EL PERIODO BARROCO (aprox.

1600–1750)

1. Contexto histórico, social y filosófico:

El Barroco se desarrolla principalmente en el siglo XVII y comienzos del XVIII. Es un periodo de

profundos cambios sociales, políticos y culturales. En este tiempo, hay grandes tensiones
religiosas debido a la Reforma protestante, y como respuesta aparece la Contrarreforma católica.
La Iglesia aprovecha el arte como herramienta para impactar emocionalmente a los fieles y
reafirmar su doctrina. A la vez, las monarquías absolutas, como la de Luis XIV en Francia, también
usan el arte para glorificar su poder.

Desde el punto de vista filosófico, se impone una visión dual del mundo. Por un lado, se celebra la
belleza de lo mundano, pero al mismo tiempo se recuerda la fugacidad de la vida, un concepto
muy presente en el tema de la vanitas. Además, se ve al mundo como un escenario: el famoso
―teatro del mundo‖, donde el hombre actúa su destino. Este contraste entre lo eterno y lo efímero,
la luz y la sombra, lo espiritual y lo material, es esencial en la visión barroca.

2. Características generales del arte barroco:

El arte barroco se caracteriza por ser espectacular, dinámico y muy emocional. A diferencia del
equilibrio renacentista, el Barroco busca conmover, incluso sacudir al espectador.
Se destacan varios elementos:

 El contraste: especialmente entre luz y sombra, movimiento y reposo.

 El dinamismo: las figuras parecen en movimiento constante.
 La expresividad: el arte no busca solo agradar, sino provocar una emoción profunda.
 Los espacios ilusionistas: se crean efectos teatrales de profundidad, perspectiva forzada.
 Y los temas frecuentes son religiosos, mitológicos, retratos, naturalezas muertas y escenas
cotidianas cargadas de simbolismo.

3. Etapas del Barroco

Antes de pasar a la música en detalle, es importante destacar que el Barroco no fue un bloque
uniforme, sino que se divide en tres etapas principales:

1. Barroco temprano (aprox. 1600–1630):

En esta etapa se está gestando el estilo barroco. Se experimenta con nuevas formas musicales,
como el recitativo y la monodia acompañada, que darán origen a la ópera. El centro de innovación
es Italia, especialmente Florencia con la Camerata Fiorentina. Es aquí cuando Claudio Monteverdi
comienza a sentar las bases del nuevo lenguaje musical.

2. Barroco medio (1630–1680):

Aquí ya se consolidan varias formas musicales y se difunden por Europa. La ópera se expande, el
oratorio y la cantata se desarrollan, y el estilo se vuelve más ornamentado. Además, se empieza a
usar el bajo continuo como base fundamental en la composición. Se desarrolla también el
concierto instrumental.
 3. Barroco tardío (1680–1750):
Es el momento de máxima madurez del estilo barroco. Se alcanza un gran virtuosismo tanto en la
escritura vocal como instrumental. En esta etapa se destacan los grandes maestros del Barroco:
Bach, Händel y Vivaldi. Se perfeccionan géneros como la fuga, el concierto solista y la suite, y se
consolida la tonalidad moderna.

Estas tres etapas reflejan una evolución constante del lenguaje barroco, desde sus inicios
experimentales hasta su culminación formal y expresiva.

3. La música barroca:

Este periodo es clave para el desarrollo técnico, formal y expresivo de la música. Se consolida la
tonalidad moderna, se amplían los géneros y nace la ópera.

Las características más importantes son:

 El bajo continuo, que es una línea de acompañamiento armónico constante, tocada por
instrumentos como el clave, órgano o laúd junto con cello o fagot.
 La textura musical alterna entre homofonía y polifonía.
 Se hace un uso constante del contraste y de la expresión de los afectos: cada pieza busca
reflejar una emoción dominante.
 También es importante la improvisación, sobre todo en ornamentaciones y cadencias.

Entre los géneros más destacados encontramos:

 La ópera, que nace en Florencia con la Camerata Fiorentina. Se destacan ―Euridice‖ de Peri y
―L’Orfeo‖ de Monteverdi.
 El oratorio, similar a la ópera pero sin escenografía, como El Mesías de Händel.
 La cantata, que combina recitativos, arias y coros. Bach compuso muchísimas.
 La fuga, basada en la imitación de un tema, con Bach como su mayor exponente.
 La suite, una sucesión de danzas como la allemande, courante, sarabande y gigue.
 El concierto, en dos formas: concierto grosso (grupo de solistas frente a la orquesta) y concierto
solista (como los de Vivaldi).

También es muy importante el desarrollo de la música instrumental, con especialización por

familias y auge de instrumentos como el violín, clavecín, órgano, flauta y oboe.

4. Compositores principales del Barroco:

 Johann Sebastian Bach: genio del contrapunto y la fuga. Obras clave: Pasión según San Mateo,
El arte de la fuga, El clave bien temperado.
 Antonio Vivaldi: sacerdote, violinista y compositor veneciano. Su obra más conocida es Las
Cuatro Estaciones.
 Georg Friedrich Händel: alemán nacionalizado británico. Destacan El Mesías, Música acuática y
Música para los reales fuegos artificiales.
 5. Arquitectura y pintura barroca:

En arquitectura, predominan las formas curvas, dramáticas y ricamente decoradas, como en la

iglesia del Gesù (Roma), el Palacio de Versalles o la fachada barroca de la Catedral de Santiago.

En pintura, se usa mucho el claroscuro y se representan escenas realistas con gran carga
emocional. Destacan:

 Caravaggio, con su uso del tenebrismo.

 Rubens, famoso por el dinamismo y el color.
 Velázquez, con su realismo cortesano.
 Rembrandt, que aporta introspección psicológica.

6. Legado del Barroco:

El Barroco marcó un punto de inflexión en la historia del arte. Consolidó la tonalidad, fijó
estructuras musicales que se perfeccionarían en el Clasicismo, y expandió la ópera por Europa.
Además, su estética influyó directamente en el Romanticismo y, más adelante, en el cine y las
artes visuales modernas.

� EL CLASICISMO (aprox. 1750–1820)

Después del dramatismo y la ornamentación emocional del Barroco, el Clasicismo aparece como
una reacción hacia la claridad, la proporción y el equilibrio. Este movimiento abarca
aproximadamente desde 1750 hasta 1820 y representa una etapa de madurez formal en la
historia del arte y, especialmente, de la música.

1. Contexto histórico, social y filosófico:

Nos situamos en la segunda mitad del siglo XVIII, un período de grandes transformaciones a nivel
político, social y cultural. Aparece una nueva corriente de pensamiento: la Ilustración, que
promueve el uso de la razón como instrumento de mejora de la sociedad. Personajes como
Voltaire, Rousseau o Montesquieu son figuras claves de este movimiento.
Este pensamiento racional influye en muchos ámbitos:
 En política, se producen grandes revoluciones, como la Revolución Francesa de 1789, que pone
fin al Antiguo Régimen, y la Independencia de los Estados Unidos en 1776.
 A nivel económico y tecnológico, comienza la Revolución Industrial.
 Y en lo social, emerge una nueva clase poderosa: la burguesía, que se convierte en el nuevo
público del arte.
Gracias a esto, se crean teatros públicos, academias musicales y orquestas sinfónicas
accesibles a una ciudadanía más amplia. A la vez, se consolida una visión optimista del ser
humano, donde la educación y la cultura son vistas como caminos hacia el progreso moral y
social.

2. Características generales del arte clásico:

A diferencia del Barroco, el Clasicismo busca inspiración en el arte de la Antigüedad grecolatina,
apostando por:
 La sencillez y claridad en la composición.
 La simetría, proporción y unidad formal.
 El rechazo del exceso decorativo y emocional típico del Barroco.
 Y una finalidad educativa y moralizadora: el arte debe agradar, instruir y elevar.
Es un arte que prioriza la razón, el orden y el buen gusto.

3. La música clásica:
En el terreno musical, el Clasicismo representa una etapa de enorme desarrollo y consolidación
formal. Se perfeccionan géneros como la sonata, la sinfonía, el cuarteto de cuerda y el
concierto, y se estabilizan las formas musicales dentro del sistema tonal.

3.1. Características musicales generales:

 Las melodías se vuelven más claras, cantábiles y simétricas, generalmente organizadas en
frases de 4 + 4 compases.
 Predomina la homofonía, es decir, una melodía principal acompañada armónicamente.
 A diferencia del contraste brusco barroco, aquí surgen las dinámicas graduales, como el
crescendo y el decrescendo.
 Se cuida mucho el fraseo estructurado, con equilibrio entre las distintas secciones temáticas.

3.2. Formas musicales clásicas:

La forma sonata es la estructura musical más importante del período. Aparece en el primer
movimiento de muchas obras, y se compone de tres secciones:
1. Exposición, donde se presentan dos temas contrastantes, uno en la tonalidad principal y otro en
una secundaria.
2. Desarrollo, que manipula libremente esos temas, a menudo modulando por distintas tonalidades.
3. Reexposición, donde los temas vuelven a escucharse en la tonalidad original.
Esta forma se utiliza tanto en sonatas como en sinfonías, conciertos o cuartetos.
Otros géneros esenciales son:
 La sinfonía, que es una obra para orquesta en cuatro movimientos (rápido – lento – minué –
rápido). Haydn escribió más de 100 sinfonías, Mozart 41 y Beethoven 9.
 El cuarteto de cuerdas, que utiliza dos violines, viola y violonchelo, considerado el ―laboratorio de
ideas‖ del pensamiento musical clásico.
 El concierto solista, en el que un instrumento solista, como el piano o el violín, dialoga con la
orquesta. Incluye secciones libres llamadas cadencias, donde el solista puede lucirse.
 La sonata, que es una obra para uno o dos instrumentos, por lo general para piano solo o violín y
piano.
 La ópera, que se divide en dos tipos: la ópera seria y la ópera bufa, siendo esta última más
popular y humorística. Mozart fusiona ambos estilos en obras como Don Giovanni o Las bodas de
Fígaro.

3.3. Estilos de transición dentro del Clasicismo:

Antes de consolidarse el Clasicismo, aparece un estilo intermedio llamado estilo galante. Esta
música es más ligera, decorativa y elegante, pensada para entretener al oyente.
Por otro lado, hacia el final del Clasicismo, emerge el movimiento Sturm und Drang —que
significa ―Tormenta e ímpetu‖—, especialmente en Alemania. Aunque nace en la literatura, influye
también en la música.
Este movimiento se caracteriza por:
 Tonalidades menores, más dramáticas.
 Contrastes fuertes de dinámica y textura.
 Motivos melódicos agitados y abruptos.
 Y un ambiente tenso y emocional, anticipando el Romanticismo.
 Ejemplos musicales de este estilo los encontramos en Haydn (como la Sinfonía n.º 45 ―Los
adioses‖), Mozart (Sinfonía n.º 25 en sol menor) y en el Beethoven más joven.

4. Compositores principales del Clasicismo:

 Joseph Haydn (1732–1809): conocido como el ―padre de la sinfonía‖ y del cuarteto de cuerda.
Compuso más de 100 sinfonías, entre ellas la famosa Sinfonía n.º 94 “La sorpresa”, así como
oratorios como Las estaciones o La creación.
 Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): niño prodigio y figura universal. Domina todos los
géneros de su época. Destacan sus óperas Las bodas de Fígaro, Don Giovanni, el Réquiem, y
sinfonías como la n.º 40.
 Ludwig van Beethoven (1770–1827): representa la transición al Romanticismo. Introduce
elementos más personales y heroicos en su música. Su Sinfonía n.º 3 “Heroica” ya anuncia el
nuevo estilo romántico, y la Sinfonía n.º 9 “Coral” con el ―Himno a la alegría‖ es una obra
monumental. También destacan sus sonatas para piano, como Claro de luna, y sus conciertos.

5. Arquitectura y pintura clásica:

En arquitectura, se retoma el modelo grecorromano: columnas, frontones, simetría. Un ejemplo es
el Panteón de París y el estilo neoclásico en ciudades como Viena o Berlín.
En pintura, se vuelven a tratar temas mitológicos y heroicos, con un estilo claro y definido. El
máximo exponente es Jacques-Louis David, autor de obras como El juramento de los Horacios.

6. Legado del Clasicismo:

El Clasicismo dejó un legado duradero en la música occidental. Las formas que se establecieron
(como la sonata o la sinfonía) siguen siendo fundamentales. Además, se consolidó la figura del
compositor profesional y se creó un puente entre la música cortesana del Barroco y el
individualismo expresivo del Romanticismo.
Su influencia llega incluso al Neoclasicismo del siglo XX.

� EL ROMANTICISMO (aprox. 1820–1900)

El Romanticismo es un movimiento cultural que surge a principios del siglo XIX como una reacción
contra el racionalismo de la Ilustración y el equilibrio del Clasicismo. Es un fenómeno que abarca
muchas disciplinas: música, literatura, filosofía, pintura... y que se caracteriza por exaltar la
emoción, el individuo, lo nacional y lo imaginario.

1. Contexto histórico, social y filosófico:

Históricamente, este período se sitúa después de la Revolución Francesa y las guerras
napoleónicas. Europa entra en una etapa de profundos cambios sociales: el Antiguo Régimen
está en crisis, aparecen los nacionalismos, y se acelera la industrialización, lo cual provoca
un fuerte crecimiento urbano, pero también desigualdad social.
En este contexto, el Romanticismo reacciona contra las normas establecidas. Se valora lo
emocional por encima de lo racional, lo espiritual por encima de lo científico. La filosofía se ve
influenciada por autores como Schopenhauer, Hegel o Goethe, y hay una fuerte revalorización
de las lenguas, mitos y tradiciones propias de cada nación.

2. Ideas y valores románticos:

El Romanticismo se basa en una serie de ideas clave:
 Exaltación del individuo y de la subjetividad.
 Búsqueda de lo sublime, lo misterioso, lo infinito.
 Interés por lo fantástico, lo onírico, lo gótico y lo espiritual.
 La naturaleza es vista como reflejo del alma del artista.
 Se valora lo nacional, se recuperan mitos y leyendas populares.
 Hay un rechazo de las normas rígidas: el arte debe ser libre.
 Y se manejan fuertes contrastes: amor y muerte, alegría y tristeza, realidad e imaginación.

3. Música romántica:
La música se convierte en el medio expresivo más poderoso de este siglo. A través de ella, se
expresa el alma individual, se describen paisajes, se narran historias o se defienden ideales
patrióticos.

3.1. Características musicales:

 Las melodías son largas, expresivas y apasionadas.
 Se usan dinámicas extremas, desde el pianissimo hasta el fortissimo.
 Se incorpora mucho cromatismo y modulación a tonalidades lejanas.
 Las orquestas se expanden, tanto en número de instrumentos como en colores sonoros.
 Aparece el virtuosismo instrumental, con figuras como Chopin, Liszt o Paganini.
 Se rompen muchas formas clásicas: hay más libertad estructural.
 Surge una música programática, que ―cuenta algo‖, frente a la música pura o abstracta.

3.2. Nuevos géneros musicales:

 Música programática: obras que tienen un contenido narrativo, descriptivo o simbólico.
Por ejemplo, Sinfonía fantástica de Berlioz o Así habló Zaratustra de Richard Strauss.
 Poema sinfónico: obra orquestal de un solo movimiento con base literaria o filosófica. Lo
desarrolló Franz Liszt.
 Lied: es una canción artística para voz y piano con texto poético. Destacan Erlkönig de Schubert
y Dichterliebe de Schumann.
 Miniaturas para piano: piezas breves que expresan emociones íntimas. Formas como
nocturnos, impromptus, preludios o estudios fueron muy cultivadas por Chopin, Schumann y
Liszt.
 Ópera romántica: se vuelve más grande, con temas épicos, pasionales o legendarios.
En la ópera italiana, Verdi trata temas humanos y políticos; en la ópera alemana, Wagner
introduce el mito, el simbolismo y la orquesta como protagonista.
Además, se introduce el leitmotiv: un motivo musical asociado a un personaje o idea.
También desaparece la separación entre aria y recitativo: la música fluye sin interrupciones.

4. Compositores principales del Romanticismo:

 Franz Schubert: compositor de transición entre Clasicismo y Romanticismo. Escribió más de 600
lieder. Obras destacadas: Erlkönig, La inacabada, La trucha.
 Hector Berlioz: pionero de la música programática y de la orquesta moderna. Su obra clave es la
Sinfonía fantástica.
 Frédéric Chopin: dedicó casi toda su obra al piano. Combinó lirismo, virtuosismo y nacionalismo
polaco. Compuso nocturnos, mazurcas, estudios y polonesas.
 Robert Schumann: muy influido por la literatura. Escribió música para piano, lieder y sinfonías.
Obras destacadas: Carnaval, Kinderszenen, Dichterliebe.
 Franz Liszt: pianista virtuoso, inventor del recital solista y del poema sinfónico. Obras:
Rapsodias húngaras, Años de peregrinaje.
 Richard Wagner: revolucionó la ópera. Propuso el drama musical total (Gesamtkunstwerk).
Introdujo el uso sistemático del leitmotiv. Sus obras: El anillo del nibelungo, Tristán e Isolda.
 Giuseppe Verdi: el gran compositor de la ópera italiana. Sus obras reflejan luchas humanas y
patrióticas: La Traviata, Aida, Rigoletto, Nabucco.
 Johannes Brahms: representa el Romanticismo más conservador. Mantuvo las formas clásicas
pero con profundidad emocional. Compuso sinfonías, conciertos, Ein deutsches Requiem.
 Piotr Ilich Tchaikovsky: fusionó el Romanticismo europeo con el folclore ruso. Destacan sus
ballets: El lago de los cisnes, El cascanueces y La bella durmiente.

5. Filosofía y literatura romántica:

El artista romántico es visto como un genio inspirado, muchas veces incomprendido, que sufre
por amor, por la belleza o por ideales.
En la literatura, se cultiva lo subjetivo, lo introspectivo y lo apasionado. Algunos autores clave
son:
 Goethe (Fausto),
 Lord Byron,
 Mary Shelley (Frankenstein),
 Victor Hugo,
 Edgar Allan Poe,
 Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
Los temas más frecuentes son: la nostalgia, el misterio, el amor imposible, la muerte, la naturaleza
salvaje y la locura.

6. Artes visuales románticas:

En las artes plásticas se rechaza el clasicismo académico. Hay un fuerte interés por:
 Lo sublime, las ruinas, tormentas, y paisajes extremos.
 Los sentimientos humanos como la libertad, la rebeldía y la melancolía.
Destacan:
 Caspar David Friedrich: con paisajes introspectivos como El caminante sobre el mar de niebla.
 Francisco de Goya: con fuerte carga expresiva y crítica social (El 3 de mayo, Saturno devorando
a su hijo).
 Eugène Delacroix: con colores intensos y escenas dramáticas (La libertad guiando al pueblo).

7. Legado del Romanticismo:

El Romanticismo cambió para siempre el arte.
 Transformó la música en un lenguaje profundamente emocional y narrativo.
 Introdujo la subjetividad como principio artístico.
 Expresó las luchas sociales e individuales de una Europa en transformación.
 Amplió las fronteras formales, tímbricas y expresivas de la música.
 Y dejó huella en el cine, el teatro, la novela moderna y todas las artes contemporáneas.

� Etapas del Romanticismo

Aunque el Romanticismo no se divide formalmente en etapas tan marcadas como el Barroco, sí

podemos distinguir tres momentos o fases a lo largo del siglo XIX, que muestran una evolución
del lenguaje musical, de las ideas estéticas y de los propios compositores.

1. Romanticismo temprano (1820–1850):

Esta etapa es la más cercana al Clasicismo y funciona como una transición. La influencia de
Beethoven todavía es muy fuerte, especialmente por su carga emocional y su ruptura con las
formas tradicionales. Aquí se cultivan los primeros lieder, las piezas breves para piano, y la
música adquiere un carácter íntimo, expresivo y personal.
 Compositores clave:
o Franz Schubert → considerado el puente entre Clasicismo y Romanticismo.
o Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Frédéric Chopin.
 Se desarrollan géneros nuevos como el lied y las miniaturas para piano (nocturnos, impromptus,
estudios).

2. Romanticismo pleno o maduro (1850–1870):

En esta fase, el Romanticismo alcanza su plenitud: se amplían las orquestas, los temas se
vuelven más dramáticos, nacionalistas y filosóficos. La música ya no solo expresa sentimientos
individuales, sino también ideas políticas, mitos, ideales patrióticos o incluso historias literarias.

 Se afirma la música programática y el poema sinfónico.

 La ópera romántica alcanza una gran evolución, especialmente con Verdi en Italia y Wagner en
Alemania.
 Las formas se vuelven más libres, y la técnica instrumental más exigente.
 Compositores clave:
o Hector Berlioz, Franz Liszt, Richard Wagner, Giuseppe Verdi.
o También aparece Johannes Brahms, que representa un Romanticismo más conservador, dentro
de formas clásicas.

3. Romanticismo tardío (1870–1900):

En este último período, el Romanticismo se fusiona con otras corrientes como el nacionalismo, el
impresionismo incipiente o el simbolismo. Se mantiene la libertad creativa, pero aparecen nuevas
búsquedas tímbricas y expresivas.

 Se intensifica el uso del color orquestal y la armonía cromática.

 La música empieza a cuestionar los límites del sistema tonal, anticipando el siglo XX.
 Hay una fuerte presencia del nacionalismo musical, con autores que integran elementos del
folclore de sus países.
 Compositores clave:
o Piotr Ilich Tchaikovsky, Antonín Dvořák, Edvard Grieg, Camille Saint-Saëns.
o Y en Rusia: “Los Cinco”, un grupo de compositores que buscaban una identidad nacional propia.

� ―Los Cinco‖ – Nacionalismo musical ruso

Dentro del Romanticismo tardío, aparece una corriente muy importante: el nacionalismo musical,
donde los compositores buscan expresar la identidad cultural de sus pueblos a través de la
música. Un ejemplo clave de esto es el grupo conocido como “Los Cinco” o el Grupo de los
Cinco, formado en Rusia en la segunda mitad del siglo XIX.

Este grupo estaba compuesto por cinco compositores con un objetivo en común: crear una
escuela rusa de música nacional, que se diferenciara del academicismo europeo tradicional.
Querían incorporar elementos del folclore, las melodías populares, la historia y la mitología
rusa.

Los integrantes eran:

 � 1. Mili Balákirev (1837–1910)

 Fue el líder del grupo.

 Se encargó de coordinar y promover el estilo nacionalista.
 Su obra combina técnica académica con inspiración popular.
 Destaca su pieza para piano Islamey (una fantasía oriental).

� 2. César Cui (1835–1918)

 Además de compositor, fue un importante crítico musical.

 Compuso sobre todo óperas, canciones y música de cámara.
 Una de sus obras más conocidas es la ópera William Ratcliff.

� 3. Modest Músorgski (1839–1881)

 Muy original en su estilo, buscaba reflejar la psicología y el alma del pueblo ruso.
 Obras principales: Cuadros de una exposición, Una noche en el Monte Calvo, y la ópera Borís
Godunov.

� 4. Nikolái Rimski-Kórsakov (1844–1908)

 Destacó como gran orquestador, influyó en generaciones posteriores, como Stravinski.

 Obras destacadas: Scheherezade, Capricho español, El vuelo del moscardón.
 Fue también profesor del Conservatorio de San Petersburgo.

� 5. Aleksandr Borodín (1833–1887)

 Fue químico de profesión y músico autodidacta.

 Sus obras tienen temas históricos y orientales.
 Destaca la ópera Príncipe Ígor, especialmente las Danzas polovtsianas, además de sus sinfonías.

Objetivo del grupo:

 Crear una música con identidad rusa propia.

 Rechazar el academicismo impuesto por los conservatorios europeos.
 Inspirarse en la historia, las leyendas, la naturaleza y el folclore de Rusia.