TEMA 1: LAS ARTES ESCÉNICAS

1. CONCEPTO Y TIPOLOGÍA DE ARTES ESCÉNICAS

Las artes escénicas son manifestaciones socioculturales y artísticas de carácter expresivo y comunicativo
que se materializan en la escena ante un público y cuyos componentes esenciales son la dramaticidad, la
teatralidad y, en ocasiones, la performatividad. Bajo la denominación de “artes escénicas” se agrupan
distintas disciplinas artísticas que comparten la teatralidad como elemento esencial, si bien se considera
que el teatro es el modelo paradigmático de todas ellas. Repasemos a continuación la tipología:

- TEATRO: considerado el modelo paradigmático de las artes escénicas, es una disciplina artística de
naturaleza social y presencial que emplea diversos medios expresivos para transmitir ideas o emociones
en un espacio determinado y para un público concreto. Sus rasgos definitorios son:
​ es de naturaleza social: se gesta en un contexto colectivo tanto de producción como de
recepción.
​ es presencial: los dos agentes, actores y público, deben estar presentes simultáneamente.
​ posee intención comunicativa: expresa ideas y emociones a través de la ficción dramática.
​ utiliza múltiples códigos expresivos portadores de valores y significados en escena.
​ entraña múltiples finalidades: lúdica (divertimento colectivo), estética (expresión artística),
didáctica (instrumento de reflexión), social (crítica y transgresión), testimonial (reflejo de
una época)...

- MÚSICA: vinculada a la escena desde los orígenes de estas artes, la incluimos aquí cuando predomina
su faceta dramática y teatral, esto es, cuando sirve de vehículo a una historia escenificada. Así ocurre con
algunos géneros musicales, por ejemplo, con la ópera, nacida en Florencia en el siglo XVI como intento
de recuperar la esencia de la tragedia griega, con ella coincide en la declamación musical de los versos,
el empleo de la voz de los solistas por encima del coro, la música instrumental, la danza de los bailarines,
el tono solemne y trágico, y la espectacular puesta en escena.
Igualmente, podemos considerar aquí la zarzuela, nacida en Madrid en el siglo XVII para adaptar las
formas de la ópera al gusto español, por ello prioriza la palabra hablada, el tono cómico y la ambientación
alegre.

- DANZA: rama de las artes escénicas de naturaleza social y presencial, utiliza el movimiento corporal
para crear un espectáculo plástico y dinámico en un espacio determinado para un público concreto. Se
sustenta sobre movimientos y expresiones físicas codificadas y simbólicas impulsadas por la música para
transmitir sensaciones, emociones y conceptos abstractos. Conserva el primitivo carácter ritual y sagrado,
sobre todo en algunos casos concretos vinculados a lo religioso, [Link]: la danza derviche. Asimismo,
también mantiene el aspecto popular y recreativo, asociado a la celebración de actos sociales, al
divertimento y a la relación interpersonal entre los pueblos: [Link]. el haka maorí.
La danza combina varios códigos: el “lenguaje universal del cuerpo” (coreografías de giros, saltos,
rotaciones, quiebros, pliegues, silencios corporales...) con otros lenguajes artísticos (música, iluminación,
escenografía, vestuario...).

- CIRCO: espectáculo escénico de naturaleza social y presencial conformado por varias disciplinas
enfocadas a generar sorpresa y admiración en un espacio de divertimento para un público concreto. De
contenido ecléctico y misceláneo, se organiza como una sucesión de números variados de duración
breve e intensa que pueden ser clasificados en disciplinas de tipo físico (malabaristas, trapecistas,
acróbatas, funambulistas...), de tipo mental o manual (magia, hipnotismo, ilusionismo...), y de tipo
humorístico o de aventura (payasos, domadores, danzarines...).
El espacio del espectáculo es una o varias pistas circulares u ovaladas donde actúan los artistas. El
público se coloca en bancadas situadas alrededor y en diferentes alturas. Usualmente constituye un
recinto cerrado y cubierto por una gran carpa sostenida por mástiles.
El artista de circo debe mantener una extraordinaria disciplina y perseverancia en los ensayos para, a
través de la repetición constante, desarrollar la perfección en la habilidad, destreza o fuerza que exige su
número.
La actividad circense se organiza en compañías itinerantes cuyos miembros se dedican exclusivamente,
y como modo de vida, a la gestión, los ensayos y las representaciones. Actualmente existen circos
estables en las grandes ciudades, así como pequeños espectáculos callejeros enfocados a desfiles,
cabalgatas, ferias, exposiciones..., o simplemente a un público ocasional ([Link]: el espectáculo de diábolo
en los semáforos).

- OTRAS FORMAS ESCÉNICAS: Actualmente han ido surgiendo nuevas representaciones que no sólo
comparten con las artes escénicas la dramaticidad y la teatralidad, sino también los mismos códigos
expresivos, un público, un tiempo y espacios concretos. Veamos algunos de ellos:

- Performance: nacida durante las Vanguardias de principios del XX, -sobre todo con el Dadaísmo
y el Futurismo-, retomada en los 70, y muy de moda actualmente, son exhibiciones de tipo conceptual con
las que se pretende hacer crítica social y provocar al público a través de una estética miscelánea. Se
sustenta en unas pautas básicas previamente elaboradas, aunque presenta un espectáculo
aparentemente espontáneo, directo e improvisado: [Link]: exhibiciones de protesta antitaurina.

- Happening: nacido en Nueva York en los años 50´ y claramente influido por el Surrealismo y por
el “teatro de la crueldad” de Artaud, se expande a todas las capitales europeas sin fines comerciales y
con una clara intención crítica contra el arte convencional, el consumismo y el abuso del poder, por lo que
a menudo sus “ejecutores” han sido acusados de inmorales. Se fundamenta en la fusión provocadora de
lo dramático y lo pictórico, contextualizado en espacios pequeños para que el público participe
activamente de tales acciones transgresoras. Mezcla diferentes medios expresivos (movimientos, luces,
sonidos...), sobre todo se juega con la construcción/destrucción de objetos.

- Vídeo-teatro: nacido a mediados de los 70´ como complemento de la performance, actualmente

se ha convertido en un espectáculo que fusiona el registro audiovisual y el arte escénico, de forma que la
imagen visual se convierte en un signo más de la escena utilizado con varias intenciones: por ejemplo,
como elemento escenográfico (para crear decorados de fondo, objetos de atrezzo, o puntos de entrada y
salida ficticias); como elemento narrativo (para intercalar escenas grabadas o en directo, o proyectar
animaciones de personajes en el escenario); y también, como elemento de acción dramática (para
potenciar sensaciones y ambientes empleando holografías o imágenes sobre cualquier superficie, incluso
la del cuerpo de los actores).

- Teatro-danza: nacido con el Expresionismo alemán de los años 20´, se fundamenta en la fusión
de danza y teatro, empleando un lenguaje particular basado en el gesto y el movimiento “danzados”. A
diferencia del ballet clásico, se recurre a la palabra, al canto y la música moderna, pero sobre todo, a la
dramatización de una historia que lleva al espectador a la reflexión. A partir de los 60´ se delinean dos
tendencias: la que prioriza los aspectos emocionales y la que prioriza la habilidad técnica, aunque
actualmente tiene cabida cualquier experimentación de técnicas y estilos. Destaca la bailarina, coreógrafa
y directora alemana Pina Bausch, considerada la pionera de la danza moderna.

2. DRAMATICIDAD, TEATRALIDAD Y PERFORMATIVIDAD

Analicemos ahora tres conceptos esenciales para comprender la esencia de las artes escénicas:

a) DRAMATICIDAD: es el aspecto textual y literario del hecho escénico. A través del texto dramático, el
autor o dramaturgo elabora la acción, los personajes, la situación y el conflicto de la obra. La
dramaticidad equivale a la “narratividad”, pues en ella se sustenta la transmisión de los hechos contados.
El texto dramático clásico articula la estructura en actos, cuadros y escenas. Los actos (normalmente son
entre uno y cinco), se corresponden con los distintos momentos de la trama. Los cuadros marcan los
cambios de lugar donde sucede la acción. Las escenas suelen marcar las entradas y salidas (mutis) de
escena de los personajes.
Asimismo, cabe señalar otros aspectos formales que aparecen en el texto dramático clásico:
​ parlamentos: son las intervenciones habladas, y se señalan precedidas con el nombre en
mayúscula del personaje. Sus subtipos son diálogo (dos o más personajes hablan entre
sí), monólogo (habla un personaje solo en el escenario) y aparte (un personaje se dirige al
público en voz alta, sin ser “escuchado” por los demás personajes).
​ acotaciones: anotaciones del autor teatral, escritas en cursiva y entre paréntesis, que dan
información sobre la acción, la actitud de los personajes, el decorado, la iluminación...
​ signos ortográficos: marcas ortográficas de tipo expresivo presentes en el texto escrito,
imprescindibles para la correcta lectura e interpretación de las emociones por parte del
actor.

b) TEATRALIDAD: es la parte física y sensorial del hecho escénico. A través de la representación, el

texto se materializa y se plasma en escena mediante el uso creativo de los códigos de significación
(iluminación, sonido, decorado, maquillaje...), estableciendo la auténtica vía de comunicación con el
espectador. En el teatro actual se tiende a hacer un planteamiento innovador de la teatralidad: la
compañía portuguesa Chapitô, por ejemplo, realiza parodias cómicas de las grandes tragedias
grecolatinas omitiendo prácticamente el texto (código lingüístico) e incidiendo en el movimiento físico
(código kinésico).
Tradicionalmente, los conceptos de dramaticidad y teatralidad han sido estudiados por separado, aunque
en la representación aparecen fusionados y son interdependientes. Occidente le ha dado preponderancia
a la dramaticidad, pues los principales estudios provenían de las disciplinas de Literatura e Historia.
Antonin Artaud fue el primero en rebelarse contra el teatro dominado por la palabra y en defender el
lenguaje físico más apoyado en lo sensorial, como hace Oriente.

c) PERFORMATIVIDAD: Las nuevas propuestas escénicas que buscan romper con el canon dramático
clásico, tal y como lo plantea la Poética aristotélica, se basan en lo performativo, es decir, en la libertad
del intérprete para construir un universo simplemente a través del lenguaje corporal y de su proyección
física y vocal. El cuerpo es, por tanto, el principal creador, es el que piensa y ejecuta la acción al unísono.
La obra “se crea” en el momento presente, no existe un texto previo que interpretar, ni existe la mediación
de un director.
3. ARTES PERFORMATIVAS: CONCEPTO Y TIPOS.
3.1. CONCEPTO

El arte de performance, también conocido como performance art o simplemente performance es

una manifestación artística que involucra al cuerpo del artista y se presenta ante una audiencia. La
performance se centra en la acción y la presencia del artista para producir la obra, dejando a un lado la
producción de objetos materiales. Tradicionalmente, la performance se compone de cuatro elementos
básicos: tiempo, espacio, cuerpo del performer y relación con la audiencia.

El cuerpo del artista es el núcleo fundamental de la performance, es el soporte del discurso

porque define el acto creativo, tanto si es lenguaje explícito de la obra, o uno de sus componentes. La
performance es un arte efímero, que ocurre en un tiempo y lugar específicos, y puede ser en vivo o
grabada, espontánea o guionizada. Puede llevarse a cabo tanto en entornos artísticos (galerías,
museos…), como en espacios públicos y lugares singulares.

3.2. TIPOS DE PERFORMANCE

​ Happening: Manifestación multidisciplinaria, caracterizada por la participación de los

espectadores; mantiene afinidades con el teatro de participación.
​ Fluxus: Acción improvisada, no tiene un “libreto” de antemano. También se le conoce como
“arte-diversión”. Autoproclamado como anti-arte, rechazaba la comercialización del arte.
Organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Originario de Alemania con expresiones
en Estados Unidos, Europa y Japón.
​ Body Art o Arte Corporal: Estilo de gran relevancia en los años 60 en Europa y especialmente en
Estados Unidos. Se trabaja con el cuerpo como material plástico: se pinta, se calca, se ensucia,
se cubre, se retuerce… el cuerpo es el soporte del trabajo artístico. Suele realizarse con una
documentación fotográfica o videográfica, tanto del proceso, como del resultado. En el libro
“Contract with the Skin: Masochism, Performance Art and the 1970´s” de Kathy O´Dell se presenta
el Body Art como un talento o un reto contra el cuerpo mismo.
​ Sniggling: Típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta
de que se está ejecutando un acto artístico.
​ Action Art: conocida generalmente por Jackson Pollock (Action painting). Tuvo su auge en Nueva
York. Relacionado al “Aktionismus” europeo, conocidos por las “acciones” más atrevidas del arte
que fueron desde la actividad pictórica, hasta rituales sexuales que incluían orgías, exhibicionismo
y bestialismo. Al arte de acción se le unió el “Arte de Proceso” el cual incluye la participación
multitudinaria para lograr un objetivo. Ejemplo: Plantación del árbol “Kaki” en el Museo de Arte
Contemporáneo de Puerto Rico por el artista chileno Elías Adasme.
​ Intervenciones: acción artística que opera modificando una o más de las propiedades del espacio
en el que se desarrolla, como el uso de una determinada parte de un museo para un fin “ no
convencional”. Ejemplo: Edificios o espacios cubiertos con tela por Christo.
​ Acción Poética: acción basada en su mayoría en la poesía y la literatura.
​ Collage: Surge en el Cubismo y con las exploraciones con los materiales y texturas del artista
alemán Kurt Schwitters (1887-1948), el collage derivó hacia el relieve pictórico que dio paso en
1957 al “Assemblage”. La obra de “Assemblage” está compuesta de materiales o fragmentos de
objetos diferentes agrupados de un modo no predeterminado por su uso. Estas técnicas fueron
consideradas dentro de los movimientos relacionados al Performance por su dependencia a los
procedimientos y usos “tergiversados” de los materiales.