Renacimiento
Arquitectura Quatrochento(SXIV)
Brunesleschi: “Santa Maria de fiore”
Iniciada en el gotico y culminada en el primer renacimiento, su planta de cruz latina
con tres naves tiende a la horizontalidad y a la policromía al intercalar hileras de
piedra y mármol. Su cúpula obra de Bruneleschi con estructura isostática de 100 mts
de altura interior y 114,5 mts de altura exterior y 45,5 mts de diámetro exterior. Esta
cúpula en si misma anula los empujes horizontales para no trasmitir el peso al tambor
que sustenta mas carga que las verticales correspondientes a su propio peso, con un
diseño octogonal de doble casco:la cúpula se eleva sobre un tambor octogonal que
permitia que se construyera entera desde la superficie.
La fachada esta dedicada a María madre de cristo y patrona de la catedral,tiene tres
puertas de bronce adornadas con escenas de la virgen,los mosaicos de los tímpanos de
las puertas representan a cristo en el trono con María y juan bautista, la calidad de los
fundadores de las instituciones florentinas artesanos y mercaderes florentinos
rindiendo homenaje.
El frontispicio encima del portal central contiene un relieve que representa a Maria
entronizada, empuñando un cetro floreado, símbolo de Florencia y flor como cristo.
Encima de la fachada se abre una serie de nichos con los 12 apóstoles y en el centro la
virgen con el niño. Entre el rosetón y el timpano hay una galería con bustos de grandes
artistas florentinos.
En el interior es una catedral de planta basilical clásica con una nave central ,muy alta
y anchay dos naves laterales de menores dimensiones, de cruz latina.
Las naves separas por anchos arcos ojivales con columnas compuestas dividiendo la
nave en cuatro tramos cuadrados. La relativa desnudes de la decoración corresponde a
la austeridad religiosa.
Leon Batista Alberti: “Palacio Ruselai”(1445-1451)Florencia.
Construido en torno a un patio central de volúmenes sencillos
rectangulares que enmarcan el patio, su fachada se divide en tres pisos:
El basamento :parte baja de la fachada que corresponde a la planta de
servicios,almacenes y cocinas,con decoración es con sillares
almohadillados y pilastras de orden dórico que enmarcan vanos
cuadrados y puertas adinteladas.
Desarrollo: planta noble con salones y habitaciones del príncipe , es la
planta central decorada con pilastras de orden jónico que enmarca las
ventanas jerminadas rematadas por arco de medio punto.
Remate:planta superior donde se hubica el resto de las habitaciones es la
planta servil y de artistas decorada con pilastras de orden corintio,resalta
la horizontalidad con un apoderosa cornisa.
Giovani AntonioAmadeo: “ Basilica Santa Maria de
Novela”(1456-1470)Florencia.
Su estructura esta inscripta en un triangulo equilátero formado por tres cuadrados .La
planta inferior mas ancha consta con tres puertas. La superior se reduce a la mitad y se
une visualmente a la inferior a través de aletones laterales (corrección optica al modo
griego, abriéndose a un gran oculo central.Ambos pisos se separan por un ancho
entablamento,todo el conjunto se remata con un frontón clásico.Tendencia a la
horizontalidad y al equilibrio proporcionado conseguido a través del modulo generado
por el intercolumnio central y el frente.
Componente geométrico del conjunto,el material es mármol verde o blanco de
tradición toscana .Columnas de orden corintio en la puerta principaly zonas laterales y
pilastras corintias en le resto.sobre ellos se voltean arcos de medio puntoy en la zona
baja arcos apuntalados con alternancia cromática en las dovelas de estilo gotico (estilo
con que fue iniciada la fachada). La decoración se adapta rigurosamente a la idea de
proporción y es de carácter geométrico ( rectángulos cuadrados círculos).La luz posee
muy poca influencia en la fachada al ser escasamente articulada solo sirve para
central la mirada del espectador y crear una estructura cerrada típica del
renacimiento.
Aquitectura Cinquechento(SXV)
Basilica de San Pedro. Ciudad del vaticano.
Cuenta con el mayor espacio interior de una iglesia cristiana en todo le mundo con
193 mts de longitud y 44,5 de altura, construida sobre una natigua basilica
constantiniana es uno de los edificios mas grandes del mundo con 218 de largo y 136
de altura asta la cúpula,con una superficie total de 23 mil mts.
Este edificio esta conectado con el palacio apostólico por un corredor a lo largo del
pasillo ,al lado de la scala regia y junto a la fachada de la plaza de san pedro y dos
corredores que la conectan con la sacristía adyacente.
El exterior esta construido con travertino y se caracteriza por el uso de orden gigante a
partir del cual se establece el atico,el exterior de la basilica aloja 45 hectareas y 11
capillas q guardan obras de arte.Los muros exteriores de la basilica (ecepto la fachada
principal se compone por superficies planas separadas por pilastras. El primer cuerpo
presenta enormes ornacinas en las que se encuentran las esculturas de los santos de
gran tamaño sobre estas se encuentran grandes ventanales que iluminan el interior del
templo,sobre el entablamento se abren otras ventanas de menor tamaño.
La fachada principal de la basilica tiene 115 mts de anchoy 46 de altura, se articula a
través de la utilización de las columnas de orden gigante que enmarcan la entrada y el
balcón de las bendiciones (lugar donde se anuncia el nuevo papa),tras el balcón se
encuentra un enorme balcón llamado el aula de las bendiciones.En el entablamento
situado debajo del frontón central se encuentra grabada una iscripcion en latin .La
fachada esta precedida por dos estatuas de san Pedro y san Pablo. En la parte superior
se situa el atico en el que se abren 8 ventanas decoradas con pilastras coronando el
atico se ubica una columna abalaustradadonde se situan 13 estatuas de 7mts, en el
centro aparece cristo redentor , a su derecha juan bautista y los 11 apostoles ecepto
san pedro.
Pintura_Quatrochento (SXIV)
Fra Angelico – “La Anunciacion”(1430)
La Virgen se muestra humilde y sumisa, sentada con los brazos cruzados sobre su
pecho, en un gesto de saludo y de de ligero sobrecogimiento por la aparición del
arcángel que le anuncia su trascendente destino, quien también cruza sus brazos sobre
el pecho a manera de saludo respetuoso. Sobre la pierna derecha de la virgen hay un
libro abierto, lo que indica que ésta se encontraba leyendo y meditando sobre las
sagradas escrituras en el momento que se le aparece el ángel. Todo lo anterior fue
pintado siguiendo la descripción del Evangelio de San Lucas, en el cual se describe así
la escena.
Las aureolas doradas, los cabellos de la virgen y del arcángel, sus alas y los tonos
carnosos de la piel de ambos establecen un sutil contraste de valores con los azules del
manto de la virgen y las bóvedas de arista del portal en el que se encuentran. Por
cierto, este edificio recuerda la arquitectura del pórtico del Hospital de los Inocentes
de Florencia, obra de Brunelleschi, a quien Fra Angelico seguramente conocía. En la
enjuta central del lado que vemos al frente del pórtico aparece el rostro de Jesús, como
una premonición, mientras que un ornamentado friso corona la arquitectura, no sólo
del edificio representado, sino también de la composición. En el fondo se puede
apreciar una estancia sencilla, como si fuese una celda de convento con su umbral
abierto, lo que indica que es ahí donde descansa austeramente la virgen. Al lado
izquierdo se ve la escena de la expulsión de Adán y Eva de un frondoso paraíso con un
ángel encima de ellos. Finalmente, podemos apreciar un sutil rayo dorado en el que
avanza el Espíritu Santo, representado como una paloma blanca, el cual nace de la
mano de Dios y atraviesa la composición, dirigiéndose directamente al corazón de
María. Este motivo realza el hecho de que fue concebida en amor.
Fra Angelico eligió para esta pintura un formato rectangular, en el cual domina un
cuadrado hacia la izquierda y donde éste se cierra se ubica la frontera entre los
sucesos presentes y los pasados. El acto que supuso la condena de Adán y Eva y su
redención por medio de Cristo, que se encarnará pronto como hombre.
Por su delicadeza, sus valores cromáticos, su economía de medios y la maestría de su
ejecución, considero este cuadro como una de las obras de arte más exquisitas del siglo
XV. Vasari, al mencionar a Fra Angelico, comentó de ella:
“En una capilla de la iglesia de Santo Domingo, de Fiesole, hay de su mano, en una
tabla, la Anunciación del arcángel; parece un trabajo realizado en el cielo…”
Masaccio “La Trinidad” (1425, fresco, Santa María Novella, Florencia).
Aquí vemos virtuosismo del "trompe l'oeil" (trampantojo: intenta
engañar la vista jugando con el entorno arquitectónico (real o
simulado), la perspectiva, el sombreado y otros efectos ópticos,
consiguiendo una "realidad intensificada" o "sustitución de la
realidad") en la estructura arquitectónica de la pintura: "La bóveda
dibujada en perspectiva que se divide en casetones con rosetones en
su interior que disminuyen de tamaño hacia el fondo y están tan
bien realizados que parece que se trata de agujeros en lapared".
La parte baja del fresco que muestra el esqueleto de Adán y una
mesa de altar que formaban parte del conjunto de la obra.
El trabajo de reconstrucción fue considerado por los críticos como
la aplicación de los principios de Brunelleschi en la arquitectura y
el uso de la perspectiva y el simbolismo, hasta el punto de que
algunos creían Brunelleschi pudo haber tenido una participación
directa en el trabajo. La composición es claramente triangular,
siendo la Trinidad la cúspide del triángulo.La interpretación más
probable de la Trinidad es que la pintura alude a la tradición
medieval de la doble representación del Gólgota en las iglesias, con
la tumba de Adán en la parte inferior como parte del altar (el
esqueleto) y la Crucifixión en la parte superior. Pero también puede
representar la importancia del viaje que el espíritu humano debe realizar para
alcanzar la salvación, al pasar de la vida terrenal (el cuerpo corruptible) a través de la
oración (los dos orantes) y la intercesión de la Virgen y de los santos (Juan
Evangelista) para alcanzar a la Trinidad. Una vista en primer plano muestra el
esqueleto en el sarcófago revela la antigua advertencia en letras claras: “ERA LO
QUE TÚ ERES Y LO QUE YO SOY TÚ SERÁS”.
Piero de la Franchesca: “El sueño de Constantino”(1460)
obra de tema mitológico, en el que, según cuenta la historia, el emperador
Constantino es visitado, en el momento previo al despertar, por un ángel que le
invitará a mirar al cielo donde hay una cruz formada por 2 rayos luminosos y sobre
ella una señal que decía: “In hoc signo vencis” (Con esta señal vencerás),
refiriéndose a la batalla contra Magencio. El Sueño de Constantino es una de las
escenas más famosas de “La Leyenda de la Cruz”. obra se considera la primera
composición nocturna de la pintura italiana. En la zona superior izquierda,
encontramos al ángel (en una posición muy escorzada) siendo el foco de iluminación
del conjunto; en la parte inferior izquierda aparece representado uno de los soldados
de Constantino, de espaldas, dando espacio pictórico.El eje central de la obra esd la
columna que sujeta la tienda. Constantino esta representado durmiento dentro de su
tienda,guardado su sueño por un sirviente que apoya su codo en la cama
imperial,sedente.
En esta obra predomina el dibujo sobre el color,los colores son calidos en la zona
iluminada por el angel,el paisaje es frio
La luz de ja de ser totalmente conceptual,ya que como podemos observar no todo esta
iluminado con la misma intensidad,sino que la iluminacion nocturna crea un atrevido
efecto de claroscuro y volumetria. Muestra una sensacion de perspectiva colocando
diversas tiendas al fondo,creando una espacialidad y perspectiva lineal.
El sirviente es uno de los mejores rostros realizados por el maestro, con una increible
sensacion de modernidad, dirigiendo la mirada al espectador.
Las telas ofrecen sensacion de plegado,tanto en l atienda como en el soldado y en el
angel. Si bien los personajes carecen de expresividad,pero los caracteres de
luminicos ,anatomicos y la perspectiva son dignos de señalar. Muestra figuras muy
estaticas, se persibe la voluntad de construccion de un espacio racional .
Pintura Cinquechento( XVI)
Leonardo da Vinci
La ultima cena
La Última Cena fue pintada por Leonardo entre los años 1495 y 1497 en el refectorio
del convento milanés de Santa María delle Grazie, siguiendo un encargo del duque
Ludovico Sforza. Sus dimensiones son 4,6 por 8,8 metros y se trata de una obra
realizada al temple .
Desde el punto de vista estético, Leonardo pretendió crear en pintura una prolongación
imaginaria del refectorio. Para ello, prolongó la arquitectura natural de la estancia
con una serie de elementos pictóricos como ventanas, puertas y casetones para crear
profundidad en la pared. Sobre el punto de fuga colocó la imagen de Jesús, recortada
sobre la luz de la puerta del fondo con el fin de hacer la silueta mucho más visible. Por
su parte, los doce apóstoles fueron colocados en grupos de tres, en actitud de vivo
diálogo, evocando el momento en el que Jesús anuncia su traición, preguntándose
todos los comensales quién de entre ellos ha podido hacer algo semejante.
Perspectiva de La última cena
Jesús es el centro dinámico del cuadro donde todas las líneas de perspectiva convergen
y dinamizan a partir de él y por él. La última cena con esta característica de
perspectiva linear en un sólo punto se convierte el cuadro de referencia del
Renacimiento.
A pesar de que todos los puntos convergen en Jesús, su posición abierta y expansiva
con los brazos abiertos y mirada tranquila contrasta y equilibra el cuadro desde y
hacia Jesús.
Misterios del cuadro La ultima cena de Leonardo da
Vinci
Muchos son los misterios que rodean el cuadro mural La última cena de Leonardo da
Vinci debido al secretismo del propio Leonardo con respecto a su nombramiento como
dirigente o gran mestre de la hermandad secreta llamada Priorato de Sion.
El interés por los secretos y misterios del cuadro La última cena fue en aumento
después de la publicación del libro El código de Da Vinci en el año 2003 y el posterior
estreno de la película en el año 2006 donde supuestamente revela varios de los
mensajes secretos que Da Vinci plasmó en este famoso cuadro.
Según el libro El código de Da Vinci, algunos de los misterios o secretos revelados del
cuadro La última cena de Leonardo da Vinci son:
No hay copas de vino en la mesa: este hecho curioso plasmado por Da Vinci contradice
con la creencia popular del consumo de pan y vino como para simbolizar el cuerpo y la
sangre de Cristo en la última cena. También contradice con la creencia del cálice en la
mesa como representación del Santo Grial.
El personaje a la derecha de Jesús sería María Magdalena y no el apóstol Juan.
Algunas de las evidencias de esta conexión son:
o María Magdalena junto a Jesús crean una forma simétrica de un triángulo invertido
sin base, símbolo de lo femenino y de la fertilidad.
o Las ropas de María Magdalena y Jesús son imágenes espejo, o sea, tanto uno como
otro reflejan el color y la forma de sus ropas como si fuesen el reflejo del otro.
o Cuando se sobrepone la imagen de María Magdalena al lado derecho de Jesús, las dos
figuras se funden y encajan como si fuesen dos piezas de un rompecabezas.
El cuadro La última cena no muestra ningún cálice ni copa por lo que sugiere que el
Santo Grial sea una cosa diferente. Las transcripciones medievales de los evangelios
usaban el término San Gréal que significaría ‘sangre real’, por lo que se referiría a un
linaje real en vez de un objeto sagrado. Esta teoría se basa en la investigación descrita
en el libro El enigma sagrado o The Holy Bible and the Holy Grail.
Mona Lisa, también conocida como La Gioconda, 1503 y 1506
El realismo extremo al usar métodos matemáticos para medir las proporciones
humanas,
La técnica única del sfumato que también transmite un realismo muy avanzado para la
época,
La revolución que generó en las dimensiones y en las formas de retratar, considerada
la base de todos los retratos occidentales,
La suma de los misterios de la pintura; desde la identidad de la modelo hasta el porqué
Leonardo da Vinci nunca entregó el supuesto encargo, guardándola secretamente.
El cuadro se encuentra actualmente en el Museo del Louvre en París, Francia. Mide 77
cm de alto x 53 cm de ancho. La forma en q se pintó la Mona Lisa difiere de la forma
tradicional en que eran pintados los retratos y las mujeres en Italia en ésa época.
Leonardo hizo que se quebrase muchas tradiciones en la pintura. La mujer mira
directamente al espectador y le sonríe con seguridad. Dos actitudes más propias de los
hombres aristocráticos que de las mujeres.
Los retratos antes de Mona Lisa eran típicamente cortados en el medio del torso, con
las manos elevadas para que el rostro, la cabeza y los hombros, cubrieran casi la
totalidad de la composición.
En el retrato de Mona Lisa no solo se muestra la cara, la cabeza y los hombros, sino
también casi todo el torso hasta debajo de la cintura. Vemos la totalidad de los brazos
y en descanso. De esta manera, vemos a casi todo el personaje en comparación con la
forma anterior.
Desde el abordaje novedoso del retrato de Leonardo con La Gioconda, comenzaría la
nueva tendencia en la forma de pintar retratos influenciando toda la pintura europea
hasta el siglo XIX.
Composición
Mona Lisa es un retrato de medio cuerpo, o de tres cuartos, pintado a escala real sobre
un paisaje que se divide en dos, uno realista y otro surrealista.
La postura de la mujer deriva de la “pirámide” usada para representar a
las madonnas sentadas. Sus manos cruzadas forman la base de la forma piramidal. La
luz aplicada al pecho y al cuello es la misma aplicada en las manos, completando así la
figura piramidal.
El centro del cuadro es el pecho de la mujer y está alineado con el ojo izquierdo y los
dedos de la mano derecha, acentuando así la presencia del personaje en la
composición.
La postura de mona Lisa representa serenidad y, junto con la mirada de soslayo, pero
directa hacia el espectador, muestra el dominio de los sentimientos, una cosa
considerada muy poco común para una mujer.
Está cubierta por un velo que simboliza la castidad, frecuente en los retratos de esposa,
pero contrasta la simplicidad y la ausencia de joyas que la esposa de un supuesto
mercader rico tendría.
Su brazo izquierdo está cómodamente apoyado en el brazo del sillón y está cruzado por
el brazo derecho. La posición de los brazos junto con el brazo del sillón transmiten una
distancia entre ella y el espectador.
La expresión de la mujer en el cuadro es enigmática. Hay una ambigüedad en su
expresión. Esto se debe a que la mirada, el cuerpo y las manos están dirigidas a
ángulos sutilmente diferente,s sumado a la ilusión que crea la técnica del sfumato.
En el borde izquierdo de la pintura se ve la base de una columna insinuando que la
mujer está sentada en una galería. Se dice que esto fue otro truco de Leonardo para
enmarcar al personaje principal.
El paisaje en segundo plano está pintado con una perspectiva aérea. El azul humoso y
la perspectiva poco clara y difusa da a la composición una mayor profundidad y
surrealismo.
El paisaje de fondo muestra un cierto desequilibrio, ya que crea la ilusión de un paisaje
que se divide en dos. El paisaje rocoso de la parte de arriba sería el mundo real y el
paisaje de las tierras planas de la parte de abajo sería el mundo surreal, que, juntos,
crean la ilusión de otro mundo.
Técnica
Leonardo da Vinci usó la técnica del sfumato en Mona Lisa. Sfumato consiste en
diluir el óleo e ir aplicándolo en capas muy finas, difuminando las líneas, suavizando
los contornos y creando un ilusionismo atmosférico.
Gracias al sfumato, Leonardo consiguió aumentar la tridimensionalidad y el realismo
que hace este cuadro tan misterioso y famoso.
La explicación sobre el misterio de la sonrisa y la mirada de mona Lisa deriva de la
técnica del sfumato y la naturaleza de la visión humana.
La visión directa humana se enfoca en los detalles pero no en las sombras, en cambio,
nuestra visión periférica distingue más las sombras que los detalles.
Al mirar a la Mona Lisa desde diferentes perspectivas, las capas finas y difuminadas
de la técnica del sfumato hacen que de frente se vea una sonrisa casi inexistente en
comparación con la misteriosa sonrisa que aparece cuando se la ve de lado. Esto
sucede porque de lado se proyecta más volumen por causa de las sombras creadas por
las finas capas.
Leonardo usa la técnica del sfumato para mostrar cómo la luz rebota de las superficies
curvas, especialmente de la piel, dejándola lisa, suave y real. Esta característica sería
el punto que llamaría más la atención en su época, convirtiéndola en la pintura más
deseada y famosa del mundo.
Miguel angel
La cuarta escena, es la más conocida , la creación del hombre: Adán. Dios alarga la
mano pero sin llegar a tocar aún la mano del hombre. Movimiento en potencia
La figura de Dios, que se ha convertido en prototipo , se le presenta anciano, como
símbolo de la sabiduría ,( recuerda al Laocoonte) también en escorzo, es una figura activa en
movimiento hacia adelante por lo que el viento parece mecer su barba , sus cabellos y hace
ceñir los pliegues de su ropa al cuerpo .Ese movimiento de su mano llegará a tocar a Adán
dentro de un instante y le dará vida.
Adán es representado como el ideal clásico de la belleza física en todo su
esplendor , con una poderosa anatomía de hombre en plenitud en la que la luz crea
clarooscuro y acentúa el volumen. . Se le representa en escorzo , mira a los ojos de
Dios y muestra una actitud pasiva apoyando su brazo sobre un esbozo de paisaje de
azules y verdes que no parecen tener relación con el Edén sino con el mundo terrenal al
que estará destinado Adán y su descendencia.
Rafael Sancio :Escuela de Atenas
La pintura de Rafael alcanza un grado sublime en esta obra, posiblemente la más
famosa de su producción. Cuando el espectador contempla el fresco en la Estancia de
la Signatura se introduce en el mundo clásico y aprecia el movimiento de los diversos
personajes pintados por Sanzio, obteniendo un insuperable resultado. La Escuela de
Atenas simboliza la Filosofía, situándose frente a la Disputa del Sacramento. El
maestro ha introducido la escena en un templo de inspiración romana, posiblemente
siguiendo los proyectos de Bramante para la basílica vaticana, enlazando con la idea
del templo de la Filosofía evocado por Marsilio Ficino. Las figuras se sitúan en un
graderío, formando diversos grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos:
Platón, levantando el dedo y sosteniendo el "Timeo", y Aristóteles, tendiendo su brazo
hacia adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo con su "Ética" sujeta en
el otro brazo, representando las dos doctrinas filosóficas más importantes del mundo
griego: el idealismo y el realismo. Ambos personajes dialogan y avanzan ante un grupo
de figuras que forman un pasillo. A la izquierda encontramos a Sócrates conversando
con un grupo de jóvenes; en primer plano aparece Zenón con un libro que sostiene un
niño mientras lee Epicureo; sobre la escalinata se sitúa Heráclito, tomando la efigie
de Miguel Ángel por modelo posiblemente como homenaje a la decoración de
la Sixtina; Diógenes echado sobre las escaleras; a la derecha Euclides junto a sus
discípulos midiendo con un compás; Zoroastro y Ptolomeo con la esfera celeste y el
globo terráqueo respectivamente. En estas figuras se ha querido ver la representación
de las disciplinas que componían el "Trivium" y "Quadrivium". Los diferentes grupos
de personajes se ubican de manera simétrica, dejando el espacio central vacío para
contemplar mejor a los protagonistas, recortados ante un fondo celeste e iluminados
por un potente foco de luz que resalta la monumentalidad de la construcción. En las
paredes del templo contemplamos las estatuas de Apolo y Minerva así como las
bóvedas de casetones y los espacios abiertos que dominan el edificio, creando un
singular efecto de perspectiva. Vasari dijo refiriéndose a Rafael: "fue en la
composición de las historias tan fácil y rápido que competía con la palabra escrita".
Esta referencia es perfectamente aplicable a esta escena donde los gestos, las
expresiones o los movimientos de las figuras están interpretados con sabiduría,
creando un conjunto dotado de gracia y vitalidad. Los colores son muy variados,
utilizando brillantes tonalidades con los que refuerza la personalidad de las figuras y
la variedad y monumentalidad del conjunto. Con esta imagen, Sanzio demuestra la
superación definitiva de los modelos florentinos iniciando su floreciente periodo
romano.
Escultura Quatrochento :
Lorenzo Ghiberti: Las puertas del paraíso.
En los recuadros se representan temas del Antiguo Testamento pero compendiando
varias escenas , por ejemplo creación del hombre, el pecado y la expulsión del
Paraíso.
Los recuadros están rodeados por franjas con adornos vegetales y cabezas de
profetas.
El marco exterior presenta frutos, hojas, flores y animales
Las figuras son pequeñas pero bastante realista presentando diferentes actitudes y
vistiendo atuendos de la épocas.
La luz crea efectos de brillo por el dorado y también de clarooscuro por los diferentes
tipos de relieve que crean entrantes y salientes.
Mediante diferentes tipos de relieve alto , medio y bajorrelieve crea el sentido de la
profundidad , herencia clásica.
Material: Los relieves está realizados en bronce con la técnica de la fundición y
policromados con una capa dorada que le otorga brillo y luminosidad
Miguel Angel :La piedad
Esta hecha en marmol pulimentado.
Composicion clásica inscrita en un triangulo equilatero que le da estabilidad. Por otro
lado, la figura de la Virgen (si la pusiéramos en pie) resultaría de un tamaño enorme.
La razón de esto no es otra cosa que una pura corrección óptica que le permite al
escultor dar un mayor apoyo al Cristo (y así estabilidad y armonía). Mantiene una
controlada expresividad y una perfecta anatomia.
Nos encontramos con un tema de origen gótico, la Piedad, que refleja el momento en el
que la Virgen recoge en su regazo el cuerpo de su hijo muerto, tras el descendimiento
de la Cruz.
Sin embargo su tratamiento es contrario al espíritu gótico, eliminando todo tipo de
expresión del dolor de la madre para crear una imagen de suave melancolía donde la
Virgen recuerda la primera vez que tuvo a su hijo recién nacido entre los brazos,
conociendo entonces a través de una revelación su futura Pasión)
