EL Rococó
(1720– 1800)
Artes Visuales
Profesor R. Muñozcoloma
Tabla Cronológica
1. Período "Régence" (1715-1723)
2. Período "Luis XV" (1723-1774)
3. Período "Luis XVI" o "Estilo
Pompadour" (1760-1800)
Concepto
Viene de "rocaille" que en francés significa
piedrecita, pequeña concha, forma predilecta
para decoraciones. Para algunos, este estilo es
sólo la continuación del anterior, es el barroco
tardío.
El Rococó es un estilo casi exclusivamente
francés: si es que llega a los países vecinos, es
únicamente como repercusión y en una
aplicación distinta.
Debemos entender el Rococó como un estilo
independiente y personal. El Rococó a
diferencia del Barroco, se despreocupa por
cuestiones católicas. Es un arte eminentemente
aristocrático, un arte para la alta clase media,
amante de un estilo mundano, íntimo y
delicado. La sociedad ansía la libertad, el buen
gusto y el placer. La élite artística e intelectual se
reunía en salones a cuya cabeza estaban damas
tan destacadas como madame Pompadur.
El movimiento se seguirá desarrollando hasta la
llegada del Neoclasicismo que pretendía una
vuelta a la pureza de la antigüedad clásica.
Fue una reacción de la misma nobleza contra el
barroco-clásico impuesto por la corte de Luis XIV.
Es un estilo aristocrático que revela un gusto por
lo claro, lo elegante, lo refinado, lo galante.
Armoniza con una vida despreocupada, agradable
y amante de la naturaleza. Las características de
este estilo tienen una relación directa con su
nombre.
La revolución de 1789 interrumpe el desarrollo del
Rococó.
Antecedentes
El período barroco se disuelve, en lugar de lo
exuberante y grandioso, viene lo gracioso y menudo;
en lugar de la decoración grandilocuente e
impresionante, viene el ornamento fino, delicado; en
lugar del oro suntuoso, la plata menos efectista; en
lugar de la expansión ostentosa y exterior viene una
intimidad egocéntrica; en lugar del ideal heroico
viene algo más alegre e infantil; en vez de la gran
pasión viene el amor erótico como pasatiempo
juguetón; en lugar de la obesidad musculosa y
rubenesca vienen rasgos de lo enfermizo, afeminado
y agotado.
En resumen, se refleja una época que muere,
pero sin pena, un moribundo eufórico; es un
estilo de decadencia.
Es la época del "salón", donde una élite
intelectual y artística se reúne con las damas
de la sociedad; es la época de los
enciclopedistas y de las conversaciones
chispeantes, es la época de la crinolina, del
columpio, del maquillaje, de las caras y
pelucas empolvadas.
Características
generales
Los temas más representados:
Los temas preferidos para la representación en
pintura son: fiestas galantes y campestres,
damas, rigodones, minués y aventuras
amorosas y cortesanas. Por todo esto, se
recuperan personajes mitológicos como Venus y
Amor que se entremezclan en las escenas
representadas dotando a las composiciones de un
tono de sensualidad, alegría y frescura.
Es usual el referirse al estilo Rococó como estilo galante.
El nombre proviene del verbo galer, que en francés
significa ser valiente y hábil en el trato con las mujeres. El
galante es aquel que sabe tratar y complacer a una mujer.
La figura de la mujer es un foco inspirador de la pintura.
La mujer es un figura bella y sensual, cada vez más culta.
Ella seduce y participa en aventuras prohibidas. El
escenario en que se ubica la trama pictórica ayuda a que
la sociedad se identifique con personajes de historias
pastoriles e idílicas.
Por todas estas características, el Rococó se considera un
arte frívolo, exclusivo de la aristocracia, ajena a los
problemas sociales y sólo concentrada en su descanso y
deleite.
El órgano de la iglesia de Roggenburg (1761) es un
buen ejemplo de lo que produce el rococó. La
simetría del conjunto se pierde a nivel de los detalles.
El rococó es más bien un arte civil que un arte
religioso: los temas son preferentemente mundanos y
palaciegos.
En Francia, aparecen pronto nuevos motivos
decorativos: se realzan los arabescos y se sustituyen
algunos dorados por tonos claros y maderas
barnizadas.
Arquitectura
Los adornos que, representando falsas
rocas, adheríanse a la arquitectura de las
grutas y las cascadas, llamados rocallas,
fueron el principal elemento nuevo,
introducido para sustituir el rígido sistema
de los órdenes clásicos, para evocar en la
arquitectura el frescor y la alegría de lo
primitivo y lo campestre. Los palacios son
los primeros en adoptar como elementos
básicos caprichosos recuadros, columnas
esculpidas, conchas, etc.
En vez de grandes palacios, se construyen
en Francia pequeñas casas de recreo y
pabellones íntimos a todo lujo. En Bavaria,
Austria y Bohemia, la frivolidad del Rococó
profano invade también el interior de la
iglesia: en general, la fantasía creadora se
concentra en los interiores con papeles
murales caprichosos, ornamentos en
estuco, pequeñas subdivisiones, espejos de
toda clase, muebles y porcelanas.
La porcelana europea, aparece como una de las
muchas cosas chinas que entonces están en boga
(como ser floreros chinos, objetos en laca china,
estampas chinas, motivos chinos en el papel mural,
pagoda s y puentes de bambú en el jardín, etc.).
Como material, la porcelana es un reflejo de la
época, pues igual a ella es delicada, brillante y frágil.
En una verdadera manía, toda clase de objetos se
fabrican en porcelana: lámparas colgantes, flores
artificiales, chimeneas, relojes, revestimientos, y
hasta monumentos.
Alemania
En Alemania, el Rococó renueva el barroco bajo el
impulso de los príncipes, especialmente en Prusia
con Federico II, y alcanza formas exuberantes, tanto
en las iglesias de peregrinación como en los
palacios. Por ejemplo, Die Wies (Wies Kirche), una
obra de Zimmermann en Bavaria. Ahí son
particularmente notables el uso de las arcadas para
asegurar la transición hacia la bóveda pintada y los
efectos de luz.
En Prusia, Matthaus Daniel Poppelmann (1662-
1736), construye en Dresden el pabellón de fiestas
del Zwinger, cuidando que armonice con el paisaje.
Las escaleras con curvas en todos los sentidos dan
alegría tanto al edificio como a los jardines mientras
las grutas y fuentes albergan todos tipos de
personajes mitológicos.
Von Knobeldorff (1699-1754) edifica Sans Soucis,
otro pabellón de recreo, cuyo nombre es la síntesis
del Rococó. Sans soucis es la expresión francesa:
sin preocupación.
El castillo del Belvédère, en Viena, es otra muestra
de éste estilo.
Dominikus Zimmermann. Interior. 1746-56
Stucco and wood. Pilgrimage church
Zimmermann Interior with
ceiling fresco
1733
St. Peter und Paul,
Steinhausen
Escultura
Alemania acogió el rococó con tal
entusiasmo que le fue difícil desprenderse
de él . Un gran escultor del siglo rococó
fue Andrea Schluter, autor de la efigie
ecuestre del elector Federico Guillermo,
en la cual puede observarse como el
movimiento de masas y líneas, que en el
tiempo barroco afectaba solamente a la
concepción del conjunto, en el siglo XVIII
fue utilizada como un detalle para dar vida
a cada pormenor de los cuerpos.
La escultura rococó es una curiosa mezcla de
realismo y de idealización.
Entre los escultores destaca Jean Antoine Houdon
(1741-1828) por su realismo aunque a veces
permanece idealista: así, representa a Napoleón en
griego.
Sus bustos son típicos de la época, como este
retrato de mujer (Frick colletion,N.Y). Además,
incluyen personajes célebres, entre ellos, Voltaire y
Rousseau, lo que hace de ellos testigos de la
época.
Robert Fulton
Jean Antoine Houdon
1803-1804
Mármol
Diana
Jean Antoine Houdon
c. 1776
Marble
Bust of Napoleon
Jean Antoine Houdon
1806
Marble
Pintura
El carácter de la época rococó, enamorada de la
intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la
escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese
carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se
inspiró en la pintura holandesa y flamenca,
especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el
Rey, con las grandes necesidades decorativas de un
palacio, sino que se halla entre los nobles y
burgueses adinerados a los que ha dejado de
interesar las composiciones históricas y mitológicas,
aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse
retratar caracterizados como personajes de fábula.
Características
• Frivolidad:
Como tema predilecto, las fiestas galantes.
("Fetes Galantes"), el desnudo hermoso y el
amor liviano.
• Refinamiento:
Como técnica favorita, el pastel, suave y
aterciopelado y de tonos tenues que se repiten
también en los vestidos.
• Recién se emplea el blanco como color propio
(paralelamente a la costumbre del rococó de
empolvarse la cara y la peluca, los caballeros y
las damas).
Francia
Antoine Watteau (1721-1864)
El artista más representativo del rococó. Pobre, enfermo, humilde,
torpe y feo, pero realizó su sueño y ensueño en la pintura de las
"fiestas galantes". El embarco a Citera, Louvre.
Francois Boucher (1703-1770)
Favorito de Madame Pompadour. Frívolo, superficial con paisajes
escenográficos. El tocado de Venus, Museo Metropolitano, Nueva
York.
Jean Honoré Fragonard (1732-1806)
Corresponde al último período, pincelada fina y atrevida. Jugando a
la gallina ciega, Cal. Nacional, Washington.
Jean Baptiste Chardin (1699-1779)
No es rococó en su manera, sino que sigue las corrientes que se
afirman en la realidad. Su tema: naturalezas muertas ("bodegones"),
realistas, pero compuestas en forma geométrica. Louvre, París.
Mezzetin 1717-19
A. Watteau, óleo sobre
lienzo, 55.3 x 43.2 cm,
Metropolitan Museum
of Art, New York.
Gilles (Pierrot)
c.1717-1719
A. Watteau, óleo
sobre lienzos, 185 x
150 cm, Musée du
Louvre, Paris.
Las delicias de la vida, c. 1718 , A. Watteau
óleo sobre lienzo, 69 x 90 cm, The Wallace Collection, London.
F. Boucher, El baño de Diana, c.1742,
óleo sobre lienzo, Museo del Louvre, París.
F. Boucher, La
marquesa de
Pompadour, c.1758,
óleo sobre lienzo,
Victoria & Albert
Museum.
F. Boucher, Louise O'Murphy (Mujer reclinada) 1751, óleo sobre lienzo, 59,5
x 73,5 , Wallraf-Richartz Museum, Cologne.
J.H. Fragonard,
El columpio, , c.1767,
81 x 64 cm, Óleo sobre
lienzo, Wallace
Collection, London.
J.H. Fragonard, Chica
leyendo, , c.1776, 82 x
65 cm, Óleo sobre
lienzo, National Gallery
of Art, Washington
J.H. Fragonard,
Chica jugando
con un perro, ,
1765-72, 70 x
87 cm, Óleo
sobre lienzo,
Fondation
Cailleux, Paris.
Inglaterra
Ni el barroco ni el rococó llegaron aquí en su intensidad
continental, sólo esporádicamente algún reflejo. En general,
se cultiva el retrato bajo la influencia de Van Dyck.
Sir Peter Lely (1618-1680)
El primero.
Willlam Hogarth (1697-1764)
Retratos muy humanos, pero sin éxito. También es
grabador, caricaturista.
Sir Joshua Reynolds (1723-1791)
Famoso como retratista social.
Thomas Gainsborough (1727-1788)
Retratos femeninos, el único pintor inglés que se aproxima
al estilo rococó.
Sir Peter Lely. Two Ladies of the Lake Family, c. 1660
Oil on canvas, 127 x 180 cm, Tate Gallery, London
William Hogarth.
Self-Portrait with Pug-
Dog. 1745. Oil on canvas.
Tate Gallery, London, UK
J. Reynolds,
El niño de Hare,
1788-1789, óleo sobre
lienzo, 0´77 x 0´63 cm,
Museo del Louvre,
París.
J. Reynolds,
Lady Cockburn y sus
tres hijos mayores ,
1773, óleo sobre
lienzo, 141.5 x 113 cm,
National Gallery,
London.
J. Reynolds,
General Sir Banastre Tarleton,
1782, óleo sobre lienzo, 236 x
145 cm, National Gallery,
London.
T. Gainsborough,
Retrato de dama en
azul, c.1778, óleo sobre
lienzo.
Italia
Giambattista Tiepolo (1696-1770)
Nace en Venecia, ciudad que le influirá a lo largo de toda su obra pictórica.
Allí se forma con Veronés. Tiépolo es el mayor y más importante
fresquista de la italia del siglo XVIII. Pinta frescos y óleos sobre techos
y paredes de palacios e iglesias. Los temas representados suelen ser
mitológicos o bíblicos dependiendo del lugar a que estén destinados.
Aunque su actividad en los frescos sea la más sobresaliente en su
carrera, también pintó lienzos. Sus obras se dominan por la composición
movida, heredada del Barroco, la elegancia, los colores pastel y una
luminosidad sólo comparable al brillo del vidrio, por eso recuerda tanto a
Veronés.
Francesco Solimena (1657-1747)
Fue el mayor representante de la escuela napolitana de la primera mitad
del siglo XVIII. Tuvo una carrera muy productiva, son numerosísimos los
frescos que realizó para diferentes iglesias de Nápoles. Le llegaban
encargos de todos los puntos de Europa, ya que fue uno de los pintores
más reconocidos. Creó una verdadera estela pictórica que muchos
continuaron.
F. Solimena, La
Trinidad, la Virgen y
[Link], fresco,
[Link] Maggiore,
Nápoles.
F. Solimena, El martirio de San Placido y Santa Flavia, 1697-1708,
óleo sobre lienzo, Museum of Fine Arts, Budapest.
G. Tiépolo, The Judgement of Salomonn, 1729,
fresco, palacio patriarcal, sala rosa.
G. Tiépolo,
Mercury Appearing to
Aeneas, 1757, fresco.
Artes Gráficas
La misma técnica contrastada del blanco-
y-negro influye fuertemente en el estilo: el
grabado no participa de la liviana gracia ni
de la frivolidad de la época, sino que se
adelanta hacia una mayor expresividad y
crítica social.
Ejemplos
Francisco Goya y Lucientes (1746-1828)
Su estilo inicial, especialmente en los cartones
para gobelinos, es rococó; después es romántico.
Es uno de los grandes grabadores del mundo,
introduciendo en mayor escala la técnica del agua
tinta (inventada por Le Prince en 1768). Los
Caprichos, Museo del Prado.
Gianbattista Piranesi (1720-78)
Se dedicó exclusivamente al aguafuerte. Son
célebres sus series Vistas de Roma y Las
Cárceles.
Fuentes:
• Brevario de los estilos. Francisco Otta. Editorial Universitaria. Chile 1987.
• [Link]
• Historia del Arte. A. Fernández - E. Barnechea - J. Haro. Editorial Vincens-
vives. España. Primera edición 1992
• Historia del Arte. E. H. Gombrich. Ediciones Garriga S. A. España Quinta
edición 1975
• Artículo “El Estilo Rococó” de Lluvia Velandia
• Breve Historia del Arte. [Link] Beatriz Aragonés Escobar.
Licenciada en Historia del Arte
• WEB ART Gallery. [Link]
EL Rococó
(1720– 1800)
Artes Visuales
Profesor R. Muñozcoloma
