La Tragedia

Victoria Taurian

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Victoria Taurian

Instituto Superior de Formación Docente “San José”

Tema: La Tragedia

Estudiante: Victoria Taurian

Profesor: Daniel Alejandro Coria

Asignatura: Lengua y Literatura

Curso: 5° año

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“La tragedia es una herramienta para que los vivos adquiramos sabiduría…”

Ken Follett

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Índice
Introducción……………………………………………………………….……………..6
Desarrollo………………………………………………………………………………..8
Primer Acto……………………………………………………………………...8

Significado………………………………………………………………….8
Origen……………………………………………………………………….9
Características……………………………………………………………...10
Estructura…………………………………………………………………..12
Unidades aristotélicas……………………………………………………...13

Estructura del teatro……………………………………………………….15

Segundo Acto………………………………………………………………......18
Principales exponentes…………………………………………………….18
Tipos de tragedia…………………………………………………………..20
Evolución…………………………………………………………………..21

Tercer Acto……………………………………………………………………..27
Encuestas……………………………………………………………….....27

Entrevista…………………………………………………………………..30

Conclusión…………………………………………………………………33

Bibliografía/webgrafía………………………………………………….....34

Anexo………………………………………………………………………36

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Introducción

Llevamos a cabo esta monografía que trata sobre la tragedia griega, la cual es
una de las formas literarias más influyentes de la historia, una de las raíces principales
del género teatral que alcanzó su máximo esplendor en la Atenas del siglo V a. C. y
cuyos argumentos giran en torno a la fatalidad del destino signado por el personaje
principal. Ésta sigue influyendo actualmente y se ha ampliado en otros campos
artísticos.

Elegimos este tema para poder abordar el origen, la historia, el desarrollo y el

impacto que tiene la tragedia en el ámbito teatral, literario y cotidiano, ya que es un
tema que se puede abordar desde distintos puntos de vista y que deja ver el sufrimiento
inmenso del personaje tras un conjunto de sentimientos que generalmente termina en la
muerte.

La tragedia es importante porque es sinónimo de un evento triste e inevitable, o

de una situación que involucra grandes sufrimientos, pesares, conflictos y el sufrimiento
humano, que produce una catarsis1 o purificación emocional en el público además de
que aborda conflictos universales que reflexionan sobre la naturaleza humana, el sentido
de lo trágico y la fatalidad del destino.

Nuestra hipótesis es que la tragedia como género teatral es uno de los más
influyentes en la sociedad y que se puede llegar a presentar como caso en el marco de la
vida cotidiana, que a pesar del tiempo ha sido y es un tema profundo que logra
trascender y estar presente en distintos aspectos.

Los objetivos que queremos lograr con este trabajo son:

Investigar el origen, la historia y el desarrollo que ha tenido a lo largo de los

siglos.
Desarrollar las partes en que se divide una tragedia y su presentación.
Llevar adelante una entrevista a un profesional.
Realizar una recolección de datos a través de encuestas.
Análisis de datos entre la entrevista y las encuestas.

La metodología que decidimos utilizar para este trabajo se basa en la recolección

1 Catarsis: el término alude a un proceso de purificación de nuestros sentimientos y valores.

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de datos a través de la entrevista a un profesional, encuestas, material de lectura e

información de internet que serán representados en este trabajo con el modelo textual al
que corresponde la monografía, para que de esta manera se pueda construir
ordenadamente esta introducción, el desarrollo, el análisis de datos y un anexo que
contenga datos certeros y correctos sobre el tema.

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Desarrollo

Primer Acto
Significado

a tragedia griega es un género dramático creado en la Antigua Grecia, cuyos

L argumentos giran en torno a la fatalidad del destino signado por los dioses en los
que un personaje de gran importancia para la sociedad se veía enfrentado a un
problema que terminaba superándolo, arrastrándolo a la muerte o la locura.

Según Aristóteles2, la tragedia consiste en imitar situaciones serias con lenguaje

elocuente y pulcro, dándole un carácter completo y espectacular, marcando cada
segmento con secuencias dramáticas que movilicen las emociones más intensas y que
signifiquen la expiación de tales pasiones expresando en ellas toda forma de dicha
miseria humana. Las acciones que la tragedia representa no son otra cosa que las
acciones más torpes que los hombres puedan realizar: su contemplación hace que el
espectador se introduzca en los impulsos que los generan, por un lado simpatizando con
el héroe trágico a través de sus emociones, y por otro lado condenando la desmesura o
el defecto a través de la 'soberbia' o 'malversación', es decir, actuación contra las leyes
divinas que lleva al personaje a cometer el crimen.

Considera que la tragedia no es el lugar adecuado para debatir temas filosóficos, porque
no debe ser demasiada vasta en su extensión; y tampoco se tiene que concentrar
únicamente en lo que le ocurre al héroe, porque tiene que mantener una unidad de
acción que tenga en cuenta todo el conjunto de situaciones.

En la teoría de este filósofo, él destacó dos componentes importantes para una tragedia:
la catarsis y la mímesis. El término mimesis es utilizado incesantemente por todos los
grandes teóricos de la reflexión estética sobre las artes. El tema fundamental tratado es
que las artes imitan la realidad a través del lenguaje, sea verbal o no con el objeto de
realizar la catarsis en el lector o espectador. La catarsis se emplea para expresar el
cambio que experimenta una persona después de sufrir un hecho traumático o haber
sido objeto de una exaltación experimentando diversas emociones. Es lo que siente el
espectador griego ante la representación teatral de una tragedia, como el susto, el temor,

2 Aristóteles: Aristoteles; Estagira, 384 a. C.-Calcis, 322 a. C.. Fue un filósofo, polímata y científico griego. Es considerado

junto a Platón, el padre de la filosofía occidental. 8

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la angustia, la compasión, el alivio, etc.

Para Aristóteles la finalidad de la tragedia es provocar piedad y terror para que sea
posible la catarsis o exteriorización de estas emociones. La tragedia permite ver
reflejadas en el escenario distintas formas de comportamientos humanos enfrentando las
pasiones comunes de la vida como un todo, ofreciendo la posibilidad de abarcar la
perspectiva total de la existencia, y experimentar la consecuencia de las acciones y la
expiación de los errores.

Origen

Respecto del origen de la tragedia estudios antropológicos han indicado, tal como
lo confirma la etimología de la palabra, que se trata de un ritual de sacrificio, en el que
se ofrecían animales a los dioses. Esto se hacía sobre todo para obtener buenas cosechas
y buena caza, momentos cruciales que determinaban la vida de los antiguos eran los de
cambios astrales (equinoccio y solsticio, que marcan el cambio de una estación a otra).
Los sacrificios se daban en esos momentos, un ejemplo claro de la época es al poco
tiempo después del equinoccio de primavera, para asegurarse el advenimiento de esta
buena estación para la agricultura. Como en otras religiones, incluso en la cristiana el
momento de los sacrificios coincidía con la primavera en razón de que la difusión debió
adaptarse a las fiestas paganas preexistentes. En una época prehistórica reciente, tales
sacrificios tuvieron que ser transformados en danzas rituales, en las cuales la lucha
primordial era de lo bueno (representado por el día, la luz, la primavera) contra lo malo
(la noche y el invierno). Triunfaba finalmente lo bueno contra lo malo.

Quedan todavía muchos descubrimientos oscuros sobre el origen de la tragedia. Se

distinguen la raíz de ‘macho cabrío’3 y cantar, sería ‘el canto del macho cabrío’, quizás
en referencia al premio que era dado al vencedor del certamen trágico (un macho
cabrío); o el sacrificio de este animal sagrado a Dioniso 4, que frecuentemente
acompañaba la fiesta en honor al dios. Una teoría más reciente hace derivar el término
tragedia del vocablo raro traghìzein que significa «cambiar de voz, asumir una voz de
balido como las cabras», en referencia a los actores. A menos que, tragoidía no
signifique más que simplemente canto del macho cabrío de los personajes satíricos que

3Macho cabrío: El macho cabrío es un gran mamífero rumiante caprino, macho de la cabra.
4Dionisio: Es uno de los dioses olímpicos de la mitología griega. Es el Dios del vino, la fertilidad, el teatro y la locura ritual. 9
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integraban el coro de las acciones sagradas a Dionisio. Otras hipótesis tentativas, han
señalado una etimología que refiere a la tragedia como una oda, un canto poético, a la
cerveza.

Lo que es posible afirmar con certeza es que la raíz, incluso antes de referirse al drama
trágico, fue utilizada para significar el estado «similar al de un macho cabrío», pero
también a la aspereza, la lujuria, el placer de la comida, en una serie de palabras
derivadas que gravita en torno al ámbito lingüístico del rito dionisíaco. La tragedia hacía
referencia a las principales preocupaciones de la época y educaba al pueblo en los
valores que orientaban a la sociedad. Promovían el orden y el cumplimiento del deber.

Se cree que la primera tragedia se le atribuye a Tespis quien dio paso a la primera
composición trágica. Un coro formado por sátiros. Las criaturas masculinas que en la
mitología griega acompañaban a los dioses griegos por bosques y montañas. Tespis
probablemente vivió durante la segunda mitad del siglo VI a.C. Fue, según la tradición
ateniense, el creador de la tragedia al introducir en sus espectáculos dionisiacos del 535
a. C., y se le atribuye también, la invención del prólogo y la máscara y la introducción
de un actor separado del coro. Lamentablemente de sus tragedias no se ha conservado
ninguna. Este fue el encargado en oponer al coro un elemento recitativo que además de
constituir el origen del actor en Grecia, sirvió para resaltar una materia dramática a lo
que era la base de la representación: el coro y sus danzas. Este puede considerarse como
el momento más importante en la creación del teatro.

Características

Las características de la tragedia apunta a que los textos debían estar centrados en
una temática dolorosa y que tuviera como objetivo conocer mejor al ser humano. El
juicio moral de la sociedad era también otro de los objetivos finales que se debían
perseguir con dichas obras.

La primera característica de la estructura de la tragedia y una de las más destacadas es el

coro, era un grupo de personas que encarnaban a un personaje concreto de la obra y que,
con cantos y música, indicaban los mensajes de los dioses o explicaban al público las
partes de la historia que no se veían sobre el escenario. Al principio, los coros eran de

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doce personas pero Sófocles lo aumentó a quince (siempre hombres) y, a partir de

entonces, todas las tragedias contaron con esta cantidad de coristas. El coro representa al
pueblo o a un conjunto de personas, es decir, una entidad. Inicialmente, el teatro contaba
con un solo actor y el coro, luego se le agregaron un segundo y tercer personaje. En su
entrada y salida permite el cambio de escena y cambio de personaje, y mantiene la
estructura externa y sirve para organizar la trama; además de que tiene un origen ligado
al canto coral de carácter ritual mediante un canto en dialecto dorio literario como ya
hemos visto, el coro desfila haciendo plegarias. También hace ofrendas y cantos
rituales, dando gracias a los dioses o llorándoles pidiendo ayuda dependiendo de la
trama de la tragedia.

Otra característica de la tragedia es el número de actores que componían la obra contaba

con un elenco pequeño de actores. De hecho, lo habitual era que fueran dos los que
aparecieran al principio de la obra y tres al final. Eso sí: las mujeres no podían actuar en
la Antigua Grecia, todos los papeles, incluso los femeninos, eran realizados por
hombres. En la gran mayoría de las obras, los personajes no salían y entraban de escena
si no que estaban presentes sobre el escenario durante toda la representación.

También podemos decir que una característica muy importante fueron las máscaras. En
el teatro de la Antigua Grecia, los espacios de representación eran de grandes
dimensiones y que acaparaban a un público multitudinario. Por tanto, los actores tenían
que hacer uso de máscaras y disfraces que consiguieran transmitir mejor las expresiones
y las emociones que los personajes estaban experimentando; sumado a esto, las
máscaras ayudaban a ampliar el sonido haciendo que toda la audiencia pudiera escuchar
la obra además de verla. Éstas estaban elaboradas de corcho o de lino y expresaban
dolor o tristeza, mientras que otra era alegre y representaba la comedia. Se dice que el
origen de estas máscaras retoma a las diosas Talia, la musa de la comedia, la música, el
canto y la alegría, y Melpomene, que es la musa de la tragedia.

Para terminar con las características de fondo (contenido) y forma (estructura) de la

tragedia, se expresa que la imitación en la misma se hace por medio de la
representación, para distinguirla históricamente de las epopeyas, es decir de las obras
del género épico que las preceden temporalmente. Mientras que en la epopeya se narra,
en la tragedia las acciones se desarrollan ante el espectador a través del diálogo entre los

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personajes, y de este modo, se elimina la distancia que supone el uso de un narrador. De

allí en adelante la definición de Aristóteles cambia su centro de interés, y pasa a
ocuparse ahora de elementos exteriores a la obra: la relación de ella con el espectador,
los sentimientos de éste y por último la finalidad del espectáculo.

Estructura

Este subgénero teatral contaba con una estructura muy concreta y marcada que se
dividía en dos partes: la estructura externa y la estructura interna.

La estructura externa de una tragedia se refiere a la forma en que el autor divide

formalmente la obra y se divide en algunas partes:

Prólogo: está a cargo de un personaje, que, comúnmente, no vuelve a aparecer

en la obra. Puede ser un monólogo o un diálogo, que presenta los datos básicos
para entender la situación en la que se ambienta la acción de la obra. Es la parte
de la tragedia que precede a la entrada del coro.

Párodos: es la entrada del coro, pasaje complementario del prólogo. A través de

los comentarios que se incluyen en este pasaje, el espectador queda plenamente
situado. Su nombre se debe a que así se denominan los corredores que se sitúan
a ambos lados del escenario griego, por los que ingresa y se retira el coro.

Episodios: a cargo de actores, empieza a desarrollar la acción dramática. Están

divididos a su vez en diferentes escenas. Generalmente son cuatro episodios
aunque pueden llegar a cinco, y se van alternando con los cantos del coro
denominados estásimos.

Estásima: intervención del coro, interpretando y comentando lo que acaba de

suceder. En estos no avanza la acción, ya que el coro funciona como espectador
ideal, reflexionando acerca de lo que va transcurriendo en el drama. Estásimo es
una palabra griega que significa “canto en el lugar”.

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Éxodo: es el último canto del coro y su salida, da por finalizada la obra. El héroe
reconoce su error, a veces es castigado con la muerte por los dioses y es allí
donde aparece la enseñanza moral.

Más adelante en el tiempo, mediante más avanza la revolución del teatro, en el teatro
renacentista, que veremos más adelante, la estructura externa ya es totalmente distinta.
Ya no hay un coro, y por lo tanto varias partes propias de una tragedia griega ya no las
encontramos, sino que surgen nuevas estructuras. Estas tragedias, ahora se dividen en
cinco actos (cada acto es una unidad de acción, es decir que aglutina las escenas
íntimamente ligadas a un momento de la acción dramática), y los actos se subdividen en
un número variable de escenas (lo que marca el inicio de una nueva escena es la salida o
entrada de los personajes).

Respecto a la estructura interna de la obra sobre la tragedia, podemos encontrar cuatro

partes esenciales, las cuales son:

Motivación: Es la primera parte, en la cual el objetivo es captar la atención,

situar al espectador en el ámbito que se desarrolla pero sobre todo interesarlo y
crear su expectativa respecto del conflicto que esa obra mostrará.

Planteo: Se presenta el conflicto, abiertamente. El protagonista se enfrenta a su

lucha. Su desarrollo significa por una parte la producción de una acción
dramática y por otra produce la evolución de los caracteres. De esta manera,
acción y carácter son el centro de gravitacional dinámico de la obra.

Peripecia: Se produce un cambio notorio en la suerte del personaje, que de

pronto, se enfrenta a algo totalmente distinto a lo que le venía pasando: si su
causa iba progresando de un modo alentador, le surge un notorio problema; si,
en cambio, venía asediado por los inconvenientes, aparece una circunstancia que
se presenta como la salvación. La obra va progresando dinámicamente hasta
llegar a un enfrentamiento decisivo de los personajes y sus contradicciones. Esto
otorga la dimensión artística a la obra de teatro.

Desenlace: Situación final en la que quedan los personajes, casi siempre nefasto

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para el héroe. En una tragedia, será la muerte del protagonista, pero no se remite
al hecho puntual de su desaparición física sino a las consecuencias que trajeron
sus acciones.

Friedrich Nietzsche, al final del siglo xix, puso en evidencia el contraste entre dos
elementos principales: por un lado lo dionisíaco (la pasión que experimenta el
personaje) y por otro lo apolíneo (la sabiduría y la justicia que es el elemento racional
simbolizado exactamente por el dios Apolo). Contraste que estaría en la base de la
némesis, el castigo divino que determina la caída o la muerte del personaje. Lo apolíneo
expresa las formas acabadas y bellas que se manifiestan en las artes figurativas,
mientras que lo dionisíaco se refiere a aquellas manifestaciones artísticas basadas en el
ritmo y la pasión. Por lo tanto, se trata de dos fuerzas creadoras o dos tipos de energía
que utiliza el artista como forma de expresión para plasmar sus anhelos e inquietudes.

Unidades aristotélicas

Las unidades clásicas, aristotélicas o tres unidades son reglas diseñadas

especialmente para el teatro, pero que tienen una extensión más amplia como criterio
estético y de teoría del arte, al exigir que una obra artística se debe tener un cierto
carácter unitario. Estas derivan de algunos pasajes de la Poética de Aristóteles, y en la
forma en que se establecieron posteriormente, con criterios propios de la literatura
neoclásica, eran las siguientes:

Unidad de acción: la obra debe seguir el curso de una única acción principal,
sin desviarse en acciones secundarias, esto es, debe contar una sola historia.
Unidad de tiempo: la acción no debe transcurrir en un tiempo superior a las 24
horas, y debe ser lineal, sin anacronías (saltos temporales al pasado o futuro).
Unidad de lugar: la obra debe representarse en un espacio físico único, sin
intentar comprimir la geografía representando más de un lugar.

En el siglo XVII, estas reglas ya las había sintetizado el francés Nicolás Boileau en su
Art Poétique (Arte Poético-1674), canto III, 45-46: Qu'en un lieu, qu'en un jour, un seul
fait accompli / tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli (‘Deje en un lugar, en un día, un
solo hecho consumado / mantenga hasta el final el teatro lleno’). Junto a las tres

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unidades, los franceses fueron uniendo una cuarta unidad entre los siglos XVII y XVIII,
la unidad de estilo: no mezclar verso y prosa, usar siempre el mismo tipo de verso y de
estrofa, procurar que el lenguaje y la estructura fueran homogéneos y no mezclar de
ninguna manera lo trágico y lo cómico.

Estructura del teatro

El teatro en la Antigua Grecia comenzó con ritos y ceremonias dedicadas al dios

Dionisio, en las que se narraban hechos de la vida de los dioses griegos mediante cantos
y danzas. Las primeras representaciones que se pueden categorizar como “teatrales” en
la Antigua Grecia se realizaban en plazas y luego cuando se incluyeron más actores se
necesitaba más espacio para que se desarrollaran las obras con mayor espectacularidad.
Por lo que se creó uno de los teatros griegos con mayor capacidad y que ha llegado a
nuestra época es el teatro de Epidauro, que contaba con capacidad para 12.000
espectadores. Fue construido aprovechando la vertiente de una montaña, con un
diámetro de 112 metros y 32 filas de asientos en la parte baja, 20 en la parte central y 24
en la superior. En la antigüedad era ya célebre por la armonía de sus proporciones. Fue
concebido por el arquitecto y escultor Policleto el Joven a mitad del siglo IV a. C.

La tragedia antigua no era solo un espectáculo, como lo entendemos hoy, más bien se
trataba de un rito colectivo de la polis. Se desarrollaba durante un período sagrado en un
espacio consagrado (en el centro del teatro se hallaba el altar del dios). El teatro asume
la función de caja de resonancia para las ideas, los problemas de la vida política y
cultural de la Atenas democrática: la tragedia trata de un pasado mítico, pero el mito se
vuelve inmediatamente metáfora de problemas profundos de la sociedad ateniense.

Estructura y composición del teatro.

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Estas construcciones se dividían en varias secciones distintas y que marcaban el lugar

en el que debía ir el público, el lugar de los actores y la zona en la que actuaba el coro.
Las presentaremos a continuación:

Orchestra: la palabra orchestra significa bailar y esta zona del teatro se conocía
así porque era la que estaba destinada a que los miembros del coro bailaran y
cantaran. Por tanto, la orchestra solía ser una zona circular o semicircular
situada al aire libre y en la que el coro permanecía durante toda la representación
de las obras teatrales. La orchestra solía estar conectada con unos pasillos que
eran los que permitían a los artistas del coro poder acceder a esta zona del teatro.

Skené: otra de las partes del teatro griego es la que se conocía como skené.
Actualmente esta zona la conocemos como el escenario y es donde los actores
representaban las obras orientadas de cara al público. En los teatros griegos estos
espacios solían cumplir una serie de características como, por ejemplo, eran de
tamaño rectangular y un tanto estrecha. Se elevaban tres metros por encima de la
orchestra puesto que estaba situada detrás, de esta forma, permitía al público una
mejor visibilidad.
La zona trasera de la skené se encontraba una construcción de madera que se
solía usar como decorado, de esta forma, las representaciones se veían más
realistas y verosímiles.

Proskenion: la zona delantera de la skené se conocía con el nombre de

proskenion y era donde los actores llevaban a cabo las representaciones. Para
conseguir obras más impactantes y llamativas, en algunos teatros, al igual que la
skené, se implementaban con columnas o con estatuas. Estos elementos, además
de adornar, también permitían colocar mejor los decorados y conseguir que el
público conectara totalmente con la obra.

Koilon: se conoce como koilon a lo que en castellano significa "el lugar donde
se contempla". Por tanto, el koilon es la zona de las gradas o el espacio
destinado al público. Este espacio solía estar diseñado de una forma semicircular
y se solía ataviar con elementos que pudieran servir como asientos.

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Pero en la Antigua Grecia la sociedad estaba muy bien segmentada y, por eso, el
koilon estaba dividido en diferentes sectores. Por ejemplo, la proedia eran los
asientos que estaban en la primera fila y, por tanto, los más próximos a la
orchestra. Estos asientos estaban pensados para ser ocupados por las más
grandes personalidades de la sociedad como eran los sacerdotes y las
autoridades.

Párodo: los párados eran dos entradas que se abrían entre la skené y la
orchestra, que también recibieron el nombre de eisodoi. Es cualquiera de los
pasajes que se encuentran en cada extremo de la orquesta.

Diazoma: diazoma se refiere a uno de los amplios circuitos que dividían los
asientos en dos o tres zonas para separar a los distintos sectores sociales de la
época.

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Segundo Acto

Principales exponentes

Muchos fueron los dramaturgos griegos que se destacaron en el género teatral de

la tragedia, quienes compusieron un gran número de obras, usando como inspiración
para la realización de sus episodios los mitos y cantos religiosos de la época. Estos
episodios fueron el marco para la narración de aventuras e infortunios de los héroes
griegos durante el apogeo de grandes conflictos. A continuación presentaremos los
principales exponentes:

Esquilo: se le atribuyó el título de padre del género trágico debido a los cambios
que este hizo sobre la lírica coral al introducir un segundo actor en escena, así
como otras reformas aplicadas sobre la escenografía y la técnica teatral. En el
repertorio de obras realizadas por Esquilo, este compuso alrededor de 20
tetralogías. Fue quien ideó la presencia de un segundo actor en escena, progreso
del que se desprenden los demás. Como consecuencia de este segundo actor
predominó el diálogo, y la intervención del coro se vio restringida y atenuada.
Al disminuir la importancia del coro se refuerza el sentimiento dramático.
Esquilo funda la tragedia en la acción y no en la contemplación. Tiene un
movimiento interno: conflicto de ideas y sentimientos, y externo: evolución de
los personajes movidos por los sucesos. Perfeccionó el vestuario y la
maquinaria. En sus obras se observa un estilo rico en metáforas y símiles, una
profunda fe religiosa, junto con una gran preocupación por la verdad. Habría
compuesto 90 tragedias de las que sólo se conservan siete.

Eurípides: Nacido en el año 480 a.C., Eurípides fue considerado otro de los
grandes representantes del género trágico. Fue una persona entusiasta del
estudio, al punto de que poseía su propia biblioteca, siendo esta considerada
como una de las más grandes de toda Grecia. Su incursión en el género trágico
fue en Los Pelíadas, concurso donde presento su primera obra, donde al final
obtuvo el tercer lugar. Luego de esa experiencia Eurípides desarrollaría
alrededor de 92 obras a lo largo de su vida, algunas de las cuales, le permitieron

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obtener el triunfo 4 veces en los festivales anuales que se daban lugar en Atenas.
Entre los maestros que contribuyeron a la formación de Eurípides estaban
Anaxágoras, Protágoras, Pródico y Sócrates del cual se hizo amigo y de quien se
dice que solo acudía al teatro cuando Eurípides presentaba sus obras. En sus
obras se observa la decadencia del coro. Este, que en Sófocles y Esquilo es la
conciencia viva de sus tragedias, pierde tal rol, en su lugar recibe confidencias,
se convierte en cómplice. Trabajó con tres personajes en escena, más un
eventual cuarto personaje mudo. Son famosos sus grandes personajes femeninos.

Sófocles: Sófocles en el año 495 a.C., al cumplir los 16 años, le fue adjudicado
el título de director del coro con motivo de la celebración por la victoria
obtenida en la batalla de Salamina. Su primer debut en el género trágico ocurrió
en el año 468 a.C. durante el concurso teatral llevado a cabo anualmente en
Atenas como parte de las festividades realizadas en honor a Dionisio donde
obtendría la victoria tras vencer a Esquilo. Esto marcó el inicio de su trayectoria
literaria en la cual compuso alrededor de 123 tragedias que le llevaron a
participar en festivales y lograr en estos un total de 24 victorias. Todo este
reconocimiento le confirió a Sófocles una gran importancia dentro de la escena
literaria de Atenas. Su existencia coincide con los mejores momentos de Atenas.
Era un hombre de opiniones moderadas, respetuoso de la religión y de la moral.
Introdujo reformas técnicas en la tragedia: aumentó el número de actores,
ensanchó el campo de la acción dramática, acentuó el perfil de los caracteres y
subió el número de coreutas a quince (con Esquilo eran doce).

Estos dramaturgos fueros quienes rescataron motivos mitológicos y de los relatos

homéricos para representar ante la polis los episodios más problemáticos de sus héroes
épicos y de los grandes motivos históricos, como las postrimerías de la Guerra de
Troya, o largos ciclos de venganzas y pugnas familiares entre la nobleza griega. Sus
obras abordaron temas universales como el destino, la justicia, el honor, el amor y la
pasión, que siguen vigentes y conmoviendo al público de todas las épocas. A partir de
aquí la tragedia evoluciona en dos sentidos: incrementando la importancia de lo
dramático y disminuyendo la incidencia del coro.

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Tipos de tragedias

A lo largo de los siglos y el paso del tiempo, distintos dramaturgos han ido
modificando sus obras dándoles improntas propias y creando distintos tipos (o
subgéneros) de tragedias, a continuación se explicarán los derivados:

Tragedia clásica: consiste en la representación de una acción seria (por

oposición a la comedia), cuya gravedad invita a liberar los sentimientos de
compasión y horror en el espectador.

Tragedia mixta: Obra que conserva una atmósfera y un estilo trágicos, pero que
integra algunos elementos cómicos o tragicómicos (variedad de medios sociales,
de niveles de lenguaje, de intensidad del camino trágico).

Tragedia de venganza: Este género, inspirado en la tragedia de Séneca,

contiene como motivo central la venganza del héroe que mata a su ofensor.
“Hamlet” es un claro ejemplo de este tipo de tragedia.

Tragedia de sublimación: el protagonista de la historia se exhibe como si fuese

un héroe que es capaz de retar los obstáculos a partir de la fuerza de cada una de
sus virtudes, lo que le permite ganarse la admiración del público.

Conflicto trágico: el héroe sacrifica voluntariamente su vida por un interés o

valor superior que puede llevarlo a la muerte.

Tragedia irónica: es un tipo de ironía que se produce cuando el público sabe

más que los personajes sobre lo que va a suceder, creando una situación de
tensión y expectación.

Tragedia absurda: se refiere a aquellos sucesos que causan la muerte de una

forma inesperada, irónica o ridícula, desafiando la lógica y el sentido común.

Tragicomedia: caracterizado especialmente por incluir y mezclar elementos de

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la tragedia y elementos de la comedia, una fusión de subgéneros puede provocar

en el público tanto la risa, como el llanto. La mayoría de los personajes de la
tragicomedia son exagerados, y a veces puede haber un final feliz después de
una serie de eventos desafortunados, también incorpora con chistes a lo largo de
la historia, sólo para aligerar el tono. Fue acuñada por el dramaturgo romano
Plauto en el siglo II a.C.

Evolución

Con el paso de los años la tragedia se ha ido modificando y ha cambiado según las
distintas épocas, dejando eras sobre esta que quedaron plasmados en el tiempo,
próximamente se presentará la evolución de la tragedia:

Tragedia clásica: la tragedia clásica es la que cultivaron los pueblos de la

antigüedad grecorromana: la Grecia antigua y posteriormente el pueblo
latino. Los máximos exponentes de la primera fueron Esquilo, Eurípides y
Sófocles, quienes rescataron motivos mitológicos y de los relatos
homéricos para representar ante la polis los episodios más problemáticos
de sus héroes épicos y de los grandes motivos históricos, como las
postrimerías de la Guerra de Troya, o largos ciclos de venganzas y pugnas
familiares entre la nobleza griega. Los principales exponentes latinos, en
cambio, fueron Livio Andrónico, Ennio, Pacuvio y Accio, y
posteriormente Séneca. Ellos compusieron piezas que retomaban motivos
de la cultura helénica y fueron de gran influencia en la posterior
dramaturgia del renacimiento y el barroco europeo. Sus exponentes más
importantes fueron Esquilo, Sófocles y Eurípides.

‘Antígona’ (442 a. C.) – Sófocles

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Imperio Romano: el origen del género dramático fue en la Antigua

Grecia, sin embargo, en cuanto el Imperio Griego cayó en decadencia,
fueron los romanos los que pusieron al frente y, por tanto, el teatro
también llegó a Roma y aportó autores dramáticos tan destacados como
Séneca, Terencio y Plauto. Se calcula que, aproximadamente, alrededor
del año 509 a.C. fue cuando el teatro llegó al Imperio Romano, debido a la
expansión que la civilización romana hizo por el Mediterráneo llegando
hasta el Imperio Griego. Existen algunos cambios importantes respecto al
teatro griego y el romano como, por ejemplo, el nuevo drama era menos
sofisticado y más satírico. Cuando el Imperio Romano desapareció, el
género dramático ya se había extendido por toda Europa y, en el Viejo
Continente, empezó a experimentar una gran cantidad de cambios y
modificaciones. El teatro era menos refinado que el griego, tenía un tono
burlesco y satírico no exento de grosería, donde se gozaba de un tono de
acidez en los temas que se tocaban en las obras.

‘Las Fenicias’ (escrita entre los años 54 y 65 d.C.) – Séneca

Edad Media: durante la Edad Media, el género dramático deja de ser

cultivado por los poetas. Este periodo se conoce como la edad oscura y la
producción dramática es casi nula. En el siglo XI y XII en Europa
solamente se escribía un tipo de teatro que estaba pensado para ser
representado en centros de culto como monasterios, universidades o cortes
reales. Por lo tanto, perdió el carácter social que tenía en sus orígenes para
convertirse en un género más elitista y para las clases pudientes.

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Las obras que se escribían eran de temática litúrgica: representaciones de

escenas del Evangelio, sobre todo centradas en momentos cumbre dentro
de la religión cristiana: la Navidad, la Epifanía y la Resurrección. Este tipo
de teatro se expandió por gran parte de Europa con la voluntad de expandir
la palabra de Dios por todos los rincones. En España no llegó este tipo de
teatro porque, en esta época, se encontraban en plena época morisca.

Tragedia moderna: luego de la Edad Media, la tragedia reaparece en el

Renacimiento, cuando la cultura europea se reconcilia con su tradición
pagana. Hubo grandes exponentes del género en cada país europeo, que
usaron el formato de la tragedia para enfrentar su propia cultura y sociedad
que se sintieron en la necesidad de desmontar las características impuestos
por la tragedia clásica: la búsqueda y actuación de personajes ilustres e
importantes (reyes y nobleza), que actuando con desmesura, terminan
perdiéndolo todo, cosa que también afecta el entorno en el que se
encuentran. La tragedia comenzó a alejarse de la exaltación heroica para
acercarse a la persona común y buscar en sus problemáticas cotidianas el
nuevo tejido de lo trágico. La lucha constante del individuo corriente se
convirtió en el nuevo centro narrativo sobre el que muchos autores
profundizaron. Esta vez, el humano, más que cegado por sus propios
valores, actúa por impulso ante las tentaciones y llamados de la vida
cotidiana.
Barroco español: el siglo XVI y XVII se conoce como el Siglo de
Oro español, un siglo de máximo esplendor en el campo de las
letras y la cultura. El teatro del Siglo de Oro cuenta con vio
aparecer las obras dramáticas (y las comedias también) de los tres
grandes: Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca.

‘Fuenteovejuna’ (enero 1, 1618) – Lope de Vega

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Dramaturgia victoriana: se refiere al teatro producido en el

Reino Unido durante el reinado de la reina Victoria (1837-1901).
Fue una época de poca originalidad y creatividad en el teatro
inglés, dominada por las adaptaciones de los clásicos, las comedias
triviales y los melodramas sensacionalistas. Sin embargo, también
fue una época de grandes actores, como Kean, Macready, Irving y
Terry, que interpretaron con maestría los papeles de Shakespeare y
otros autores. Reflejó los cambios y las contradicciones de la
sociedad de su época, marcada por el progreso industrial, el
imperialismo, el puritanismo, el humanitarismo y el escepticismo.
Fue un teatro que buscó entretener, educar y conmover a sus
espectadores, pero que también mostró las tensiones y los
conflictos de una época de transición.

‘Hamlet’ (1603) – William Shakespeare

Prerromanticismo: El prerromanticismo tiene su origen en el

siglo XVIII, específicamente en Europa. Se le conoció y pasó a la
historia como un movimiento literario que se dio entre el
Neoclasicismo y el Romanticismo. Primero lo vieron nacer
Alemania e Inglaterra, luego se extendió por España, Italia y
Francia. Este movimiento afirmó los sentimientos sobre la razón,
dando preponderancia a las emociones. Los escritores se dejaron
llevar por lo que sentían sin importar lo exaltado o triste resultara.
Para el desarrollo de sus obras, el prerromanticismo, y después el

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romanticismo, prefirió escenarios y espacios cargados de misterio.

Cementerios, ruinas, bosques oscuros, tormentas, escenas
nocturnas, aparición de fantasmas, etc., fueron especialmente
trabajados por los prerrománticos. Algunos autores que se
destacaron en esta época fueron Goethe, Schiller, Grillparzer, que
luego servirían de inspiración al Romanticismo.

‘Fausto’ (1808 y 1832) – Johann Wolfgang von Goethe

Modernidad francesa: los primeros años del siglo XX vieron, en

Francia, el triunfo del movimiento naturalista, tanto en las letras
como en el teatro, reacción inevitable contra todo el falso oropel
del romanticismo. Fue la época del auge del Teatro Libre, de
Antoine. El escenario no trasportaba el espectador a un mundo
distinto del que servía de marco a sus evoluciones cuotidianas, sino
que prolongaba ese mismo universo de todos los días. El ideal
máximo consistía en reproducir con la mayor exactitud posible la
vida real. Las obras, en su mayoría construidas alrededor de tesis
sociales, llevaban a las tablas conflictos obreros, familiares o
matrimoniales; y el arte consistía en mostrar decorados provistos
de ventanas y puertas verdaderas, que podían abrirse y cerrarse; en
traer ante el público animales vivos, plantas de verdad, en derramar
sobre los actores una lluvia que en realidad los mojara o
exponerlos a los rayos de un sol que les produjera quemaduras

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innegables. Y así se alejaba el teatro de la ficción que, para él, es

verdad. Racine, Corneille, Voltaire, Lemercier, resaltaron en
muchos casos en la Ilustración francesa.

‘Brutus’ (1730) – François-Marie Arouet (Voltaire)

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Tercer Acto
Encuestas

Para proporcionarnos sobre lo que saben las personas, realizamos una encuesta de
manera digital sobre la tragedia con preguntas de conocimiento general sobre el tema.
De las respuestas totales que fueron setenta y ocho encuestados, donde la mayoría de
estos se vimos que eran de entre treinta y cincuenta años en adelante, y de género
femenino (consultar anexo 1 y 2), obtuvimos porcentajes que analizaremos a
continuación según lo que marcaron:

La primera pregunta de la encuesta dice ‘La tragedia es un género

literario además de teatral ¿usted sabía este dato?’(consultar anexo 3);
aquí la gran mayoría respondió de manera afirmativa demostrando que
saben sobre lo preguntado. Por otra parte, una porción mínima pero
considerable de personas justificaron que no sabían respecto a que la
literatura incluye como uno de sus géneros la tragedia. Podemos
reconocer, por lo tanto, que no todos los individuos están sometidos a los
libros.

La segunda interrogante pide que ‘Marque qué autores son ejemplos de la

tragedia: Sófocles, Lope de Vega, William Shakespeare, todos o ninguno’
(consultar anexo 4); donde la gran mayoría reconoció a William
Shakespeare, seguido de que otra mayoría respondió que todos los autores
son ejemplo y autores de tragedia la cual era la respuesta correcta. Por lo
que podemos decir que no todos tienen conocimientos tan exactos y
amplios para confirmar que todos los autores escriben tragedia; por otra
parte podemos avalar la gran influencia y reconocimiento que tiene
Shakespeare, ya que este fue el más votado en las encuestas.

La tercera indagación cuestiona ‘¿Cree que la tragedia es un hecho

doloroso, de duelo y difícil de superar?’ (consulte anexo 5) y le
agregamos luego ‘¿Por qué?’ para que los encuestados puedan responder
libremente lo que pensaban respecto a la pregunta anterior. El gran

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porcentaje respondió de manera afirmativa sobre el hecho, y respecto a por

qué les resultaba que sí es un hecho difícil, muchos afirmaron que sirve
como motivo para reflexionar, de auto superación, nuevos comienzos y
resurgimiento, que es una experiencia de vida que re fortalece a la persona
además de que deja una enseñanza y marca un antes y después en la vida;
otros opinan que luego de un tiempo de sufrimiento luego se supera como
todo proceso y que es un suceso fatídico que impacta en la vida de uno tras
la pérdida inesperada de un ser querido o cercano.

La cuarta pregunta que planteamos es ‘La tragedia ¿es un suceso del que
se puede aprender y reflexionar?’ (consultar anexo 6), por lo que la gran
mayoría respondió que sí, dando a entender, como también lo hicieron en
la pregunta anterior, que la tragedia es un proceso difícil pero del que se
puede re surgir, reflexionar y aprender.

La quinta interrogante que hicimos, preguntamos si ‘¿Considera que la

tragedia es un hecho triste y desolador?’(consultar anexo 7), donde casi
todos cuestionados respondieron y aseguraron la cuestión hecha, además
podemos reforzar esto con las respuestas del ‘¿por qué?’ de la pregunta
cinco donde varios contestaron que es un suceso y proceso fatídico que
tiende a impactar en la vida personal de alguien.

La sexta cuestión resultó ser un tanto capciosa al momento de

interpretación, la interrogante es ‘¿Usted cree que la tragedia es suceso
habitual?’ (consulte anexo 8); la mayoría sostienen de manera negativa,
pero no dejamos de lado a los que dijeron lo contrario. Los que marcaron
que no era un suceso habitual hacen referencia a que la tragedia es
repentina y no se espera, mientras que las personas que dijeron que sí es
un suceso habitual lo asociaron al transcurso de la vida misma y que es
necesario tener esas pérdidas que nos haga reflexionar y re fortalecer.

En la séptima indagación preguntamos si ‘¿Considera que la tragedia

puede ocurrir en cualquier momento?’ (consultar anexo 9), cuya pregunta

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fue afirmativa casi en su totalidad. Aquí no hay mucho que analizar ya que
como la palabra lo indica, gira en torno a la fatalidad, no sería tragedia si
la muerte o desgracia fuera esperada.

La última pregunta que hicimos está dirigida en un enfoque más personal,

dice ‘Según su experiencia y saberes ¿Qué es la tragedia?’(consulte anexo
10), agregamos tres respuestas: ‘parte de la vida’, ‘un acontecimiento
irreparable e irreversible’ y ‘un duelo profundo que empieza y no
termina’. Un poco más del 50% respondieron que la tragedia es parte de la
vida, el 35% respondió que era un acontecimiento irreparable e
irreversible y el resto que era un duelo.

Podemos a través de la encuesta decir que las personas ven y refieren a la tragedia
en sus propias vidas, no solo en los contextos teatrales y literarios, además de que estas
tragedias sirven para reflexionar, auto superarse, y como experiencia de vida que deja
una dolida marca emocional que puede o no superarse de acuerdo a la persona y el
impacto que le haya causado. A lo que respecta a las preguntas referidas a datos
concretos como lo son las dos primeras cuestiones, deducimos que la mayoría de los
encuestados no están en mucho contacto con conocimientos referidos a la literatura y el
teatro.

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Entrevista

Para tener datos más certeros, consultamos he hicimos una entrevista a un

profesional sobre este tema, por lo que nos contactamos con Omar Díaz quien es
pionero, maestro, escenógrafo, productor, director y dispuso de su tiempo para
explicarnos y respondernos algunas preguntas sobre la tragedia además de que nos
proveyó de material (anexos 11, 12, 13 y 14) para colaborar con la investigación.

Algunas de las preguntas que planteamos son:

¿Qué nos puede decir respecto a la tragedia, su origen y su historia?

¿Cómo fue evolucionando la tragedia a lo largo de los años y siglos?
¿Cómo es que se pueden diferenciar o distinguir los distintos tipos de tragedia?
¿En qué se diferencia la tragicomedia y la tragedia?
Tragedia y drama... ¿se relacionan, son lo mismo?
¿En qué se diferencian las tragedias en los distintos géneros artísticos? Como la
literatura, el teatro y la cinematografía.
Para finalizar, a través de investigaciones, muchos confirman que la mayor
tragedia es la de Edipo Rey. ¿Pero qué opina usted? ¿Cuál es su 'top' o ranking
de tragedias?

Al comienzo de la entrevista, Omar nos resalta que al momento de hablar de

tragedia y teatro, nos adentramos en el mundo Griego y que estos derivan de las
pasiones, sentimientos y de la existencia del hombre; que por estos motivos la tragedia
se expande en distintos campos de estudios como la sociología, la filosofía, la literatura
y en el uso cotidiano para referirnos a eventos fatídicos de la vida.

Nos explicó las formas de comunicación y del arte, por lo que surgió el teatro y
cómo nos vimos obligados a través de mímica junto con los gestos a representar hechos
inventados o reales que partieron de los relatos míticos que son ideas determinadas y los
ritos que son la manifestación de la idea a través de la puesta en escena con un actor (o
varios), un mensaje el cual dar y transmitir a un público que lo reciba.

Más adelante nos detalló que hay que ponernos en lugar de los griegos para
entender su historia, por lo que nos ubicamos en Athenas donde en el Olimpo se
encontraban los Dioses; luego en la Acrópolis los conventos y templos para adorar a

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teles Dioses, y más abajo la ciudad donde se encontraban todos los habitantes. Al
crearse la tragedia se toma este escenario de la realidad y hay una conjunción entre
Dioses, humanos y héroes que se destacaban entre hombres, que solían ser semidioses.

Omar hace hincapié en la definición de la palabra tragedia y nos dice que proviene
del término ‘tragoedia’, que es una canción, más bien alabanza, al macho cabrío que
representaba la masculinidad, hombre héroe y la llegada de la primavera con las fiestas
orgiásticas y dionisíacas para el Dios Dionicio, que simboliza de la alegría y el vino.
Estas fiestas servían como rito de iniciación sexual, por lo que los chicos se
‘disfrazaban’ de macho cabrío y las chicas de Afrodita (Venus) la diosa de la belleza;
los varones en cierto momento de la celebración debían perseguir y alcanzar a las
muchachas para comenzar con los actos sexuales.

Este añade que la palabra actor viene de agonista y hace referencia a agonizar, es
decir, a morir en escena.

Luego nos sigue explicando quiénes fueron los primeros filósofos, entre ellos
Aristóteles, Sófocles y Sócrates; el primero plantea que la tragedia es la imitación de
una acción elevada efectuada por personajes que se manejan con pasión y temor,
pasando por todas las emociones para terminar en la muerte, agregó que es la suma de
emociones y sentimientos que culminan en muerte.

Le consultamos sobre lo que opinaba respecto a la famosa y reconocida Tragedia

de Edipo Rey, por lo que nos respondió que no era ni es la mayor ni la menor, sino que
es un relato y obra más que pudo permanecer como una de las importantes; sumado a lo
dicho, a través de esta tragedia se le dio nombre a ciertos diagnósticos psicológicos
como el complejo de Edipo y el complejo de Electra.

Después de comentarnos sobre Edipo Rey, Omar argumentó sobre el anfiteatro,

lugar donde se llevaba adelante las puestas en escena de las obras teatrales, nos recalcó
los espacios y nombres de cada estructura, comenzando por la escene que viene de
escena y es el lugar donde se encontraban los actores, luego el coro que estaba
compuesto por actores que hablan o cantan y representan al pueblo, la voz más sabia
que nunca se equivoca; por último las gradas donde se ubicaba el público.

Respecto a las obras que se interpretaban en su momento en el teatro, nos dijo que

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había que tener en cuenta las Olimpíadas en Grecia donde se realizaban distintas
actividades deportivas para demostrar quién era mejor. Quienes ganaban obtenían el
mayor reconocimiento y mérito; entre las competencias se hallaba la de teatro y
composición de obras, por lo que la pieza triunfadora era interpretada durante mucho
tiempo hasta la próxima competencia.

Nos puntualizó los distintos tipos de tragedia que hay, empezando por la tragedia
clásica de Eurípides, Sófocles o Esquilo que hablaban con un lenguaje noble de
aristocracia y una vulgar de donde habla el pueblo; la tragedia mixta que abarca algunos
hechos cómicos pero no son tan marcados; la tragicomedia que generalmente empieza
en comedia y termina en tragedia pero que envuelve de igual manera ambos sucesos
durante el relato de la obra, además de que surgió en Roma y no en Grecia debido a la
invasión que hizo un imperio a otro; la tragedia de la venganza nacida del renacimiento
donde se destaca otras importantes obras de la tragedia que es Hamlet y Romeo y Julieta
de Shakespeare, en este tipo de tragedia el héroe se sacrifica voluntariamente; la
tragedia irónica que trataba los temas de manera burlesca y ridícula; y la tragedia
absurda que trata la verdad junto con una realidad dura que deja enseñanzas muy
filosófica, a través de la ridiculez se refleja la certeza.

A su vez confirmó que la tragedia está marcada por la fatalidad que es lo que no
podemos solucionar o prevenir y está marcado por el destino que no se puede modificar
y el dilema que es el no saber qué hacer ante ciertas situaciones. Estas interpretaciones
están marcadas por dejar una moral y enseñanza que se llama catarsis, que es toda
demostración de sentimientos.

Casi al final de la entrevista, Omar trajo material con el que él daba clases y
mostró cómo hacían para interpretar y llevar adelante las obras de teatro, los actores se
colocaban zapatos altos que se asemejaban a las botas y se llaman coturnos que servían
para elevarse y que las personas de las gradas pudieran verlos; también se colocaban
máscaras que en la zona de la boca contaban con un amplificador para la voz como una
corneta para poder hablarle directo al espectador; y el peplo que era una tela que vestían
tanto en los teatros como en la vida cotidiana y que podían utilizar de la manera que
quisieran.

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Conclusión

Para concluir este trabajo, podemos decir que aprendimos sobre un tema del cual
no teníamos conceptos tan adquiridos pero nos sirvió para ampliar nuestro conocimiento
tanto sobre sus orígenes, su historia, su interpretación y varios conceptos específicos
que ayudaron a mejorar el vocabulario y los usos de las diversas palabras y sus
significados. Las entrevistas ayudaron a aportar el conocimiento de la gente en algunos
aspectos y cómo la tragedia impacta en sus vidas de forma personal.

La entrevista con Omar Díaz aportó de manera significativa para dar comienzo
sobre lo que es y significa el teatro, además de que fue una experiencia muy didáctica
de aprendizaje junto con los ejemplos y la manera de explicar que tiene.

Podemos decir para finalizar que pudimos logar y cumplir con todos los objetivos
propuestos y que fue una experiencia de agrado y que podemos afirmar el impacto que
tiene la tragedia no solo a nivel teatral y literario, sino también en distintas ciencias y
campos de estudio, y en la vida de cada persona que pasa sus momentos de distinta
manera.

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Anexo

Anexo N°1 (aproximación de edad)

Anexo N°2 (género de los encuestados)

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Anexo N°3 (primera pregunta de la encuesta)

Anexo N°4 (segunda pregunta de la encuesta)

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Anexo N°5 (tercera pregunta de la encuesta)

Anexo N°6 (cuarta pregunta de la encuesta)

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Anexo N°7 (quinta pregunta de la encuesta)

Anexo N°8 (sexta pregunta de la encuesta)

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Anexo N°9 (séptima pregunta de la encuesta)

Anexo N°10 (octava pregunta de la encuesta)

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Anexo N° 11 (material hecho y entregado por Omar Díaz)

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Anexo N°12 (material hecho y entregado por Omar Díaz)

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Anexo N° 13(material hecho y entregado por Omar Díaz)

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Anexo N° 14 (material hecho y entregado por Omar Díaz)

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