Clase 1

Todo el tiempo en TAV estamos hablando de estos tres ejes:

● La representación espacio temporal, un diseño audiovisual a partir de un tipo
de representación que implica un tiempo y espacio, un tiempo de ver y un
espacio representado.
● Las relaciones entre pasado y futuro, tanto las poéticas del pasado que
puedan servir para diseñar futuros.
● Y las tensiones que existen entre realidad y representación. Formas de
representar, como llevamos un modelo de representación hacia adelante,
hacia nuestro propio hacer, ¿qué diálogo tenemos?

Diseño (saber hacer): Es un pensamiento proyectual. Es un saber que se aprende

haciendo, se hace con un ensayo y error, esta esa constante tensión de tengo que
hacer para aprender. ¿Cómo proyectamos algo que aún no existe? El futuro siempre
está tan presente en nuestra profesión. Las ideas no se hacen visibles hasta que las
llevamos a cabo. Es llevar una idea a la práctica, no importa si está mal. La idea
tiene que atravesar un modo de producción para poder hacerse visible. Desde los
errores vienen algunas nuevas ideas, es bienvenido el azar y los errores. El mayor
error que tenemos los diseñadores es la página en blanco. Hay distintas prácticas
que nosotros como espectadores hacemos frente a la pantalla hay que preguntarse
por el lugar del espectador, ¿qué imágenes nos gusta, que imágenes
seleccionamos?

Farocky: Para finales de los 60 para hablar de la guerra de Vietnam se pregunta,

¿Qué imágenes creamos para hablar del horror?. ¿Qué imágenes hacemos para
hablar de las bombas? Muchas veces es más fuerte la metáfora, el no mostrar.
¿Qué imágenes nos hacen pensar, nos afectan? Mostrar menos es más. El cine es
un dispositivo que nos hace pensar, una forma que piensa gracias a lo que es el
montaje, esta sucesión de imágenes que generan un pensamiento, una forma de
hacer.

Manifiesto de las siete artes, Canudo: Es uno de los primeros teóricos del cine.
Se lo ve, en 1914, se lo ve como un arte total, que fusionaba todo lo demás, donde
se casaba la ciencia con el arte. Un invento científico, a partir de un montón de
textos que vienen de la física, de la óptica, de la química. Un hacer artístico que
captaba y fijaba los ritmos de la luz. Un arte práctico. Todo esto implica un lenguaje
AV, que implica una cuestión, que está muy implícito en uno de los primeros escritos
que es “Hemos casado el arte con la ciencia”. Siguiendo lo que es una tradición
burguesa, acá está implícito cierto tipo de ideología. El cine surge y tiene que ver
con esa ideología que viene inscrita en su dispositivo.

Subjetividad: Todo lo que tiene que ver con algo de subjetividad: ¿cómo se
construyen subjetividades a través de un sentido cultural?. ¿Cómo construyo o
como represento yo mi mundo? El lenguaje, yo hablo y relato algo de mi mundo,
hablo y cuento algo sobre mi. Somos seres parlantes, hablamos y nos comunicamos
mediante un lenguaje, manejamos el mismo código. Y eso es propio de la
subjetividad, es un conjunto de representaciones y vamos construyendo ese
conjunto simbólico. Muchos de estos conjuntos simbólicos son liderados.

Representación: hacer presente algo que está ausente. Hay diferentes métodos de
representación. Desde el Renacimiento en adelante hay mecanismo, técnicas,
dispositivos para representar. Tenemos que pensar cuál es nuestro presente ahora y
cómo fueron cambiando y variando en cada uno de los contextos.

Audiovisual: Es un dispositivo, cualquier cosa que se escucha y se ve.

● Medio de comunicación: Hablamos un lenguaje para comunicarnos.
● Está implicado en un sistema industrial determinado, se produce de un modo
de producción específico.
● Sistema lingüístico: El lenguaje lingüístico que se usa, más allá de tener
sonidos e imágenes, es táctil. Podemos tener algún AV interactivo. Podemos
pensar en algo inmersivo. Y eso es algo complejo que tiene un forma de
representación heredada, la forma de representación es heredada de
lenguajes anteriores como el teatro. Y tiene que ver con un modelo de
dominación también. Y hay una distorsión entre el modo de ver y la forma y el
contenido, osea como se genera ese modo de representación, poniendo en
relación la tecnología del dispositivo y por otro lado el contexto sociocultural
de de donde surge, cualquiera sea ese dispositivo. ¿Cómo se construye un
modelo de representación?, la relación de las formas, los recursos formales
con el contenido, siempre se cuentan 2 historias, porque siempre por debajo
hay una ideología que transcurre en el dispositivo, en esa mentalidad que
está inscrita en nuestra matriz cultural.
● Subsistema lingüístico:

Modo de ver: Tecnología y contexto sociocultural: como son los modos de ver,
cómo se construyen los recursos formales con

Diseño AV: Disciplina Proyectual de las artes tecnológicas que busca resolver las
necesidades de la comunicación social y la creación artística a través de los
recursos que brindan dispositivos y los códigos de representación AV. Hay muchas
teorías de cine pero no tantas de diseño AV. Es una palabra amplia, contiene el cine,
pero no es solamente el cine, hay otros soportes, formatos y usos y prácticas. Es el
diseño, mas imagen, mas post producción.

La secuencia de títulos nos dice un montón de los que vamos a ver en la película.
Encontramos información específica. Hay una función creativa y legal (encontramos
a los responsables).
Diseño: El diseño hace visible el pensamiento, como llevamos esa idea desde el
pensamiento que es abstracta y tan personal a algo concreto, lo hacemos visual. Es
la materialización de la idea, es la toma de decisiones. Resuelve problemas, tiene
una intención con una finalidad. A diferencia de las ciencias sociales, la filosofía que
lo que hacen es problematizar la realidad para estudiarla. El diseño ante un
problema busca soluciones, por esto está muy ligado al futuro, se pregunta cúal es
el fin. Tiene cierta malicia, porque tiene que engañar a la naturaleza. Es tramar algo,
buscar, proyectar. Es una utopía. Entre el problema y la solución hay muchos
caminos posibles. Hay una diferencia entre el diseño difuso (diseñar un desayuno,
ya que permanentemente estamos diseñando) y el diseño experto (con una spertiz
sobre una práctica en un campo determinado, que tenga ciertos aportes
específicos). Como diseñadores vamos a:
● Prefigurar, con pre visualizar con eso que vamos a concretar, los bocetos y la
investigación.
● Y tiene que ver con la iteracion, ese ir y venir, prueba y error.
El diseño puede justificar sus decisiones en el proyecto, por eso la teoría es
importante, para tener referencias, justificar, tener ese vocabulario para poder
defender el trabajo que vamos a hacer. El diseño se basa en la consciencia de ese
proyecto y en la utilidad que se va a aplicar a ese proyecto. En esa relación
consciencia y utilidad se ponen en disputa la tensión entre el Arte y el diseño. Hay
diseños que rozan con la cuestión artística, y mucho del arte tiene que ver con el
diseño (el uso de los colores, la simpleza de las formas). La forma del diseño está
relacionado porque es un ser industrial pero también ciertos roces con lo que es el
ámbito de lo artístico.
● Tiene un fin comunicacional: Depende de los dispositivos, de las
condiciones de producción. Está relacionado con esa relación de espectador-
usuario. Práctica de pre configuración. Comunica algo, siempre tiene una
función y un fin. Se basa siempre en el proyecto, en la práctica de pre
vinculación, hago un proyecto antes de realizarlo, hay un proyecto anterior.
Todo arte, todo diseño es hecho por los medios de los dispositivos de su tiempo.
Pero proyectan bienes simbólicos (arte o diseño), que expresan la sensibilidad y los
saberes de nuestra actualidad.

Youngblood: Escribió a finales de los años 60. El artista como científico del diseño.
¿Qué es ese plus que existe entre películas meramente que vienen de la industria
(una película detrás de la otra, hacemos mil películas iguales)? O hay películas
hechas dentro de ese mismo sistema productivo que tienen un plus, algo que las
distingue, que no son importantes por lo que dicen, no son importantes por su
argumento, su contenido, las historias, sino por sus diseños. Los artistas que
funcionan como científicos del diseño, porque tienen que tener esa noción
proyectual donde se da esa relación entre arte y ciencia. Y esa fusión de esos
recursos formales, como muestran esos aspectos de la realidad a partir de su
representación, el uso que hacen de la cámara, del movimiento, la poética que
tengan, la profundidad de campo, el montaje. Volvemos al texto de Canudo, el
querer casar el arte con la ciencia. Y esas películas se distinguen por más de que
hayan sido hechas en la industria, o tienen que ver con actores super reconocidos,
pero los aspectos nuevos que generan en el diseño de sus películas, que no se ha
hecho antes (La Fragmentación de los Cuerpos por ejemplo). Tienen que ver con la
noción de diseñar, la cual significa extrae el símbolo de sí, es poner las ideas
diferenciadas en la experiencia donde se va perfeccionando ese diseñador en el uso
del lenguaje que hace, para corresponder esa representación AV con una
experiencia específica en quien la mira. El artista como si fuera un científico, es
aquel que potencia o revela los elementos que tiene el lenguaje AV de una forma, a
partir de un proceso, que le da ese plus, que le da algo conceptual, más allá de lo
que esa película cuenta, no importa la historia, lo que sucede es cómo está relatada,
expresada, cómo se expresa la potencia oculta en el lenguaje AV, como se busca
algo nuevo, pero dentro de la industria. El cine de autor tiene esa instancia de
diseño que crean algunos cineastas, que trascienden dentro de un género en
específico. El diseñador hace y crea esas formas de ver, que no responden a lo que
es la industria, pero si tiene que ver con el gusto común, la gente la puede ver y no
va a quedar afuera como si viera una película de autor. El cine experimental y el
cine de autor, lo que hacen los artistas es esa idea de experimentar con los
materiales para crear nuevas formas, dejar de caer en las formas de la industria,
para no repetir fórmulas heredadas y fórmulas que ya conocemos. Para eso
experimentales, que a algunas renuevan el lenguaje, plantean nuevas preguntas,
nuevas soluciones, nuevas forma de crear, de visualización. Pero después esas
experimentaciones no son absorbidas por la industria. La experimentación con estos
dispositivos porque es lo que tenemos, es lo que la materialidad nos permite
representar. Retomando esta idea de la meta como científico del diseño, hay
películas super industriales con directores y actores de renombre revela el
dispositivo, salir de la caja, revela el otro lado del dispositivo, lo tensiona, lo quema,
revela el artificio de la representación, rompe el formato, introduce la tecnología en
el medio de la representación.

No podemos crear un diseño AV sin un dispositivo que medie esa creación, tenemos
un dispositivo tecnológico. Podemos tener AV unplug, cuando hablamos de pre cine.

Dispositivo: Es algo que media, está implicado y organiza esa representación, es

un mecanismo dispuesto para producir una acción prevista. Dispone que algo se
organice de una forma y no de otra, es lo que está ahí. Nosotros somos meros
funcionarios de la cámara, no podemos hacer algo por fuera que ese programa de la
cámara nos dice, el arte AV conlleva esta técnica. Hay una ideología por atrás,
porque quien hace el mecanismo de representar, quien hace el mecanismo del
dispositivo no somos nosotros. Podemos generar tocando botones algún tipo de
representación. Lo que nos dice la tradición de pensar este mecanismo artificial que
tiene una acción prevista, es que los dispositivos crean estado y sucesos para
efectuar ciertas acciones. El dispositivo genera una relación entre el poder y el
saber, está ligado a un poder, crea cuerpos dóciles útiles al sistema según Vigilar y
Castigar de Foucault. Es un mecanismo que incide sobre nuestro cuerpo desde que
vamos a la escuela, fábrica. Deleuz dice que este conjunto heterogéneo de
prácticas que nos habla Foucault ligados a un poder, generan líneas de
subjetivación, producen un sujeto, a partir de modulaciones que nunca terminan, Lo
que hace es generar esa modulaciones dentro de ese sistema que genera
subjetividades.

Agamben: ¿Qué es un dispositivo? El dispositivo es cualquier cosa que tenga la

capacidad de capturar, orientar, determinar, interceptar, modelar, controlar, asegurar
los gestos, las conductas, las opiniones y los discursos de los seres vivientes. No
solamente las prisiones, los manicomios, el panóptico, las escuelas, las iglesias, las
fábricas, las normas jurídicas, etc. Sino que toda conexión con el poder es en cierto
sentido evidente, también los dispositivos son para escribir como la lapicera, la
escritura, la literatura, la forma de pensar como la filosofía, la forma de comer como
agricultura, la forma de navegación (como nos orientamos), las computadoras, los
celulares y hasta el lenguaje mismo. La forma de representación nuestra arranca
con el lenguaje que usamos, puede ser el AV. Nos determina y nos relaciona con
esta red, porque para Agamben es una red, el dispositivo no son solo elementos
heterogéneos separados, sino que es un saber del mundo generado en una misma
red. Que lo que hace, es no generar subjetividades como decía Foucault o Delezu.
Sino que genera también, por eso también puede ser celulares, generar
desubjetivaciones, nos transforma en un número de audiencia, de celular, nos
controla desde un lugar más radical como el internet. Está en nuestro lenguaje, en la
primera prótesis que tenemos para comunicarnos, está super ligado a una ideología
que transcurre por debajo y a un poder. Al final del texto se pregunta por formas de
profanar el dispositivo, por formas de salir de la caja negra, de este aparato de base.
Antes tenemos que pensar que la cámara nuestra es un dispositivo que funciona
como mediación entre el cuerpo (sensibilidad, lo que nosotros queremos) y la
institución (todos los programas que tiene esa cámara, todo lo que está escrito en la
computadora que tengo que usar un programa determinado para verlo, la forma
universal). Entre lo que es la acción poética misma, nuestra idea y el aparato de
reproducción de esa idea. Entre la propia creación de nuestra imaginación y la
cámara que lo puede retratar o no. El dispositivo como mediación entre la
sensibilidad y la institución (una forma universal relacionada con el poder). Por lo
que tenemos distinto de lo que es un dispositivo de lo que es el AV, el dispositivo AV
está ligado a un poder universal y a una interfaz tecnológica (la cámara). El
dispositivo AV tiene una dirección doble: ligado al saber (Agamben está puesto acá
también) pero encadenado a una interfaz tecnológica que es la cámara. Agamben
quiere salir de acá, quiere profanar el dispositivo, lo que nos dice siguiendo a Andre
Bazin, es que decir que el cine es una ventana abierta al mundo, es poner la técnica
transparente y pensamos que es así, lo tomamos como lo dado, pensamos que es
el sentido común. Pero en realidad es una técnica, una tecnología que representa
de una forma determinada, tiene que ver con una forma de hacer, la técnica es
opaca. Agamben dice que hay que buscar formas para profanar los dispositivos,
para arrancarles esa captura de la realidad y generar un contra dispositivo, algo
distinto, ¿Podemos salir de la caja negra? Para él los discursos positivistas u
optimistas de la tecnología lo único que hacen es hacia su propia reproducción, es
reproducir el sistema, esto que decíamos de la experimentación lo absorbe el
sistema y no deja que cambie.

La cámara representaba como un ojo, si miro las formas de representación de la

cámara se asemeja a la perspectiva de la realidad burguesa, no es como yo miro el
mundo, se asemeja a una forma de ver el mundo que nos es heredada del siglo 16
en adelante. Reperpetúa una representación del mundo.

La era de la ausencia: Habla de la no representación a partir del siglo 19 en

adelante, que a partir de estos dos intentos (1805 y 1830 que es cuando sale la
locomotora que acorta las distancias). Y en 1839 sale el desarrollo de la captura de
la realidad en la fotografía. El autor dice que hubo un cambio, salimos del gesto, de
esa representación de lo gestual, donde el cuerpo estaba puesto en el gesto de
quien representa y pasamos a una estética del dispositivo, de la máquina. Esta
estética, desde el siglo 19 en adelante, el cine tiene que ver con esto por el
movimiento. Si sumamos el movimiento con la estética de la máquina surge una era
de la ausencia, el cine se da por la ausencia de imágenes, en ese momento, para
poder crear esa ilusión de movimiento. Y hace una analogía de cómo se nos escapa
el paisaje cuando subimos a un tren. El paisaje se escapa, no lo podemos atrapar.
Esto aparece en 1837, en un poema de Victor Hugo, donde las flores de la cometa
ya no son flores, sino manchas de color, o mas bien rayas rojas o blancas, ya no
hay puntos, todos son lineas. Esta idea que se nos empieza a escapar en la
representación, algo que no está, la representación a partir de algo que no está,
profanara el dispositivo a partir de generar sentido en algo que no está. La estética
de la ausencia se da a fines del siglo 19 incluso en la pintura, podemos también lo
que es el turismo (donde podemos ver este tipo desmaterialización por medio del
uso del objetivo del dispositivo). El cine es elipsis también, se da en lo que nos
vemos también, en lo sugerente. ¿Podemos profanar las imágenes? ¿Podemos
pensar fuera de la caja? ¿Podemos cambiar el orden, podemos invertir el uso?
¿Podemos develar las estructuras que hay por detrás? Primero hay que pensar en
la ideología que hay detrás, y después darnos cuenta que la técnica no es
transparente, es una representación. Y que esa representación está ligada a algo
subjetivo, el cine muestra pero también orienta a cómo pensamos algunas cosas, es
un modelo de representación que muchas veces está institucionalizado cuando
viene de la industria. ¿Cómo lo vemos, cómo lo podemos profanar?

Lo que estamos representando es un lenguaje, no importa que sea en imágenes o

en texto.

Videoclase Punctum/Studium/Punctum tiempo

La cámara lúcida de Barthes:
● Studium: Se refiere a un análisis en el campo del interés general, que tiene
que ver con lo observable, lo entendible y lo comunicable, pero también con
lo cultural, lo que interpretamos con el gustó personal. Son las cosas que
podemos percibir de una imagen pero también las que podemos inferir, por
ejemplo los elementos que la componen, los recursos técnicos utilizados,
estilístico y todo lo que podamos poner en palabras. Las intenciones del
fotógrafo se encuentran dentro de Studium, porque el Studium se refiere a
sus juicios, a sus interpretaciones, y a su forma de ver el mundo.

● Punctum: Aparece cuando en un flujo constante de imágenes en las cuales

aparecen los mismos elementos/personas/objetos se produce una
discontinuidad o ruptura. En la cual aparece una imagen que tiene una
copresencia de elementos discontinuos y heterogéneos. Heterogéneos
porque pertenecen a campos que parecerían diferentes (monjas opuesto a
soldados) y discontinuo porque rompe con esos elementos en común que
había en ese flujo de imágenes. Es un análisis de una dedicación más
particular, no general como en el Studium. No es algo que se busca o se
percibe, es algo que salta desde la imagen, atraviesa el Studium, y pulsa
directamente hacia la retina. Es un pinchazo, una mancha, un acento, un
estigma, es algo que despunta, que detiene la mirada, que duele, tiene un
componente emocional, pero va más allá de si es una foto que te gusta o no
te gusta. También hay cierto factor de casualidad, por eso es muy fácil
encontrar el Punctum en fotos de fotoperiodismo, este aspecto
documentalizante favorece ciertas situaciones casuales. Cuando lo
analizamos no estamos haciendo referencia en las intenciones del fotógrafo,
el Punctum va más allá de las intenciones del fotógrafo y de las
interpretaciones personales de los espectadores. Pero va a haber una
relación entre Studium y Punctum, entre lo cultural y eso que despunta la
imagen hacia nuestros ojos. Porque en definitiva todo el tiempo estamos
hablando del terreno de los preceptivo.

Clase 2

Poesía basada en los sonidos en si mismo. No por un contenido en especifico.

El dadaísmo era una vanguardia que trabaja el sin sentido. Al mismo tiempo que
estaban los dadaístas, había una corriente artística, una vanguardia histórica
llamada Los futuristas. Tenían gran devoción con los adelantos tecnológicos de la
modernidad. Era mucho más artístico y potente que el sentir el rugir del auto que
una música más tradicional. Todo tipo de desarrollo tecnológico era más importante
de lo que era el arte antes de principios del siglo 20, que era más tradicional. Los
futuristas, en el libro llamado el Manifiesto del cinematógrafo Futurista, lo que hacen
es pensar en un cine distinto en 1916, hace veinte años que teníamos el cine
desarrollándose. En 1916 en ese Manifiesto piden que el cine sea una especie de
unión de muchas artes: la pintura, de la escultura, arquitectura, teatro sintético.
Relacionado con el texto del Diseñador como Científico del Diseño, ambos
pensaban al cine como un arte total, que casaba el arte con la ciencia. Los futuristas
pedían:
● Liberar a las películas, al cine. Hacía 20 años que existía el cine, por lo cual
se había experimentado un montón. Veían al cine como poemas, discursos,
poesías filmadas, palabras en libertad en movimiento filmado. Como esta
idea de la poesía y del lenguaje cinematográfico muy a fin de si.
●

Poesía AV: la poesía no es solamente la palabra, implica un dispositivo lo AV, una

tecnología, una técnica. No impone relación con los lenguajes, por un lado la poesía
en sí, y por otro lado el dispositivo y todo lo que nos permite el dispositivo AV. Si
recordamos esta idea del cine que no se ve, la poesía abre a la imaginación, hacer
visible lo invisible a través del lenguaje. Todo está en lo no escrito, en lo no dicho, es
una extraña palabra en un agujero de lenguaje. Esta idea de por medio una
tecnología, un dispositivo, el mundo y el lenguaje tiene cierto de relación. Porque
nosotros representamos el mundo a través de un lenguaje específico. Es un tipo de
lenguaje, que es a fin de lo AV, que usa estrategias para no caer la comunicación en
un lugar común. Se da entre lo que queda entre lineas. Está en todos lados, y como
la representamos a través de distintos lenguajes. Siempre es mejor leer dos veces
la poesía para generar sentido, se necesita volver a leer. La poesía a veces al leerla
genera una imagen y puede generar tensión, un sentimiento. A veces con palabras
simples se puede generar imágenes complejas.

Roberta: Ve la vida cotidiana y la escribe.

Poesía: no como genero. Sino como una forma relativamente cerrada. Como modo
de ver y de construir el mundo a través de lo cotidiano. Todo como algo que parece
espontáneo, pero no es tan azaroso y espontáneo. Es aquello que podemos ponerlo
como forma de ver y de mirar el mundo. Podemos escribir atemporalmente. Nos
sirve para representar algo inasible, como una ráfaga, el placard de mi abuela, algo
que me lleva a algo intimo. Nos ayuda a armar esta idea de imagenes poética,
retóricas, que crear y recrear sensaciones de modo afectivo interpretando lo que
vemos en nuestra realidad cotidiana pero en términos .La poesía se da en ese
entrelineas, en lo que sugiere esa idea que construimos.

Como lo llevamos al lenguaje AV: la palabra amplia aquello que vemos en imagen.
La poesía
◦ Desplazamiento de sentido
◦ Enrarecimiento: camara lenta, cámara rápida que crean indicios que tengas que
tengan que ver con lo actoral.
El sembrador de estrellas: vemos texto teóricos que tienen que ver con ensayos
(Merlo Ponti). Hay algo poético pero que tiene que ver con algo ensayístico,
investigación. Hay un corriemiento literal para genersr un sentido expresivo, que va
mas alla del tiempo mismo que nos resuene en nuestra memoria. Decir algo
literalmente no, sino buscando un proceso.

Proceso: No represento directmante, sino que veo los reflejos de sonido, de luz.
Tengo la tecnologia que me permite

Falco: A pensar surgen las vanguardias se mete dentro del cine. Despues de las
Vanguardias pos guerra siguieron trabajando con lo expresivo.

Tasarra: En el cine argumental de hoy en dia como trabajan los cine. Habla de
películas argumentales. Hay una interseccion etrw el lenguaje poetico y argumental.
◦ Arbol de la vida: es impresionista.
◦ 20 mil años en la Tierra: Altamente poético. Es un ensayo. Uno tiene una idea y
hay que

Paterson: Habla a lo cotideano, vemos lo que hace en una semana. Tiene la

dualidad: siempre vemos el doble, las cosas pasan dos veces. Y esta idea de la
traduccion, no s puede traducir la poesia, se pierde, la poesia si se traduce es como
bañarse como un piloto. El se siente a contemplarse a la cama.

El video arte: El video es como un lenguaje muy permeable para el arte. Kubota se
jactaba de que ella es mujer y graba siendo mujer. Habla del ciclo tipico femenino
partiendo del ciclo tipico filmico. El videopoema (no estaba acuñado ese termino en
1976). No solo grababa, sino que también solarizaba.

Leer el texto de Pablo de Paterson.

Video poesía: Genero de la poesía que se despliega en una pantalla, se distingue

por basarse en el tiempo, y por la yuxtaposición poética de imágenes, texto y
sonido. En la mezcla mesurada de estos 3 elementos, produce en el espectador la
realización de una experiencia poética. Sin texto no hay video poesía, no es solo
imagen y sonido. Y eso que se dice en video no puede ser traducido a otro genero.
Tipos de video poesia
◦ Performance: Talata. Tenemos al poeta que hablamos, el poeta recita mirando a
camara. El poeta es el que la da palabra. Es importante la locación.
◦ Texto visual: Puede ser un texto sobreimpreso en una imagen o se puede generar
texto a través de tomar palabras que hay de publicidades,
◦ Texto sonido: Imagenes y un texto, una voz en off que va recintando. El sonido
esta solo en la banda sonora.
◦ Cine poesía: Cuando ede texto esta en pantalla y se mueve, tiene cierta incidencia
y esta trabajado en un programa que genera una animacion.
◦ Texto cinético: Solamente tipografias blanco

El MTV fue un cambio drástico en los años 90.

Manhattan Poetry Video Proyect: En 1984 querían volver a captar la atención de la

juventud. Se los convoca para que trabajen 3 poesías y hacen 3 videoclips. Son
poetas y sus poemas son pasados a videoclips. Los géneros son un Blues, un Rap
con bastante de Break Dance.

Poema: no da un significado cerrado, y significativo, obligan a pensar, nos asiste un

tiempo fuera de tiempo, habla desde otro lugar, puede trabajar desde lo diario pero
no es cronológico, sugiere. Y es en la sugerencia donde funciona el lenguaje
poético. Permite una acción que debela algo potente

No siempre algo que tenga punctum va a tener algo de arte.

Al mismos tiempo que estaba los dadaístas, había otra corriente artística llamada
los futuristas, era una vanguardia histórica que tenía que ver con generar una gran

Hay un dialogo entre esa poesía y esa fotografia, falla en querer completarla la
fotografia, en decir cosas que no esta en la fotografia. Quiere proponer un dialogo,
proponer otra cosa. Un dialogo entre las imágenes. La foto y el poema son cosas
que pueden dialogar.

Acosta Larroca: Aquellas pequeñas cosas, lo belleza de lo cotidiano.

Falco: Sirve para hablar esto de lenguaje codificado. Se centra mucho en las
vanguardias. Retoma que en todo el lenguaje o nueva tecnología hay una
cristalización de ese lenguaje y toman una forma en la que todas podamos entender
ese sistema, código. Hay un lenguaje particular, que es una organización de
elementos, que se posiciono por sobre todos los demás lenguajes de cine. Que es
la de la época dorada de cine. Se mantienen porque es lenguaje canónico, que
organiza los elementos . Cuando un lenguaje empieza a ser muy utilizado, se
cristaliza. La poesia y el cine experimental rompe con eso. Busca en esos espacios
en donde el lenguaje cristalizado no le gusta ir. Las vanguardias van a buscar ese
lenguaje cristalizado no le gusta ir. Hay un monton de mecanismos que regulan los
lenguajes para que ese lenguaje llegue a ese publico. Va a ir a buscar esas cosas
que no están hechas para el uso comun.

Film poema: obras que son casi en totalidad son regidas por la función poema.
Lo poético va a buscar en esos registros donde la narracion convencional no le pone
atención.

Tasarra: El film poema que es

Videoclase Ensayo AV

Adorno, el ensayo forma (texto complementario): Define al ensayo como la

especulaciones sobre objetos específicos culturalmente preformados. Podemos
pensarlo como una especulaciones, abordajes, sobre objetos de la cultura (obras
artísticas, discursos) que son preexistentes, que el ensayo nos permite abordarlos
para volver a generar una opinión, un pensamiento crítico en el aquí y ahora, a partir
de que yo abordo ese objeto. A la Filosofía, ciencia, a la historia, el discurso,
imaginario, cine, y al AV, en mayúscula entendido como un discurso hegemónico,
una actriz cultural, el ensayo es una herramienta nos permite sospechar, desconfiar,
sirve para correr el velo de ese objeto culturalmente preformado. Ensayar=Profanar,
es decir, como la restitución de algo que estaba separado de la esfera de lo
sagrado, al libre uso. Algo que pertenecía a un discurso hegemónico, el ensayo nos
permite bajarlo de ese pedestal y nos permite volverlo a revisar. Ensayar es como
volver a la experiencia del dispositivo, una experiencia encarnada corporalmente.
Ensayar requiere de nuestra participación en términos activos, en primera persona,
en el aqui y ahora, hacia un análisis crítico.

El documental y el ensayo: El documental se funda en un presupuesto esencial,

John Grierson dice: la escuela documental inglesa de los años 30, que es su marca
distintiva, su ideología, su axioma, la creencia en el poder de la cámara y de la
película para registrar su emanación de lo real. Lo real genera su imagen y ofrece la
cámara sin filtros, sin subjetividades, bajo esta creencia, entre la cámara y lo que se
está registrando no hay subjetividades, no hay decisiones de montaje, no hay
encuadre. Esta creencia incluiría cualquier imagen de naturaleza fotográfica
(incluyendo las imágenes fotográficas y videográficas) como el rasgo característico
del documental. En el documental lo real en sí mismo genera (o se supone que
genera) su imagen y la ofrece a la cámara principalmente gracias a las propiedades
óptico-químicas del aparato técnico y sin la contaminación de una subjetividad que
también se supone parcial o deformante.

Texto de Comolli: Toda esa creencia arraigada profundamente en nuestra cultura

tiene su origen ideológico en la imagen especular occidental que surge en el
Renacimiento y llega a su Paroxismo en las ideas de André Bazin en la década de
1950 sobre el poder de la cámara para captar emanaciones de lo real. La ideología
reproduce el aparato de base (despótico de representación cultural). La técnica y la
ciencia no son ingenuas y detrás de ellas hay un discurso, hay decisiones, hay
ideología.
El documental tradicional o hegemónico vs el ensayo, Desvíos de lo real: La
gran diferencia entre ese documental tradicional, con esa voz de Dios, del antiguo
documental expositivo, cambia radicalmente con el ensayo documental
contemporáneo, donde se busca una voz subjetivada, donde las dudas y las
problemáticas forman parte de la obra, la reflexión, las dudas y el pensamiento son
partes fundamentales del ensayo documental contemporáneo. Incluyendo todo eso
como un proceso reflexivo, para generar una connotación dialógica con el
espectador. El objetivo es genera una connotación dialógica para quien está
espectando.

Cine de no ficción: Mezcla de material factual (está basado en hechos,

contactados a ellos y no en lo teórico o imaginario) con un punto de vista personal
(transitado en primera persona donde), donde pueden abordarse elementos
narrativos ficcionales, reflexiones argumentativas, y manipulación retórica del
material de archivo, con presencia en primera persona del autor (voz, imagen,
ambas)

La imagen que piensa, García Martinez:

● La importancia del yo: El ensayo sirve para e# ir ir al ser humano como
problema, pero no lo resuelve, por su característica de transitarlo en primera
persona proporciona un diálogo consigo misma, que se va traducir al final en
un mayor conocimiento de sí, en un conocimiento introspectivo al final. Pero
va a dejar un interrogante que es posible de retomar por otros nuevos
ensayos, ósea nunca está acabado.
● El autorretrato: Es una forma de ensayar, no es un mero relato, confesión o
dramatización de la propia historia, procede como una serie de indicios,
expresándose sobre todo a través de listas de objetos queridos, inventarios
de lugares llenos de significado, haciendo aparecer en palabras de Bellour:
“una fugaz prueba de identidad”. Según Beajour el autorretrato sería un
paseo imaginario por un sistema de lugares, un depósito de recuerdos en
imágenes. Damos cuenta de ese tránsito en primera persona y del tránsito
del yo, formando parte de la propia obra sin esconderse.
● El camino es la meta: Por su forma personalista y anti sistémica propia del
ensayo, se privilegia una filosofía del instante, un pensamiento que se
construye con sus dudas y problemas, conforme avanza la propia obra. Los
Films ensayos se mueven en tiempo presente, el tiempo en que se elabora el
discurso, aunque puedan hacer digresiones históricas o personales al pasado
o la futuro. Hay que relacionar esto con el diseño (el pensar hacer y hacer
pensar), como un círculo virtuoso hacia la construcción de un saber, que
surge de esa experiencia del pensar hacer y hacer pensar. Podemos pensar
al ensayo como ese pensar hacer que se va construyendo, a a partir de la
experiencia, un saber propio, el ensayo no es conclusivo, porque lo
importante es el proceso que vamos transitando y hacia el final vamos a tener
una verdad vaporosa, un nuevo interrogante para ser tomado y ensayado
 nuevamente. Esos interrogantes nos interpelan a nosotros. El films ensayo es
la filosofía en el momento del hacerse porque su alejamiento de toda
aserción absoluta resulta inevitable: se mueve en el campo de la duda, de la
experimentación, sin perder por ello rigurosidad, ya que muestra todos los
elementos de ese terreno opinable al receptor. La noción de obra abierta
adquiere entonces vigencia de primer orden: el ensayo permanece siempre
inacabado puesto que su reflexión puede acercarse a una verdad vaporosa,
ante la que el autor va exponiendo sus ideas, contemplándolas,
corrigiéndolas o probando su validez.
● Una voluntad de estilo:
Ensayo:
● Es un género argumentativo
● Es un intento, ejercicio, prueba, experimentar
● Une el discurso del yo con el pensamiento
● Nos enseña haciéndose
● Es difícil de delimitar por su heterogeneidad y realidad multiforme
● Proviene de la diversidad de sus tema y la elasticidad en su forma
● Es un cajón donde colocar textos que tengan una reflexión intelectual
● La simultaneidad de la creación fílmica y la filosófica
● La amalgama entre pensamiento y el yo
● Una serie de consideración retóricas sobre sus particularidades
● La reflexiones se produce en las imágenes y a través de ellas, puede ser
acerca de nuestro pasado y nuestra memoria.
● Está entre la frontera entre realidad y ficción.
● Puede ser una falsificación documental y una ficcionalización
● Tiene una reflexión vista desde un yo, con sus dudas y especulaciones, que
hace presente su personalidad a través del montaje
● Lopate: presencia de la palabra, representación de una perspectiva o voz
única, intento de averiguar algo sobre un problema, punto de vista
personalizado

Agnes varda:
● Cuenta su vida, tanto personal, como cinematográfica, siendo ya vieja.
● La voz en off a veces es sincrónica y a veces no.
● Usa la palabra retrato cuando muestra los espejos, o mas bien deberia ser
autorretrato porque es una reflexión sobre ella misma
● Los viejos espejos le recuerdan al mobiliario de la casa de los padres, hace
una reflexión, acerca de su infancia, entre su pasado y su memoria.
● Recorre con su dispositivo (la cámara) los lugares que la marcaron de chica:
mira fotos suyas de chicas, recorre y filma el lugar de cuando murió su padre,
la casa donde vivió de chica.
● Se pone a ella como ejemplo real y práctico.
● El material de archivo son las fotos de ella de chica que acompañan la voz en
off de ella relatando acerca de su infancia.
● Sus memorias parten desde su niñez en familia, vivir la Segunda Guerra
Mundial, su primer trabajo, sus estudios y su primera película, las grandes
amistades que hizo, la familia que formó, y claro, qué la llevó a hacer las
cintas que hizo.
● Quiere expresar la nostalgia.
● Recrea algunas escenas de su pasado como la foto con la malla a rayas
● Estamos viendo a través de sus ojos, ella documenta sus entornos.
Mapa
● Voz en off que no solamente relata para el espectador, sino que para el
mismo también como autor. Como el que es el espectador de su propia
película. Porque él grabó las partes de Marruecos (como autor) y después las
vuelve a ver (como espectador) para generar otro discurso, otra reflexión, de
nuevo como autor.
● Es un documental.
● Es un corto diario
● Tiene rasgos documentales, como la captura de su viaje a India.
● Usa el material de archivo de su viaje a Marruecos como expresivo.
● Usa mucho el contraste de la música y también el contraste entre las
imágenes (cuando muestra las de India y las de Madrid). También cuando
pone 3 tipos de músicas distintas contrarias a la sensación de vértigo.
● La angustia de la muerte. Quiere darle la espalda a la muerte, quiere ignorar
a la muerta. Hace una reflexión acerca del proceso de ruptura de una relación
y el “duelo” que hacen las personas.
● “Me niego a aceptar la importancia que le he dado a esta mujer (luna) en mi
vida… en la película”. Como si fuera un acto fallido que estaba hablando de
sí mismo y para el mismo y se olvidó del dispositivo por un segundo. Porque
la película es acerca de su vida.
● El mapa de Elías León Siminiani nos evoca diferentes estratos en los que él
transita por la impetuosa necesidad de encontrarse a sí mismo.
● También existen reflexiones, a través de la voz en off, sobre cómo debería
filmar esto o aquello y de cómo se va construyendo la composición de este,
su primer largometraje.
 La escucha y practicarla

Es algo activo y creador. ¿Qué es lo primero que pensamos cuando hablamos de

escuchar?

Que es la música? Sonidos organizados a través del tiempo. Expresión de

sentimiento. Para John Cage es un personaje en la música experimental, en las
vanguardias es la segunda posguerra. Viene de la formación musical más
tradicional y cuando se cruza con la idea de música de otras culturas. Se pregunta
qué es la música? Cage que viene de la formación musical trae esta nueva forma de
pensar la música o la composición musical de esta manera. La música para él es
sonidos, sonidos a nuestro alrededor, estemos dentro o de la. Es decir que todos los
sonidos que están manifestándose (el sonido y las risas del público también) es
parte de la composición.

Shaeffer le pregunta a Cage que es la música. Shaeffer nos trae un concepto. Hay
que entrenar la escucha.
● Paisaje sonoro: Shaeffer habla de estos conceptos a fines de los 60. Su
teoria en relacion a esto es de mediados de los 70. La vista prevalece, esta
este ver para creer, la escucha queda de lado. Lo hace para poner en
practico la escucha. Para el es una colección de sonidos. Cuando
escuchamos cuidadosamente esos sonidos se convierten en milagros. Si
podemos mirar cuidadaosamente y escuchar cuidadaosamente puede
eneriquecer tu vida. El mundo es una enorme compisicion musical, y nosotros
somos los compositires. Un sonido real es unico. El silencio se contruye,
cuando se deja de esucchar una grabacion, escuchamos sonidos propios del
espxio que habitamos. Todo lo que nos rodea es parte del silencio cuando el
video dejo de emitir sonido.

● Ecologia acustica: Estudios de los sonidos en relacion con la vida y la

sociedad. La relacion de los sujetos y su entirno de manera acustica. Como
nos relaciamos como . La polucion sonora: La cantidad de sonidos que
habitamos despues de cierta epoca. Aparecen ciudades mas ruidosas, hay
menos capacidad de disernir que sonidos nos rodean. Hi fi, es una
predominancia de esas señales sonoras, las podemos identificar. Low fi, hay
una mayor predominancia del ruido. Habla del paisaje sonoro como un
campo de estudio acustico. Lo no solamente lo que escuchamos, sino
tambien que tan sanos estan nuestros sonidos. El concepto de paisaje
sonoro, el entiende al mundo como una composicion musical, nosros parte de
esa orquesta. Para trabajr los paisaje sonoros hay características:

A) Sonidos Tónicos (fondo): la tonica de la composicion musical. Cuando tenemos

una cancion, esta en do mayor. Son la referencia de ese paisaje. Son sonidos que
estan acostumbrsdos a escuchar que nos los detectamos, no estan en primer plano.
Hace una comporacion con un paisaje visual. Los sonidos tonicos corrsponden al
fondo que sostiene esa figura. Fondo y figura no se pueden pensar separado. El
canto de los pajaros.

B) Señales sonoras (figura). Son sonidos mas esporadicos, que suenan en primer
plano, suenen mas marcados: la vocina de una auto. Tirne que ver con la tonica de
ese paisaje.

C) Marcas acusticas: Le da la diferencia a un paisaje sonoro a otro. Tiene que ver

con las landmark (marca geografica). La marca acustica tirne que ver con el valor de
ese paisaje, con lo que los habitantes de ese pajsane de identifican. Sonidos
caracteristicos que determinan la singularidad sonora de cualquier espacio (valor
simbolico y afectivo). El subte caracteristico de CABA. Nos determina como sujetos
que habitamos esta ciudad.
Como el a aprtir de tidos estos rasgos puede componer, no solo grabar sonidos.
Sino que al grabar distintas fuentes sonodas puede evicar un paisaje sonoro que
nos identifica.

Haber: El arte sonoro es un concepto paraguas. Donde van este tipo de obras que
no obedecen a las dstructuras mas clasicas del arte. Tienen algo de la auto
denominación. Son multidisciplinarias. Caracteristicas

● Arte perfomatico. Son efimeros. Una vez que se ejecutan, terminan. Donde
esta puesta la obra de arte sonoro, donde ssta ubicado en el espacio y como
modifica ese espacio. El uso del espacio tiene que ver con lo efimero de cada
performance.
● La intervencion sonora en otro espacio, un elemento que vibra y emite sonido
modifica el entorno que habita.

Cine contemporaneo

Cine contemporáneo: No podemos dejar de pensar el cine clasico, narrativo,

argumental, con final feliz, de Hollywood de los años 30 hasta 60. Esta basado en el
MRI, lo mas clausco en en el cual anticipamos el final. Causa y efecto. Un cemtro de
producción que viene de un lugar especifico que se repliega en varias partes del
planeta. Es lo que le da sustento. Este cine que se instala, este modo de produccion
que se replica, a mitad del siglo 20 tuvo un quiebre, mas alla de los sucede en la
segunda guerra mundial. Esa idea de progreso sin fin, que podemos crear una
bomba y destruir dos ciudades. Hubo una generacion joven que lo que hizo fue
pedir un alto, la voragine del mundo moderno, del progreso sin fin. A fianles de los
50, mas llagada a los 60. Pidieron un alto en esa forma de narrar, esa forma de
representar. Ese alto fue empezar a ver el cinw de una dorma diferente, generar un
paradigam diferente al cine clasico. El cine clasico tiene eso de que si vemos el
tirulo de una productora sabemos de que va la pelicula, ya la empezamos pero ya
sabemos como termina. Arranca un movimiento que se da en Francia tambien. Se
quieren difrenciar de esa forma de narrar, un cine que se piense a si mismo. Muchas
de estas películas se da en la relación entre las imágenes y la palabra. Porque se
piensa a estudiar el cine, se crean los textos de Andre Bazin: que es el cine. Es una
generacion que estudia cine, no solamente hace cine haciendo en los sets, debaten
sobre cine. Todo lo de causa y efecto, climax se termino, ya no sabemos donde
empieza y termina. El espectador tiene que estar atento, discurso, hablar de la
pelicula, pensar que quiso decir el director.

La Jetée: Es una película con fotos fijas y esta dado en el montaje y en la voz que
relata esas imagen. Pide un alto en la imagen en movimiento. La noción de montaje
es lo que le da acento a esas imágenes. Esta narrada a través de la palabra, amplia
lo que dicen esas imágenes. La única imagen en movimiento es un abrir de ojos, un
movimiento muy corto.

Cine contemporáneo: Es muy difícil dar cuenta de nuestro tiempo presente. No es

algo nuevo. Hubo un momento a finales del siglo 20 donde todo lo solido de
desvaneció en el aire. Se rompe ese espejo donde se veía el hombre moderno. El
cine moderno cae en decadencia en los 70, se vuelve muy político. Abre los
horizonte a otros cines. A finales del silfo 20, tiene que ver con reiteración de los
milos enunciados, pluralidad de voces, fragmentación, nostalgia del pasado,
incertidumbre.

● Fragmentación, reiteración y nostalgia del pasado: el cine contemporaneo

sufge en l. No se pudde pensar sin las relaciones del cine clasico y moderno.
Hay relaciones con el MRI y el MRP (era un lugar libre de representacion, no
habia un lenguaje institucionalizado, tiene que ver con las vanguardias). La
svanguardias tuvieron su pick en los 20 y en el 30 basta. MRI = 1915. Varios
autires ponen el comienzo del cine pos moderno en el Blade Runner. Se
volvio una pelicula de culto. Este cine quiere buscar una memoria del pasado
para ser mas humanos. En 1973 George Lucas hace Amarican Grafiti, donde
se expone la idea del nostalgia del pasado, representa los 50, desde la
nostalgia de algo que ya no esta. Los años 50 es la epoca del sueño
americano, en los 70 arranca esa nostalgia de lo que fue el pasado. En el
cine moderno es muy comun que el final quede abierto. El cine
contemporaneo se desdiferencia (toma lo que sea) para asimilarse a estos
dos paradigmas (el cine moderno y el cine clásico). Deja la palabra (del
buscar sentidos por fuera de la película) y la narración didáctica del cine
clásico. Se basa en la imagen, plena cultura del espectaculo, fasunacion por
la imagen, fasinacion por la superficie. En el cine contemporaneo hace una
diversion visual mas importante que la profundidad significativa. Hay una falta
muy grande de originalidad, el estilo perdonal es una copia mas que otra
cosa. El cine contemporaneo tiene esta nocion de cine contemporaneo
transgresivo, problematiza lo real, el espectador tiene que pensar un poco. El
 espectsdor esta en una posicion nomade y ambigua. Hay algo en lo real que
no esta. El espectador esta en un lugar fijo. Crea sus propias realidades. El
horizonte de la realidad de escapa.

● Tratamiento del amor: no es el beso del amor, el amor heterosexual. A veces

se da con las personas incorrectas (la persona casada). Igualdad de genero,
perspectivas de genero. No estaba dado en los paradigmas anteriores.

● Meta relato ironico o intertextual: Hibridacion de generacion. Compite con la

TV por cable, gano el cine. No estaban dirigas a un target, sino que hay una
Yuxtaposixon de programas y nuveles narrativos de la historia para que todo
el mundo vaya al cine.

● Nostalgia del cine clasico: estructura en abismo, un reflejo de un reflejo.

● Citas a otras peliculas, remake de alfun tipo, competencia del espectador,

pastiche (no tengo tiempo de crear por lo cual copio y pego).
● Fragmentacion y uso dle relato: peliculas largas que se tiene que hacer en
dos partes (Kill Bill 1 y 2). Seriales/ episodios, spin off, videoclip.

Metaficción: Practica que crea ficcion al mismo tiempo que crea declaraciones
sobre la creacion de dicha ficcion. Es salir de esa sensualidad del cine
contemporaneo. Se piensa el propio haced. Es un cine adentro de un cine, el cine
se mira el espejo, el ver que le traen esas imagenes, pensar la practica.

Cine contemporáneo: Es sensual. Se basa en la imagen, quiere seducir al

espectador. Tiren que ser inmersivo.

Cine moderno: discursivo, basado en la palabra. Películas que hablan de una

realidad que no saben si es real o no, una realidad que solamente existe para ese
momento. Pone a las audiencias en un lugar reflexivo. Como de Truman Show. Los
efectos especiales, el no ver potencia la imaginacion de los espectadores, a veces
se basan en la palabra para no que no mostrar todo. La TV de antes no mostraba el
otro lado de las cámaras, no se mostraba el dispositivo. En el cine contemporáneo
de muestra el dispositivo, se muestra la camara. Hoy en día la tv muestra el
dispositivo, pero no reflexiona sobre su propio hacer.

Meta cine: Algunas son producciones que reflexionan del propio hacer. Otras
reflexionan sobre la herencia cinematográfica. Trabaja con otro materiales como el
metraje encontrado.

Posmodernidad: La pos modernidad buscan un pasado, esa nostalgia de los años

50. Es un cine de pulgas, cine que encontramos y lo volvemos a trabajar. Hay un
crisis del original, si yo hago una película con material que ya existe. El problema de
la cita, la cuestión legal, cuantos segundos la puedo usar sin que sea plagio.
Cuando se trabaja con archivo hay una doble mediación

● La realidad esta ahi. Cuando represento, traigo alfo que eata ausente, pero
pasa por mi mediacion. Una persona que hizo esa representacion, represento
esa realidad desde su subjetuvidsd. Pero yo lo tomo y lo resignifico.

Material de archivo: Es desmontarlo, remontarlo, y re contextualizarlo, para re

significarlo. Es trabajar con material de otros para darle otro sentido.

Metaficicon: reflexividad cinematografica (proceso de creacion y recepcion).

Reflexividad filmixa (intertextualidad). Peliculas que toman de otras peliculas y las
resignifican.

Once Upon a Time in Hollywood: Erase una vez es el el principio. Y la palabra

refldxionaba en el cine moderno y contemporaneo, la palabra abre la imaginacion,
arranca o termina. Con ese episodio tragico nos dice que Hollywood aca termino.
Esta cuestion del meta cine, cambia el final. Pasa todo lo contrario a lo que paso en
la realidad, hay una resiginificacion. No se muere la actriz, se mueren los del clan.
Toma cosas de la realidad para cambiarlas (la palabra Pig, toma cosas del western).
Se cita a el mismo. Se decia que en una epoca en hollywood mucha gente moria en
las ficciones. La idea del multitaskin, margot robbi se disfraza de una atriz, que va a
ver a la actriz real que murio, se rie y actua, esta esto del espejo, hay una doble
realidad. Hay metraje de Los demoledores. Hay un juego muy matrix, que es lo real,
que es la repredentacion. Leonardo Dicaprio,

Incertidumbre y pluralidad de voces: esta idea de incertidumbre del hoy, y la

pluralidad de voces para pensar una forma de hacer distinta.

Cine en los márgenes

Cine de los márgenes: Aproximamos al cine argentino para pensar las estéticas y
las narrativas que genera nuestro propio cine. Esto lo vamos a partir del cine de
genero, el cine de terror.

◦ Espacio: es lo real, pero es inalcanzable, no podemos alcanzar, ni enunciar,

porque es algo muy alcanzar. Lo plantea como rígida y plástica.
◦ Podemos narrarlo, podemos apropiarnos de ese territorio, podemos ejercer
representación. Una forma de apropiación son las fronteras. Es el espacio apropiado
por el sujeto
◦ Es lo concreto, es algo que accedemos como sujetos. Es el real soporte de las
otras categorías y es con el cual establecemos una relación.
Cuando establecemos estas relaciones con el espacio, cuando hacemos esa
simbiosis, nosotros nombramos ese territorio, pero también nos identificamos con
ese territorio. Nosotros lo representamos, pero nos representa también a nosotros.
Es algo que ponemos enunciar, narrar, le podemos poner características, le
podemos poner imágenes y sonidos. Las marcas acústicas son esos sonidos que
podemos identificar porque los habitamos. Que tipo de escucha hacemos en ese
espacio y como nos paramos en esos lugares?

Territorio, función performativa: el territorio se define en este vinculo entre el

sujeto y territorio, tenemos una relación bilateral. Nos representa a nosotros y
nosotros lo representamos. Es un vinculo que se establece con la intervención del
sujeto. Por eso es performativo. Todo eso que denominamos cultura viene de ese
relación con el territorio.

Cine regional: Silvana Flores plantea que en desarrollo de los procesos

cinematográficos, a a través de la producción, distribución y exhibición.
Dependiendo de la región, vamos a ver ciertos rasgos de esa región en esas
producciones.

Género: es un conjunto de films que tiene las mismas bases, es una categoría que
nos ayuda a encausar una película dentro de una categoría la cual tiene ciertas
características en común.

Terror
● La relación con el espectador: tiene que dar miedo, tiene que generar algo en
la persona que la ve. Pero no todas las películas de terror nos dan miedo a
todos.
● El genero si tiene características especificas, tiene características visuales,
narrativas. Tiene que ver con la muerte, sangre, oscuridad, tensión, violencia.
Siempre hay una amenazas. Hay una víctima. Dentro de la diégesis hay un
sujeto que es aterrorizado. Hay algo con el espacio, la locación importa. Hay
algo con el pasado, hay algo temporal, hay una idea de una cronología. El
paisaje sonoro que se construye tiene que ayudar a esa tensión. La
oscuridad no esta en todas. El erotismo también.

Cine de terror: Siempre fue un genero de clase B, se utilizaban los mismo

decorados de otras películas, es algo del genero.

En la TV, El Pulpo Negro, si ponías la Tele un sábado a la noche había una película
o tira de terror.

Plaga Zombie: Inaugura la segunda ola de cine de Terror en Arg. Inaugura el cine
de guerrilla, sin plata, pero amor al arte. Es una sátiras a las películas de zombie
yankees, intenta de burlarles de esa emulación de traerla a Arg. Tuvo mucho éxito
en los DVS.

El cine de terror Arg se comercializaba mucho en DVD. El cine bonaerense tiene un

otro terrorífico mas realista. Aquello a que lo tememos, y podemos diferenciar de
nosotros. Dependiendo de la región, vamos a encontrar otros Otros Terroríficos. En
bonaerense van a ser los secuestradores, chorros, asesinos. Es bastante explicito
en el cine que genera, la violencia es muy explicita en Bonaerense. El vinculo con
ese Otro es realista, en el cine bonaerense.

Los olvidados: trae modelos mas canónicos.

La historia de lo oculto: No se explicita donde se da la película, ni el año, pero

podemos darnos cuenta de una Arg en dictadora. Se sirve de la metáfora, aparece
la brujería. Es consciente en el proceso de Av que dialoga con otros Av. Es un cine
mas asociado al realismo.

Cine del NOA: Vamos a encontrar la habilitación al ese Otro desde un punto mas
fantástico, porque se relaciona con la mitología folclórica de nuestro país. Son seres
sobrenaturales de los mitos de nuestro país. Ya dentro de estas regiones hay una
creencias y lo vamos a ver visto dentro del Av. El monstruo existe, a veces tenemos
cámaras subjetivas. Ayuda a narrar la existencia, no pone en duda la existencia del
Otro. Tiene relación con temas de la conducta, tiene premios o castigos para ciertas
acciones. Definen y determinan el accionar de quienes crean en estos mitos,
ayudan a crear estas normas para que no aparezcan estos seres. Lo podemos
pensar con la definición de dispositivo. Estos seres plantean las normas de lo que
debemos hacer o no hacer para no tener problemas. Hay una cuestión de fe, la
creencia en este tipo de historias.

Territorios míticos: se sitúa en un bosque, en el momento de ocio y cada uno nos

narra el encuentro con ese Otro. El narrar en primera persona da a entender que el
Otro existe, habilita ese Otro terrorífico, habilita a lo verídico de las historias.

Cine del NEA: Hay algo con los susurros, con las mujeres y esta el Pampero.
Aparece en la naturaleza, la cuestión de secuestra mujeres embarazadas. Hay algo
con el sonido, a ese Otro le molesta el sonido, por eso susurra. Con las que no
respetan las reglas desaparecen. Otra elemento es que no sabemos que es lo que
pasa, no lo vemos, es mas sutil, no vemos lo que pasa porque esta fuera de campo,
eso terrorífico va estar fuera de campo. Aparece un territorio en el cine, en la forma
que tenemos para representar.

La Solapa: En Entre Rios, se le aparecen a los niños que se escapan de la siesta.

Como esta el juego de dormir la siesta nunca sabemos si estamos dentro del juego
onírico o real.
El cine del norte: La utilización de los espacios es muy importante, los paisajes y la
geografía son una amenaza, estos seres viven allí, nos es amenazante. Muchas
veces se nos plantean como patios inalcanzables, que nos recuerdan lo chico que
es la figura humana, muestran montes y lugares inmensos. Y el tiempo, hay algo
muy importante entre los tiempos, productivos, y los tiempos de ocio (estamos
tranquilos, son los momentos de acecho, son tiempos de vulnerabilidad). El
diferencia entre el

Cine del Centro: Abordaje futurista, tiene un trabajo sobre la imagen. La naturaleza
no es algo acogedor, ni tampoco el espacio. El problema es de lo que se hizo de la
naturaleza, de la apropiación de esa naturaleza, y lo de que hizo esa apropiación.
Los lugares son las rutas abandonadas, donde ocurren estas historias.

Película de Pablo Vergara: Muestra la diferencia entre la creencia de estos seres (lo
mas fantástico, que tiene que ver con la gente que vive allí) y lo mas racional (la
gente de Bs. As, que no vive allí y no cree eso).

Cine de Cuyo: Esta inspirado por el cine del norte y también con el cine del centro,
por lo cual habilita lo fantástico pero lo pone en jaque.

Muere monstruo muere: Es explícita. El primer pensamiento cuando encuentran

ese cuerpo es el esposo, alguien de lo real. Pero aparece una baba verde, aparece
lo fantástico, pero seguimos en la duda de que fue el esposo. Otro asesinato, pero
fue la pareja, que también resulta ser un loco, todos lo conocen como el loco, no es
un monstruo, es alguien de lo real. Al final aparece el monstruo en primer plano,
vemos como abre la boca. El elementos. El policía cuando escupe la baba, los
paisajes, la mayoría del films son exterior, que estos lugares se convierten en
terroríficos para quienes viven allí. El policía, el cual denuncia y despues se burlan
de el, tiene una voz particular. El policía hace un baile raro con un bolero, en pleno
acto de intimidad entre estos dos personajes suena un bolero. Las Víctimas son
mujeres (todas vamos a morir, frase de la película). Por eso hay una duda entre si
es un monstruo, o es una persona, por la cuestión de que mata mujeres. Por eso
pone al hombre como monstruo, pero no es el Otro.

Cine de la Patagonia: Tenemos menos hacer Av. Usa planos Generales para
mostrar la inmensidad de los espacios, nos muestran como sujetos vulnerables los
sujetos. Busca estética mas sutil. En el cual los espacios son la amenaza, y donde
se presenta ese Otro.

Que pasa con nuestro paisaje que aun sigue inédito para el cine Arg? Hay una
mirada centralizada en el cine porteño, no solo en que no lo estudiemos, cine
también hay mas producción, exhibición.

Cuando nosotros moldeamos el territorio, él nos moldea a nosotros.

Análisis Muere Monstruo Muere:
● Ubicación y tipo de cine: Transcurre en una zona un tanto alejada de la
Cordillera de los Andes. Transcurre en Mendoza. Pertenece al cine del cuyo.
Por eso muestra la inmensidad de los espacios, para recordarnos qué chica
es la figura humana ya que esos ambientes exteriores no son amenazantes.
la naturaleza ya no es segura. Ya que el arte es una condición que
interactúa en una situación (femicidios), en un tiempo, en un lugar
(ciudad de Mendoza) con el oyente/observador (ya el espectador que
vive en Argentina se siente identificado con esta situación porque lo
vive a diario, Motte- Haber, el arte sonoro). Pero también tiene lugar lo
fantástico.
● Monstruo y víctimas, el otro terrorífico: Siempre que una mujer aparece
muerta sospechan del marido o de la persona con la que salían. Solo mata
mujeres. Reflejan los miedos de la sociedad. El monstruo las ahorca hasta
cortarles el cuello, les saca la cabeza y las esconde. “Los dos cuellos de las
mujeres estaban arrancados como mordiscones”- Cruz. El monstruo refleja la
violencia machista, el monstruo tiene tentáculos fálicos y una boca que se
asemeja a una especie de vagina dentata. Así, el monstruo fusiona
elementos típicamente femeninos con masculinos. Los hombres siempre son
los monstruos y las víctimas las mujeres. El monstruo en sí se presenta como
la versión ominosa de este deseo: la condensación de lo femenino y lo
masculino en un mismo cuerpo: el pene que penetra todo unido a una vulva
con dientes capaz de tragar o devorar cualquier cosa. Muestra lo fagocitara
que es la relación entre el hombre y la mujer (como el hombre con forma de
hermafrodita, osea el monstruo, se va comiendo a la mujer hasta matarla),
trata del sexo entre el hombre y la mujer. “El hombre siempre ha sabido
pegotear con el mal”. Este otro terrorífico no necesita salir de noche, porque a
través de las personas en las cuales están le permite salir de día. Ese otro en
la película siempre aparece asociado a figuras de autoridad masculinas que
son incuestionables (policías y padres de familia).
● Sonido: El monstruo emite un rugido. A los que tienen el monstruo adentro
los identificamos con ese ruido que hacen (como si tuvieran algo
atragantado) o porque vomitan la baba verde, es el leitmotiv del monstruo.
David (que al principio creemos que está loco y perdido) después nos
enteramos que él escucha voces, el monstruo le habla, él dice que está
maldito, él ve al monstruo, es el único que puede comunicarse con él. La
habilidad de David de escuchar al monstruo, confunde a los personajes
haciéndoles creer que, el ruido de sus pensamientos y sentimientos no
deseados están representando a su enemigo interno (Wrightson,
Ecología Acústica). David está traumado por el monstruo, y conserva el
sonido que emite el monstruo o la voz del monstruo como medio
expresivo, el cual le provoca la sensación de miedo (Shaeffer). Él liga
ese sonido que emite y las voces de ese monstruo como indicio de ese
 monstruo, para identificarlo. Como dice Schaeffer, "algunos sonidos
son tan únicos que una vez que uno los oye, jamás podrá olvidarlos”.
La chica rubia le dice a David “parece que estás viviendo dentro de un
sueño…”. El responde “si, pero parece que estoy atrapado en una
prisión de lo perceptivo…”. No vemos al monstruo, pero sabemos cuando
va a aparecer por el sonido que emite, o cuando le habla a David o cuando
habla Cruz, ya que el sonido llega a lugares a los cuales la vista no
puede llegar (Shaeffer, Nunca vi un sonido), porque los oídos le otorgan
vida a lo visible (Motte- Haber). Y eso, a los personajes, sobre todo a las
mujeres, les genera terror ya que el sonido no puede conocerse de la
misma manera que puede conocerse lo que se ve, el sonido es
generativo de sensaciones y misterios (Shaeffer). El monstruo muchas
veces está oculto, pero el sonido revela su presencia (Shaeffer). La
repetición de ese sonido que emite el monstruo y la voz que le habla a
David permite establecer a David, un medio para memorizar ese sonido,
para retener ese sonido y luego poder explicar ese sonido (como le
explica a la chica Rubia con la que habla, le explica que esas voces son el
monstruo). También esta película, a veces utiliza la relación
imagen-sonido, para generar un ambiente que envuelve al espectador,
lo hace partícipe (Motte- Haber), ya que a veces cuando se oye el sonido
del monstruo, aparece algunos elementos de color verde (la baba, la bengala
cuando matan a la chica policia) para darnos a entender que es el monstruo.

● Vemos al monstruo cuando Francisca (la mujer de David), Cruz y David están
en la camioneta, giran y al levantar la tierra se dibuja la figura del monstruo,
pero no le vemos la cara. Cuando mata a la chica que sale con Cruz vemos
sus como sus “tentáculos” que envuelven el cuello de la chica hasta cortarlo.
Y al final cuando se devora a Cruz y lo vemos con cuerpo completo.

Análisis Y Pora:
● En este corto está presente la condición del arte sonoro, como
acontecimiento acústico y óptico (Motte-Haber).

Analisis Perfect Days

● Escucha House of rising Sun de The Animals cuando va en el auto al
comienzo.
● Análisis de Imbert: La película se llama The perfect Days, está lejos del
sentimiento trágico que ha marcado la modernidad. Ya que trata sobre el
desempleo, la soledad y las cosas bellas de la vida cotidiana. Podemos ver
valores morales que corresponden a la postmodernidad, que son el
reverso de los valores de la modernidad: como el dinero. Ya que los
protagonistas poseen objetos caros, como su compañero de trabajo tiene un
celular Iphone, mientras que el protagonista posee objetos que ya no son
habituales en ese contexto (una cámara Olympus y los casettes con los
 cuales escucha música en el auto). También podemos ver la pérdida de
integridad moral, el surgimiento de la rebeldía y la indecencia (ya no es
una conducta rechazable): cuando el cuando el compañero de trabajo
abandona su trabajo, sin importarle que no lo haya terminado y que lo esté
observando su supervisor del trabajo, para irse con una chica la cual le gusta.
Al ver que la moto de la chica estaba rota, tiene la caradurez de pedirle a su
superior si le puede prestar el auto para irse con la chica. Eso determinó su
margen de actuación y su capacidad de elegir los valores morales (la
responsabilidad, respeto, profesionalismo o más bien sus opuestos) que él
quiere defender. El mismo compañero de trabajo le pregunta “¿cómo puede
trabajar tan duro en un trabajo como este?”. Además le roba el cassette que
a la chica le gusto, estando su supervisor presente, y posteriormente quiere
vender los casettes de su jefe para conseguir algo de dinero para disfrutar la
noche con la chica. Eso nos permite proyectarnos en esa situación, de
identificarnos con los valores que ese chico representa, ya que todos
haríamos lo que fuera por estar con la chica/o que nos gusta. Es un cine que
inquieta antes que resuelve, ya que la noción misma de conflicto se ha
disuelto, no hay un conflicto en esta historia, solo vemos la vida del señor
Himaraya. Pero no se preocupa por caracterizarnos a los personajes, ya
que lo que vemos del protagonista es casi siempre lo mismo (le gustan las
plantas, trabaja limpiando baños en Tokio, es muy reservado, y le gustan los
dispositivos antiguos, tanto para capturar como para reproducir, tiene
una hermana y una sobrina). Él está peleado con la hermana, pero no
sabemos por qué, no nos aclara esa duda el director, tampoco él y la
hermana se perdonan y mejoran la relación. Qué es lo que hubiéramos
esperado en una película de Hollywood del cine clásico, que está
obsesionado por la resolución final y es un relato lineal. Esto también nos
muestra nuevos modos de sentir al otro, o más bien, el sin sentir, le
cuesta expresar el sentir, lo que siente por los demás, por su sobrina que
se escapó y lo fue a ver después de mucho tiempo, a su hermana que en sus
lágrimas se nota que la extraño. El protagonista es una persona muy
reservada, y que le cuesta expresar sus sentimientos y emociones, por eso
su cuerpo funciona como un refugio (o enigma), porque el otro es una
fuente de inquietud y de cuestionamiento. Esto el director lo expresa con
las panorámicas que captan el paisaje urbano de incomunicación que
predomina en Tokio. El cuerpo predomina sobre las emociones y
sentimientos. También nos inquietan esas imágenes en blanco y negra
yuxtapuestas.
Todavía hay tantas cosas que no entiendo, así es la vida.

Análisis El sabor del Té:

● Análisis de Imbert: Es una película que inquieta con las imágenes de la
protagonista en tamaño grande que la persigue casi la película completa. De
este modo podemos ver como uno de los valores que cambian de la
modernidad son la identidad, que se vuelve cada vez más inestable. En
este caso el cuerpo es un enigma, es extraño, parece como si fuera
 ajeno. También en cuanto a la relación con el otro, abre la puerta a los
deseos, hasta lo más inconfesables. Cuando los chicos estaban reunidos,
uno dijo que le gustaban las menores. También aparece el rechazo, nos lo
muestran cuando la chica siente fobia por las mujeres, ya que cuando estaba
comiendo con los otros personajes estaban hablando sin pudor de las tetas
de las chicas. En cuanto a la pareja, asistimos a una revancha del otro, ya
que una de los personajes engaña a su marido, lo cual ya no es motivo de
oprobio. También aparece la violencia como medio de expresión (cuando
la protagonista va al supermercado 24 horas, una persona dice que alguien le
pegó y le rompió las costillas, también aparece un chico con sangre que
posteriormente aparece muerto). Las fronteras entre el bien y el mal no
están tan nítidas. También ocurre un secuestro para castigar al personaje
que se metió con el dinero del jefe. No se explaya en la caracterización de
los personajes, no sabemos mucho de los integrantes de la familia (el hijo,
adolescente, se enamora de una compañera de clase que comparte con él la
afición al juego japonés del go; la madre es animadora de dibujos animados y
trabaja desde casa; el padre se dedica al hipnotismo; el hermano de éste es
dibujante de manga, el hermano de la madre es un ingeniero de sonido). La
noción de conflicto se disminuye, debido a la imposibilidad de resolución, no
hay un conflicto lineal el cual termine en una resolución final, solo vemos
como van pasando los días en esa familia.

● Revela el dispositivo: cuando la madre estaba probando poses y agarra la

cámara de video

Analisis Once Upon a Time in Hollywood:

● Reflexividad cinematográfica:
❖ Dicaprio habla dobles de una película, lo que hacen y despues habla
como disparo un arma de fuego en una pelicula Nazi y como practico
disparar esa arma. Muestra en este caso el proceso de creación de
una película - enunciado. También muestra cómo Dicaprio ensaya sus
diálogos para su nuevo personaje. Muestra el proceso de creación de
una película, los decorados que se usan, los estudios que usaban en
la época, la producción (los camiones de maquillaje.

❖ Esta película entra dentro de Metahollywood, ya que es de Hollywood

y habla del pasado de Hollywood, se mira al espejo. El mismo nombre
nos lleva a ese concepto llamado cine dentro de cine, en el cual el cine
mira hacia su pasado, a esa época dorada de los 50.

❖ Cuando Margot Robbie va a ver The wrecking crew podemos ver el

proceso de recepción, característico de este tipo de reflexión, en el
cual podemos ver la proyección de la película, y cómo los
espectadores reaccionan ante el nuevo medio, ya que era algo muy
llamativo de la época.
 ❖ Hay una escena en la que Dicaprio está re enojado porque se olvidó
sus diálogos, y se mira al espejo y su reflejo estopa mirando a la
cámara. Me parece que esta escena representa muy bien este tipo de
reflexividad, ya que justamente la película que estamos viendo está
mostrando el proceso de creación de una película que se está
haciendo y encima este personaje a través de esta acción, hace que la
película original se mire literalmente al espejo.

● Revela el dispositivo de reproducción de una película - moviola, grabador de

sonido, cámara de fotos.

● Reflexividad fílmica:
❖ 14 puños de McCluskey, aparece una imagen de archivo. Está siendo
proyectada para que uno de los personajes la vea. Pero después si
extrae un fragmento como archivo en el cual están disparando. El
material de archivo se apropió mediante el Apropiacionismo, ya que
dialoga la proyección de la película original con el material no
apropiado.

❖ También se extrajo un fragmento de la película de Dicaprio con los

nazis en la cual dispara el arma de fuego. En este caso este fragmento
apropiado de la película original aparece en el presente diegético
mediante la reescenificación, en el cual es reencarnado uno de los
personajes por Dicaprio. En este caso tampoco el formato de la
película original coincide con los bordes de la pantalla en la cual
veríamos Once Upon a Time in Hollywood, es decir, 16:9, es un caso
de alusión reescenificada.

❖ También aparece un fragmento de Recompensa, en el cual el

fragmento (4:3, cuadrado) no coincide con el fragmento de Once Upon
Time in Hollywood (La pantalla y el usuario). Si bien Recompensa está
en 4:3 podemos ver los bordes del formato 16:9 lo cual nos desbarata
la ilusión, nos muestra el espacio exterior al no coincidir con los bordes
de la pantalla en la cual estaríamos viendo Once Upon Time in
Hollywood. También aparece Dicaprio. En este caso este fragmento
apropiado de la película original aparece en el presente diegético
mediante la reescenificación, en el cual es reencarnado uno de los
personajes por Dicaprio, es un caso de alusión reescenificada

❖ También aparece otro fragmento de Dicaprio cantando, en el cual

revela el proceso de creación de eso que estamos viendo, porque
mediante la cámara podemos ver la escenografía y demás, no
estamos viendo el resultado final.
 ❖ También habla de la historia del cine ya que cuando le dijeron al
personaje el personaje de Dicaprio que ya no vende mas que haga de
villanos, que puede ir a Italia a hacer westerns italianos y ganar las
batallas es real.

❖ También muestra que se estrena la película Lady in Cement de Frank

Sinatra en un cine. Habla de la historia del cine.

❖ Antes de la escena de Brad Pitt dándole de comer al perro, cuando

está por entrar a la casa rodante se ve la proyección de una película.
El material de archivo se apropió mediante el Apropiacionismo, ya que
dialoga la proyección de la película original con el material no
apropiado. Se incorporó en el presente diegético.

❖ En la escena del perro, revela el dispositivo de reproducción que es la

TV, y además podemos ver una película. El material de archivo se
apropió mediante el Apropiacionismo, ya que dialoga la proyección de
la película original con el material no apropiado. Se incorporó en el
presente diegético.

❖ También podemos ver el mecanismo de apropiacionismo, cuando

Margot Robbie va a ver the wrecking crew, en el cual se muestra un
fragmento de pelea. Esta escena lo que tiene de interesante es que
dialoga con una escena que está contigua, la cual forma parte del
material no apropiado, es decir, que es original del film, y es
justamente la resignificación de esa misma escena que fue apropiada,
mediante la puesta en escena en el presente diegético de la película
nueva (once upon a time in hollywood). En la cual una de las actrices,
en la reescenficacion fue encarnada por Margot Robie.

● Posmodernismo: Muchos tiros, violencia medio de expresión.

● Metacine: Tenemos el concepto de metacine en esta película, ya que

Tarantino como director, reflexionar sobre su medio de expresión (el cine), a
través de la práctica (la realización de esta película y puede ser la película
que se está haciendo dentro de Once Upon a Time in Hollywood), con
pretensión de que el cine se mire al espejo.

● Tautologia y metacine: Es posmoderna, es una repetición de esquema, es

un comentario irónico sobre la época de los 50 de Hollywood, allí vemos el
jugo de espejos entre ese hollywood y el hollywood posmoderno ya
decadente y marchito. Muestran pantallas, muestran cámaras y eso es un
acto autorreferencial. Vemos el enfrentamiento entre lo real y su réplica. El
comentario superficial se añade a la reflexión sobre el cine, acerca de lo que
muestra y la manera de mostrarlo. Hablan de Hollywood desde un punto de
vista crítico, testimonial, pero también mostrando las características del cine
 como arte tradicional. Muestra la lúcida comprobación de lo que ese cine se
ha convertido. Es un creador de apariencias, busca captar la realidad y
convertirla en apariencia.

Pantalla dinámica, el cine y la fotografia solo representan acontecimientos

pasados.

● Que el cineasta airee sus pensamientos del cine a través de un alter ego.
● Architextualidad - genero western, con las tomas.
● Utiliza la intertextualidad excesiva, no usa los fragmentos de las películas
para hacer alusión solamente, sino para la construcción de su discurso, es un
pastiche posmoderno. Es una construcción frankestiana de alusiones. James
dice que es un pastiche posmoderno, es una paradia neutra, reconoce su
tendencia a la mera copia sin ningún tipo de voluntad reflexiva aparente.
● Se revela el mecanismo de reproducción, vemos las pantallas, se autoexpone
ante el espectador.
● Escena lanzallamas: Despues se hace alusión a esa misma escena cuando
Dicaprio le dispara con ese mismo lanzallamas a la chica que tiene el arma
en la pileta.
●

Pregunta Agamben y Weibel: En el siglo 19, a partir del surgimiento de la

locomotora y de la fotografía (1839), hubo un cambio. Weibel dice que salimos del
gesto, el cuerpo antes estaba puesto en el gesto de quien representaba, pero se
produjo un cambio y pasamos a la estética del dispositivo, de la máquina. Agamen
dice que los dispositivos son cualquier cosa que tenga la capacidad de capturar,
orientar, determinar, interceptar, modelar, controlar, y asegurar los gestos, las
conductas, las opiniones y los discursos de los seres vivientes. Por lo que dice que
los dispositivos pueden ser, entre otras cosas, las computadoras, los celulares, y el
lenguaje, el más antiguo de todos. Entre 1880 y 1920 la producción cultural se
convirtió en la era de los estudios maquinales del tiempo. En la cual el culto a la
velocidad (después del movimiento acelerado por los signos que es el telégrafo, y el
de las máquinas que es el ferrocarril) también se extendió al arte, más específico, a
la imagen en movimiento, es decir, el cine. Representación es hacer presente algo
ausente. Nuestra forma de representación arranca con el lenguaje, que puede ser el
AV, nos determina y nos relaciona con la red, porque para Agamben es una red. Y
ese dispositivo está inscripto en un juego de poder y está ligado a una ideología
(porque es un conjunto de representaciones). La cámara es un dispositivo y una
interfaz tecnológica, que funciona como un aparato de mediación entre nuestra idea
y el aparato de reproducción de esta idea. Agamben quiere buscar formas de
profanar ese dispositivo, de generar un contra dispositivo, quiere salir de la caja
negra, quiere que dejemos de representar de una forma determinada.
Darley, cultura visual: Con el tiempo, se han producido cambios enormes en el
ámbito de la cultura visual desde finales del Siglo XIX sobre la tradición propia del
espectáculo. La aparición del cine, la radio y la TV como modalidades de
reproducción y de consumo produjo un desplazamiento de las formas
espectaculares de entretenimiento popular. El renacimiento de esta tradición está
relacionado tanto con la aparición de nuevos medios de producción como con la
existencia de una estética cultural predominante que apoya y fomenta esos
desarrollos. Desde los años `60 en adelante, hubo un cambio en la naturaleza
estética general de la cultura, obteniendo el máximo interés el distanciamiento del
modernismo (prácticas culturales y estéticas de finales del siglo XIX), llevando al
surgimiento de disposiciones estéticas muy diferentes; un desplazamiento hacia la
posmodernidad, la cual tuvo un profundo impacto sobre la naturaleza estética de la
cultura visual contemporánea.

● Reproductibilidad: La obra reproducida mediante la técnica se ha convertido

en la obra que se concibe para ser reproducida. McLuhan propone que los
medios audiovisuales son vehículos de transmisión de ideología. La
tecnología y las diversas formas que adopta estructuran directamente el
mundo. La reiteración propiciada por la fabricación industrial y a establecerse
como el factor fundamental del comienzo de una nueva era en la que las
cosas se conciben directamente como función de su reproductibilidad
ilimitada. Una era en la que la reproductibilidad tiene predominio por encima
de la producción. La obra de arte reproducida se convierte en la obra de arte
concebida para ser reproducida.

● Reciclaje: El Reciclaje implica una especie de reaprovechamiento, un

redescubrimiento de ingredientes y signos culturales obsoletos usados para
reproducir una modalidad peculiar de novedad que reutiliza lo antiguo para
producir originalidad en el presente. En este proceso se da una cierta
modificación del objeto, una puesta al día con la que se vuelve a conseguir
un efecto de novedad.

● Digitalidad: La función del mensaje ya no es proporcionar información, sino

conseguir el control. El montaje y la codificación requieren que el receptor
construya y descifre siguiendo el mismo proceso por el que la obra fue
ensamblada. Los medios electrónicos implican una especie de comunicación
“táctil”, algo apropiado como descripción de la función de los medios en la
actual era de la simulación. La idea de lo táctil supone una negación de la
distancia o de la reflexión que resulta siempre posible en el universo visual.

● Imágenes tecnológicas: Son imágenes producidas mediante procesos y

sistemas fotográficos, cinematográficos, televisivos y digitales, fundamentales
para la teoría de las simulaciones, por medio de la cual el autor concibe
nuestro mundo contemporáneo. Hoy en día lo importante no es la imagen en
sí, sino las relaciones formales estructurales que controlan su producción y
circulación.

● Naturaleza Analógica: Se refiere al cada vez mayor grado de verosimilitud

de las imágenes contemporáneas. A medida que las imágenes se hacen más
convincentes, se alejan de la representación tradicional, y quedan atrapadas
en modos de autorreferencialidad seriales.

● Imagen transparente: Las imágenes de los medios audiovisuales modernos

llevan a término la desaparición del significado y de la representación. La
consolidación de la televisión marca el final definitivo de la idea de
representación, y la inauguración de la “era de la obscenidad” en la que nada
se deja a la imaginación y en la que la propia imaginación está
desapareciendo rápidamente. Las imágenes de los medios audiovisuales
modernos tienden a ser cada vez más transparentes, no esconden nada y lo
exhiben todo. Y de esta forma impiden una verdadera contemplación. Una
importante consecuencia de la fascinación por las imágenes de los actuales
medios audiovisuales fue la perfección de los modelos ( la reproducción de
imágenes y la serialidad conducen a la reproducción de imágenes ya
reproducidas). La reproducción lleva a que las imágenes comiencen a
alimentarse de sí mismas, y esto sucede cada vez más en relación con las
formas o modelos en los cuales estas imágenes se reproducen. Lo que
buscamos de estas imágenes es su artificialidad técnica.
Once Upon a Time in Hollywood: Trata sobre los entretelones de la meca del cine.
Celebra a la mayoría de los ídolos de Tarantino y sus berretines. Esta historia nos
lleva al Hollywood de 1969, donde el actor Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), una
vieja estrella de los westerns televisivos de la década del cincuenta, intenta
mantener su carrera a flote agarrando cualquier papelito que se le presente, siempre
arrastrando a su doble de acción (amigo y confidente) Cliff Booth (Brad Pitt), un ex
veterano de guerra con un oscuro pasado. Para Dalton, las glorias quedaron atrás y
ahora sus opciones son cada vez más escasas. Creyendo que su imagen se está
viendo afectada por una seguidilla de interpretaciones villanescas, el productor
Marvin Schwarz (Al Pacino) le ofrece una salida: viajar a Europa y sumarse a la
fiebre de los Spaghetti Westerns, una oferta que Rick no duda en rechazar,
asegurando que no están a su altura. Tarantino nos cuenta el fin de esta era dorada
del cine norteamericano, siempre a través de su mirada nostálgica, sus pasiones y
sus fetiches.