HISTORIA DEL ARTE IES.

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TEMA 1: EL ARTE GRIEGO

1. INTRODUCCIÓN: MARCO GEOGRÁFICO Y MARCO HISTÓRICO

La civilización griega se desarrolló en la península Balcánica (Grecia peninsular), las islas del
Egeo, costas de Asia Menor, el sur de Italia (Magna Grecia) y en las colonias que
extendieron por el Mediterráneo. Con la etapa helenística se extendió por otros territorios.

Desde el punto de vista histórico podemos distinguir varias etapas en la Historia de Grecia.
Las primeras civilizaciones prehelénicas se desarrollaron en Creta y Micenas. La civilización
cretense o minoica era un mundo de ciudades que vivían del comercio marítimo. Desde el
punto de vista artístico crearon suntuosos palacios (Cnossos) y destacaron sus pinturas al
fresco con temas de toros. Tras el colapso que sufrió Creta, Micenas, ya en el continente,
será la civilización más importante, destacan sus ciudades con murallas ciclópeas como la
de la misma Micenas.
En la época arcaica surge la polis o ciudad-estado independiente, Grecia no está unificada
en un gran Estado como Egipto, sino fragmentada en muchas polis, más próximas al
ciudadano. El crecimiento demográfico y la pobreza del suelo hicieron que en esta etapa los
griegos se lanzarán a colonizar ciudades por todo el Mediterráneo, extendiendo su cultura.
Desde el punto de vista político se daban dos tipos de regímenes: la tiranía (régimen
aristocrático) o la democracia. En el siglo V se inicia la etapa clásica, Grecia tiene que hacer
frente a la amenaza de los persas, Guerras Médicas, de ellas saldrá Atenas hegemónica y
vencedora. Es la época de Pericles, de la reconstrucción de la Acrópolis, de Fidias... Poco
después las Guerras del Peloponeso entre Atenas y Esparta ensangrienta y destruye Grecia,
sumiéndose ésta en una profunda decadencia. En estas circunstancias Filipo, rey de
Macedonia (territorio situado al norte y considerado bárbaro por los griegos) conquista
toda Grecia. Su hijo, Alejandro Magno conquistará un imperio inmenso que le llevará hasta
la lejana India, la cultura griega se extenderá con él. A su muerte este imperio se reparte
entre sus generales, formándose reinos independientes que rivalizan entre sí en cuanto a
poder político y brillo cultural. Estos reinos, los Occidentales, acabarán con la conquista
romana.
En el estudio del arte griego distinguimos varias etapas principalmente:
-Período arcaico, siglos VII- VI a de C: la cultura griega se extiende por el Mediterráneo y
artísticamente comienzan a establecerse los órdenes arquitectónicos.
-Período clásico, siglos V-IV: hasta el 323 a. C con la muerte de Alejandro Magno. Etapa de
mayor esplendor artístico. Máximo esplendor en Atenas.
-Período helenístico, finales del siglo IV hasta el siglo I a de C (323 a. C. – 31 a.C): la cultura
se extiendo por los diferentes reinos macedonios, se abre a las influencias orientales, hasta
que es absorbida por el Imperio romano.

2. ALGUNOS RASGOS DEL PENSAMIENTO GRIEGO

Es difícil señalar cuáles son las características que definen el pensamiento griego, pero señalaremos
cuatro.
1) El antropocentrismo. Esta idea es básica, el hombre es el centro del mundo. Para el griego el
hombre es la referencia de todas las cosas, eso lo notamos en el arte, la filosofía, la religión, el
teatro... No son los dioses lo más importante.
2) La religiosidad. El hombre griego es religioso, pero su religión no le aplasta como en otros
pueblos, está más próxima a él. Sus dioses tienen forma humana y los mismos vicios y defectos que
el hombre: venganza, odio, infidelidad... No es una religión ética. Por otra parte la ausencia de clero
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hace de la religión algo menos dogmático y más libre.

3) La racionalidad. En Grecia surge el porqué de las cosas, se inicia la ciencia cuando los filósofos no
se contentan con una explicación mítica (mitos) y se explican los hechos a la luz de la razón (logos).
Esa racionalidad estará presente en el arte, el pensamiento...
4) La vida política. El griego vive en su polis, y participa activamente en la gestión de los asuntos
políticos, su régimen está próximo al individuo, en Egipto el poder del Estado y del faraón oprimían
al ciudadano, en Grecia no. La democracia surge precisamente en Grecia y será Atenas la ciudad
democrática más famosa. De lo dicho anteriormente es fácil deducir la influencia que los griegos
han tenido en nuestra civilización Occidental que surge precisamente con ellos.

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LA ARQUITECTURA GRIEGA. LOS ÓRDENES. EL TEMPLO Y EL TEATRO. LA ACRÓPOLIS DE

ATENAS
1. EL URBANISMO
El origen de las polis se remonta a la época arcaica y su emplazamiento se localizaba en una zona
alta (acrópolis) de fácil defensa. Cuando las necesidades militares no son tan evidentes la ciudad se
desplaza a la zona baja (asty) y la acrópolis adquirirá una función religiosa.
Las primitivas ciudades tienen un plano irregular, pero más tarde el espíritu racional de los griegos
aparece en el urbanismo con Hippodamos de Mileto que crea un plano ortogonal, las calles forman
una cuadrícula y se cortan en ángulo recto... es el marco adecuado para la vida social.
En las polis vamos a encontrar varias edificaciones importantes: el ágora o plaza mayor donde se
reúnen los políticos y donde se sitúan templos e instituciones; las stoas o mercados en la época
helenística; las calles porticadas para protegerse de las inclemencias del tiempo; los gimnasios que
también servían de bibliotecas...; los teatros destinados a las representaciones dramáticas; los
odeones para las audiciones musicales; los templos que serán los edificios más representativos...
2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA GRIEGA

a. Características generales de la arquitectura griega

La arquitectura griega es principalmente arquitrabada o adintelada

(Techumbres planas), es decir, que sigue sin utilizar el arco y por extensión la bóveda.
Se construía en piedra, generalmente mármol blanco o pentélico, cortado en sillares
regulares colocados a soga y tizón o de forma isódoma. Sabemos que existieron
primitivas construcciones en madera, lo que queda reflejado en la arquitectura pétrea.
Es matemática y equilibrada, presentan eje de simetría, En la arquitectura griega se
produce algo fundamental que la separa de la egipcia: el hombre da la escala al edificio.
Este está realizado a su medida, por ello no produce la sensación de pequeñez e
insignificancia que se deriva de las construcciones egipcias. En el pensamiento griego el
hombre es la medida de todas las cosas.. La columna es el principal elemento
sustentante junto con el muro y se emplean los órdenes arquitectónicos. Un orden es
el modo de disponer sus elementos en vertical (gradas, columna, entablamento,
techumbre). La belleza está en la armonía y en el orden de ahí que se inventen tres órdenes:
dórico, jónico y corintio. En todos ellos el edificio está construido sobre una grada o
Krepis para anivelar el terreno ya que era muy irregular.
UTILIZABAN 3 TIPOS DE ÓRDENES:
 El orden dórico Se apoya sobre una base de tres escalones, se denomina crepis
o Krepis y sirve para aislar el edificio del suelo y anivelar, los dos primeros
escalones se consideran estereóbatos y el más elevado estilóbato. La columna
carece de basa y el fuste presenta éntasis, estáformado por estrías en arista viva.
El capitel consta de collarino (acanaladura que nos da paso al capitel
propiamente dicho), equino (parte curva) y ábaco (cuadrangular).Por lo que se
refiere al entablamento, presenta un arquitrabe liso, un friso en el que se
alternan triglifos con gotas (nos recuerda a las vigas de cuando los templos se
hacían de madera) y metopas y la cornisa. El tejado a dos aguas y crea un frontón
triangular que alberga decoración escultórica en su interior (tímpano) y en el
tejado presentaba acróteras (elementos decorativos).
El dórico surge en la época arcaica en el Peloponeso, es el más sobrio de los tres,
y se asocia a virtudes varoniles.
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 El orden jónico. Surge y se extiende sobre todo por las islas del Egeo y las costas
de Asia Menor. Se utiliza sobre todo en templos dedicados a divinidades
femeninas. Es más esbelto que el anterior. Los edificios se apoya sobre una base
de tres escalones, se denomina crepis o Krepis y sirve para aislar el edificio del
suelo y anivelar, los dos primeros escalones se consideran estereóbatos y el más
elevado estilóbato; entre la columna y la basa de la columna hay un plinto, la
columna tiene basa, formada por dos toros (parte convexa) y una escocia
(cóncava) que se denomina basa ática. El fuste carece de éntasis y presenta
acanaladuras. El capitel presenta dos volutas y en el interior a modo de collarino
presenta decoración de corazones…. El entablamento tiene un arquitrabe de tres
platabandas que sobresalen gradualmente hacía fuera conforme ascendemos,
un friso con decoración escultórica corrida y una cornisa. El tejado a dos aguas y
crea un frontón triangular que alberga decoración escultórica en su interior
(tímpano) y en el tejado presentaba acróteras (elementos decorativos).
 El orden corintio. Nace en el período clásico, siglo V, tuvo gran importancia en
época helenística y romana. Los elementos son iguales a los del jónico, varía el
capitel, decorado con hojas de acanto, de las que salen caulículos (pequeñas
volutas).

b. Principales tipos de edificios

b.1. El templo
El templo es el tipo de edificación más representativa de la arquitectura griega.
El templo era la construcción religiosa más destacada; construido en honor de los
dioses de la ciudad, se suele situar en la acrópolis (Ciudad alta), en su interior se guarda
la imagen divina. En un principio se levantaron en madera, y posteriormente, en el
siglo VII a. C en piedra o mármol y presentaba policromía que se ha perdido con el
tiempo. El templo griego es la casa de la divinidad por lo que acogía la estatua del Dios.
El culto y ceremonias se realizaban fuera del templo, de ahí que el exterior presente
el máximo esplendor y grandeza

Es el edificio más representativo de la arquitectura griega. De carácter adintelado, sus orígenes se

remontan al remoto templo de la época prehelénica que se llamaba mégaron.
Como características del templo griego podemos citar:
1. Dimensiones humanas. Al contrario que las construcciones de Egipto o Mesopotamia el templo
griego no tiene unas dimensiones colosales.
2. Proporcionalidad. Al igual que en el cuerpo humano las distintas partes son proporcionales entre
sí, de tal manera que una mano tiene unas dimensiones según la altura y el tamaño del cuerpo, así
cada parte del templo cumple unas relaciones de proporción similares.
3. Simetría. Está relacionada con la anterior, si trazamos un eje el templo es simétrico a ambos lados.
4. Método científico-matemático. El templo es el resultado de laboriosos cálculos y nada queda al
azar ni a la improvisación, un templo es un ejercicio de geometría y cálculo, las dimensiones son
exactas y en esto radica la perfección, no podía ser menos en un pueblo que coloca a la razón por
encima de todo.
5. Equilibrio y armonía. De lo anterior se deduce la armonía y equilibrio que vienen a equivaler a
que al templo no le falta nada ni le sobra nada.
6. En cuanto a los materiales podemos decir que en la época más remota utilizaron la madera, la
piedra sustituyó a la madera y más tarde el mármol se convirtió en el material principal.
8. Decoración. El templo estaba decorado con esculturas y relieves, pero también estaba pintado con
colores vivos que se han perdido con el paso del tiempo.
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Si nos fijamos en el número y colocación de las columnas podemos apreciar varios modelos:
Para clasificar un templo griego debemos fijarnos en varios aspectos importantes, uno de
ellos es el orden al que pertenece, otro la planta y por último la distribución de las
columnas.
 Por lo que se refiere a la planta, principalmente es rectangular pero también nos
encontramos templos circulares (Tholos); en el templo griego existían tres
habitaciones fundamentales: la naos, espacio de forma cuadrada en cuyo interior
se colocabala escultura de la deidad, la pronaos, que antecedía a la naos y el
opistódomos, pórtico posterior sin comunicación con la naos que servía para
guardar el tesoro y los objetos de culto. Estos espacios estaban generalmente
rodados por unas columnas que forman el peristilo.

 En lo que concierne a las columnas, es necesario analizar tanto su distribución,

como el número de columnas que presenta en su frente.
Según su distribución nos encontramos:
• In antis, cuando sólo tiene columnas entre las antas.
• Próstilo, cuando sólo tiene columnas delante de una fachada menor.
• Anfipróstilo, cuando tiene columnas en sus dos lados menores.
• Períptero, cuando está rodeado de columnas por sus cuatro lados.
• Pseudoperíptero: cuando las columnas están adosados al muro de la cella.
• Díptero, cuando está totalmente rodeado por dos filas de columnas.
• Monóptero o Tholos (tholoi en plural), templo circular rodeado de
columnas.

• En lo relativo al número de columnas frontales podemos hablar de tetrástilo, si

tiene cuatro, hexástilo, si tiene seis, octásilo, sin son ocho, decástilo, sin son diez,
dodecástilo sin son doce… en el lateral del edificio siempre tienen el doble del
frontal más una.
Generalmente siempre hay un número par de columnas en los frentes menores,
pero en la Época Arcaica en ocasiones son impares.

Para que los templos resultaran perfectos a nuestros ojos, los griegos
introdujeron una serie de correcciones ópticas. Estas correcciones se fundamentaban
en una gran observación y en un fuerte análisis que produce, aunque pueda resultar
paradójico, una cierta separación de la rigurosa aplicación de la matemática que supone
un templo griego. Estas estaban destinadas a corregir las posibles imperfecciones en la
percepción de estas construcciones debidas a los efectos ópticos. Las correcciones son
las siguientes:
-En primer lugar curvan el entablamento y el último escalón del mismo para que
se pudiera percibir totalmente recto.
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-Los espacios de los intercolumnios varían sensiblemente de unos a otros.

Además las columnas podían estar ligeramente inclinadas hacia dentro.
-Los fustes de las columnas son más gruesos en la parte central con la finalidad
de contrarrestar el efecto de adelgazamiento que produce la luz. Esto se denomina
éntasis.
Por último señalar que los templos griegos se completaban con una esmerada
policromía.
b.2. Otros tipos de edificios

El pueblo helénico, además de esa obra maestra de la arquitectura que es el

templo, crea otros prototipos no menos influyentes en épocas posteriores; estos
edificios expresan sin duda la idiosincrasia de la civilización griega.

 El teatro, como género literario, es creación griega, y creación griega es

también el espacio destinado a su representación. Lo construían sobre la
ladera de montañas. Sobre su trascendencia para el futuro sólo es preciso
recordar que los nuestros continúan ajustándose a las normas entonces
establecidas. Consta el teatro griego de tres partes esenciales: la escena,
la orquesta y la gradería para el público. Uno de los teatros más
importantes es el de Epidauro, obra de Policleto el Joven (La escena no
tiene aún la importancia que adquiere en su versión romana, se encuentra
a nivel de tierra. La orquestra, de planta circular, es la parte dedicada al
coro y tiene en su centro el altar de Dionisios, en cuyo honor se celebra la
fiesta. Destinada al público, la gradería es la planta ultra semicircular y
rodea en gran partea la orquesta ).
 De forma análoga al teatro es el odeón o edifico consagrado
exclusivamente a las audiciones musicales. Sirva de ejemplo el odeón de
Herodes Ático en Atenas.
 El gusto del pueblo griego por los deportes da vida u otro tipo de edificio
dedicado a espectáculos públicos. El estadio, o pista para contemplar las
carreras de carros y ejercicios gimnásticos, recibe su nombre de la medida
de longitud de unos doscientos metros que suele tener. Son de forma
rectangular muy alargada, con graderías en sus lados mayores y un
testero semicircular. El hipódromo, destinado a las carreras de caballos y
carros, aunque de proporciones mayores, presenta análogas
características. Complemento de estas dos clases de construcciones son
los gimnasios y palestras, en los que los atletas se preparan para aquellos
ejercicios.
En las ciudades abundan los lugares de reunión:
 El ágora, gran espacio abierto, rodeado de columnas, las estoas o largos
pórticos, incluso de dos naves, destinados al descanso y a la conversación
callejera y los bouleterios donde se celebraban asambleas.
Asimismo las ciudades se completan con edificios de diversas función, tales como:
 Las puertas monumentales o propíleos, o monumentos conmemorativos, como
la linterna de Lisícrates o el famoso faro de Alejandría

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3. ETAPAS DE LA ARQUITECTURA GRIEGA.

3.1. El período arcaico (siglos VII Y VI)

Durante este período comienza a generalizarse el empleo de piedra en arquitectura.

Es característica general en todos ellos la primacía del estilo dórico, cuyas columnas
aparecen hinchadas (éntasis muy marcado) y los ábacos muy volados, rasgos de
arcaísmo, son edificios muy pesados. Los templos son estrechos y largos que no guardan
la proporción, nos podemos encontrar incluso templos que presentan columnas impares
en su lado más corto, Ejemplos señalados son el gran templo de Poseidón en Paestum,
todavía bastante arcaico y el de Zeus en Agrigento o Templo de Apolo en Thermos;
Templo de Hera en Olimpia (Heraion); Templo de Hera en Paestum.
Entre los templos de orden jónico, muy escasos en Época Arcaica, destaca el Artemision
de Éfeso,

Algunos de los edificios más interesantes se encuentran dentro de santuarios,

centros de peregrinación y asamblea que se sitúan en distintos puntos del territorio
griego. Los santuarios eran conjuntos arquitectónicos de gran importancia, y constaban
de numerosos edificios, tanto civiles como religiosos. El conjunto que podía ser de gran
extensión se encontraba rodeado por una muralla y también tenían puertas
monumentales o propileos. No todos los santuarios griegos tenían la mismaimportancia,
los dos más señalados eran los de Delfos y los de Olimpia que ejercían su influencia sobre
todo el territorio griego.
En Olimpia se encuentra algunos de los templos más acreditados del período.
Uno de ellos es el templo de Hera en Olimpia, obra de barro y carpintería. El Heraion
levantado en el siglo VII a C es un edificio in antis y períptero, dividido en pronaos, cella
y opistodomos ; sus paredes de adobe descansan sobre un zócalo de sillares de un metro
de altura. Las columnas, originalmente eran troncos de árbol, que posteriormentefueron
reemplazadas por otras de piedra.
Los Tesoros son típicos de la transición entre esta época y el período siguiente:
son pequeños templos, muy sencillos, que se encuentran en los Santuarios de
Peregrinaje. Desataca el Tesoro de los Atenienses o Tesoro de los Sifnios, ambos en
Delfos

Además de los templos ya señalados, los templos dóricos más interesantes del
período se encuentran en la Acrópolis de Atenas, allí en un estilo dórico arcaico fue
levantado el templo de Atenea en el siglo VI a de C. De este templo en la actualidad no
queda nada, salvo vestigios arqueológicos y restos de su decoración escultórica.
La época arcaica es sin duda la del predominio del orden dórico, aunque tenemos
algunos ejemplos de jónico primitivo, entre los cuales destacan el Artemisión de Efeso y
el Heraon de Samos.

3.2. El período clásico Segunda mitad del siglo V hasta finales del siglo IV

Durante el período clásico el centro artístico de Grecia fue Atenas. Este hecho no
es ajeno al destacado papel político que desempeñó la polis ateniense durante este
período.
Tras las Guerras Medicas se forma la liga ático-délica, el dinero aportado por
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todos sus miembros y custodiado por los atenienses sirvió para embellecer y
engrandecer la ciudad. (Desde finales del siglo VI a C, los persas amenazan las polis
griegas, los enfrentamientos entre persas y griegos se denominan Guerras médicas y
concluyen en el año 448 con la victoria griega. En estas guerras, Atenas desempeña un
papel destacado, lo que le va a proporcionar un papel hegemónico dentro de la Hélade.
Ejemplo de esta hegemonía es la formación de la citada Liga de Delos que agrupaba a
varias ciudades bajo el liderazgo de Atenas ).
La Acrópolis recibe una atención especial, dado que es el lugar más importante
de la ciudad desde épocas remotas. Todas las ciudades griegas tenían su propia
acrópolis, una colina fortificada que en caso de emergencia era utilizada como último
refugio por los habitantes del lugar. De estas la más famosa fue la Acrópolis de Atenas,
la cual con el tiempo monopolizó asimismo el significado de la palabra .Originalmente la
Acrópolis fue el lugar de residencia de los atenienses si bien, desde época arcaica en ella
sólo se encontraban los santuarios, quedó como ciudad de los dioses, pues la población
prefería vivir en la llanura circundante. En el año 480 a de C. los persas capturaron Atenas
y destruyeron la acrópolis.Las obras de reconstrucción no comenzaron hasta treinta años
después, en el 450 a de C; en ese momento Atenas se encontraba en la cima de su poder,
ejercía una hegemonía incuestionable sobre la mayoría de las polis griegas y disponía de
los recursos económicos necesarios. El impulsor de este programa fue Pericles quien lo
concibió junto a algunos amigos como el filósofo Anaxágoras o el escultor Fidias que
fue nombrado supervisor general de las obras.
Los edificios más señalados son: Los propileos (432), El Partenon (447-432) el templo de
Atenea Niké o Niké áptera (421), el Erecteion (421-406):
• Propileos: Es la entrada monumental al conjunto sagrado de la Acrópolis. Realizado
en torno al año 437 a.C. por Mnesicles. Se presentaban como la fachada de un
templo próstilo y hexástilo dispuesto a dos niveles. Contaba con dos pórticos, o alas,
en los laterales concebidos para permitir el acceso a dos estancias, de las cuales
solamente se llegaría a construir la correspondiente al lado norte, la cual cumplía las
funciones de pinacoteca. El resto del edificio no se terminó.
El arquitecto construyó las fachadas y los pórticos laterales en orden dórico y el
corredor interior, que constituye el acceso propiamente dicho, en orden jónico. Algo
novedoso fue la solución de las alas laterales situadas más bajas que la fachada
principal.
• Una vez atravesados los Propileos, aparecía en el centro una gran escultura de
Atenea Promakos, fue una estatua de bronce realizada por Fidias en la Acrópolis de
Atenas. Promacos significa que combate en primera línea de batalla. Se calcula que
medía unos 15 metros de altura, en base al pedestal donde estaba situada esta
estatua y que todavía se conserva entre el Erecteión y el Partenón, no se ha
conservado y de la que únicamente resta la base. A ambos lados de esta escultura se
disponían el Partenón, a la parte sur, y, al norte, el templo del Erecteion, sin duda,
los dos monumentos más importantes de la Acrópolis.
 EVAU. El Partenón: Es el templo más importante de la Acrópolis. Se realizó en el
447a.C., momento de esplendor de Pericles. Obra cumbre del conjunto, realizada
por los arquitectos Ictinos y Calícrates y el escultor Fidias; Construido en mármol
blanco del Pentélico. Es un templo dedicado a Atenea Parthenos (10 metros,
sostenía en la mano la Victoria o Niké y su escudo; realizada en oro y marfil
(crisoelefantina)), fundadora de Atenas.

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Exterior: la fachada principal del templo mira a oriente, el punto por el que nace el
sol. Sobre una Krepis culminado por el estilóbato se levantan sin base, las columnas
dóricas que presiden el Partenón. Sus fustes son robustos, de poca altura y unidos
visualmente por estrías de arista viva. Llegan al capitel a través de una moldura, el
collarino. El capitel de formas sencillas, se compone de equino y ábaco.
Sigue el entablamento: el arquitrabe, liso y sin decoración; el friso dividido en
triglifos y metopas; y la cornisa, sobre la que se alza el frontón. Remataba el
Panteón una cubierta inclinada a dos aguas.
En su época el Partenón deslumbraba por el contraste entre la blancura del mármol
y la policromía de sus partes altas, que estaban policromadas.
Planta: el Partenón es un edificio dórico, octástilo (con 8 columnas en las fachadas),
con dos pórticos interiores hexástilos (de 6 columnas), y períptero al estar
completamente rodeado de columnas. La planta es rectangular; cuenta con
pronaos, una naos o cella y opistodomos. Rodea el exterior de la naos él Friso de
las Panateneas.
En el interior de la naos se encontraba la famosísima estatua criselefantina (de oro
y marfil) de la diosa Atenea, de 12,8 m de altura, realizada por Fidias. Constaba de
una columnata interior en forma de U que parecía acoger a la diosa. La sala menor,
el opistódomo estaba formado en su interior por cuatro columnas jónicas. En su
interior se guardaba el tesoro del templo.
El Partenón ilustra la búsqueda de la perfección a través de las matemáticas,
proporción y armonía.
Pero los arquitectos Ictinos y Calícrates, fueron más allá y otro objetivo fue
conseguir la perfección visual y la armonía visual, a través de las correcciones
ópticas como el éntasis, las columnas de los extremos están más separadas, tienen
un diámetro mayor que las demás y se inclinan hacia dentro y el entablamento y el
estilóbato se curvan con el fin de que sean percibidos como rectas perfectas.
El Partenón formaba parte del ambicioso proyecto de Pericles para reconstruir la
Acrópolis, destruida por los persas. No se trataba de un templo de culto, ya que no
tenía altar, sino de una monumental ofrenda a Atenea en agradecimiento a sus
favores.
El Partenón tuvo distintos usos a lo largo del tiempo primero fue un templo
cristiano, después se convirtió en mezquita y más tarde, en el siglo XVII, fue usado
por los turcos como polvorín. Mientras se utilizaba como polvorín fue alcanzado
por una bomba y su parte central quedó destruida, también sufrió un terremoto lo
que dificulta su situación.

 EVAU. El templo de Atenea Niké: Es uno de los primeros exponentes del arte jónico
de Grecia; anfipróstilo y tetrástilo, con dos pilares entre las antas en lugar de
columnas (in antis). El entablamento está compuesto de un arquitrabe (con tres
franjas que aumentan de tamaño a medida que se superponen la una sobre la otra),
un friso (con relieves continuos y sin las metopas y triglifos del orden dórico) y una
cornisa ( parecida a la dórica) . Sobre el entablamento se elevaban el frontón.
Estaba coronado por una cubierta a dos aguas y acróteras. Llama la atención el friso
esculpido y continuo que rodea el edificio donde se representa a la lucha entre griegos y
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persas y también muestran a la diosa Victoria .

También conocido como templo de Niké Áptera o de la Victoria Áptera, victoria
sin alas, con el convencimiento de que la Victoria ya no volaría más y se quedaría
para siempre en Atenas. Se encuentra en un promontorio adelantado en la parte
sur occidental de la Acrópolis y se dispuso construirlo con el tratado de paz con los
persas, pero no se inició hasta el 427 a.C., a cargo de Calícrates.
(En el comentario debemos añadir que está construido de sillares de mármol
isódomo, que presenta Krepis, la columna tiene basa ática… e ir subiendo hacia
arriba)
 EVAU. El Erecteion (TRIBUNA DE LAS CARIÁTIDES): El Erecteion fue levantado en
el 421 a.C. y su autor probablemente fue Mnesiclés. Dedicado a Atenea Polias, a
Poseidón y a Erecteo entre otros. Como conmemora el lugar donde se produjo la
lucha entre Atenea y Poseidón por el dominio del Ática, hay un olivo en el lado
occidental.
Muy original dentro de la arquitectura griega debido a que se tuvo que ajustar a las
irregularidades del terreno, es un templo múltiple que consta de varias naos y por
tanto también de varios pórticos
El templo del Erecteion es la última obra realizada en la Acrópolis. La topografía
accidentada y la necesidad de conservar los vestigios de viejos santuarios obligaron
a sus artífices a adoptar un espíritu totalmente innovador en su concepción.
Máximo exponente del estilo jónico.
Planta e interior: el templo se caracteriza por su planta irregular, fruto de las
irregularidades topográficas y a la existencia de otra arquitectura existente ya.
Para ser más exactos deberíamos considerar al Erecteion como la unión de varios
templos. El santuario de Atenea es la estancia orientada a levante y que viene
precedido por un primer pórtico hexástilo, este templo no se comunica con el
resto.
El segundo templo, dedicado a Poseidón, Erecteo y Cécrope, se vio obligado a abrir
su pórtico al norte, ya que el legendario olivo de Atenea estaba situado en la que
hubiera sido su fachada natural. Así, en el lado norte, y a un nivel inferior, se
construyó este segundo pórtico con 6 columnas jónicas. En el lado sur está el tercer
pórtico presidido por la famosa tribuna de las Cariátides; sin entrada desde el
exterior.
La denominación de “pórtico de las Cariátides” proviene de las mujeres de Caria
(ciudad aliada de los persas contra los griegos durante las Guerras Médicas), cuya
esclavización se rememoraba al representarse como soportes de los edificios
públicos.
Exterior: desconcierta por su distribución a diferentes niveles. A primera vista
destacan las espléndidas columnas, adosadas o no, que presiden la construcción.
Se trata de las columnas jónicas y las cariátides, actualmente muy deterioradas.
El edificio está rodeado por un entablamento que consta de arquitrabe (formado
por tres franjas superpuestas), friso (con relieve continuo) y cornisa (similar a la
dórica). Originalmente el templo también constaba de frontón y cubierta a dos
aguas.

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En esta periodo, se desarrolló mucho el urbanismo, donde podemos destacar a

Hipódamo de Mileto.
En el siglo IV Atenas pierde importancia como centro arquitectónico, esto se
debe a varias razones, entre ellas el oscurecimiento político de Atenas, tras su derrota
en la Guerra del Peloponeso. (La guerra del Peloponeso enfrenta entre el año 431 y el
404 a atenienses y espartanos. La derrota de los atenienses en Egospótamos puso fin a
la contienda y dio paso a la supremacía de Esparta) .
Donde podemos destacar Tholos del Santuario de Delfos, monóptero, de naos
circular rodeada de columnas dóricas en el exterior y una columnata corintia en el
interior, entre el 390 y el 380 a.C

3.3.- El período helenístico. Siglo IV-siglo I a. J.C

Cronología: Se inicia con la muerte de Alejandro Magno el 323 a.C. y termina con la
conquista de Grecia por Roma en el 31 a.C.
Es una época de expansión de las fronteras griegas, lo que tendrá como consecuencia que
la cultura griega se extienda por amplias regiones con las conquistas de Alejandro Magno,
pero como contrapartida se produce la pérdida de la unidad del mundo heleno y un cierto
eclecticismo, al tomar elementos de distintos lugares ajenos a la propia Grecia.
En el periodo helenístico se difundieron las formas helénicas por el antiguo Imperio Persa,
pero a su vez el arte griego se impregnó de la estética de los pueblos conquistados. Por
influencia oriental, se acentuó la decoración y se tendió al colosalismo. Los órdenes se
emplearon con mayor libertad, dándose preferencia al corintio, mezcla de materiales,
mayor suntuosidad y los órdenes pierden su rigidez.
En conjunto la arquitectura en esta época comienza a perder parte de la esencia del arte
clásico fruto de la expansión de Grecia por territorios con un concepto del arte y la belleza
sustancialmente distinto.
De esta época podemos destacar las siguientes obras:
• Templo de Zeus Olímpico en Atenas (Olimpeion), enorme, de 41 por 107 metros,
con más de 100 columnas de 17,20 metros de altura de orden corintio, del siglo II
a.C., pero terminado en el siglo II d.C. por el emperador romano Adriano.
• Altar de Zeus en el Acrópolis de Pérgamo. Durante la época helenística, la ciudad
de Pérgamo adquirió una notable importancia. Su acrópolis se situaba en una colina
de 310 metros de altura, acogía a diversos edificios públicos, templos…y entre ellos
el gran altar de Zeus. Siglo II a.C. mezcla lo arquitectónico y lo escultórico, es un
altar rodeado por una estructura en forma de "U" de columnas jónicas, levantado
sobre un alto zócalo decorado con relieves corridos y al que se accede por una
monumental escalinata.
El friso adornaba las pareces exteriores del podio sobre el que se asienta el altar.
Está decorado con una gigantomaquia, es decir, una lucha encarnizada entre
dioses y gigantes. Formato: altorrelieve. Las esculturas muestran patetismo, el
conglomerado de figuras se retuercen dramáticamente y muestran exagerados
escorzos. El ritmo es violento, convulso, acentuado por las musculaturas en
tensión y las vestiduras desplegadas en todas direcciones. Las expresiones faciales
se mostraban torturadas en los rostros de los vencidos( cuyos ojos se salían de las
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órbitas) en claro contraste con la serenidad de los dioses.

Planta: la planta era prácticamente cuadrada y la fachada que se conserva daba
acceso a un patio cerrado en el interior del cual se encontraba el altar de los
sacrificios.
 EVAU. Teatro de Epidauro, el más grande del mundo griego, colosal y
monumental lo que nos habla de que pertenece al primer helenismo.
El teatro griego se organiza alrededor de la orchestra, área circular y plana donde
el coro cantaba y bailaba. La cávea, o gradería, rodea en semicírculo a la
orchestra; es el espacio destinado al público. Diversos escaleras que ascienden
radialmente la dividen en sectores. La escena, que cierra el otro lado de la
orchestra se utilizaba por los actores para actuar y también se localizan los
almacenes y vestuarios y también se encontraba el proscenio, plataforma
elevada, situada entre el edificio de la escena y la orchestra, donde también
actuaban los actores.
Aprovecha la inclinación de la colina para construir su cávea y presenta una
acústica inmejorable.
Este tipo de edificios tuvieron un origen religioso, en honor de Dionisio, dios del
vino y comenzaron a construirse tras el período clásico.

TEATRO DE EPIDAURO
autor: se atribuye a Policleto el Joven
Cronología: Siglo IV a.C.
Estilo: arquitectura griega PERIODO HELENÍSTICO
Tipología: edificio civil , ocio

El teatro tiene una capacidad para unas 15.000 personas y su construcción se

relaciona con la afluencia de personas a Epidauro al santuario de Asclepio , dios
vinculado ocn la medicina

ANÁLISIS
El teatro griego aprovecha la inclinación natural para su ubicación y constaba de las
siguientes partes:

- La parte fundamental es la ORCHESTRA de forma circular, donde se cantaba,

recitaba, bailaba,,

- la CÁVEA tiene forma ultrasemicircular y se construye aprovechando la pendiente,

como se observa tiene dos zonas y a su vez se divide en sectores , en la parte baja
existían asientos para las autoridades.

- LA ESCENA en posición tangente a la orchestra con funciones de almacen y vestuarios

- el PROSCENIO espacio algo elevado reservado para los actores situado entre la escena

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y la orchestra

El teatro cumple con la idea de proporción : La visión del teatro es teóricamente

simétrica pero para lograr este objetivo existen correcciones con pequeñas diferencias
en la anchura de los sectores de la cavea y en su curvatura

Su gran tamaño indica ya una influencia de los gustos del helenismo, tendencia al
colosalismo, aunque se conserva el gusto por mantener la armonía

Es un espacio jerarquizado con asientos reservados para las autoridades .

El teatro tiene una acústica impresionante desde los últimos asientos se escucha como
se habla en la orchestra , parece que esta acústica se debe a la forma de construir los
asientos de las gradas.

CONTEXTO
Este teatro pertenece a la etapa helenística último tercio del s. IV al s. I a. C.,
marcado por la figura de Alejandro Magno ,por la conquista de Oriente. Por una parte se
difunde la cultura griega pero por otra parte llegan conceptos de las civilizacióens
orientales como son el COLOSALISMO Y UN INTERÉS POR LO DECORATIVO.

El origen del teatro se relaciona con el culto a Dionisos. Cuando surgió el teatro en el
siglo V a.C. esta palabra hacía alusión a una de las partes que la componían al graderio
construido aprovechando la inclinación de una colina y que se solía dividir en dos partes
por un pasillo; , en la orchestra de forma circular exístía un altar en honor al dios
Dionisos, en ella el coro recitaba, bailaba, cantaba. Detrás se encontraba una pequeña
escena que hacia las veces de bastidor, camerino a la que se accedía por unas escaleras y
delante un pequeño proscenio Además disponíán de recursos para que se utilizaban en
las grandes obras como púlpitos para los dioses del cielo o escaleras subterráneas por
donde aparecían los dioses del Hades.

Los actores llevaban peluca, máscaras y vestimentas oscuras o alegres según

representaran tragedias o comedias, en las tragedias solían llevar unos zuecos

Con el paso del tiempo fue creciendo la importancia de los actores y con ella la del
proscenio que ya se observa en el teatro de Epidauro

El teatro romano es heredero del griego pero se perciben cambios como la orchestra
que es semicircular y pequeña por su papel secundario y mayor desarrollo del
proscenio por la mayor importancia de los actores y de la frons scena
• Mausoleo de Halicarnaso: Construido en forma de templete jónico períptero,
sobre un alto podium decorado con frisos escultóricos y rematado con una
pirámide escalonada, del 352 a.C . Tumba de Mausolo
• Faro de Alejandría
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LA ESCULTURA GRIEGA. CARACTERÍSTICAS Y EVOLUCIÓN

1. CARACTERÍSTICAS GENERALES
La mayoría de la escultura griega desapareció con el tiempo, aunque en la época romana
se copiaron y reprodujeron muchos modelos griegos que hoy conservamos.
Entre las principales características de la escultura griega destacamos:
Su carácter ornamental. Así se empleaba en la decoración de los templos
(frisos y tímpanos), en monumentos funerarios y como escultura exenta.
El tema fundamental era la representación del cuerpo humano, para el que
emplearon un canon cuyo módulo era la cabeza. Se trataba de un estudio
de la anatomía humana.
 En las representaciones humanas buscaban la belleza, que recaía en la
proporción y armonía entre las diferentes partes y la idealización del cuerpo.
 Naturalismo (interés por reproducir la realidad con fidelidad), aunque poco
a poco la escultura tenderá hacia la idealización.
 El mármol y el bronce fueron los materiales más utilizados en la escultura.
También nos podemos encontrar esculturas realizadas de oro y marfil
conocidas como crisoelefantinas.
 La técnica empleada principal fue la talla pero en aquellas esculturas de
bronce utilizaban la técnica de la cera perdida.
 Las figuras aparecían policromadas con suaves colores.
Preocupación por la representación del volumen, rompiendo para ello con
la frontalidad egipcia, de ello que la mayor parte de la escultura sea exenta
(salvo los frisos y los frontones con sus relieves).
La escultura recibe influencia de otros pueblos como Egipto y orientales
como Mesopotamia, sobre todo en la época arcaica, y posteriormente
evolucionará y dejará atrás dicha influencia pasando por la etapa clásica y
helenística.

2. EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA. ETAPAS

3.1. ETAPA ARCAICA
La escultura de la etapa arcaica. presenta una clara influencia oriental, en especial egipcia
y mesopotámica y de unas primeras esculturas realizadas en madera en Grecia
denominadas XOANAS, que no nos han quedado ninguna. Las estatuas más antiguas se
caracterizan por su rigidez y posición frontal de los cuerpos. Las dos tipologías, en bulto
redondo, que predominaron fueron: Los Kuroi y las Korai también nos encontramos
relieve decorativo; que van a presentar las siguientes características:
– Influencia del mundo oriental y Egipto en el hieratismo
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– Las figuras son hieráticas, se presentan de pie con la pierna izquierda

adelantada, en posición de marcha y los brazos pegados al cuerpo.
– Son de cuerpo entero.
– Ley de frontalidad.
– Modelado sencillo y de fuerte geometrización.
– Poco movimiento, aunque representan una pierna adelantada no
consiguen la sensación de movimiento.
– Grandes ojos almendrados.
– Sonrisa arcaica
– Pómulos muy marcados y salientes.
– Larga cabelleras de elementos geométricos.
– Mirada fija en un punto.
El kuros, es un joven atleta, de carácter votivo, es decir, de agradecimiento a los dioses por haber
vencido en los Juegos Olímpicos, que se representa desnudo porque para los griegos la perfección
es la desnudez. Son imágenes estáticas que aparecen con un pie adelantado y los puños
pegados al cuerpo. Sin movilidad ni expresión, las figuras obedecen a la ley de la
frontalidad, como las estatuas de Egipto, hieratismo. Sus largas cabelleras caen sobre la
espalda. En un intento de darle expresión al kuros, arquean hacia arriba el labio superior,
lo que origina la característica sonrisa arcaica y ojos almendrados y una anatomía muy
plana y geométrica. Ejemplos: kuros de Anavissos, Cleobis y Bitón, El moscóforo más
original por que lleva un ternero a los hombres o el Jinete Rampín que va a caballo o
Apolo de Piombino.
 EVAU. Kuros de Anavissos:
Cronología: HACIA 530 a.C. siglo VI
Material: Mármol
Procedimiento: Talla
Tipología: Escultura de bulto redondo , exenta
Dimensiones: 1.94
Estilo : arte griego , periodo o época arcaica
Fue hallado en Anavyssos en la región del Ática
Localización actual: Museo Arqueológico Nacional de Atenas

Por las inscripciones se sabe que es una estatua funeraria del joven Kroyssos que murió
de forma heroica en combate. Se sitúa en la etapa final de la época arcaica y presenta
cierta evolución en relación a los hermanos Cleobis y Bitón encontrados en Delfos que
corresponden hacia el años 600 a.C. , Anavyssos tiene formas menos rígidas y brazos algo
separados del cuerpo.
ANÁLISIS FORMAL.
Las características que presenta dicha escultura, son las típicas de la escultura arcaica:

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El material es el mármol probablemente estaba policromado

La sensación de masa es de algo pesada y la sensación táctil que proporciona es de
una superficie algo ruda.
El kouros presenta una serie de convencionalismos de herencia egipcia.
- Es una figura de bulto redondo suelen ser esculturas bloques que solo admiten la
visión frontal. En este caso al ser de la etapa final de la época arcaica también se trabaja la
parte posterior como el pelo , no obstante la mejor visión sigue siendo la frontal,

- Simetría , una línea que pase por la parte media de la frente, nariz y ombligo y parte
inguinal divide a la imagen en dos partes iguales

- Hieratismo formas compactas y rígidas con los brazos pegados al cuerpo, los puños
cerrados y la mirada al frente. , en este caso ya se observa cierta separación de los brazos.
- Estatismo ya que únicamente desplaza un poco la pierna izquierda para sugerir
movimiento, pero sin conseguir la sensación de desplazamiento

- Representación de la anatomía simple, plana, ruda y geometrizada: torax

abombado trapezoidal de gran anchura, contrasta con un abdomen reducido (se observa
esto muy bien en los gemelos Cleobis y Bitón) , pectorales en forma de W que se equilibran
con la W invertida de los hombros; los brazos y las piernas presentan forma cilíndrica
- Difícil representación de las rodillas dándole forma de trapecio invertido o
romboidal.

- Ojos almendrados y sonrisa “ arcaica”

COMENTARIO
Pertenece a la época arcaica siglo VIII al VI es la época de las colonizaciones por el
Mediterráneo y el predominio de formas políticas en las polis como la oligarquía y los
valores culturales que entienden la virtud como medida en la guerra. Es el periodo de
formación con los primeros templos y los primeros desnudos que indican ya la originalidad
del antropocentrismo que se observa en los kouroi.

En esta etapa surgen santuarios sufragados por la oligarquía o la comunidad como el

de Delfos o el de Olimpia .
Función o funciones.
Los kouroi aparecen hacia el siglo VII a.C, son figuras masculinas desnudas ,
idealizadas cuyas funciones serían representar a un dios joven , a un atleta o exvoto con
función funeraria.
Desde el punto de vista estético se observan influencias de Egipto: rigidez, ojos
almendrados, pero se huye del colosalismo oriental, y aparecen elementos ya propiamente
griegos: el desnudo símbolo de antropocentrismo.

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La korai, doncella vestida en pie, portadoras de ofrendas, está cubierta con túnicas que se
ajustan al cuerpo. Comparten las anteriores características citadas: En su rostro aparece la
sonrisa arcaica, su pelo está trenzado y en zigzag muy geométrico, y lleva manto y túnica
de pliegues, ropa típica griega, donde podemos destacar:
Dama de Auxerre: siglo VII a.C. Una de las primeras esculturas de bulto redondo
de la época arcaica, realizada en piedra caliza, escultura votiva (aparecían en los
templos – recuerdan a las Xoanas). Vestida con el peplo dórico y un cinturón que ciñe
la cintura y sobre los hombros un manto corto. El cuerpo de la mujer está tenso bajo
el peplo. Se aprecia la anatomía de la mujer. Actitud hierática, estatismo, ojos
almendrados, sonrisa arcaica. Los rizos del cabello son muy geométricos, ley de
frontalidad, manos y pies desproporcionados, poco expresiva… etc.
El cuerpo humano casi se reduce a un tablero de mármol, con un leve estrechamiento
a la altura de las caderas y un ligero abultamiento en el pecho.
El único gesto de movimiento es que se lleva la mano derecha al pecho. Observamos
que tanto la mano como los pies no son proporcionados.
Hera de Samos (570-550 a. C), todavía muy arcaica aunque se aprecia cierta
evolución; acéfala (sin cabeza). Con chitón (túnica ceñida con arrugas muy finas) e
himatión (manto con canales o surcos y cuelga de un lado más que de otro). Figura
cilíndrica.
Koré del peplo (530 a. C): Obra maestra de la escultura arcaica, sacerdotisa
portadora de una ofrenda, la Kore viste con suma sencillez y elegancia un peplo y
lleva un peinado de trenzas largas que cuelgan por delante. Conserva restos de
policromía en el pelo, ojos, boca y bordados del vestido, rasgo que unido a la
extraordinaria calidad del modelado. Más evolucionada, ley de frontalidad,
influencia egipcia…
Dentro de la escultura monumental, que tiene como finalidad decorar sobre todo los
templos, podemos destacar el frontón del templo de Artemisa en Corfú, donde de
forma muy arcaica aparece representada la medusa Gorgona y animales como
panteras.

3.2. ETAPA CLÁSICA

El florecimiento económico y el afianzamiento político con Pericles en Atenas dieron lugar a grandes
obras maestras y la escultura alcanzó su máxima perfección. La escultura clásica se caracteriza por:
El abandono de la rigidez y el hieratismo de los tiempos arcaicos, son representaciones más
naturalistas y ya con movimiento, sin eje de simetría…
Buscan una belleza idealizada.
Son representaciones más naturalistas pero idealizadas.
El canon estará muy presente, al igual que la armonía y la proporción.
La representación de la acción pero el movimiento del cuerpo no se corresponde con la
expresión de la cara ya que expresan poco, se tratan de rostros que no representa emociones,
serenos, con la mirada perdida en un punto…
Los artistas tratan de dotar a sus figuras del movimiento. Se estudian la anatomía y la
musculatura.
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El tratamiento de las telas. Los pliegues se multiplican y se hacen transparentes. De este

modo se convierten en formas más naturales que acentúan las formas del cuerpo humano.
Los relieves reflejan un gran avance en el tratamiento de la perspectiva, de modo que las
figuras se muestran desde diversos planos. Se consigue reflejar la profundidad, lo que da
lugar a la tridimensionalidad.

El arte del siglo V a.C. cuenta con grandes artistas, como Mirón, Fidias y Policleto,
mientras que en el siglo IV a.C. destacan: Praxiteles, Escopas y Lisipo.

a) Primer Clasicismo o Periodo Severo (1ª mitad siglo V a.C.)

Algunos historiadores han señalado la existencia de una etapa entre la arcaica y la clásica que han
denominado estilo severo y corresponde a los primeros años del siglo V a.C. donde ya se observa el
cambio y el camino hacia el clasicismo. En esta etapa podemos destacar las obras tanto el bulto
redondo como relieve:
• EVAU Auriga de Delfos.
Cronología: Siglo V a. C. ca.474 a. C
Autor: Atribuida a Pitágoras de Regio
Material : Bronce,
Estilo clásico -severo
Localización actual : MUSEO DE DELFOS
Es una de las esculturas más importantes de la plástica griega. Es uno de los pocos
originales que se conservan de la escultura en metal. Técnica: fundición a la cera perdida.
Pertenece al período calificado de severo. Formaba parte de un grupo dedicado a Apolo
para conmemorar su victoria en una carrera de cuadrigas en Delfos.
El auriga es lo que queda de una obra encargada por el tirano de Gela , POLIZOLOS, para
conmemorar su victoria en una carrera de cuádrigas , por lo que sería un grupo escultórico.
Sin embargo la cuádriga y el propio tirano se han perdido
. El tema conmemorativo nos informa que en el santuario de Delfos se realizaban
competiciones, concursos deportivos, representaciones teatrales en los que participaban
todos los griegos.
Materiales. Es el bronce , procedimiento la fundición con la técnica de la cera perdida.
La pieza se fundió por partes y posteriormente se ensambló . Otros materiales son : los
ojos de vidrio de color, una diadema de plata y los labios recubiertos de cobre o plata

Las calidades táctiles son diferentes más rugosas en el cuerpo y más suaves en el
rostro . Estaba policromada

Su canon es natural a la medida del hombre abandonando el colosalismo de la

escultura egipcia.
El trabajo escultórico presenta dos partes claramente diferenciadas a lo largo del chitón,
que en realidad ocupa casi toda la pieza: la mitad superior está mucho más cuidada en su
trabajo, con una sucesión de pliegues todavía demasiado rectilíneos y paralelos, pero que
demuestran la tendencia general al mayor dinamismo y gran minuciosidad. Por el
contrario, la mitad inferior está trabajada con menos detalle. También el cabello corto ,
simple y plano, se trabaja con naturalismo y con una diadema también sencilla. Su rostro

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sereno denota todavía una cierta inexpresividad arcaica, pero también preludia una
belleza clásica, lejos ya del peinado y de las facciones de los kuroi. Transmisor de una
sensación de calma y serenidad que está ya en la línea de armonía idealizada que
caracteriza la escultura clásica. Los ojos rellenos de pasta vítrea blanca buscando más
realismo. Formaba parte de un grupo de cuadriga, pero solo se conserva el personaje que
conducía el carro y parte de éste. Muy estático, el único movimiento es que levanta la
mano con la que sujetaba las riendas.
• Tiranicidas: primer grupo escultórico, realizadas en mármol, anatomía más conseguida,
más natural, presentan más movimiento (contraposto inicial) pero sin expresión en la
mirada.
• O los guerreros de Riace.
• En relieve, podemos destacar el Trono Ludovici: se compone de tres relieves: el tema
principal es el Nacimiento de Afrodita y a ambos lados una flautista y una sacerdotisa.
Podemos observar la evolución hacia la etapa clásica: más natural, más movimiento…

b) Clasicismo Pleno (2ª mitad siglo V a.C.): Mirón, Fidias y Policleto.

Mirón: Broncista. Sus obras se conocen por copias romanas. Rompió con las convenciones de
la época arcaica y dotó de movimiento a las figuras, aunque no de expresión ni de estudio
psicológico. Su principal mérito consistió en representar el cuerpo humano en movimiento
lleno de tensión, con posturas forzadas y un tratamiento exquisito de la anatomía humana.
Entre sus obras más destacadas: El Discóbolo y el grupo de Atenea y el sátiro Marsias.
• EVAU. EL DISCÓBOLO: 450 a. C,
I. CLASIFICACIÓN.
Título: Discobolo
Autor: MIRÓN
Cronología: 45O a C.
Estilo :Escultura
griega. Periodo clásico
Tipología Escultura de bulto redondo, exenta
Museo nacional de Roma.

DESCRIPCIÓN: Representa a un joven atleta en el momento de lanzar el disco, en un

momento decisivo, con el brazo extendido y hacía atrás para coger fuerza. El cuerpo se
inclina hacia delante y gira con el brazo derecho alzado, mientras el brazo izquierdo se
apoya en la rodilla derecha. El artista acaba con el hieratismo de la época arcaica e
introduce el movimiento.
Cada miembro está tensado al máximo, lo que resalta aún más la musculatura. Sin
embargo, el rostro no muestra expresión alguna.
A pesar del dinamismo compositivo, la obra es bastante inexpresiva, no hay relación
alguna entre la tensión muscular y el esfuerzo físico que se le supone al atleta en el
momento de máxima concentración y la expresión del rostro, que parece ajeno a lo que el
cuerpo ejecuta.
La composición del Discóbolo se realiza a través de triángulos y curvas.
El efecto de movimiento se logra mediante los

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 HISTORIA DEL ARTE 2025/2026 20

esquemas compositivos con curvas contrapuestas : la cabeza, las caderas y una de las
piernas forman una semicircumferencia que se opone a la formada por los brazos Además
una línea quebrada o en zig-zag desde el disco -brazo-cuerpo para acabar en la pierna
izquierda.

El movimiento es captado en el instante en el que la mano está a punto de impulsar el

disco.. El dinamismo multiplica los puntos de vista y crea una escultura o composición
abierta especialmente lateral, que crea espacio- vacio o aire - entre su brazo izquierdo y
el cuerpo, incluso entre el disco y el espacio.

El material de esta copia romana de un original en bronce es el mármol con el

procedimiento de la talla. La original está perdida.

Es una figura proporcionada a la medida del hombre pero también idealizada y con un
canon esbelto.

El modelado resulta algo plano especialmente en el pelo y pectorales con lo que la

luz no crea efectos de clarooscuro, algo diferente sería en el bronce original pues la luz al
incidir produciría brillo. Se nos presenta monocroma , aunque probablemente el original
estuvo policromado.

Volumen. Se observa la influencia egipcia de los relieves egipcios con tronco de frente
y brazos y piernas de perfil

Se avanza hacia la perfección de la anatomía pero los músculos resultan algo planos
sobre todo en los brazos teniendo en cuenta el esfuerzo muscular que requiere la acción
atlética.

El tratamiento del pelo sin clarooscuro ni utilización del trépano es todavía arcaico.
Su rostro es algo inexpresivo y sorprende que no muestre el esfuerzo que está realizando
al contrario muestra serenidad

POLICLETO: También broncista. Publica su tratado titulado "Kanon", obra en la que realiza un
estudio de las medidas y proporciones del cuerpo humano. La belleza estaría en estas proporciones
(la altura total del cuerpo es siete veces la cabeza). Dicho autor centro su obra en crear
principalmente atletas.
Para Policleto la belleza se identifica con la proporción y elaboró una serie de reglas que había que
seguir para representar el cuerpo humano de forma perfecta. Dicho artista introduce en sus obras
el contraposto (posición del cuerpo en movimiento donde algunas partes están en reposo y otras
en tensión), que proporciona un movimiento armónico del cuerpo. Sus obras: Diadúmeno y
Doríforo.
EVAU. Doríforo. (450 a. C) copia en mármol de la original realizada en bronce. Es la mejor
expresión plástica de sus teorías.
Título: EL DORIFORO ( " portador de lanza")
Autor: POLICLETO
Dimensiones : 2,12 m
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Cronología: SIGLO V a.C

Estilo: Escultura griega, PERIODO CLÁSICO
Tipología . Es una copia romana de un original en bronce siendo una escultura de bulto
redondo y exenta

Su autor Policleto destacado broncista, que junto con Mirón y Fidias son los grandes
escultores del periodo clásico.
DESCRIPCIÓN: Es un atleta , Doriforo significa portador de lanza, que aparece desnudo ,
aspecto antropocéntrico, con un cuerpo fuerte y joven con un brazo caído y otro brazo
incompleto en el que llevaría la lanza.
La figura está en actitud de marcha, una pierna se adelanta mientras la otra más
atrasada se apoya sobre las puntas de los pies. La cabeza se encuentra ligeramente ladeada
hacia su derecha (nuestro lado izquierdo).
El rostro a pesar de que está realizando algún esfuerzo atlético manifiesta serenidad.
El Doríforo es la imagen idealizada de un joven atleta que camina con la lanza apoyada en
el hombro. El Doríforo camina, acaba de apoyar el pie derecho y se dispone a levantar el
izquierdo, que apenas roza el suelo. La actitud de esta estatua se rige por el equilibrio entre
miembros tensos y miembros distendidos: en el lado derecho, el brazo cuelga relajado
mientras la pierna sostiene el peso del cuerpo; en el izquierdo, el brazo está rígido y la
pierna, flexionada. Este equilibrio compensado entre las diferentes partes de la figura es
conocido como contrapposto, es decir, la contraposición entre una parte tensa y otra
relajada, que otorga un equilibrio dinámico a la figura. La composición es asimétrica. En el
Doríforo, Policleto plasmó la imagen idealizada de un atleta desnudo, para ello sigue su
canon considerando que la altura de la escultura debe ser 7 veces la cabeza.
• El Diadúmeno. 430 a. C. fue realizada en bronce y se conserva una copia realizada en
mármol. Posee unas características muy parecidas al anterior. Representa a un joven atleta
en el momento de ceñirse la cinta de la victoria. Escultura más dinámica.
Los dos brazos están levantados para ponerse la cinta alrededor de la frente. Tiene la pierna
derecha adelantada y estirada, y la izquierda más atrás y en ligera flexión; de esta manera
consigue crear el contraposto y la cabeza gira hacia la derecha. En rostro idealizado ya que
no muestra sentimiento, con la mirada fija en un punto. El árbol es un punto de apoyo.

FIDIAS es el artista que mejor representa el estilo idealista clásico. Idealizó los modelos
que le ofrecía la naturaleza y creó figuras de expresiones serenas y actitudes pausadas.
Fue el escultor de los dioses, aunque también haya representado figuras humanas de un
cuidadoso estudio anatómico. Muestra una gran precisión en el labrado y en el modelado
de los pliegues, pegados al cuerpo como paños mojados y mostrándonos su forma. Fidias
estuvo al frente de los trabajos del Partenón, donde se encuentra un importante conjunto
escultórico. Podemos dividir sus obras en dos grupos: bulto redondo y relieve:
Bulto redondo o exenta:
Fidias creó dos estatuas criselefantinas: una de Zeus para su templo en Olimpia y otra de
Atenea en el Partenón
Relieve:
Destacan sobre todo sus trabajos realizados en el Partenón y se dividen en: Frontones, frisos
y metopas:
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En los frontones: en el frontón este: nacimiento de Atenea y en el frontón oeste la lucha

entre Atenea y Poseidón; en ambos se pueden observar sus características: paños mojados,
naturalidad, tratamiento de las telas, adaptación al marco…
En las metopas (EVAU), espacio cuadrangular del friso junto con los tríglifos, están
ocupados por escenas de combates individuales, centrando su atención al tratamiento de
los cuerpos al que introduce volumen a través de representar las escenas utilizando bajo,
medio y alto relieve. La temática que nos encontramos son:
El lado este muestra "La Lucha de los gigantes" o "Gigantomaquia", al oeste la
"Amazonomaquia“ (lucha entre atenienses y amazonas), en el norte "La lucha contra los
troyanos" y en el sur la "Lucha entre los Lapitas y los centauros" o "Centauromaquia". Es de
este lado sur de donde quedan mejores ejemplos. Fidias aprovecha bien el espacio, que es
limitado, e introduce de forma combinada alto-medio-bajorrelieve para intentar dar
perspectiva y profundidad. El altorrelieve parece más una escultura pegada a la metopa.
No hay ambientación y la temática de una no es continuación de la anterior, no hay una
narración continua. Estudia el desnudo en profundidad y en fondo no tiene decoración.
Y el friso interior del Partenon que representa la procesión de las Panateneas:
• Friso:”procesión de las Panateneas”:Pertenece al siglo V a. C( clasicismo griego)
Representación en bajorrelieve de la procesión de las Panateneas, en el friso alrededor de
la cella del Partenón; no es una representación esquemática, las figuras son vivas e
individualizadas, representadas mediante un naturalismo idealizado. Representa una fiesta
que se realizaba todos los años, ascendiendo a la Acrópolis, durante las fiestas panateneas,
para ofrecer un peplo a la diosa. El largo friso incluye sacerdotes portando sacrificios,
héroes, dioses, jinetes, carros, caballos en una fiesta.
Representa una procesión, que recorren el friso en dos direcciones: en el punto de
arranque se origina una cabalgata, posteriormente el cortejo a pie: ancianos, músicos,
ganado que será sacrificado y posteriormente las doncellas atenienses ataviadas con
bellísimo peplo. Todos ellos participarán de la ofrenda del peplo a Atenea.
Sin ser observados por los humanos, las principales divinidades olímpicas contemplan
relajadamente la escena sentados. Destaca la representación de los dioses Poseidón, Apolo
y Artemisa conversando entre ellos durante la celebración.
c) Segundo clasicismo (siglo IV a.C.): Praxiteles, Scopas y Lisipo
En el siglo IV a.C. entramos en la crisis del clasicismo Tras las guerras del Peloponeso,
Atenas dejó de ser el centro artístico, que se multiplicaron, pasó a las ciudades jónicas
del Asia Menor.
La escultura del siglo IV a.C., contó con la presencia de grandes maestros como Lisipo,
Praxiteles y Escopas, que reciben la influencia del siglo pasado. Pronto comienzan a
aparecer cambios que reflejan un arte más humanizado, de gran delicadeza, de rostros
con expresiones de suave melancolía, con rasgos emocionales, drapeados más
naturalistas sin transparencias ni contrastes. La temática es similar pero los Dioses
ahora son más humanos, menos heroicos, el canon se estiliza… características que nos
conducirán a la etapa helenística.

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PRAXITELES trabajó en un estilo delicado y elegante con figuras de formas blandas

en las que suaviza las líneas con curvas delicadamente bellas. Representa a los dioses
desnudos, incluso los femeninos, y en actitudes indolentes y mundanas, tomados de
modelos humanos (dioses humanizados). Sus figuras arquean el cuerpo, abriéndose en
una larga curva desde la cabeza hasta los pies y apoyándose disimuladamente sobre un
soporte (curva praxiteliana), con una pierna en carga y otra en descarga. Sus modelos
masculinos muestran cierta feminidad, blandos y con musculatura más plana. Además, las
figuras tienen expresión en los rostros y giran la cabeza buscando con la mirada objetos u
otros personajes de la escena.
Entre sus obras podemos destacar: Hermes con Dionisos, Apolo Sauróctono,
Venus de Cnido o Afrodita de Arles.

 EVAU. Hermes con Dionisos (350-330 a. C):

Cronología: 330 aC. s.IV.a.c.
Medidas: 2,13 m
Autor: PRAXITELES
Material: Mármol
Bulto Redondo.
Estilo : Escultura griega Etapa postclásica.
Ubicación actual: Museo arqueológico de Olimpia
Grupo escultórico formado por Hermes y Dionisos , de los pocos originales
del arte griego, realizado en mármol.El tema es mitológico , Hermes, el dios
mensajero, ofrece al niño Dionisos ( dios de la fiesta y de lo orgiástico) un
racimo de uvas con el brazo derecho ( hoy perdido)cuando va camino del
Olimpo a entregárselo a las ninfas para que le cuiden.
Escultura original, en mármol. Hermes (Dios de las comunicación) sostiene
en su brazo izquierdo al dios Dionisos niño. Con la mano derecha le daba a
probar uvas. Se trata de una alegoría del futuro de Dionisos, divinidad del
vino.
El material es el mármol , procedimiento la talla, con un acabado
pulimentado y que además se enceraba especialmente notable este pulido
en el torso y el rostro, además no existen planos geométricos en la
anatomía como en el Doríforo , todo ello crea la sensación táctil de
suavidad..
Fue realizada para ser vista de frente para colocarla junto a una pared
por tanto visión fundamentalmente frontal.
Por otra parte el mármol brilla y en la cabeza con rizos elaborados con
el trépano la luz crea clarooscuro.
El cuerpo de Hermes marca una línea sinuosa en su lado derecho, resaltada
por la elevación de la cadera (curva praxiteliana), en forma de “s” invertida.
Esta curva contrasta con la línea recta marcada por el tronco, el manto y
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Dionisos que se sitúan a la izquierda. El manto cae de forma natural,

marcando pliegues desordenados (caída natural).
El rostro de Hermes es de gran belleza; destacamos el trabajo del cabello,
los ojos aparecen entornados, lo que le da una actitud ausente, y los labios,
que se han hecho carnosos dan sensualidad. Praxíteles representa a Dioses
mucho más humanos, Esta obra pertenece al momento de máximo
esplendor del arte clásico, que cuestiona la severidad anterior y apuesta
por la suavidad, la armonía, la representación de los sentimientos y el
aumento de la expresividad…lo que nos hace hablar de una evolución.

 El Apolo Sauróctono . Marca aún más la curva praxiteliana y el cuerpo es

más joven, más blando (sin tanta musculatura). Podemos aplicar todas las
características anteriores: el Dios es representado como un humano que se
distrae intentando matar un lagarto.
La obra es de una novedad plástica impresionante. El suave torso, por vez
primera en la estatuaria griega, se desequilibra hasta no poderse sostener
por sí solo: la curva praxiteliana necesita de un apoyo para mantener la
escultura de píe. Composición muy original.
 Venus de Cnido. Diosa del amor, es representada saliendo del baño, con la
que se inicia el desnudo femenino, todavía "tímida", siente pudor y se cubre
con las manos, será muy copiada, canon de belleza femenina. El arte griego
que desde siempre había aceptado el desnudo masculino, se resistía a
admitir el desnudo femenino. Para caracterizar a la diosa se inspiró en su
amante Frine. El rostro expresa y presenta curva praxiteliana. Sujeta su ropa
en la mano, que caen sobre una vasija y forman el punto de apoyo.
Aplicamos las mismas características que anteriormente.

SCOPAS exalta la expresión trágica porque le interesa la violenta pasión, la

angustia, el sentimiento patético y las interioridades del alma. Para conseguir el patetismo,
hunde los ojos y los inunda de una penetrante mirada, entreabre las bocas, frunce las cejas
y marca las curvas en la blandura del cuerpo. Entre sus obras señalamos la famosa Ménade
báquica, poseída del furor dionisíaco y el friso oriental del Mausoleo de Halicarnaso

La Ménade báquica: Las ménades eran las acompañantes del dios Dionisos y
bailaban frenéticamente para su culto. Así la representa Scopas, en pleno baile: con el
cuerpo agitado por movimientos convulsivos, con el torso retorcido, girando el cuello
hacia atrás, la cabellera desordenada y revuelta y ojos desorbitados. Se puede apreciar la
técnica de los paños mojados.

LISIPO alarga el canon del cuerpo de sus esculturas, añadiendo una cabeza más
(ocho) al canon de Policleto. Con este nuevo sistema de proporciones el cuerpo se vuelve
más esbelto y ofrece mayor altura a las figuras. Del canon ideal de Policleto se pasa al
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canon naturalista de Lisipo.

Realiza sus esculturas para ser vistas desde diferentes puntos lo que incita a dar la
vuelta y tratará la obra con una gran precisión y detallismo.
Sus esculturas son atletas, como el Apoxiomeno, Ares Ludovisi, Hércules Farnesio.
• EVAU. El Apoxiomeno: 320 a. C.
Título: Apoxiomeno que significa " el que se quita el aceite".
Autor: Lisipo
Estilo postclásico o clásico tardio .
Cronología: Siglo IV a. C.
Localización: Museos Vaticanos
Tipología: escultura exenta y de bulto redondo Es una copia romana de un
original en bronce .
Copia en mármol de un original hecho en bronce atleta limpiándose con el “strigilo”
(raspador) el aceite y el polvo después de competir.
TEMA: un atleta, relativamente alto, tras la competición se quita el polvo adherido
al cuerpo previamente untado de aceite con un utensilio llamado “ estrigilo” .
En este caso no se trata de un atleta representando una acción ( lanzar
disco, lanzas....) venciendo en unos juegos y siendo coronado como un héroe, sino
una acción menos importante o incluso trivial quitarse el aceite.
El atleta tiene el brazo izquierdo flexionado realizando dicha acción. Dominio de la
técnica y de la tercera dimensión. Es novedosa la relación entre la obra y el espacio:
se ha roto definitivamente, no solo con la simetría que ya se había conseguido
anteriormente, sino también con la frontalidad (privilegiar el punto de vista frontal).
La obra está pensada para ser contemplada desde distintos puntos de vista. Su
composición varía a medida que vamos dando la vuelta a su alrededor. El canon de
proporciones también ha variado. Se ha pasado de las siete cabezas de Policleto
como modelo para la altura ideal del hombre a las ocho de altura en la figura
humana de Lisipo; el hombre queda así más esbelto y alargado. La postura es
insólita: utiliza el contraposto pero forzado por la pierna de nuestra izquierda, que
forma una línea diagonal. Es la obra más lograda de Lisipo. Se clasifica dentro del
segundo momento de la escultura clásica griega.
• Ares Ludovisi. (Dios de la guerra) 320 a. C. Copia. Dicha estatua emergen de manera
ejemplar todos los rasgos que se le atribuyen. El dios de la guerra se presenta
desnudo, sentado, pero sin desprenderse de su espada que sostiene con la mano
izquierda. A pesar de estar descansando, se está conteniendo en su marcha,
aguantando una pierna con las manos, impaciente, inquieto, como corresponde al
belicoso dios. Tiene jugueteando entre sus piernas el amorcillo que le impide incluso
levantarse y salir a guerrear. La cara conserva todavía la mirada profunda y patética
típica de Scopas; pero en cambio, la obra de Lisipo es una estatua con múltiples
facetas. Se acentúa la tendencia al realismo al dar más importancia a la expresión y
al movimiento. Un realismo que abrirá las puertas del helenismo. En este período,

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la exaltación de las emociones y de las pasiones, sin olvidar el movimiento en sus

formas, se antepondrá a todos los demás conceptos.
A los ritmos estáticos, el célebre escultor contrapone un verdadero estado de
agitación. En el joven Ares de semblante relajado, se desprende una tensión de
movimiento en su cuerpo. Una inquietud que se contrapone con el aspecto de
serenidad que despierta. Esta es la clave de arte de Lisipo.

• Hércules Farnesio. Copia del original de Lisipo (siglo IV a. C).

El estilo de esta obra es asombroso y puede notarse con lujo del detalle la influencia
de Praxíteles, cuya sensación de movimiento, genera una impresión de vitalidad y
dinamismo, además de encontrarse en una posición sorprendente. Sin embargo, en
la escultura existe un detalle que sobresale “La enorme musculatura”, para
remarcar lo que Hércules tuvo que pasar en sus aventuras, enfrentando a humanos
y animales. Como fue aquella vez que tuvo que adquirir las manzanas de Hespérides,
(que sostiene detrás de la espalda) o matar el león de Nemea cuya piel aparece
representada.

3.3. ETAPA HELENÍSTICA

Con la conquista de Oriente pon Alejandro Magno, se extendió el dominio helénico

y se experimentaron transformaciones en el arte griego, que recibe aportaciones de los
pueblos conquistados. Los centros escultóricos se dispensaron y los reinos independientes
crearon sus propias escuelas artísticas: Atenas, Pérgamo, Rodas, Alejandría, Efeso…
La escultura helenística imitó y exagero lo iniciado por Escopas y Lisipo. Del
primero, la tendencia pasional y trágica. Del segundo, la riqueza de puntos de vista.
La ambición del artista consistía en ser capaz de representar la multiplicidad de
planos en el cuerpo humano, sus movimientos, los múltiples pliegues del drapeado y el
carácter y la emoción humanos, reproduciéndolo con el mayor naturalismo. La serenidad
da paso a la animación teatral, la tensión de la lucha, el dolor y en general, la expresión
de emociones.
Los temas son más informales y anecdóticos. Los dioses se representan en
actitudes más dramáticas. Ya no se exalta lo heroico, sino lo cruel y espantoso. Se
seleccionan escenas de la vejez, la enfermedad, la deformidad, lo feo. También se
desarrolló el retrato, de acusado realismo, en el que se plasman los estados pasionales
del alma, los defectos físicos e incluso las enfermedades. Se abandona el canon, se acentúa
el movimiento y la expresión, se abandona la idealización, varían los temas hacia lo
cotidiano y se acentúa el realismo.

Podemos destacar las siguientes escuelas con las siguientes obras:

ESCUELA DE ATENAS: Vive del recuerdo y del pasado, inspirándose en grandes

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artistas como Praxiteles, Fidias… dicha escuela tiene un gusto por lo clásico. Nos
encontramos obras como:
• EVAU. Venus de Milo: Finales del siglo II a. C.
Autor: atribuido a Agesandro o Alejandro de Antioquía
Cronología: SIGLO II a. C
Dimensiones: 204 cm.
Estilo, Escultura Helenística. influencia tiene de escultores como Lisipo o
Praxiteles.
Localización actual. : Museo del Louvre.

Es una escultura original de mármol y su estado de conservación es bueno a

pesar de que le faltan los brazos.
Se inspira en la Afrodita de Capua de Lisipo y también en Praxíteles
El tema es mitológico representando a la diosa Afrodita que parece que con una
mano sostenía la túnica y en la otra llevaba una manzana , símbolo de la discordia,
en referencia al Juicio de Paris, pero también símbolo de la isla de Melos. Paris
entrega la manzana a la diosa que considera más hermosa circunstancia que irrita
a sus rivales Hera y Atenea.
Está considerada como una de las más famosas representaciones de la diosa
Afrodita. La divinidad descubre la parte superior del cuerpo, mientras que un grueso
manto rodea piernas y caderas. Los numerosos y enérgicos pliegues del vestido se
contraponen por sus irregularidades a las exuberantes redondeces del cuerpo. La
cabeza de Afrodita recuerda al modelo praxiteliano por su rostro melancólico, la
forma de su cara y la configuración del cabello. Serena y armónica. Estudio de la
anatomía femenina.
La composición es dinámica . Los aspectos claves son las líneas diagonales y en zig-
zag así como el giro del cuerpo en forma helicoidal Este giro es el que precisamente
nos invita a rodear la imagen multiplicando los puntos de vista y por tanto ser una
composición abierta.

La composición dinámica se completa con el contraposto: la pierna de

nuestra izquierda que sostiene el cuerpo y eleva la cadera se echa hacia atrás
mientras que la cadera y la pierna derecha parecen avanzar.

También existe un contrabalanceo en los hombros pues uno sube y otro baja
y giran hacia el mismo lado que lo hace la cabeza.

La luz crea contrastes por una parte resbala y crea brillos en las zonas
pulimentadas y por otra crea clarooscuros en los pliegues de la túnica y también en
los pechos.

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El rostro corresponde al ideal de belleza clásico: frente alta , nariz estrecha, boca
pequeña pero con labios carnosos , mejillas lisas .

La expresión es serena y melancólica y el cuerpo sensual tanto por el desnudo

como por los pliegues que caen . Especial atención dedicó el escultor al modelado
de los pechos y el abdomen como alusión a la fertilidad.
• Torso de Belvedere. Finales del siglo II a. C. Autor Apolonio. Se discute la identidad
del personaje representado, pero lo cierto es que la fuerza de su musculatura, con
trazos amplios en las piernas y apretadamente tensa en el torso, es suficiente, pese
a la ausencia de cabeza y de miembros, para arrancar una tensión titánica al
mármol. La estatua completa representaría a esta figura humana sobre un animal,
aunque a qué personaje corresponde exactamente todavía se discute. La retorcida
pose del torso y su extraordinariamente bien representada musculatura tuvo un
gran influencia en posteriores artistas (como Miguel Ángel) del Renacimiento,
Manierismo y Barroco.
• El niño de la espina o espinario. Año 200 a. C. Bronce. Representa a un niño
quitándose una espina después de una competición deportiva, caracterizado con
un gran realismo. Los temas anecdóticos y costumbristas se desarrollan mucho en
dicho periodo junto al tema de las figuras infantiles, algo impensable en la
escultura clásica. Posición y composición novedosa, pero escena vulgar ya que nos
enseña la planta del pie.
• El pugilista. Siglo II a. C. Bronce. escena de gimnasio que capta el momento de
tensión máxima. Representa a un boxeador sentado sobre una roca.
• El niño de la oca. Siglo III-II a. C. Bronce. Escena teatral, costumbrista y gusto por lo
anecdótico; la naturalidad se observa en las carnes realistas y blandas del niño,
posee estructura piramidal. Imagen muy repetida.
• El Hermafrodita Tumbado
Es un tema que no gustaba en la época clásica pero en ésta sí. La cara y la espalda
son femeninas, mientras los órganos genitales son masculinos.

ESCUELA DE PÉRGAMO: Las contiendas y victorias de la ciudad de Pérgamo contra los

celtas y los galos fueron tema principal en la escultura de esta escuela. Los vencedores,
orgullosos de su ejército, mandaron esculpir grupos de galos vencidos en forma de
exvotos. Es frecuente el dolor y sufrimiento, agonía y muerte, que se expresan no solo
físicamente, sino también psicológicamente, quedando patente en los rostros de los
personajes. Pero la muerte se trata con honor y nobleza. Destacamos:
• Galo moribundo. Copia en mármol. Siglo III a. C. mandado a construir por Átalo I
para conmemorar el triunfo frente a dicho pueblo. La estatua muestra a un galo
moribundo con gran realismo, especialmente en la cara, y es posible que estuviera
pintado. Representa a un guerrero con cabellera y bigote al estilo galo. La figura está
completamente desnuda excepto por un torque al cuello. Aparece representado
luchando contra la muerte, negándose a aceptar su destino, muy teatral. La estatua
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sirve como recordatorio de la derrota Celta, mostrando así la superioridad de la

gente que los venció, y como memorial a la valentía de tan dignos adversarios.
• EVAU. Friso del altar de Zeus en Pérgamo. Primera mitad del siglo II a. C. dicho friso
adornaba las paredes exteriores del podio; a lo largo de más de 120 m, donde se
relataba la Gigantomaquia, es decir la encarnizada lucha entre dioses y gigantes. En
altorrelieve, con una altura de 2,28 m, y en la línea del patetismo escultórico
exacerbado, un conglomerado de figuras se retorcían dramáticamente y atrevidos
escorzos que rompían la linealidad del friso. el ritmo era violento y convulsivo,
acentuado por las musculaturas en tensión y las vestiduras desplegadas en todas
direcciones. Las expresiones faciales se mostraban torturadas en los rostros de los
vencidos, cuyos ojos parecían salirse de sus órbitas, y en clara contraste con la
serenidad clásica de los dioses. En una escena, en el lado este Atenea alza, cogido
por el cabello, al gigante Alcioneo; la diosa sabe que éste perderá la fuerza cuando
sus pies dejen de tocar el suelo, pues su madre, Gea, es la divinidad de la tierra.
Alcioneo lucha para escapar pero Atenea lo tiene bien atrapado. Gea implora piedad
a la diosa guerrera, brotando dramáticamente de la tierra y extendiendo el brazo
hacia ella. Es un gesto inútil porque la Victoria alada ya se acerca para coronarla.
Mientras tanto Zeus, con una musculatura monumental, lucha, a la izquierda de
Atenea, contra tres gigantes. Ha abatido a uno de ellos con un rayo y los otros dos
se desploman de rodillas. Simboliza la lucha entre el orden (Dioses) y el desorden
(Gigantes). Gran musculatura, pasión, expresión, dramatismo, teatralidad, perfecta
anatomía, naturalismo y gusto por el detalle, movimiento y dinamismo
En la EVAU puede caer un detalle de Atenea y Gea
ESCUELA DE RODAS
Gusto por lo colosal y gigantesco, por el movimiento contorsionado y por la
expresividad, sobre todo los gestos de dolor de los rostros.
• El coloso de Rodas. Su autor fue Cares de Lindo, siglo III a. C. era un gigante, fue
considerado una de las siete maravillas del mundo, pero no se conserva por culpa
de un terremoto. Tenía una altura de 32 metros de altura y era un Apolo, con las
piernas abiertas que daba acceso al puerto de Rodas y por debajo podían pasar los
barcos.
• El Laocoonte y sus hijos. Autores Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas. Siglo
III-II a. C. original en bronce, copia romana de mármol, tema mitológico. Se trata de
un grupo escultórico, ya que lo componen tres figuras. Tiene una acentuada visión
frontal. Composición: destacamos la diagonal del cuerpo de Laocoonte y la
triangular que une las cabezas de los personales. Predomina la sensación de
movimiento gracias a las posturas de los cuerpos. Los rostros reflejan el dolor, sobre
todo el de Laocoonte. El movimiento y el dramatismo, desequilibrios compositivos,
emociones, realismo (venas de los brazos), tensión… permiten clasificar este
conjunto dentro de la escultura helenística. La figura central, masculina, desnuda y
de medidas gigantescas, lucha por liberarse a sí mismo y a sus dos hijos de las dos
enormes serpientes que los atenazan. La representación anatómica de los cuerpos
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no hace distinciones entre el padre y sus descendientes, a los cuales caracteriza con
una musculatura exagerada para su supuesta edad. Laocoonte y el muchacho de su
derecha se apoyan en una peana, mientras que el otro se eleva sobre una base
distinta y más baja. Laocoonte dobla la pierna derecha y retrasa la izquierda, lo cual
acentúa la sensación de tensión; lucha con una de las serpientes para evitar, por un
lado, su mordedura, y por el otro, su abrazo mortal. La inclinación de la cabeza
barbada hacia la izquierda potencia la sensación de sufrimiento, así como la boca
abierta y las marcadas arrugas de dolor. El mayor de los muchachos parece suplicar
ayuda a su padre, mientas el otro está a punto de sucumbir. La contorsión de los
cuerpos en su esfuerzo por huir de las serpientes que les aprisionan realza la
sensación de movimiento. El volumen de los músculos y detalles como los ojos
hundidos crean efectos de claroscuros que aumentan la emotividad de la escena.
Las tres figuras humanas se une a través de la serpiente, que le da carácter unitario.
Se observa el doble sufrimiento de laocoonte: Moral: porque van a morir sus hijos
Y Físico. Representa un mito de la guerra de Troya: los troyanos raptaron a Helena,
la mujer del rey de micenas. Los griegos se dirigen a Troya y afuera de las murallas
depositan un gran caballo de madera (lleno de soldados griegos) y los soldados se
retiran de la ciudad. Laocoonte advierte a su pueblo que no dejen pasar dicho
caballo, que es peligroso; al instante la diosa Atenea, para impedir que siguiera
hablando mando dos serpientes para que mataran a él y a sus dos hijos.
Fue descubierta en el Palacio del emperador Tito, en Roma en 1506, influyó mucho
a Miguel Ángel y a artistas del Renacimiento y épocas posteriores.
• Fauno Barberini , Escultura griega de la época helenística, destaca por su realismo.
El fauno se encuentra profundamente dormido producto de su embriaguez. Época
siglo III-II a. C.
• EVAU. Victoria de Samotracia: época helenística, siglo III-II a. C; mármol a través de
talla. autor: desconocido. 2,45 m de altura. Actualmente en el museo del Louvre.
Su estado de conservación es bastante bueno a pesar de haber perdido la cabeza y
brazos.
Es una escultura de bulto redondo. El tema es mitológico y conmemorativo,
representando Atenea de la Victoria o Atenea Niké que estaría posándose sobre
un pedestal con forma de proa de barco y las alas abiertas . Está cubierta con un
jitón atado con un nudo bajo el pecho presionando la tela. .
Es una escultura original encontrada en el S.XIX. Esta escultura, considerada
como una de las más bellas obras helenísticas.
Representa a la diosa Victoria que se acaba de posar sobre la parte delantera de una
embarcación con las grandes alas desplegadas, el cuerpo hacia adelante, desafiando
al viento, mostrando una gran maestría en el estudio de los ropajes, que se hacen
transparentes al pegarse al cuerpo por efecto del viento).
II ANÁLISIS
Esta obra presenta las nuevas características del arte helenístico.
- Frente a esculturas a la medida del hombre, la monumentalidad que se manifiesta
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en sus 2.65 metros y que ya por sí crea en el espectador un efecto que impresiona.

-Gran interés por la perfección técnica El material es el mármol y el procedimiento

la talla con gran diversidad de texturas , sobre todo en los pliegues , que van de los
finos y transparentes que se pegan a los pechos y vientre realizados con la técnica
de los paños mojados y que insinúan sensualmente las formas redondeadas del
cuerpo femenino a pliegues gruesos y arremolinados movidos por el viento. .
También es notable la textura de las plumas de las alas.
La diversidad de texturas permite que al incidir la luz se creen contrastes
de luces y sombras .

- Interés por composiciones que creen efectos de dinamismo y movimiento , a

veces efectistas.

La composición es abierta, las alas con diagonales hacia atrás incitan a rodear
la figura creando múltiples puntos de vista

El efecto de dinamismo se crea mediante elementos compositivos como: por una

parte la posición de las alas hacia atrás y la posición del cuerpo hacia adelante
incitan a pensar que va a iniciar el vuelo o como es el caso posarse.. Las diagonales
de los pliegues del jitón también crea efecto de dinamismo , ya que el viento los
agita o los pega al cuerpo.

Por otra parte esa posición de vencimiento del cuerpo crea el efecto de que
se va a caer sobre nosotros, por tanto desequilibrio
-- Es clásico el contraposto, la Victoria alada descarga su cuerpo sobre la
pierna derecha tensa mientras que la pierna izquierda está echada hacia atrás
formando una diagonal que crea el efecto de suave movimiento. .

- Búsqueda de la expresividad mediante el juego de las texturas, los violentos

juegos de luces y sombras, el movimiento insinuado por los pliegues y las alas

Conserva la preocupación clásica del interés por la anatomía o la técnica de

los paños mojados herencia de Fidias.
• Toro Farnesio: Autor: realizado por Apolonios y Tauriscos. Época: Helenismo. Fecha:
siglo II a. C. material: mármol. Composición: piramidal. (algunos libros incluyen
dicha obra en la escuela de Tralles). Tiene un gran carácter tridimensional,
composición piramidal y utiliza como base una plataforma paisajística (novedoso).
Muy teatral. Representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden castigar
a Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un toro hasta
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morir). Aparecen diferentes personajes: hijos de Antíope, Dirce, un pastor, un

perro…

ESCUELA DE ALEJANDRÍA
En dicha escuela se desarrolló mucho el gusto por las alegorías, junto a la vejez, los vicios,
la ridiculez, la fealdad…
• Vieja borracha: muy original, vieja ebria, sentada con la vasija del vino en las manos;
mirada perdida. Aparece la fealdad psíquica y física. Aparecen arrugas, lo crítico…
• Enanos danzarines: se inspira en la comedia de Menandro, copia en broncee, ya no
hay belleza y desaparecen los cánones y proporción. Escenas costumbristas de la
vida cotidiana, son modelos de la calle…
• Río Nilo: Alegoría del río Nilo, al cual se representa como forma de hombre humano,
es un gigante, musculoso por el que se suben y juegan 16 niños, que simbolizan los
16 codos de altura en el momento de la máxima crecida de dicho río. Dicho río es
muy importante para la civilización egipcia ya que gracias a dichas crecidas pueden
cultivar.

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