La composición es uno de los
factores más importantes que
conforman la fotografía y consiste
en la selección y disposición de
sujetos u objetos en el área de la
imagen fotográfica, dando como
resultado la capacidad para
comunicar algo.
Encuadre
El ojo humano puede observar un espacio sin limitaciones, sin embargo con
la cámara está limitado por los cuatro lados, por lo que se debe elegir
aquello que se quiera que entre o no en el cuadro. Encuadre es aquello que
el fotógrafo sitúa dentro de la fotografía, la porción de escena que elige
captar.
En toda escena suele existir un motivo (lo que se desea destacar, el centro
de interés) y fondo (aquello que rodea o da sentido al motivo). Para resaltar
el motivo debe llenarse el encuadre con él, hacer que ése sea el objeto
principal en la escena; de este modo se excluirán del encuadre otros objetos
que puedan distraer la atención del espectador sobre el que el fotógrafo ha
seleccionado.
El formato
El formato del encuadre es la forma que en que se presenta la foto respecto a
las dos dimensiones. Es la relación que existe entre los dos lados de la imagen.
Existen los siguientes formatos:
Horizontal: Es el formato más habitual y es el que se tiene tendencia natural a
utilizar. Por otra parte, es el tipo de formato más equilibrado, el que
proporciona más tranquilidad y naturalidad, puesto que es el que más se
adecua a la visión humana.
Este tipo de formato es el que generalmente se utiliza para fotografiar el
paisaje, de ahí que se le conozca también como formato apaisado.
No debemos olvidar que, hoy en día, hay una clara tendencia a presentar la
imagen en monitores en formato horizontal. Esto puede llevar a una sobre
utilización de este tipo de presentación, sin tener en cuenta que otros tipos de
formato pueden ser más adecuados en ciertas ocasiones.
Formato vertical: El formato vertical en la cámara digital se obtiene al dar a la
cámara un giro de 90 º A diferencia del formato anterior, el formato vertical
resulta mucho más contundente, ofreciendo más fuerza que el horizontal.
Acentúa la líneas verticales y diagonales, aumentando la sensación de
grandiosidad del motivo.
El formato vertical es ideal para retratos, tanto en primer plano, como de cuerpo
entero. Se utiliza en por ejemplo fotografías de edificios o en fotografía de
montañas, cascadas, árboles, para acentuar su tamaño respecto al fondo.
El encuadre inclinado: Las fotografías se presentan de manera horizontal o
vertical, sin embargo este enfoque se obtiene inclinando la cámara de 25º a 45º
ya que transmite dinamismo y fuerza. Se emplea bastante en casos de deportes
extremos o en escenas donde hay sensación de movimiento y acción.
Es conocido también como plano holandés o aberrante y empezó a utilizarse en
cine pero que también traspasó la barrera hacia el medio fotográfico. Se puede
considerar también como síntoma de inestabilidad.
Formato cuadrado: Este formato es el que presenta las mismas medidas tanto
verticales como horizontales. Para obtenerlo con un medio digital 35mm.
debemos modificar físicamente la fotografía recortándola, o bien usando un
editor fotográfico para redimensionar la imagen.
Formato panorámico: Este formato es el que se caracteriza por ser
desproporcionadamente ancho respecto a la altura de la imagen. Se suele
usar para fotografía paisajística. Gracias a las cámaras digitales y a los
programas de edición, se pueden s unir varias fotografías para conseguir
imágenes en este formato.
Otra opción es la de usar objetivos llamados “ojo de pez”. Estos objetivos
tienen la desventaja, y es que distorsionan enormemente los extremos de la
imagen.
Perspectiva y ángulo de la toma
La toma a nivel es cuando la
fotografía se realiza desde el
mismo nivel del objeto tomado,
ni por encima ni por debajo de
él. Sirve para mostrar o describir
algo de manera "natural" u
"objetiva".
El picado consiste en fotografiar un motivo desde arriba hacia abajo y
ayuda a resaltar lo pequeño de ciertos objetos ya que proporciona un
punto de vista de superioridad. Al mismo tiempo es contraproducente en
general su uso en fotografía de personas (especialmente niños) o animales
precisamente porque ayuda a verlos como inferiores, les resta importancia
y, además, si se fotografía de cerca puede deformar las proporciones de la
cabeza con respecto al cuerpo.
El contrapicado es la perspectiva contraria al picado, es decir, consiste en
fotografiar un motivo desde abajo hacia arriba y ayuda a resaltar la
grandiosidad de un elemento, en algunos casos denota enaltecimiento,
importancia o poder. Se suele utilizar para fotografiar edificios o monumento y
también deforma la perspectiva acentuándose este efecto cuanto más cerca
se esté del motivo.
La toma en cenital, se llama así la toma cuando lo hacemos mirando de arriba
abajo con un ángulo totalmente perpendicular con respecto al suelo, sería,
por así decirlo, la forma más extrema de picado. Procura imágenes sin
perspectiva, con objetos pequeños resulta descriptiva y puede resultar
inusual e interesante con los elementos más grandes.
La toma al ras consiste en sacar la fotografía al ras de suelo o del objeto y
ayuda a sorprender al espectador con imágenes que un ser humano no
acostumbra a ver ya que no se suele colocar en ese nivel de visión. Esta
ángulo se suele utilizar para fotografiar motivos pequeños en su entorno
natural a los que no prestamos habitualmente mucha atención.
SECCIÓN ÁUREA
La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la división
armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el
segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O
cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a
toda la línea, como el menor es al mayor.
De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma
proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado
similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar
proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como símbolo
de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de
tamaños se llama número de oro = 1,618.
Recibe varios nombres: Divina proporción, Sección Aurea, Número de Oro o
Sección phi. Se representa con la letra
Su aplicación
La regla de los tercios
Esta regla procede de la pintura renacentista del siglo XVI. Su objetivo era
evitar que el centro de interés estuviera colocado en el centro lo que le
daría a la imagen un menor dinamismo y equilibrio. Este principio se basa
en el hecho de que la vista humana se centra más a partir de los dos tercios
hacia arriba en el lienzo, en la imagen impresa o en una imagen proyectada
sobre una pantalla.
Esta regla nos dice que el tema principal de
una fotografía debe situarse en uno de los
cuatro puntos donde se cortan las líneas
resultantes de dividir la fotografía en tres
segmentos verticales y tres segmentos
horizontales iguales. Estos puntos es donde se
centra la atención de la persona que observa
la fotografía, por eso se denominan puntos
fuertes.
A la hora de realizar fotografías, sea en
formato horizontal o vertical, deben situarse
el elemento o elementos destacados en uno
de los cuatro puntos fuertes, evitando
colocarlos en el centro de la imagen.
Un sujeto no tiene porque estar situado en el centro de la escena, pues se
podrían dejar partes de la fotografía vacías. Se divide hipotéticamente el
marco en tercios tanto vertical como horizontalmente, tratando de que
las líneas más importantes de una fotografía se ajusten a esos tercios.
En esta imagen está situado el En esta imagen los objetos se
sujeto en un tercio (verticalmente) ajustan a los dos tercios verticales.
y el horizonte en otro
(horizontalmente).
Puntos fuertes
Según la división por tercios de
una escena, la confluencia de
los tercios marcan cuatro
puntos donde se hacen
llamativos los objetos, llamados
puntos fuertes.
El centro es un punto fuerte. Es
aconsejable hacer coincidir los
objetos con estos puntos.
La regla del horizonte
Otra de las leyes básicas y clásicas más importantes de la composición fotográfica es la
ley o regla del horizonte y nos dice que cuando componemos una fotografía el
horizonte debe estar situado en una de las dos líneas horizontales resultantes de
dividir la imagen en tres partes iguales. En los dibujos inferiores, el horizonte debería
estar situado sobre las líneas A o B. Un error muy común es colocarlo en el centro.
Perspectiva
La perspectiva nos ayuda a conseguir
crear una sensación de volumen en un
espacio en el que, en realidad, solo
existen dos dimensiones. Dentro de la
perspectiva, la que más destaca es la
perspectiva lineal, que es aquella que
hace converger las líneas sobre la línea
del horizonte en un punto, llamado
punto de fuga creando una ilusión de
profundidad.
La Ley de la Mirada
Nos dice que el espacio vacío
situado por delante de la persona
o animal que constituye el tema
de la fotografía debe ser mayor
que el espacio situado por detrás.
Se considera que el personaje en
cuestión debe poder “respirar",
para ello se debe dejar " aire" por
la parte de la fotografía hacia
donde va dirigida su mirada.
Esto no implica que la parte
posterior del sujeto debe tener
obligatoriamente un espacio
vacío. En caso que lo tenga, este
debe ser menor que el delantero.
Una persona u objeto en movimiento también describe una línea
dominante imaginaria que es su trayectoria y que también puede tener
gran fuerza expresiva. Cuando el motivo esté entrando en la escena es
conveniente abrir el encuadre nuevamente y dejarle un espacio libre
delante para que sea ocupado por su trayectoria y resaltar el efecto de
movimiento.
Las líneas
Se encuentran entre los elementos más importantes de la composición. Las líneas
cumplen una doble finalidad: por una parte definen la imagen; por otra crean
movimiento pues concentrar la mirada hacia el punto de interés.
Pueden ser estructuras artificiales creadas por el hombre aprovechadas para elaborar
líneas (edificios, puentes, escaleras, etc) o bien podemos aprovechar los contrastes
entre luz y sombra sobre estas estructuras que generan líneas.
Deben tenerse presentes las líneas dominantes de la composición que se está
realizando y utilizarlas para dirigir la atención del espectador, no desviarla. Una de las
normas más populares de la composición se basa en la repetición de las líneas y objetos,
especialmente cuando el tema es una estructura.
Las líneas pueden ser, horizontales, verticales, curvas u oblicuas. Las diagonales y líneas
en "S" son mucho más interesante que las líneas paralelas, se utilizan para imprimir
movimiento en las fotos.
Equilibrio
Cada forma o figura representanda sobre un
papel se comporta como un peso, un peso
visual, porque ejerce una fuerza óptica.
Los elementos de nuestra composición pueden
ser imaginados como los pesos de una balanza.
Una composición se encuentra en equilibrio si
los pesos de los distintos elementos que la
forman se compensan entre sí.
Este criterio se aplica a la disposición de los
elementos sobre la superfície de trabajo.
Normalmente se busca este equilibrio, aunque
en alguna ocasión se provoca un desequilibrio
intencionado para conseguir unos resultados
específicos en un diseño.
El equilibrio simétrico
En una composición se puede conseguir el
equilibrio a través del uso de líneas y formas.
Todos los pesos deberán estar compensados
para obtener el equilibrio ideal.
Como medición del peso de las formas y
líneas que utilizamos en una composición, se
observa la importancia que tienen los objetos
dentro del diseño o creación que queremos
representar, intentando equilibrar los
elementos de mayor importancia con los de
menor importancia, y los de mayor peso con
los de menor.
Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa, cuyas alas
poseen simetría axial bilateral, en la que el eje es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están
dispuestos simétricamente respecto al eje. Esta regularidad constituye, a nivel de
percepción, un factor estético de armonía.
La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden.
El equilibrio asimétrico
Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una
composición en dos partes iguales, no existen las mismas
dimensiones en tamaño, color, peso etc, pero existe un
equilibrio entre dos elementos.
En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un
lado y otro del eje, el efecto es variado.
La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo,
alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio una masa
grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña
alejada del aquel.
Jerarquías.
El tamaño de un elemento propicia enfocar la atención.
En este caso la atención es enfocada por un elemento
de tamaño pequeño.
Aquí la atención está es enfocada en un elemento de
tamaño grande.
La diferencia de color de un elemento con respecto a
los demás de la composición es una forma de dar
importancia y atraer la atención.
Contraste de tono
El contraste actúa a través de la atracción o excitación del público observador, mediante
la combinacion diferentes intensidades o niveles de contraste, en el color, el tamaño, la
textura, etc. Pueden proporcionar mayor significado a una composición.
El contraste de tono se basa en la utilización de tonos muy contrastados, la
combinación de claro-oscuro, el mayor peso lo tendrá el elmento con mayor oscuridad.
Para que este perdiera protagonismo en el diseño, tendríamos que disminuir la
intesidad del tono y redimensionarlo, después, para que no perdiese equilibrio en la
composición. Este tipo de contraste es uno de los más utilizados en composiciones
gráficas.
El contraste de colores
El tono es una de las dimensiones del color más importantes. El contraste más
efectivo se obtiene combinando los diferentes tonos. El contraste creado entre dos
colores será mayor cuanto más alejados se encuentren del círculo cromático. Los
colores opuestos contrastan mucho más, mientras que los análogos apenas lo
hacen, perdiendo importancia visual ambos.
Contraste de contornos
El contraste de contornos irregulares destacan de forma importante sobre los
regulares o más conocidos. Este tipo de contraste es ideal para captar la atención
del usuario observador a determinados elementos de una composición.
No obstante, no hay que abusar del uso de este tipo de contraste, sobre todo si se
combinan con otros tipos de contraste, ya que pueden ser un centro de atracción
visual demasiado fuerte y potente. Además, acaban creando mucha tensión en el
espacio que les rodea.
Enfoque total o selectivo
El primer gran recurso artístico del
enfoque selectivo es claro: resaltar el
elemento enfocado (el motivo) frente
a todo lo demás que está
desenfocado (fondo) o viceversa.
En fotografía de paisajes, en general,
es preferible una gran profundidad
de campo para abarcar todos los
detalles con nitidez en todas las
zonas de la fotografía. No obstante,
para el retrato, la fotografía del
detalle y muchas otras ocasiones
suele ser preferible una profundidad
de campo limitada para que sólo
aquello que interesa
Luz a 45 grados
Una fuente situada a 45 grados del eje de cámara, que se
eleva hasta que la sombra de la nariz toque la comisura de los
labios, formándose un triángulo en el rostro del lado opuesto
al que procede la luz.
Es la posición de la luz que ilumina muchos de los retratos de
Rembrandt, Suele ser la posición de base sobre la que se
colocan subordinadas las demás luces.
Luz lateral
La luz que incide a 90 grados del eje óptico de la cámara.
Suele denotar ventanas, veladores o fuentes de luz
“reales”. Es la luz más adecuada para estilizar rostros
redondeados.
¾ de atrás
Una vez más la influencia de Hollywood. No se trata de un
contraluz, sino de una luz que incide sobre la cabeza a
desde atrás, a 45 grados del eje de cámara. Pone de
relieve las texturas, realza el volumen, generando tercera
dimensión.
Luz cenital
Noventa grados con respecto al eje de cámara,
desde arriba.
Luz frontal
Una luz en el eje de cámara. No es la mejor luz para
un rostro redondeado, pero realza los rostros
triangulares o delgados.
Contrapicada
Nunca encontramos esta luz en la naturaleza,
excepto cuando proviene del fuego. Siempre desde
el piso hacia el personaje.
Contraluz
Es la luz que incidiendo desde atrás, crea
un contorno sobre la figura, separándola
del fondo. No debe caer sobre el rostro,
sino que debe funcionar como una línea
de separación entre la figura y el fondo.
Peso Visual
Algunas reglas sobre el peso
visual son:
-A mayor tamaño del objeto,
mayor peso visual.
-Los tonos saturados tienen
mayor peso visual que los
poco saturados.
-Los colores cálidos (rojo,
naranja, amarillo) tienen más
peso visual que los colores
fríos (verde, azul, violeta). El
blanco pesa más que el negro.
IMÁGENES MONOCROMÁTICAS
Una composición con un sólo color y distintas variaciones de sombreado y tintado se
conoce como monocromática. Su uso suele dar resultados dramáticos. Es importante
no limitarse por una paleta de color monocromática pues si se partes desde los
extremos y se intenta utilizarla al máximo se conseguirá mucha profundidad y
volumen en la imagen.
COLORES ANÁLOGOS
Si se toma los pasos de color entre dos
colores primarios se obtiene lo que se llama
colores análogos. Estos colores comparten la
misma base. Por ejemplo, entre el rojo y el
amarillo consigues varias tonalidades de
rojos, naranjas y amarillos. Se puede pensar
que se trata de una paleta limitada pero es
más que frecuente en la naturaleza y por eso
nos resulta muy agradable. Se pueden
encontrar imágenes en las que con una
variedad de colores limitada el resultado es
muy dramático, creíble y realista. Estos
colores encajan muy bien entre ellos.
COLORES COMPLEMENTARIOS
En los colores complementarios se
trata de escoger en la rueda del
color cualquier color de dicha
rueda y buscar el opuesto. Esta
combinación es la conocida como
complementaria. Esta elección de
colores opuestos genera un
impresionante contraste que
puede ser muy bien utilizado para
destacar aquello que interesa.
Planos fotográficos
En fotografía, igual que en cine, se habla del plano cuando
se quiere expresar la proporción que tiene el tema dentro
del encuadre, los cuales en gran medida nos indican que
porción de la imagen debe aparecer en la toma y cuales
son los mejores cortes que se pueden realizar sin que se
descuide la proporción adecuada y que la misma conserve
la estética de la imagen.
Gran Plano General o Extreme Long Shot
Los Planos Largos o planos generales son los que ofrecen un mayor ángulo de
cobertura de la escena. Su función es destacar una situación en que lo
importante es la escena en su conjunto y no un detalle en particular.
Muestra un gran escenario o una multitud. La persona no está o bien queda
diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor
descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la
soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio. Se da así más relevancia
al contexto que a las figuras que se toman.
Plano General o Long Shot
El Plano General se centra en los individuos restando importancia al
entorno. Aún se puede intuir la situación en la que están los sujetos, pero
este aspecto es ya mucho más secundario.
Plano Entero o Full Shot.
Los pies y la cabeza de la figura humana
limitan prácticamente con los bordes
inferior y superior del cuadro de la
imagen.
Plano Medio o Medium
Shot.
Como su nombre lo indica, es
el plano intermedio por
excelencia. Se produce a la
altura de la cintura, y
empieza a ser considerado
un plano de retrato.
Con el plano medio cedemos
más importancia todavía a
los aspectos emocionales del
sujeto
Plano Medio Corto o Medium Close up
Se llama plano medio corto si la toma se hace desde la altura del busto a la
parte superior de la cabeza. Es mucho más subjetivo y directo que los
anteriores.
Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su
cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los
actores.
Plano Americano o American Shot
Es un plano americano si el corte de realiza aproximadamente, a la altura de las rodillas.
Tiene su origen con las películas del oeste, y no fue hasta entonces cuando se comenzó a
hablar de este plano como tal. Apareció porque se requería un tipo de plano medio que
capturase ypermitiese ver el desenfunde del revolver.
Primer Plano o Close up
El primer plano es el perfecto para el retrato del rostro. Agranda el detalle y
miniaturiza el conjunto de la escena, eliminando la importancia del fondo.
Primerísimo Primer Plano, Plano detalle o Extreme Close up
La cabeza llena aproximadamente el cuadro. El primerísimo primer plano
suele caracterizarse por la desaparición de la parte superior de la cabeza y la
fijación del límite inferior en la barbilla del personaje. La carga emotiva se
acentúa y la atención en el personaje es prácticamente total.
Plano Detalle o Extreme Close up.
El Plano Detalle es el plano más cercano. Los detalles se agrandan al máximo
y la carga emocional alcanza su punto álgido. Muestra un pequeño detalle
que, en un plano "normal" pasaría desapercibido.
