Edificios civiles.

En la ciudad se construyen la universidad, la lonja, el ayuntamiento y el palacio.

Universidad: en el [Link], las de París, Oxford y Salamanca eran líderes del conocimiento (Teología,
Medicina y Derecho). Se inspiran en los monasterios, con patios inspirados en los claustros para leer y
pasear; alrededor, las aulas, biblioteca y capilla.

Lonja: destinadas a contrataciones mercantiles. Destacan las de Ypres (Bélgica), la de Barcelona, la

de Mallorca y la de Valencia.

Ayuntamiento: donde se reúne la burguesía. Es una réplica laica de la catedral. El Palazzo dei Priori
(Volterra) influyó en el de Vecchio (Florencia) y en el del Comune (Siena). En Alemania y Países
Bajos se construyeron ayuntamientos de torres puntiagudas, tejados empinados y galerías porticadas,
como el de Bruselas.

Palacios: eran de las clases acomodadas. Tienen almacenes, oficinas, salas de recepción, dependencias
para la servidumbre y dormitorios. Ej.: Ca d'Oro (Venecia), Hôtel de Jacques Coeur (Bourges).

Escultura: Portadas y Retablos.

La portada gótica cumple una función docente. Consta de una masiva presencia de imágenes, nuevos
temas, y composición naturalista.

En el Pórtico de Chartres aparecen reyes y reinas del Antiguo Testamento, ocultando las jambas. Otra
innovación son las arquivoltas esculpidas con las Artes Liberales y los signos del Zodíaco. Surge el
ornato floral.

La invasión de imágenes se debe al apuntamiento ojival del tímpano, que da espacio para representar;
y a la necesidad narrativa.

El pueblo rinde culto en las portadas a mártires y patronos, pero el tema iconográfico es el Nuevo
Testamento (12 Apóstoles y 4 Evangelistas). El Pantocrátor del Juicio Final es suplantado por el Beau
Dieu, un Cristo humanizado construido en Amiens. Es el Redentor que sufre torturas y la crucifixión.
Su gloria también se simboliza en la primacía de las Vírgenes.

Muchas catedrales francesas, españolas y alemanas son consagradas a Santa María. Sus milagros y
apariciones la habían humanizado; la Virgen Dorada (Amiens) y la Virgen Blanca (Toledo) aparecen
sonrientes con el Niño en brazos. Éstas, arqueadas y con viveza, inauguran el naturalismo gótico,
abandonando el hieratismo románico.

El retablo es una portada interior, de madera policromada. Su origen es extranjero (trípticos y

polípticos italianos y flamencos), y buscaba embellecer el altar mayor, ya que el coro estaba ahora en
el centro. El programa iconográfico puede ser pictórico o escultórico, y adoptan disposición de
casillero.
Cataluña optó por los pictóricos, destacando el taller de los hermanos Serra, influenciado por el
Trecento.

Castilla prefirió los escultóricos flamencos. Se inaugura en Europa un comercio de retablos a gran
escala con puntos de venta como las ferias vallisoletanas. Además, se afincan en ciudades castellanas
retablistas nórdicas. Ej.: Pyeter Dancart, (Catedral de Sevilla).

La pintura italiana del trecento: Siena y Florencia.

La escuela Sienesa: Martini.

Usan la “manera griega'' con novedades góticas. También destacó Duccio.

Martini expresó esta síntesis con un arte preciosista. Sus primeras obras fueron encargos para decorar
el Ayuntamiento de Siena. Para ello se elaboró la “Maestá” (Virgen bajo palio), rodeada de los santos
locales. Poco después se colocó enfrente el primer retrato ecuestre italiano: el Guidoriccio da
Fogliano, quien salvó a Siena de su invasión. La obra cumbre de Martini es el retablo de “La
Anunciación”, en la catedral de Siena; funde el fondo de oro bizantino con la línea ondulante gótica.

La escuela Florentina: Giotto.

Giotto introduce la “manera latina”: sentimientos, naturalismo, gradación y sombreado para dar
volumen, etc.

Estas características comenzaron a verse en las Historias Franciscanas de la Basílica de Asís. Son 28
frescos con colores y formas macizas, en los fondos el paisaje se dilata, y en algunas escenas
incorpora animales o edificios cortados.

El prestigio ganado hizo que la burguesía le encargara decorar capillas funerarias, como la de “Enrico
Scrovegni”, donde se representan episodios evangélicos.

Los pintores flamencos: Los hermanos Van Eyck, Van Der Weyden y El Bosco.

La pintura de los Van Eyck refleja el realismo que reclama la burguesía belga, representando al
hombre en escenas cotidianas, al óleo, en tablas. Con perspectiva y sombreado se logró el efecto
tridimensional.

Del mayor, Huberto, se sabe poco. Juan se estableció en Brujas, y pintó Virgen en una iglesia.

Entre los 2 pintaron el Políptico del Cordero Místico de Gante, donde se aprecian 2 características: la
composición simbólica y la exactitud de detalles de telas, joyas y flores del paisaje. En las puertas
exteriores aparece un matrimonio arrodillado. Al abrirlas, figura en la parte superior Dios entronizado,
flanqueado por la Virgen y el Bautista, Adán y Eva, y dos coros de ángeles; en la parte inferior, un
desfile de reyes, caballeros, obispos y santos convergen hacia el Cordero, símbolo del sacrificio de
Cristo.
El matrimonio Arnolfini muestra una boda entre un banquero acomodado en Brujas y su esposa. En el
espejo del fondo (se cree que Velázquez se inspiró en esto para “Las Meninas”) los testigos de la
boda, uno es Juan. La única vela encendida de la lámpara del techo simboliza el cirio con el que el
padrino alumbra al sacerdote durante el enlace.

En obras posteriores, Van Eyck creó un tipo de retrato religioso donde el cliente y los seres divinos
conversan dentro de un espacio irreal. Ej.: La Virgen del Canciller Rolin o La Virgen del canónigo
Van der Paele.

El estilo y la técnica de Juan Van Eyck fueron copiados por pintores como Dalmau, Bouquet,
Gonçalves, o Lippi con sus “Madonnas”.

Otro flamenco fue Roger van der Weyden. Este pintor fue el más prestigioso de Flandes durante el
siglo XV, y se especializó en la representación de dos temas dolorosos de la Virgen al pie del
Calvario: en La “Quinta Angustia” se expresa el desmayo de María durante el descendimiento del
cuerpo de Cristo; y en la “Piedad” se plasma la desolación de una madre mientras abraza el cadáver
de su hijo. Sus composiciones se ordenan siguiendo un eje de simetría vertical y construye a los
personajes en relieve vestidos con ropajes ampulosos y plegados y con rostros bañados en lágrimas.
El colorido, detallismo y devoción que provocan sus obras le otorgaron gran fama internacional.

Otro gran pintor flamenco fue Jeroen van Aken, El Bosco, que firmaba con la abreviatura de su
pueblo natal. El Bosco se movió entre la sátira medieval y el humanismo renacentista.

El Bosco usó una técnica miniaturista y un lenguaje simbólico inspirado en refranes y canciones
populares. Partiendo de estas alegorías, el autor forjó una visión pesimista de la existencia humana,
donde la salvación sólo era posible mediante el control de las pasiones. Según el padre Sigüenza, las
obras de El Bosco “son sátiras pintadas de los pecados y desvaríos de los hombres”, como se puede
ver en el “Carro del heno” y en el “Jardín de las Delicias”, pinturas que resumen su moral, similar a la
de Erasmo de Rotterdam, teólogo humanista censor de los vicios eclesiásticos de la época.

En “El Jardín de las Delicias”, se presentan tres paneles (los laterales son menores). El izquierdo
representa el Paraíso donde el hombre goza de la felicidad hasta el engaño de satanás. En el centro
están representados los pecados capitales, y a la derecha está el infierno, reservado para quienes se
dejan seducir por los excesos carnales y la avaricia. La obra es una clara denuncia a la promiscuidad
sexual y lujuria.

El Bosco aumentó su producción artística con temas de la Pasión, en los que Cristo aparece rodeado
por sayones caricaturescos y asuntos cotidianos como en “El prestidigitador”. También se centró en la
demencia mental con obras como “La extracción de la piedra de la locura” y “La nave de los locos”.
Estas fantasías y su imaginación fueron reivindicadas por científicos y artistas del siglo XX,
considerándolo descubridor del inconsciente y precursor surrealista.