louvre de
París, siendo, sin duda, la «joya» de sus colecciones.

Su nombre, La Gioconda , deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco
Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, en el
italiano antiguo) Lisa.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,3​y retocado varias veces por el autor. Se considera
el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos
perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado
a temperatura estable para su preservación óptima.​Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
 RAFAEL: LA ESCUELA DE ATENAS

La escuela de Atenas es una de las pinturas más destacadas del artista Rafael Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y
1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día
son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano. La Sala de La
Signatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa
del Sacramento.
 MIGUEL ÁNGEL: LA CAPILLA SIXTINA

La Capilla Sixtina es una capilla del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, la residencia
oficial del papa. Se trata de la estancia más conocida del conjunto palaciego.

Originalmente servía como capilla de la fortaleza vaticana. Conocida anteriormente como Cappella
Magna, toma su nombre del papa Sixto IV, quien ordenó su restauración entre 1473 y 1481. Desde
entonces la capilla ha servido para celebrar diversos actos y ceremonias papales. Actualmente es la
sede del cónclave, la reunión en la que los cardenales electores del Colegio Cardenalicio eligen a un
nuevo papa. La fama de la Capilla Sixtina se debe principalmente a su decoración al fresco, y
especialmente a la bóveda y el testero, con El Juicio Final, ambas obras de Miguel Ángel.
 EL BARROCO: ARQUITECTURA

• Bernini: La plaza de San Pedro en Roma

La plaza de San Pedro (Piazza San Pietro, en italiano) es un espacio urbano abierto que se encuentra
situado en la Ciudad del Vaticano, dentro de la ciudad de Roma, y precede, a modo de gran sala períptera,
a la Basílica de San Pedro, el magno templo del catolicismo. Fue enteramente proyectada por Gian
Lorenzo Bernini entre 1656 y 1667. Se considera esta obra la explosión del gran teatro barroco de la época
como sistematización del poder de la iglesia católica.
 FRANCIA: PERRAULT: COLUMNATA DEL
LOUVRE

La columnata del Louvre, también conocida como columnata de Claude Perrault, es la fachada
oriental del Palacio del Louvre situado en París, Francia. Realizada principalmente entre 1667 y
1670, ha sido considerada la obra más importante de la arquitectura clasicista francesa desde su
construcción. Diseñada en un estilo barroco clasicista comedido, interpreta las reglas establecidas
por el antiguo arquitecto romano Vitruvio, cuyas obras Perrault había traducido al francés. El
arquitecto Louis Le Vau y el artista Charles Le Brun también contribuyeron a la realización de la
obra de Perrault.
 LOUIS LE VAU Y J.H MANSART: PALACIO DE
VERSALLES

El Palacio de Versalles, o Castillo de Versalles es un edificio que desempeñó las funciones de una
residencia real en siglos pasados. El palacio está ubicado en el municipio de Versalles, cerca de París, en la
región Isla de Francia. Su construcción fue ordenada por el rey Luis XIV, y constituye uno de los
complejos arquitectónicos monárquicos más importantes de Europa. Con 7,3 millones de visitantes en
2012, es también uno de los sitios turísticos más importantes de Francia.

Con sus tres palacios, sus jardines y su parque, Versalles es un dominio inmenso. Si bien Luis XIII hizo
edificar allí un pabellón de caza con un jardín, Luis XIV es su verdadero creador, ya que le dio su amplitud
y determinó su destino.
 CASAS Y NOVOA: LA FACHADA DEL
OBRADOIRO
La Santa Apostólica y Metropolitana Iglesia Catedral de Santiago de Compostela es un templo de culto católico situado en la
ciudad homónima, en el centro de la provincia de La Coruña, en Galicia (España). Acoge el que, según la tradición, es el
sepulcro del Apóstol Santiago, lo cual convirtió al templo en uno de los principales destinos de peregrinación de Europa durante
la Edad Media a través del llamado Camino de Santiago, una ruta iniciática en la que se seguía la estela de la Vía Láctea
comunicando la península ibérica con el resto del continente. Esto fue determinante para que los reinos hispánicos medievales
participaran en los movimientos culturales de la época; en la actualidad sigue siendo un importante destino de peregrinación.

Fue declarada Bien de Interés Cultural en 1896,2​y la ciudad vieja de Santiago de Compostela, que se concentra en torno a la
catedral, fue declarada bien cultural Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1985.

En 2015, en la aprobación por la Unesco de la ampliación del Camino de Santiago en España a «Caminos de Santiago de
Compostela: Camino francés y Caminos del Norte de España», fue incluido como uno de los bienes individuales.
 EL BARROCO: ESCULTURA

• Bernini: Apolo y Dafne

Entre 1622 y 1625, Gian Lorenzo Bernini esculpió en mármol la famosa obra Apolo y Dafne. En ella se puede advertir
a Apolo alcanzando a Dafne mientras ella intenta escapar. Apolo está coronado con una corona de laurel que presagia la
metamorfosis de Dafne en árbol de laurel. Dafne es retratada durante el proceso de transformación, de hecho sus brazos
están tomando la forma de ramas mientras huye e implora a su padre que la rescate de Apolo.

Otros artistas como Antonio Pollaiuolo manipularon la mitología griega y la adaptaron a su época. En su pintura, Apolo
y Dafne, los personajes visten trajes del renacimiento y Dafne está retratada en pleno proceso de transformación. La
obra se exhibe en la National Gallery de Londres.​

También cabe destacar la obra del austríaco Gustav Klimt El beso. Dicha obra retrata el momento en el que Apolo besa
a Dafne mientras ésta se transforma en el árbol de laurel.
 GREGORIO FERNÁNDEZ: CRISTO DE LA LUZ

una de las mejores creaciones de Gregorio Fernández, es la culminación en su obra de la

iconografía del crucificado, que evoluciona desde figuras más rotundas con anatomías musculosas
a una versión mucho más delicada y cargada de dramatismo.
Todo está pensado para transmitir al espectador la impresión de que acaba de producirse la muerte
tras el más cruel de los martirios. El patetismo del rostro, afilado y amoratado, con un resto de
mirada en los ojos hundidos, se extrema hasta el detalle al atravesar la ceja y la oreja con sendas
espinas de la corona que ensangrienta la cabeza, recurso que seguiría siendo utilizado en la
escultura española más de un siglo después. En el cuerpo consumido, que en su mortal desplome
tensa los brazos, las heridas se detallan incluso en una zona como la espalda, que queda oculta por
la cruz. A la excelencia de la talla y la policromía se suma el complemento realista de los postizos:
cristal en los ojos, marfil en los dientes corcho en las heridas y asta en las uñas.
 EL BARROCO: PINTURA

• Carraci: Bóveda del palacio Farnesio en Roma

El Palacio Farnesio del siglo XVI, domina la homónima plaza en Roma. Es la actual embajada de Francia.

El proyecto originario del palacio se debe a Antonio de Sangallo el Joven, por encargo del cardenal Alejandro
Farnesio, que entre los años 1495 y 1512 compró el palacio Ferriz y otros edificios que se encuentran en el área. Los
trabajos, iniciados en el 1514, se interrumpieron por el saqueo de Roma en 1527 y fueron retomados en 1541, tras el
acceso al papado del cardenal Farnesio con modificaciones sobre el proyecto originario a cargo del mismo Sangallo.

A la inmediata conclusión de sus pinturas en el Camerino Farnesio, el mismo cardenal Farnesio le encargó las
pinturas de la Galería Farnesio en el mismo palacio romano al mismo pintor: Anibale Carracci. Pero en esta ocasión,
dado el volumen del trabajo y la envergadura del trabajo, Anibale recurrió a la colaboración de su hermano y otros
pintores para poder desempeñar el encargo.
 PIER PAOLO RUBENS: LAS TRES GRACIAS

Las tres Gracias es un cuadro del pintor barroco Pedro Pablo Rubens, expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España.
Está pintado al óleo y mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho.

Como en otros cuadros de tema mitológico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron.
En efecto, esta obra del llamado príncipe de los pintores flamencos es la antítesis de la obra anterior de Rafael Sanzio Las
Gracias, caracterizada por un sentimiento general de castidad. Representan a las hijas de Zeus y pueden citarse como tipo de
belleza ideal aunque pueden corresponder a la belleza más sensual. Aglaya, Talía y Eufrósine no fueron para Rubens más
que una excusa para pintar tres academias femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos.

La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la
relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus
miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo.
 VELÁZQUEZ: LAS MENINAS

Las meninas (como se conoce a este cuadro desde el siglo XIX) o

La familia de Felipe IV (según se describe en el inventario de
1734) se considera la obra maestra del pintor del Siglo de Oro
español Diego Velázquez. Acabado en 1656, según Antonio
Palomino, fecha unánimemente aceptada por la crítica,
corresponde al último periodo estilístico del artista, el de plena
madurez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de
grandes dimensiones formado por tres bandas de tela cosidas
verticalmente, donde las figuras situadas en primer plano se
representan a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas más
analizadas y comentadas en el mundo del arte.
TERCERA EVALUACIÓN
ÍNDICE
• El neoclasicismo
• El romanticismo
• El realismo
• La pintura de Francisco de Goya
• La arquitectura y el urbanismo en el siglo XIX
• Arquitectura del siglo XX y comienzos del siglo XXI
• La pintura impresionista
• El postimpresionismo
• Vanguardias 1
• Escultura de vanguardia
• Vanguardias 2
 EL NEOCLASICISMO (XVIII) ARQUITECTURA:

Iglesia de Madeleine : Vignon

La iglesia de la Madeleine es un templo católico
de estilo neoclásico situado en París (Francia),
cerca de la plaza de la Concordia, en una
importante zona comercial (al lado de la calle
Faubourg-Saint-Honoré, una de las más
prestigiosas de París). La iglesia de la Madeleine
llama la atención por su arquitectura en forma de
templo romano, inspirado en la Maison Carrée de
Nimes.
 EL MUSEO DEL PRADO: JUAN DE
VILLANUEVA
El Museo Nacional del Prado, en Madrid (España), es uno de los
más importantes del mundo,​así como uno de los más visitados
(el decimoctavo en 2013 entre los museos de arte).​
Singularmente rico en cuadros de maestros europeos de los siglos
XVI al XIX.
Su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez,
el Greco, Goya (el artista más extensamente representado en el
museo), Tiziano, Rubens y el Bosco, de los que posee las mejores
y más extensas colecciones que existen a nivel mundial,​a lo que
hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes
como Murillo, Ribera, Zurbarán, Fra Angelico, Rafael…
NEOCLASICISMO: ESCULTURA: CANOVA
Eros y Psique
Psique reanimada por el beso del amor, también
llamada El amor de Psique o El beso, es un grupo
escultórico de mármol blanco realizado a finales del
siglo XVIII por el artista italiano Antonio Canova.
Representa la interpretación socrática del impulso de
Eros (el Amor) la función dinamizada de unir cuerpo y
alma sirviéndose de estímulos sensoriales e
intelectuales que ensalzan la pasión amorosa. Está
conservada en el museo del Louvre en París.
 TESEO Y EL MINOTAURO
Canova realiza esta composición para cubrir un encargo realizado en
1781 por el que fuera embajador de Venecia en Roma, Girolamo
Zulian. Parece que este encargo era, más bien, una protección
económica desinteresada hacia el artista, ya que una vez concluida la
pieza el embajador no quiso quedársela y se la cedió al propio escultor,
quien acabó vendiéndola por una elevada suma.

Fue el propio artista quien eligió libremente el tema de Teseo y el

Minotauro. En un principio el escultor pensó representar a los
personajes en el momento de la lucha debido a que en su interior la
tradición barroca seguía latente; finalmente Canova, influenciado por
sus amigos y mentores, optó por representar un momento más
tranquilo, más acorde con la nueva percepción artística y alejado del
enfoque tradicional del dramatismo de la lucha con el monstruo que se
habría hecho durante el estilo anterior y del que se pretendía huir.
 NEOCLASICISMO: PINTURA: LOUIS
El juramento de los horacios
El Juramento de los Horacios (en francés Le Serment des Horaces) es una obra de
Jacques-Louis David realizada en 1784, antes de la Revolución francesa. El
cuadro tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se conserva en el Museo del
Louvre. Se le considera el paradigma de la pintura neoclásica.
En él se representa el saludo romano, con el brazo extendido y la palma hacia
abajo.
El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier
sentimiento personal. ​Representa a los Horacios romanos quienes, según el
Horacio de Pierre Corneille y Tito Livio en Ab Urbe condita libri eran unos
trillizos masculinos destinados a la guerra contra los Curiacios, también trillizos
masculinos, para resolver la disputa entre los romanos y la ciudad de Alba Longa.
NEOCLASICISMO: PINTURA: INGRES

El baño turco :
El baño turco es un cuadro de Dominique Ingres. Esta obra orientalista
representa un grupo de mujeres desnudas en un harén. El erotismo del
cuadro es suave y no provoca gran escándalo ni lo hizo en su época, a
diferencia de otros del mismo género, como el Déjeuner sur l´herbe de
Édouard Manet (1863). Pero durante mucho tiempo perteneció a
colecciones privadas y no se exhibió de manera continuada hasta el
siglo XX. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París,
donde se exhibe con el título de Le Bain turc. Está considerada como la
obra maestra de los últimos años de Ingres.
 EL ROMANTICISMO : PINTURA
La balsa de la medusa: Gericault
La balsa de la Medusa es una pintura al óleo realizada por el
pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault
entre 1818 y 1819. La obra, que el autor culminó antes de
haber cumplido la treintena, se convirtió en un icono del
Romanticismo francés. Es una pintura de formato grande (491
cm × 716 cm)​que representa una escena del naufragio de la
fragata de la marina francesa Méduse, encallada frente a la
costa de Mauritania el 2 de julio de 1816. Al menos 147
personas quedaron a la deriva en una balsa construida
apresuradamente, y todas ellas, salvo 15, murieron durante los
13 días que se tardó en rescatarlos.
LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD: TURNER

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste es un

conocido cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord
William Turner. Se trata de un óleo sobre tela que mide 91
centímetros de alto por 121,8 centímetros de ancho. Actualmente
se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).
Turner realizó apuntes del natural y luego creó el cuadro en su
taller.
Pinta a un tren que corre a lo largo de las vías. El paisaje está
definido muy vagamente, como en muchas otras obras de Turner,
hecho que lleva al célebre crítico Francesco Arcangeli a relacionar
la obra del pintor con el informalismo de Jackson Pollock. Pero la
repercusión más importante de este pintor está encarnada en la
pincelada de los impresionistas.
 LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO:
DELACROIX
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por Eugène Delacroix en
1830 y conservado en el Museo del Louvre de París.
El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de
París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el
parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa.
Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en
una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales.
No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como
guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma
abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.
 EL CAMINANTE FRENTE AL MAR DE NIEBLA:
FRIEDRICH
El caminante frente al mar de niebla, del pintor romántico alemán Caspar David
Friedrich, ha sido considerada como una de las obras maestras y más
representativas del romanticismo. Data del año 1818. Se trata de un óleo sobre
tela que mide 74,8 centímetros de ancho por 94,8 centímetros de alto.
Actualmente se conserva en el museo de arte en Kunsthalle de Hamburgo
(Alemania).
La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich,​
que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de
nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro.
Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras
montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes
montañas ocupa el fondo.
EL REALISMO: PINTURA: COUBERT

Los picapedreros:
Los Picapedreros es una obra de Gustave Courbet
representativa de un nuevo movimiento en el arte francés
denominado "Realismo", cuyo objetivo es exponer la vida
de la sociedad francesa. En esta escena, Courbet eligió
representar a dos picapedreros para constatar los abusos
cometidos contra las clases más bajas de la sociedad
francesa de mediados del siglo XIX en condiciones
extremas.
 EL REALISMO: PINTURA: MILLET

Las espigadoras:
Las espigadoras, también conocido como Las cosechadoras, es un
cuadro del pintor francés Jean-François Millet.​Pintado al óleo en
1857, es una representación realista de mujeres espigando. La pintura
es famosa por mostrar de una manera muy humanista la realidad de la
sociedad rural del siglo XIX, lo que fue mal recibido por la clase alta
francesa. Cuando fue expuesto en el Salón de París de 1857, fue
considerado como «peligroso». Posteriormente, se convirtió en
símbolo del patriotismo francés, utilizándose para estimular el
alistamiento durante la Primera Guerra Mundial.
 FRANCISCO DE GOYA

La familia de Carlos IV:

Goya comenzó a trabajar en los bocetos en la primavera de
1800. La versión definitiva la pintó entre julio de 1800 y
junio de 1801, enviando la cuenta en diciembre de 1801.
Perteneció a las colecciones privadas del Palacio Real de
Madrid, donde aparece en el inventario de 1814. Pasó a
formar parte del recién fundado Museo del Prado en 1824,
por orden del rey Fernando VII, quien aparece retratado en el
cuadro.
La carga de los mamelucos:
El dos de mayo de 1808 en Madrid, también llamado La carga de los
mamelucos en la Puerta del Sol o La lucha con los mamelucos, es, junto con
El tres de mayo, uno de los cuadros más célebres de Francisco de Goya y
Lucientes, pintor español. El cuadro, pintado en 1814 en óleo sobre tela, se
encuentra en el Museo del Prado, en Madrid.
Representa una escena del levantamiento del 2 de mayo contra los franceses,
comienzo de la guerra de independencia española contra Napoleón, que había
ocupado España en 1808 e iba a poner como rey a su hermano, José
Bonaparte.
En el cuadro, los insurgentes españoles atacan a los mamelucos, mercenarios
egipcios que combaten al lado del ejército francés. Esta revuelta fue aplastada
de forma sangrienta por el ejército de ocupación.
Saturno devorando a sus hijos: pinturas negras
El cuadro Saturno devorando a su hijo o Saturno devorando a un hijo es una de las pinturas al óleo
sobre revoco que formaron parte de la decoración de los muros de la casa que Francisco de Goya
adquirió en 1819, llamada la Quinta del Sordo. Por tanto, la obra pertenece a la serie de las Pinturas
negras de dicho artista.
Junto con el resto de ellas, fue copiada de revoco a lienzo a partir de 1874 por Salvador Martínez
Cubells, como había encargado el barón Émile d’Erlanger, un banquero francés de origen alemán,
que tenía intención de venderlas en la Exposición Universal de París de 1878. En 1881, d’Erlanger
las cedió al Estado español, que las destinó al Museo del Prado, donde se expusieron desde 1889.
La lechera de Burdeos:
La lechera de Burdeos o Lechera de Burdeos,​es un cuadro considerado obra del pintor
Francisco de Goya, y pintado hacia 1827,2​un año antes de su muerte y durante su exilio
voluntario en Burdeos, (Francia)
Representa a una mujer, en una postura que parece indicar que va sentada en un asno o
una mula; abajo a la izquierda aparece un cántaro, sobre cuya panza aparece incisa la
firma de Goya. Todo ello ha hecho suponer que se trata de la representación o
recreación de una vendedora o repartidora de leche
LA ARQUITECTURA Y URBANISMO EN EL
SIGLO XIX

HISTORICISMO:
Opera Garnier: Charles Garnier
La Ópera Garnier, también conocida como Palacio Garnier u Ópera
de París, es uno de los edificios más característicos del IX Distrito
de París y del paisaje urbano de la capital francesa. Napoleón III
ordenó su construcción al arquitecto Charles Garnier, quien lo
diseñó en Estilo Imperio.
Desde su inauguración en 1875, la ópera fue llamada oficialmente
Academia Nacional de Música-Teatro de la Ópera. Conservó su
título hasta 1978, cuando fue renombrada Teatro Nacional de la
Ópera de París.
ARQUITECTURA DEL HIERRO:
Palacio de cristal : Paxton
The Crystal Palace (El Palacio de Cristal) fue una edificación de hierro fundido y cristal
construida en el Hyde Park, en Londres, con motivo de la Gran Exposición mundial de 1851. Su
planta, formado por la nave principal y galerías longitudinales, medía 563,25 m x 124,35 m.​
Después de la exposición, el edificio fue trasladado a un distrito contiguo en el sur de Londres
donde permaneció desde 1854 hasta su destrucción en un incendio el 30 de noviembre de 1936.
Palacio de cristal del Retiro : Velázquez Bosco
El palacio de Cristal es una estructura de metal y cristal situado en el Parque del
Retiro de Madrid (España). Fue construido en 1887 con motivo de la Exposición
de las Islas Filipinas, celebrada ese mismo año. En la actualidad en su interior se
realizan exposiciones de arte contemporáneo.
 ESCUELA DE CHICAGO:

Flatiron : Daniel Burnham

El edificio Flatiron, originalmente edificio Fuller, es un
rascacielos centenario situado en Manhattan. Era uno de
los edificios más altos de Nueva York cuando finalizó su
construcción en el año 1902. Recibió su nombre oficial de
George A. Fuller, fundador de la empresa constructora que
financió la obra y que había fallecido en 1900.
 EL MODERNISMO:

La sagrada familia: Antonio Gaudí

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (en catalán, Temple Expiatori
de la Sagrada Familia), conocido simplemente como la Sagrada Familia, es
una basílica católica de Barcelona (España), diseñada por el arquitecto
Antoni Gaudí. Iniciada en 1882, todavía está en construcción. Es la obra
maestra de Gaudí, y el máximo exponente de la arquitectura modernista
catalana. Es uno de los monumentos más visitados de España, junto al
Museo del Prado y la Alhambra de Granada, y es la iglesia más visitada de
Europa tras la basílica de San Pedro del Vaticano.​Cuando esté finalizada
será la iglesia cristiana más alta del mundo.
ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX Y COMIENZOS DEL
SIGLO XXI
RACIONALISMO: LE CORBUSIER

Villa Saboya:
Situada en Poissy, a las afueras de París, la Villa
Savoye de Le Corbusier es una de las
contribuciones más importantes a la arquitectura
moderna en el siglo XX. Terminada en 1929, esta
casa es una moderna casa de campo francesa que
celebra y reacciona a la era de las nuevas máquinas.
La Villa Savoye transformó la carrera de Le
Corbusier en uno de los principales precedentes
arquitectónicos más importantes de la historia.
 ORGANICISMO: FRANK LLOYD WRIGHT
La casa de la cascada:
La residencia Kaufmann, más conocida como la casa de la cascada, es
una vivienda diseñada por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd
Wright, y construida entre 1936 y 1939 sobre una cascada del río Bear
Run, en el condado de Fayette del estado de Pensilvania (Estados
Unidos). Hoy en día Fallingwater es un monumento nacional en
Estados Unidos que funciona como museo y pertenece al Western
Pennsylvania Conservancy.
Fallingwater sigue los principios de arquitectura orgánica enfatizados
por Wright en su escuela y estudio Taliesin. Básicamente consiste en
integrar en una unidad (edificación) los factores ambientales del lugar,
uso y función, materiales nativos, el proceso de construcción y el ser
humano.
HIG TECH: PIANO Y ROGERS

Centro Pompidou
El Centro Pompidou es el nombre más comúnmente empleado
para designar al Centro Nacional de Arte y Cultura Georges
Pompidou de París (Francia), diseñado por los arquitectos
Renzo Piano y Richard Rogers. El edificio, concluido en 1977,
fue inaugurado el 31 de enero del mismo año.
Se trata de un edificio en el que se puede observar desde el
exterior como esta construido ya que se muestra la estructura
del edificio olvidando las paredes y se usan tuberías de colores
para explicar los diferentes elementos.
DECONSTRUCTIVISMO: FRANK GHERY

Guggenheim de Bilbao:
El Museo Guggenheim Bilbao es un museo de arte contemporáneo
diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry y localizado
en la villa de Bilbao (País Vasco), España. Es uno de los museos
pertenecientes a la Fundación Solomon R. Guggenheim. Fue
inaugurado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de
España.
La característica más llamativa del museo es el innovador edificio en
el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas,
recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio.
LA PINTURA IMPRESIONISTA
 MANET

El bar del Folies Bergére

El bar del Folies Bergère, pintado y expuesto en el Salón de París en

1882, fue la última gran obra del pintor francés Édouard Manet. Dentro
de la tendencia "democrática" del movimiento impresionista en cuanto a
temas y sitios escogidos, como cafés, cabarets, incluso prostíbulos
(tratados sin condescendencia alguna y a menudo en términos
positivos), Manet centra la obra en el reconocido cabaret parisino el
Folies Bergère. Este cuadro se conserva actualmente en el Courtauld
Institute of Art de Londres.
MONET

Impresión Amanecer
impresión, amanecer es un cuadro del pintor francés Claude
Monet, que dio su nombre al movimiento impresionista. Se
conserva en el Museo Marmottan Monet de París. Pintado
aproximadamente en el año 1872, representa el puerto de El
Havre, ciudad en la que Monet pasó gran parte de su
infancia. La pintura fue robada del museo Marmottan-
Monet en 1985 y recuperada en 1990. Desde 1991 ha
estado de nuevo en exhibición.
RENOIR

El baile en el Moulin de la Galette:

Baile en el Moulin de la Galette (en francés: Bal au
moulin de la Galette) es una de las obras más célebres ​
del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir, que se
conserva en el Museo de Orsay en París, siendo uno de
los cuadros más emblemáticos del museo. Renoir
representaba en sus obras la alegría de vivir, es decir, sus
obras eran siempre de temática social.
DEGAS

La clase de ballet
La clase de ballet (en francés : La Classe de danse ) es una pintura
de Edgar Degas , que se pintó entre 1871 y 1874. Se encuentra en
la colección del Musée d'Orsay , París. Fue encargado por Faure.
Degas abandonó temporalmente el trabajo en esta pintura y
entregó un trabajo de un nombre similar a Faure.
La pintura muestra a bailarines al final de una lección con el
maestro de ballet Jules Perrot . Perrot y Degas eran amigos, y
Degas pintó la clase de danza en la Ópera de París un año después
de que se quemó.
MORISOT
La cuna:
Morisot representó en esta pintura a su hermana Edna Portillon velando
el sueño de su hija Blanche. El cuadro fue expuesto por primera vez en
la primera exposición impresionista, inaugurada el 15 de abril de 1874
en el antiguo taller del fotógrafo Nadar, en el parisino Boulevard des
Capucines. Si bien algunos críticos elogiaron el cuadro, no despertó un
gran interés y Morisot no consiguió, a pesar de sus esfuerzos, venderlo.
La obra permaneció en la colección familiar, pasando a manos de
Blanche Portillon, sobrina de la pintora y modelo del bebé dormido. En
1930 fue adquirido por el Museo del Louvre. Entre 1947 y 1986 estuvo
expuesto en la Galería del Jeu de Paume, situada en el Jardín de las
Tullerías y propiedad del Louvre, donde se reunieron las principales
obras del Impresionismo. Tras la creación del Museo de Orsay fue
trasladado allí.
EL POSTIMPRESIONISMO
 GAUGUIN
Arearea :
Arearea es una obra pintada por el francés Paul Gauguin, en 1892, durante
su estancia en Tahití. También se conoce informalmente como «El perro
rojo». Desde 1961 está el Museo de Orsay de París.
La palabra arearea es tahitiana y quiere decir pasatiempo, diversión o
entretenimiento alegre y gozoso. En el cuadro se observa en primer plano
un perro y una pareja de mujeres, una tocando una especie de flauta y otra
escuchando. La mujer que escucha es la figura central de la escena, nos
introduce totalmente en ella mediante su mirada, al tiempo que con la
inclinación del rostro nos invita a escuchar la música que hace su
compañera; esta misma música es la que nos trasporta hasta el fondo de la
escena, donde vemos otras mujeres bailando ante un ídolo.
CEZANNE

Los jugadores de cartas:

Los jugadores de cartas (Les Joueurs de cartes
en el título francés original) es una serie de
cinco cuadros sobre el tema de la partida de
cartas, que realizó el pintor francés Paul
Cézanne entre 1890 y 1895 (la comenzó
estando en Suiza y la acabó en Aix-en-
Provence).
 VAN GOGH

La noche estrellada:
La noche estrellada es la obra maestra del pintor postimpresionista
Vincent Van Gogh. El cuadro lo realizó en el sanatorio de Saint
Rémy de Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Fue
pintada a mediados de 1889, trece meses antes de su muerte. Desde
1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Considerado como el magnum opus de
van Gogh, el cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones y
es conocida como una de las pinturas mas famosas de la historia.
Usó óleo humedecido y pinceles finos para realizar la obra.
 SEURAT
Una tarde de domingo en la Grande Jatte
Tarde de domingo en la isla de la Grande, es un cuadro del pintor
neoimpresionista francés Georges Seurat, ejemplo de puntillismo
considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Siglo XIX.
Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente
en el paisaje del parque. Rehízo varias veces el original y completó
numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los
jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de
perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas.
VANGUARDIAS I
FAUVISMO: MATISSE
Armonía en rojo:
Armonía en rojo o La habitación roja es un óleo del
artista Henri Matisse de 1908. Se trata de una obra de
grandes dimensiones –180'5 x 221– cm, y fue
pintada por encargo del millonario ruso Sergei
Shukin, coleccionista de la obra del pintor. Al
parecer, Matisse pintó todo el fondo de color azul
claro (como aún puede verse en los bordes), pero
finalmente lo sobrepintó de rojo intenso.
EXPRESIONISMO: EL PUENTE: LUDWIG

• En esta etapa en las obras de

Ludwig se representaran a
mujeres encerradas en abrigos
largos, estiradas y
geometrizadas por contacto con
el cubismo y el futurismo.
EXPRESIONISMO: EL JINETE: KANDINSKY

• En esta obra de Kandinsky, se da un

gran manejo de la luz y el color, y la
simpleza con la que se consigue el
contraste entre el movimiento del
jinete y el estático paisaje de fondo.
CUBISMO: PABLO PICASSO

Las señoritas de Avignon

Las señoritas de Avignon, es un cuadro del pintor español Pablo
Picasso pintado en 1907 al óleo sobre lienzo y sus medidas son
243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de
Nueva York.
Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o
Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual
el artista español es el máximo exponente y creador del movimiento
artístico. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina
todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo.
 FUTURISMO: HUMBERTO BOCCIONI

Dinamismo de un ciclista:
Dinamismo de un ciclista, es una pintura de Umberto Boccioni realizada en el 1913. La obra pertenece
a la Colección Mattioli y se conserva actualmente en Venecia en depósito a largo plazo cerca de la
Peggy Guggenheim Collection en el Palacio Venier de los Leones.
Esta pintura pertenece a la secuencia de obras de Boccioni descansando en abstracciones de plástico-
dinámico continuamente idea de la relación espacio-temporal abordar el movimiento de un cuerpo en el
espacio. Los colores agresivos y puros utilizados, así como el flujo de luz y la aparición del negro
dentro de la composición da la sensación de movimiento, como un verdadero ciclista moviéndose
rápidamente.
ESCULTURA DE
VANGUARDIA
EL PENSADOR: RODIN

El pensador es una de las esculturas más famosas de

Auguste Rodin. El escultor realizó esta pieza entre 1881
y 1882 para decorar el tímpano del conjunto escultórico
(La puerta del Infierno), encargado en 1880 por el
Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes de
Francia. Esto serviría como entrada para el que sería el
Museo de Artes Decorativas de París, aunque el
proyecto no se concluyó.​
EL CUBISMO: JULIO GONZÁLEZ

El arlequín:
El Museo Reina Sofía presenta la retrospectiva más amplia
realizada hasta la fecha en nuestro país del escultor Julio
González. La exposición ha sido coproducida con el
Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), donde se ha
mostrado recientemente.
 DADAÍSMO: MARCEL DUCHAMP

La fuente:
La Fuente es una obra de arte atribuida a Marcel Duchamp. Es probable que, sin saberlo, se lo hubiera
regalado Elsa von Freytag, artista multidisciplinar y entregada agitadora.
Es una pieza denominada readymade, el arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que
normalmente no se consideran artísticos. Con esta obra, se inició una auténtica revolución en el mundo
del arte (introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse
una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un baño) y lo
situara en un nuevo contexto adecuado -una galería o un museo y la declarara como tal. Además, la
obra ha sido interpretada de infinidad de maneras, incluso como órganos sexuales femeninos.
EXPRESIONISMO: GIACOMETTI

Hombre caminando:
L’Homme qui marche (El hombre que camina) es el nombre de alguna
de las esculturas de bronce que conforman las ediciones numeradas más
cuatro pruebas artísticas creadas por el escultor suizo Alberto Giacometti
en 1961. El 3 de febrero de 2010, la segunda edición de la serie se
convirtió en una de las obras de arte subastadas más caras de la historia.
La escultura de bronce muestra un hombre solitario caminando con sus
brazos colgando a los lados. Dicha obra de arte es descrita como “una
imagen humilde de un hombre ordinario, o como un potente símbolo de
humanidad ".
ESCULTURA A MEDIADOS DEL SIGLO XX:
EDUARDO CHILLIDA
El peine del viento:
El Peine del Viento XV es un conjunto de esculturas de
Eduardo Chillida sobre una obra arquitectónica del
arquitecto vasco Luis Peña Ganchegui. Se encuentra
situado en un extremo de la bahía de La Concha, al final
de la playa de Ondarreta, en el municipio de San
Sebastián, en la provincia de Guipúzcoa, en el País Vasco.
Está compuesto por tres esculturas de acero, de 10
toneladas de peso cada una, incrustadas en unas rocas que
dan al mar Cantábrico, cuyas olas las azotan.
 MINIMAL ART: RICHARD SERRA

La materia del tiempo:

La materia del tiempo es una instalación de siete esculturas
monumentales realizadas en acero corten, un acero patinable, por el
escultor estadounidense, Richard Serra. Un encargo expreso del
Museo Guggenheim Bilbao, forma parte de la colección permanente
y propia del museo.
En 2005, se instaló la serie de siete esculturas,1​2​junto con Serpiente,
la escultura realizada anteriormente por el artista para la inauguración
del museo.
VANGUARDIAS II
ARTE ABSTRACTO: KANDINSKY

Composición N.º 8 :
La composición VIII representa un conjunto de líneas, formas y colores dispuestos en el
espacio, dando origen a una composición abstracta de elementos que invitan a descubrir
múltiples significados e intenciones del autor. La interpretación es abierta y el espectador
puede aportar sus propias ideas, sentimientos, sensaciones o evocaciones, lo que genera
una relación interactiva con la obra y permite diferentes lecturas y significados,
dependiendo de la sensibilidad de la persona que lo observa.
Esta obra fue comprada por Solomon Guggenheim en 1929 y actualmente se encuentra
en el museo fundado por él Solomon R. Guggenheim Museum, en Nueva York.
DADAÍSMO:

Hans Arp: Man Ray Francis Picabia

 SURREALISMO: SALVADOR DALÍ
El gran masturbador:
El enigma del deseo es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí
pintado en 1929. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de
estilo surrealista y sus medidas son 110 x 150 cm. Se conserva en Madrid, en
el Museo Reina Sofía pues fue legado por Dalí a España.
Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una
unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja
el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título,
como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del
cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor.
SURREALISMO ABSTRACTO: JOAN MIRÓ

Mujer, pájaro y estrella:

Femme, oiseau, étoile, es una pintura al óleo de Joan Miró realizada
entre los años 1966 y 1973. Se trata de una obra terminada el día de la
muerte de Pablo Picasso, amigo de Miró. Por esta razón en el reverso
del lienzo, Miró escribió las fechas de inicio y finalización junto con
las palabras «Homenatge a Pablo Picasso» (Homenaje a Pablo Picasso
en catalán) que posteriormente se añadieron al título de la obra.​
En el año 1988 ingresó a la colección del Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía en Madrid.1
 EXPRESIONISMO ABSTRACTO: JACKSON
POLLOCK
Guardianes del secreto:
Los Guardianes del Secreto incorpora elementos de mito colectivo y
lenguajes simbólicos con toques del estilo abstracto por el que Jackson
Pollock se dio a conocer. El coyote el fondo de el lienzo y las dos figuras
totémicas que sobresalen en los lados izquierdo y derecho de la pintura
refleja el estudio del artista de psicoanálisis Junguiano, así como su interés
por la cultura indígena americana. Si estas figuras son los ”guardianes” a
los que se refiere el título de la pintura, el centro de rectángulo pintado con
rápidas pinceladas de colores, y los enigmáticos pictogramas negros
parecerían mantener su “secreto”.
POP-ART: ANDY WARHOL

Sopas Campbell:
Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa Campbell,
es una obra de arte producida en 1962 por el artista estadounidense Andy
Warhol.
Consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de
ancho y con una pintura de una lata de sopa Campbell (cada una de las
variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época). Las
pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de
serigrafía. El apoyo de Campbell's Soup Canos en temas de cultura popular
ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.
HIPERREALISMO:

Antonio López
Richard Estes
FIN