HISTORIA E

CULTURA DA
ÉPOCA
MODERNA

Adaia Suárez Estrada

2020/2021
Tabla de Contidos:

1. Idade Moderna: Periodización e caracteres esenciais.

2. Desenvolvemento do estado moderno e as relacións internacionais.

3. Os marcos da vida económica e social no mundo moderno.

4. Estrutura e características do sistema de estratificación.

5. Os indicadores sociais. Imaxe, rituais, xustificación simbólica.

6. Cultura popular e das elites.

7. Os medios de difusión da cultura. Educación, libro e imprenta.

8. Humanismo e Renacemento cultural.

9. As reformas protestante e católica.

10. A cultura do Barroco. A Ilustración.

Bibliografía:

1. ATKINSON, J., Lutero y el nacimiento del protestantismo, Madrid, 1980

2. BELY, Les relations internationales en Europe, XVII-XVIII siècles, Paris, 1992.

3. BURKE, P., La cultura popular en la Europa Moderna, Madrid, 1991.

4. CHARTIER, R., Libros, lecturas y lectores en la Edad Moderna, Madrid, 1993.

5. EISENSTEIN, E., La revolución de la imprenta en la Edad Moderna, Madrid, 1994.

6. FLORISTÁN IMIZCOZ, A. (coord.), Historia Moderna Universal, Barcelona, 2015.

7. HINRICHS, E., Introducción a la Historia de la Edad Moderna, Barcelona, 2001.

8. TENENTI, A., La Edad Moderna: siglos XVI-XVIII, Barcelona, 2000.

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Tema 1. Edad Moderna. Periodización y caracteres esenciales.

1. Periodización.

1.1 La diversidad de los modelos de periodización.

1.2 El concepto de Historia Moderna: evolución y límites cronológicos.

1.3 Hitos que marcan el inicio y final de la Edad Moderna.

1.4 Etimología. Edad Moderna.

2. Caracteres básicos que define a la Historia Moderna.

2.1 Características a nivel secular. Tendencias coyunturales.

2.2 Características básicas de la Edad Moderna a nivel sectorial.

2.2.1 Las bases estructurales.

2.2.2 Sociedad.

2.2.3 Pensamiento, Cultura y Mentalidades.

1.1 La diversidad de los modelos de periodización.

A lo largo de la Historia ha habido varios modelos de periodización histórica. El modelo de

periodización histórica es la manera en la que los historiadores han dividido la Historia en varias
edades.

1. Modelo Eurocéntrico o Modelo Tradicional.

2. Modelo Marxista.

3. Modelo Arnold Toynbee.

De estos tres modelos el que está en vigencia es el Modelo Eurocéntrico. Se trata de un

modelo que tiene otras denominaciones como el cuatripartito o el pentapartito. El historiador
precursor de este modelo es Cristoph Jeller que en el siglo XVII empezó a usarlo. Lo hizo de
manera que, a través de su gusto por la música clásica y el intento por recuperar el remamiento y
esa labor, aborda la división del tiempo histórica en Edad Antigua, Edad Media, Edad Moderna
y Edad Contemporánea. Esto lo hace a través de un manual que escribe para sus estudiantes con
los conceptos de la historia antigua, media y nova; siendo la propulsora de lo que va a ser la
Historia Moderna.

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 El primer modelo divide la Historia en edades o periodos tomando como punto base una serie
de acontecimientos históricos que producen cambios sociales, políticos, económicos y
principalmente religiosos, siendo determinantes para Europa. Este modelo divide la historia en
Edad Antigua, Edad Media, Edad Moderna y Edad Contemporánea. Por lo tanto, siguiendo ese
modelo todos sabemos que la Historia se compartimenta en su estudio en la Historia Antigua que
va desde la invención de la escritura hasta la caída de Roma, la Edad Media que abarca desde el
año 476 hasta mediados del siglo XV, la Edad Moderna que empieza a mediados o finales del
siglo XV y termina en 1789 y la Edad Contemporánea que empieza con la Revolución Francesa
y continúa hasta la actualidad.

Otra alternativa a la división tradicional es la marxista que según esta periodización la Historia
se divide en modos de producción, los cuales pueden convivir en el tiempo y en distintas partes
del mundo; lo que permite una historia no eurocéntrica. Está pensando para un carácter más
universal, pero sigue teniendo más dinamismo el tradicional.

Otro modelo es la de Arnold Toynbee que considera que organiza la historia según las
distintas civilizaciones.

Por tanto, aunque no haya un acuerdo universal sobre la periodización de la Historia existe
un consenso académico sobre los periodos de la historia de la civilización occidental. Dividiendo
la Historia con Edades Antigua, Media, Moderna y Contemporánea, que en todo caso se trataría
de una división eurocéntrica.

Aunque hablamos de diferentes edades no hacemos referencia a cambios bruscos. Los

modelos de periodización incluso tienen términos intermedios y periodos de solapamiento o
tasación (aparición paulatina de las novedades o características mixtas).

1.2 El concepto de Historia Moderna: evolución y limites cronológicos.

La Edad Moderna transcurre entre mediados y finales del siglo XV y finales del siglo
XVIII. Aunque cuando hablamos a nivel secular hablamos de siglos XVI al XVIII.

1.3 Hitos que marcan el inicio y final de la Edad Moderna.

Los hitos que marcan el inicio de la Edad Moderna, es decir, el paso de la Edad Media a ésta
son:

1. En 1450 la invención de la imprenta como un hito cultural fundamental que supone uno
de los acontecimientos históricos más importantes de la humanidad. Haciendo que se
difunda la escultura. El saber escrito dejo de ser patrimonio de una elite y se extendió a
amplias capas de la población. La imprenta facilita la alfabetización y la enseñanza

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 incluso en la religión y en el arte como un mecanismo fundamental para la expresión de
este.

2. En 1453 la caída de Constantinopla que se elige como hecho histórico porque ante los
turcos otomanos supone la caída de dominio de occidente en el Mediterráneo por tanto el
surgimiento del Imperio Otomano emplea este hito como paso de la Edad Media a la Edad
Moderna.

3. En 1474 el inicio del reinado de los Reyes Católicos marca el momento de transición
entre la Edad Media y Moderna. Se centraliza el poder, inicio embrionario de lo después
vamos a concebir como Estado Moderno (la unidad de España).

4. En 1492 la toma del Reino Nazarí de Granada, la expulsión de los judíos, la publicación
de la gramática castellana de Nebrija (primera obra impresa que se dedica al estudio de
la gramática castellana) y el descubrimiento de América.

Los hitos que marcan el final de la Edad Moderna, es decir, el paso de la Edad Moderna a la
Edad Contemporánea es:

1. En 1789 la Revolución Francesa significó el tránsito de la sociedad estamental, heredada

del feudalismo, a la sociedad capitalista, basada en la economía de mercado. Abolir los
elementos propios del feudalismo y marcar el final definitivo del absolutismo, dio a la luz
el nuevo régimen de la burguesía y a las masas populares, más liberal y el modelo de
sociedad hace aparecer elementos nuevos como las ideas de igualdad entre todos los seres
humanos hasta la ley.

2. En 1775 la independencia de las trece colonias americanas de la metrópolis de Inglaterra

hace que cambien una serie de cuestiones. Las colonias británicas que se independizan de
la Gran Bretaña edificaron el sistema político liberal y democrático, alumbrando una
nueva nación, los Estados Unidos de América, incorporando las nuevas ideas
revolucionarias que propugnaron igualdad y libertad. (Inglaterra reconoce la
independencia en 1783 con la firma del Tratado de Versalles).

Otros historiadores nombran también como el hito la revolución industrial que cambia muchas
cuestiones a nivel económico y social. Esta contribuye al desarrollo y la consolidación del
sistema.

Para el caos de la historiografía española hay hitos específicos que nos hablan del principio y
el final de la Edad Moderna. Para el inicio se habla de 1474 y 1492 y como dato final en vez de
hablar de la Revolución Francesa hablamos de un hito local en 1808. Claramente se marcan dos
hitos fundamentales en España.

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 En 1808 tenemos la Guerra de la Independencia (1808-1814) con consecuencias militares y
políticas que trae consigo la crisis de la monarquía absoluta. Esto supone un momento delicado
para España a nivel económico. Estamos ante la crisis de la monarquía absoluta, la abdicación de
Carlos IV en favor de su hijo Fernando VII y ante las abdicaciones de Bayona por las que ambos
cedieron sus derechos a la Corona de Napoleón Bonaparte y este a su vez a su hermano Jose I, el
conocido como “Pepe Botella”.

En marzo de 1812 tenemos la promulgación de la Constitución de Cádiz que supone nuevos

principios políticos, nuevo régimen (los liberales suben al poder), hay nuevos poderes y lo que
antiguamente se conocía como el Antiguo Régimen deja paso a un sistema liberal.

La Edad Moderna ni empezó, ni terminó de repente en ninguna de las fechas que hemos
mencionado (ni en 1453 con la toma de Constantinopla por los turco y la desaparición del último
vestigio del Imperio romano de Oriente, ni en 1492 cuando con el descubrimiento de América se
ampliaron los horizontes geográficos de los europeos), sino que como en todas las épocas
históricas, la Edad Media no murió bruscamente para dejar paso a la Edad Moderna sino que dejó
unas instituciones y muchos elementos vivos en la mentalidad, básicamente, observamos
elementos de continuidad.

1.3 Etimología. Edad Moderna.

¿De dónde surge el termino Edad Moderna? Una serie de transformación de renovaciones
en los últimos decenios del siglo XV llenan a los eruditos del siglo XVII a inventar este término.
Pues dichas transformaciones daban la idea del nacimiento de “tiempos nuevos” o “tiempos
modernos”. Se denomina Antiguo Régimen al conjunto de costumbres e instituciones políticas y
económicas existentes en Francia y en Europa a finales del siglo XVIII.

Ahora aumenta la producción agrícola, apuesta en cultivos de nuevas zonas que habían
sido abandonadas, hay también una reconstrucción de cultivos con mayor tipo de diversidad y un
aumento de la producción agrícola. Por tanto, a nivel político hay recuperación económica y cierta
paz.

Otra transformación que llevan a cabo los eruditos es que después de la famosa crisis de
la peste negra hay una recuperación demográfica después de tantos fallecimientos. En el ámbito
artesanal se recupera el artesanado y los intercambios comerciales y hay un incremento de
descubrimientos geográficos por parte de marineros portugueses y españoles. En el ámbito
político hay una serie de mutaciones, un control de los cuerpos sociales, el núcleo urbano, las
iglesias, mayor representación del poder y además empiezan a surgir ejércitos de manera más
permanente, sistemas de Hacienda, estructuras financieras y una administración más centralizada.

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 Muchos hablan de la Edad Moderna como una etapa más abierta y luminosa con respecto
a la Edad Media.

En el ámbito social, la sociedad sigue siendo estamental por lo tanto van a cambiar cosas
con respecto a la Edad Media pero también va a haber continuidad. La sociedad en gran medida
va a conocer mejoras en la alfabetización, pero aun así sigue siendo analfabeta (como continuidad
que viene de atrás) al igual que en al ámbito de la religiosidad, esta sociedad esta hundida de
religión. Tenemos una división interna entre dos periodos: alta edad moderna (desde mediado del
XV hasta mediados del XVII 1759) y la baja edad media entre mediados del XVII y mediados
del XVIII.

El hito político que marca el punto de inflexión entre ambos periodos fue un hecho
histórico como es la Guerra de los 30 años (redefine las relaciones políticas y marca la aparición
de nuevas potencias) y en el ámbito cultural la Revolución Científica del siglo XVII.

2. Caracteres básicos que definen a la Edad Moderna.

2.1 Características a nivel secular. Tendencias coyunturales.

El periodo que va desde mediados o finales del siglo XV y XVI globalmente se caracteriza
por una serie de aspectos resumidos en recuperación, expansión y renovación, por lo que va a ser
una época en líneas generales, bastante positiva.

A este periodo le sigue otro como es el siglo XVII que se diferencia del anterior en que
en la historiografía se define con crisis en todos los aspectos (a nivel demográfico, económico…).
Para algunos historiadores supuso un estancamiento mientras que para otros fue una reactivación.
Se habla de crisis por una serie de síntomas que se observan en la trayectoria de la demografía de
la población, hay una tendencia a la caída de la población, caída de la producción agrícola e
industrial, caída de las remesas de los metales preciosos, también tenemos un incremento de los
precios y a la vez hay un incremento notable de los conflictos políticos y bélicos. Sin embargo,
hoy parece claro que la crisis económica, política y social del siglo XVII no debe generalizarse,
ya que no toda Europa sufrió las mismas dificultades. En general se puede decir que la crisis
golpeó duramente al mundo mediterráneo mientras que el nórdico se saldó de una serie de
transformaciones económicas.

El tercer siglo que conforma la Edad Moderna, como es el siglo XVIII, se define como
un siglo de expansión y revolución. Los cambios experimentados en el siglo XVII se aceleraron
en este. Un aspecto revolucionario de este siglo es la famosa revolución agraria inglesa posterior
a 1749, conocida a nivel cultural fue revolucionaria la Ilustración, en el ámbito económico La
Revolución Industrial y en el ámbito política las revoluciones políticas de las trece colonias
americanas y de Francia. Todos estos son ejemplos claros de estas transformaciones.

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 A este siglo se le denomina el siglo de la libertad, de las luces (da luz en el ámbito de
tinieblas que se movía Europa y el mundo en general), el siglo del avance científico, del desarrollo
económico y de un esplendor demográfico en Europa. Se trato de una conjunción de fenómenos
que destacan frente al crítico y estancado siglo XVII.

Sin embargo, la historiografía actual ha contribuido a ir matizando ese carácter

revolucionando o novedoso, excesivamente resaltado del siglo XVIII.

Así por ejemplo aspectos como en el régimen demográfico antiguo que se sigue
manteniendo, o la estructura social, económico y político que presentan, salvo contadas
excepciones, grandes continuidades. Además, muchas de las reformas no llegarán a consolidarse
o quedarán en simples proyectos, aunque ambiciosos y novedosos. En todo caso, a pesar de todo
y las revisiones historiográficas, sin duda el siglo XVIII es rico en transformaciones.

2.2 Características básicas de la Edad Moderna a nivel sectorial.

1. En el sector poblacional a lo largo de la Edad Moderna desde la segunda mitad del siglo
XV y del XVI hasta el siglo XVIII, se observan subidas y bajadas, pero en general durante
toda la Edad Moderna la población europea crece de forma importante de alrededor de
89 millones de habitantes a principios del siglo XVI y se llega a 200 millones alrededor
del siglo XVIII por lo que hay un crecimiento demográfico. Otra característica que define
a la población es que, a pesar de ser mayoritariamente mundial, cada vez vive más gente
en la ciudad porque hay un aumento de la tasa de urbanización. Otra característica básica
es que se mantiene el modelo demográfico antiguo o del Antiguo Régimen que se
caracteriza por una muy elevada mortalidad, fecundidad y natalidad. Esa elevada
mortalidad hace que en la época sobre todo por la incidencia de enfermedades epidémicas
como la peste es corriente que en la época el ser humano convivía muy a diario con la
muerte y esto hace que en el arte las alegorías que muestran el triunfo del humano sobre
la muerte son muy frecuentes. El desengaño y la brevedad de la vida son los conceptos
clave que en el siglo del barroco se definan como un conjunto de falsa ilusiones que acaba
con la muerte.

2. En el sector económico hay una serie de cambios, una revolución muy lenta hasta en las
formas capitalistas o de la economía de mercado. Esto se inicia con una serie de
descubrimientos y de grandes relaciones mercantiles que van a ser muy importantes y
hacer que entre otras cosas esas relaciones transoceánicas enriquezcan la mercancía
mercantil que con esas grandes fortunas va a ser un gran consumista de lujos y va a
constituir grandes mecenas de arte, a atesorar, a comerciar, a tener en su casa grandes
obras de arte… Debido al desarrollo industrial y comercial en los Países Bajos y
Centroeuropa en los siglos XVI y sobre todo en el XVII, floreció notablemente el

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 mercado artístico centrado principalmente en el ámbito holandés (Amberes y
Ámsterdam) y alemán (Núremberg y Augsburgo).

3. En el ámbito político hay una transición hacia los denominados Estados Modernos
(naciones) y durante este periodo se van a ir desarrollando conceptos como el de Estado
o Nación. Otra característica es el reforzamiento del poder monárquico y hay una
tendencia al absolutismo. Esta configuración de las monarquías autoritarias va a ser las
denominadas cortes que cobran relevancia. La corte va a ser un elemento muy importante
porque favorece el mecenazgo artístico como una forma de plasmar las magnificencias
de sus reinos y un instrumento propagandístico que da fe a la grandiosidad del monarca.
Un ejemplo paradigmático es la construcción de Versalles por Luis XIV. A medida que
se van consolidando los Estados Modernos, las relaciones internacionales van siendo más
complicadas.

4. En el ámbito social hay una continuidad muy estamental, rígida y jerárquica con grandes
diferencias entre los estamentos, aunque también hay mutaciones, va a haber una
intensificación de los procesos de movilidad social y se van a producir procesos de
polarización social.

Ilustración 1. El juramento del juego de la pelota (J. David, 1789).

5. En el ámbito cultural aparecen nuevos elementos como la razón que van a ser
fundamentales; en el ámbito cultural es importante la invención de la imprenta y la
difusión de la cultura. Hubo una revolución espiritual basada en el humanismo y el
renacimiento. El clima de intenso debate y con convulsión religiosa que deriva en la

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 Reforme protestante y en la Contrarreforma. Otro aspecto en el ámbito cultural es el
nacimiento de la ciencia moderna que plantea elementos de revolución porque presenta
nuevas ideas que chocan con las que regían gasta el momento en ámbitos variados. Por
lo tanto, viejas ideas se van rompiendo y surgen nuevas ideas como el cosmos... Para el
siglo XVII en el ámbito de las ideas El Barroco y la Ilustración constituyen la definición
cultural de los siglos XVII y XVIII. Ambos movimientos culturales tuvieron gran
influencia en aspectos económicos, políticos...

Con la Revolución francesa, en 1789 se llega a la crisis del Antiguo Régimen en Europa y
toda la serie de valores tradicionales que éste conllevaba. La imposición de los postulados
racionalistas y liberales que acompañan a la revolución, llevarán a la quiebra de las instituciones
tradicionales, es decir, el Antiguo Régimen, abriendo paso a una nueva etapa decisiva para la
configuración de lo que será lo que comúnmente conocemos como la Edad Contemporánea.

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Tema 2. Desarrollo del Estado Moderno y de las Relaciones Internacionales.

1. Las monarquías nacionales y el reforzamiento del poder monárquico.

1.1. Precedentes.

1.2. Afirmación de los Estados: proceso de transición.

1.3. Las estructuras y los órganos de gobierno. Los medios de acción.

2. El triunfo del absolutismo regio.

2.1. De las monarquías autoritarias a las monarquías absolutas.

2.2. Del absolutismo al Despotismo Ilustrado.

3. Las Relaciones Internacionales.

3.1. Siglo XVI: La política Imperial de Carlos V.

3.2. Siglo XVII: La redefinición de las Relaciones Internacionales.

3.3. Siglo XVIII: La emergencia de nuevas potencias en Europa.

Desde finales de la Edad Media surgen nuevos modos de tipo cultural y político y la
historiografía del siglo XIX por lo que se acuña el término de Estado Moderno, identificándolo
como un nuevo nacimiento de Estado. De todas formas, no toda la historiografía está de acuerdo
con este término, pues, en el siglo XVII las monarquías se caracterizaban en buena medida por
grandes continuidades con respecto a la Edad Media. Para varios especialistas, el término no es
apropiado para calificar el sistema político de los siglos, sino que es más apropiado utilizar el
término: monarquías. La formación de los estados nacionales europeos modernos (excepto
Inglaterra y Holanda) hizo comenzar la Revolución Francesa.

La nación era la propiedad del soberano reinante, por eso para muchos es más adecuado
hablar de monarquías autoritarias, más que de un estado. En todo caso, el termino de estado
moderno se utiliza como concepto rápido de ese nuevo estado naciente entre el XVI y XVIII. En
el transcurso de la Edad Moderna tuvieron lugar importantes cambios en su ordenamiento
político. Uno de los fenómenos más destacados fue la configuración de las monarquías nacionales
o tal, y como determinan algunos autores el surgimiento del denominado Estado Moderno: un
territorio con fronteras determinadas, un gobierno común y un sentimiento de identificación
cultural y nacional de sus habitantes, es decir, sentirse participe de esa nación o de ese estado

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moderno. De todas formas, todo este proceso es lento en el que cada vez los monarcas tratan de
hacerse con el poder quitándoselo a otros sectores privilegiados de la sociedad.

1. Las monarquías nacionales y el reforzamiento del poder monárquico.

El periodo moderno es muy importante porque pone las pautas que van a caracterizar a la
Europa posterior. Es un momento en el que se van gestando esas economías nacionales y el primer
paso es tratar de separarse de los poderes que hasta ahora controlaban Europa.

Los precedentes de ese proceso son la separación de los grandes poderes, las monarquías
nacionales se desligan de los poderes universalistas medieval como el papa y el emperador.

En segundo lugar, en el medievo, el gran poder era el imperial en el que el emperador es

el legítimo sucesor de los emperadores romanos de occidente por lo que seguían esa idea de que
los emperadores eran delegados divinos simbolizando la coronación por parte del papa, eran
representantes de este y de Cristo en la Tierra.

A finales del siglo XIII se inicia la decadencia de ambos poderes que ya antes habían
tenido graves enfrentamientos entre ellos.

1.1 Precedentes.

Las monarquías nacionales se desligan de los poderes universalistas medievales: el papa y el

emperador. El poder papal tenía el monopolio de la interpretación de la Biblia con fines religiosos
y políticos.

Tenía superioridad sobre el poder imperial: coronación del emperador.

1.2 Afinación de los Estados: proceso de transición.

Desde finales del siglo XV hay un esfuerzo de los que detentan el poder por reforzar la
autoridad:

1. Vencer las resistencias y obstáculos que se encuentran ejército, es decir, disminuir el poder
de la nobleza. Debido a su riqueza en las tierras, en fortuna y en clientelas de leales que les
sirven resulta ser peligrosa por lo que hay que debilitarla a través de diferentes vías.

 La primera vía es muy violenta, se trató de luchar contra las familias nobles
aprovechando rebeliones y complots.

 La segunda vía es más pacifica, tal y como es la política de alianzas matrimoniales

mediante bodas que permite la unión de feudos importantes.

2. Dar al Estado las bases y los medios para sus nuevos destinos. Los monarcas intentan
aumentar su autonomía y libertad de acción para lo que se valen diversos instrumentos. Hay

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 que conseguir la unificación territorial, desarrollar órganos centralizados de gobierno y de
justicia, fortalecer los instrumentos de política exterior para defenderse de naciones
emergentes vecinos y para conseguir esto qué duda cabe que una naciente monarquía tiene
que tener un sistema fiscal nacional y una hacienda potente.

3. Limitar los órganos representativos del poder (parlamentos, cortes…) sin suprimirlos de
golpe, por el procedimiento de convocarlos con menos frecuencia. Esto ocurre en la España,
Francia o Inglaterra durante el siglo XV.

4. Controlar mejor los cuerpos sociales por medio de las amenazas, la persuasión o les compran
a través de las ventajas materiales y sobornos.

5. Se limitan los derechos señoriales de la nobleza y se crea una nueva nobleza por voluntad de
los soberanos, de servidores fieles que estén en la corte entretenidos y no causen problemas,
sacarlos de sus feudos y llevarlos a terreno controlado. Asimismo, los monarcas para controlar
el clero aprovechando el momento de crisis, intervienen crecientemente en las elecciones de
obispos, abades, ignorando los derechos del Papado.

6. Controlar las ciudades, la cabeza se los ayuntamientos… (de esta forma obtenían adeptos).
Se incrementa la intervención en las ciudades limitando la autonomía municipal.

Por lo que respecta a la unificación territorial, los monarcas lo consiguen o a través de formas
violenta (conflictos bélicos) o con uniones matrimoniales casando a familiares del monarca.

El segundo aspecto para tener un reino potente hay que crear órganos necesarios de justicia y
crear una burocracia administrativa e independiente de funcionarios que este
profesionalizada. Por lo que crece el número de funcionarios que es la que se va a encargar
de controlar los aspectos económicos, judiciales, sociales…. Hay una jerarquía dentro de los
casos, los que están más próximos al rey están desarrollados por gente principal, poderosos,
nobles, aristócratas… pero poco a poco otros sectores sociales de la sociedad como la
burguesía mercantil o financiera asciende y no solo los nobles van a tener acceso a estos
cargos administrativos.

En tercer lugar, pata fortalecer la monarquía hay que tener un ejército y una diplomacia que
garanticen que ese estado va a mantenerse de la violencia de otros vecinos. Se crean ejércitos
permanentes que consigan llevar adelante la expansión territorial de sus dominios y al mismo
tiempo defender el propio territorio de los ataques extranjeros. Ello condicionó la necesidad de
recurrir a una nueva forma de ejército Un ejército profesional compuesto por extranjeros
(mercenarios) que cobraban por sus servicios. El ejercito feudal es tradicional y moviliza a los
vasallos y súbditos, por medio de bandos que era insuficiente para las nuevas necesidades. La
guerra se convirtió en un oficio especializado que quería reclutar soldados de forma permanente.

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Poco a poco los ascensos dentro del ejército se fueron asociando más a los méritos profesionales
que al origen social de los individuos. Tecnológicamente, la evolución más importante del ejercito
fue el desarrollo de la artillería.

Para mantener el reino fuerte hay que establecer una diplomacia permanente. Como cada
estado moderno pretendía delimitar su territorio, cada vez fueron más frecuente los conflictos
entre ellos. Por esto, evitando las guerras cuando fuera posible, los reyes y príncipes tendieron al
establecimiento de una diplomacia permanente que se organizó en cancillerías, que contaban con
sedes fijas al lado de los monarcas.

Ilustración 2. Firma de Tratado de Münster. Paz de Westfalia (1646-1648).

Dentro de esa diplomacia permanente hubo dos figuras representativas:

1. Cónsules: representantes de los intereses de un grupo de determinada nacionalidad residente

en el extranjero.

2. Embajadores: representaban a su país y a su rey y se encargaban de mantener las relaciones

diplomáticas.

La diplomacia sirvió como conducto de información, instrumento de negociación y como una

pieza básica para el planteamiento y ejecución de las empresas bélicas. Los embajadores incluso
actuaron como mediados para la adquisición de colecciones de Arte de los monarcas. Un objetivo
importante de la diplomacia fue la obtención de territorios por medio de alianzas matrimoniales
entre reyes de diferentes países. Las uniones matrimoniales fueron las formas más pacificas de
expansión territorial, eran menos costosas que las guerras, pero también eran más seguras.

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 Junto a la diplomacia, algunas monarquías europeas desarrollaron una especie de diplomacia
secreta compuesta por un conjunto de agentes, espías, corresponsales y confidentes.

Además del ejército y la diplomacia, es necesario el desarrollo de la hacienda y de la fiscalidad

para poder hacer frente a los crecientes gastos de esta política regia. En la tradición medieval, el
soberano debía vivir de la renta de los derechos señoriales y feudales y de los beneficios de sus
posesiones (bosques y tierras). Las nuevas ambiciones de Estado requieren más ingresos y que
sean regulares: impuestos sobre las personas y los bienes (tasas, gabelas, impuestos, etc.).

Se establecen así impuestos regulares y obligatorios. Se generalizo un impuesto que debían

pagar todas las personas por ser habitantes del país y varios impuestos sobre las transacciones
comerciales que debían pagar los burgueses y los campesinos. Estos últimos frecuentemente
fueron recaudados por la fuerza. En cambio, los nobles, aunque pertenecían al país, en la práctica
no pagaban el impuesto directo.

1.3 Las estructuras y los órganos de gobierno. Los medios de acción.

Con el proceso de afirmación del poder monárquico se desarrollaron una serie de órganos e
instrumentos de gobierno. Entre los principales elementos del sistema político en el Estado
Moderno, cabe destacar:

1. La Corte no nace de repente sino por un proceso de transición tiene su origen en la casa real
medieval. Es el escenario de exhibición del poder real e imagen de la realiza, así como el
centro del poder monárquico. Tiene varias funciones: es un elemento primordial de contacto
entre la corona, la monarquía y las elites políticas que van a vivir en esa corte, la alta nobleza
y la aristocracia. Por lo tanto, la corte sería el ámbito de la vida cotidiana del rey, ordenando
en ocasiones magnificas construcciones para su uso y disfrute como ocurre en el caso de
España con el Escorial, o en el francés como en el Palacio de Versalles. Dichos palacios
cobran un significado muy relevante en el contexto de formación y evolución de organización
política de la Monarquía. En España, Carlos V ya había iniciado obras relevantes en varios
palacios: se crea el palacio que lleva su nombre en la Alhambra y reforma El Pardo y la
Alcázar de Sevilla. Por otro lado, Felipe II manda a edificar El Escorial, compra y manda a
iniciar las obras del Real Sitio de la Casa de Campo y de otros palacetes y fincas de recreo.
Reforma varias edificaciones ya existentes, convirtiéndolas en verdaderos palacios
renacentistas, como el de Aranjuez, Alcázar de Toledo o el propio Alcázar de Madrid y
continua las obras de El Pardo. Desde la Corte, los monarcas no solo articularon políticamente
sus reinos, sino que también tiene importancia a nivel de la vida cotidiana, llevaron a cabo un
proceso de transformación de valores y modo de vida que asimilaron los grupos dominantes
en Europa. Por lo tanto, una corte podía estar formado por miles de personas al servicio de
un señor, habiendo entre ellos una jerarquía desde los nobles hasta quienes desempeñaban los

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 oficios necesarios para el mantenimiento de ese mundo. Y el mayor o menor acceso a la
persona del soberano marcaba muchas diferencias entre unos y otros. En 1577 había
fácilmente 8.000 personas vinculadas a la corte de Francia. Cuando Felipe II traslada la corte
de Toledo a Madrid en 1561 (hasta ese momento, la corte imperial fue siempre itinerante),
25.000 personas se mudan con él. En 682, Luis XIV traslada la corte a Versalles. Estaba
formada por 20.000 personas, además de 9.000 soldados acuartelados en la villa de Versalles.
Vivían en el Palacio 1.000 cortesanos y 4.000 sirvientes. Las cortes son el epicentro de un
gran consumo de arte. Las cortes europeas en su afán de ensalzar la figura de los monarcas a
través de manifestaciones culturales se convierten en importantes mecenas de las artes y las
letras. Fomentando la arquitectura, la escultura, la pintura y otras artes plásticas como el
dibujo, los grabados y las estampas.

2. Los Consejos: órganos administrativos y de asesoramiento para el monarca. Son órganos

consultivos competentes en las diferentes parcelas del gobierno, nunca tuvieron atribuciones
ejecutivas. Antes del establecimiento del absolutismo, el poder del rey derivaba en varios
consejos sin estar todo el poder concentrado en una sola persona. Existía un Consejo principal
encargado de las decisiones políticas, pero también otros consejos que se ocupaban de
cuestiones jurídico-administrativas, financieras, militares, religiosas, económicas, etc. La
estructura de gobierno de la Monarquía Hispánica durante la Edad Moderna (siglos del XVII
a XIX) se define como polisinodial, es decir, utiliza varios Consejos, es un sistema organizado
en torno a múltiples Consejos como en el reinado de Felipe II que contaba con 14 consejos.
En España los consejos se estructuraron en dos grandes bloques:

2.1 Los Consejos territoriales: de Aragón, Navarra, Italia y Flandes, que representaban la
estructura institucional y constituciones de diversos reinos.

2.2 Los Consejos temáticos o de materia como el de Hacienda, de Estado, Ordenes Militares
y el de Inquisición.

El consejo de Castilla era la columna vertebral: se encargaba del gobierno interior de los
reinos de la Corona de Catilla. La enorme complejidad de este sistema de gobierno potenció
la figura de los secretarios (funcionarios encargados de enlazar los consejos con la figura del
rey). Estos acabaron por convertirse en piezas fundamentales del engranaje institucional. Mas
adelante se crea la figura de otro representante que va a estar al lado del monarca que es el
que se considera como el valido que tuvieron tanto poder como los propios monarcas en el
momento como el Conde Duque de Olivares y de Duque de Lerma que eran como unos
ministros únicos con poderes inmensos.

3. Asamblea de Estados: Institución que sirve para prestar consejo de ayudas a los monarcas
en ocasiones puntuales cuando es necesario por ejemplo para crear una ley, para crear un

16
 nuevo impuesto, una guerra… La Asamblea de los estados no se reunía de forma continua
sino cuando los príncipes lo convocaban con el fin de tratar asuntos trascendentales. En el
caso de Francia se denominan Estados Generales o en Inglaterra que se denomina Parlamento.

2. El triunfo del absolutismo regio.

De las monarquías autoritarias a las monarquías absolutas. Antes del siglo XVIII en Europa
existían varias monarquías autoritarias. Su evolución daría lugar a la monarquía absoluta. Hasta
mediados del siglo XVII, el poder de monarca estaba compartido con los estamentos
privilegiados. Tal como ocurre en:

- Corona de Castilla e Inglaterra: el rey compartía su poder con las Cortes bien con el
Parlamento.

- Países Eslavos y Escandinavos: corona electiva, que seguía orden dinástico. Los reyes
estaban obligados a firmar un documento que lo limitaba legalmente.

El término absolutismo viene del latín “a legibus solutus”, significa, libre de ataduras legales.
Precisamente se trata de un Régimen político en el que el soberano, ejerce el poder con carácter
absoluto, sin límites jurídicos ni de ninguna otra naturaleza.

El absolutismo se caracteriza por la concentración de `poderes en el Rey, quien tiene un poder

divino, tanto en su origen como en su ejercicio. Aunque el absolutismo prospera por toda Europa
el modelo más paradigmático de absolutismo regio que fue el francés, protagonizado por el Rey
Luis XIV (1643-1715).

¿Cómo empieza el proceso del absolutismo? En marzo del 1661, Luis XIV, a la edad de 22
años, tras la muerte de su primer Ministro Mazarino, decide gobernar por sí mismo, de forma
absoluta “El Estado soy yo”. Frase probablemente falsamente atribuida a Luis XIV, pero lo
importante es que sintetiza bien el espíritu de gobierno personal y autoritario.

- Durante los primeros cincuenta y cuatro años gobierna Francia de forma personal,
estableciéndose a sí mismo como modelo del monarca absolutista que gobernaba por
derecho divino.

- Los ministros pasaron a ser funcionarios adictos y obedientes.

- La nobleza quedó excluida de los asuntos de gobierno.

- Los Parlamentos se suspendieron casi por completo desde 1673.

Las monarquías absolutistas tienen gran importancia en el desarrollo del arte, que se utiliza
a modo de propaganda. Los estados monárquicos, especialmente los absolutistas, favorecieron el
arte como una forma de plasmar la magnificencia de sus reinos, un instrumento propagandístico

17
que daba fe de la grandiosidad del monarca. Además de la construcción de grandes obras de la
arquitectura que dejarán constancia de su poder. Cabe destacar:

- El auge del coleccionismo, que conllevaba la circulación de artistas y obras de arte por
todo el continente europeo, condujo de alza del mercado artístico.

Las monarquías europeas además del coleccionismo de obras de arte también fomentan:

- La proliferación de las academias de arte como instituciones encargadas de preservar el

arte como un fenómeno cultural, de reglamentar su estudio y su conservación y de
promocionarlo mediante exposiciones y concursos. Como es la Academia Royale d`Art
fundada en Paris en 1648 y la Akademie der Künste de Berlín (1696).

Con el auge del coleccionismo podemos hacer referencia al Emperador Rodolfo II de

Habsburgo (1575-1612). Fue un Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico y es un
Mecenas de las Artes que atesoró gran cantidad de obras maestras de las diferentes escuelas
pictóricas (Tiziano, Durero, Brueghel, Antonio Moro, Tintoretto o Lucas Cranach, entre otros. Al
mismo tiempo, gustó de patrocinar a artistas para que trabajaran en su corte, siendo el caso más
notable el del famoso Giuseppe Arcimboldo, milanés que
creó para el emperador retratos llenos de imaginación en
los que los rasgos se componían a base de la unión de
flores y frutos.

Este Emperador no sólo coleccionaba obras de arte

sino también objetos considerados mágicos, amuletos,
piedras, fósiles… Era un Emperador extravagante. Llama
la atención su pasión por los objetos extraños, los cuales
atesoraba en su Gabinete de las Artes y las Maravillas.

A Rodolfo le gustaba tanto el arte y la ciencia que

desatendió el gobierno. Protegió las ciencias tanto
experimentales (astronomía, botánica o matemáticas)
como especulativas (alquimia, astrología o magia).
Ilustración 3. Retrato de Rodolfo II.
Convirtió a Praga en el centro universal del conocimiento,
las ciencias, las artes y la magia. Praga se convirtió en el centro científico, cultura y místico de
Europa y hasta allí llegaban grandes sabios, químicos, astrólogos, astrónomos y artistas.
Abandonó por completo los asuntos de gobierno, desoía los consejos de sus ministros y se negaba
a recibir a los embajadores extranjeros.

Otro de los monarcas en el caso inglés es Carlos I que atesora una de las principales
colecciones de arte de pintura de la época. Poco después de subir al trono en 1625 hizo su

18
adquisición más importante, una porción considerable de la colección de los Gonzaga, duques de
Mantua, que era ricas en obras de Mantegna, Tiziano y Correggio. Además, nobles ingleses y
dignitarios extranjeros deseosos de ganarse a su favor le obsequiaron con pinturas.

Carlos I fue también un mecenas eminente que protegió a Pedro Pablo Rubens, huésped
de la corte inglesa en 1629, y a Antonio van Dyck, nombrándolo pintor de corte en 1632.

El 19 de enero de 1649, Carlos I muere ejecutado por los parlamentarios, quienes

decidieron vender su colección para liquidar las deudas de la Corona. La llamada Almoneda de
la Commonwealth (1649-1654), sacó al mercado más de mil quinientas pinturas de la colección
real, así como importantes tapices,
esculturas, objetos de adorno, etc.

De las pinturas más famosas, muchas

fueron adquiridas por el embajador
español Alonso de Cárdenas para don
Luis de Haro, marqués de Carpio y
ministro principal de Felipe IV. Haro a su
vez obsequió al rey con las mejores, que
acabaron pasando por el Museo del Prado.
Entre ellas destacan:

El tránsito de la Virgen de Andrea

Mantegna (1461) y la Sagrada Familia,
denominada la perla de Rafael (1518).

El tercer ejemplo de monarca absoluto

que también era mecenas del arte, en el
Ilustración 4. Carlos I de Inglaterra por Van Dyck.
caso español es Felipe IV que fue un
hombre de gran cultura y mecenas de las artes. La suya fue la mayor colección de pintura que
hubo en Europa en su tiempo. El Rey reunió de forma masiva cuadros para la decoración de los
nuevos palacios de la Corona (Buen Retiro, La Zarzuela y de la Torre de la Parada). Mediante
encargos directos, compras y regalos, el monarca coleccionó centenares de cuadros, la mayoría
expuestos o guardados en la actualidad en el Museo del Prado.

Entre los artistas de los que incorporó obras a la Colección Real figuran Rubens, el pintor
más prestigioso de Europa en su época, del que reunió la mejor y más extensa colección que haya
existido, Rafael, Mantegna, Durero, pintores venecianos como Tiziano, Veronese y Tintoretto,
múltiples pintores barrocos españoles, flamencos, italianos y franceses (Ribera, Zurbarán, Van
Dyck, Reni, Annibale, Barocci, Lanfranco, Pussin, Claudio de Lorena…).

19
 En 1627 crea el Palacio de la Zarzuela para servir de pabellón de caza y para estar
tranquilo. Ubicado en las proximidades de la capital de Madrid y en ella destacan pinturas de
Simón López. Por otro lado, en 1632 se decidió a construir un gran palacio que sirviera de lugar
de descanso y entretenimiento regio, el Palacio del Buen Retiro. Aquí, se reunió una galería de la
época, en donde primaban las obras de temática de paisajes y bodegones, acordes con la condición
de villa suburbana de placer que tenía el palacio. Constituía una visión de las distintas tendencias
pictóricas italianas, flamencas y españolas de la década de 1630.

A través de compras, encargos y donaciones de distintos miembros de su familia, el

Conde-Duque de Olivares consiguió reunir entre 1633 y 1640 alrededor de ochocientas pinturas
para decorar el Palacio del Buen Retiro. No sólo compra pintura sino que también compro
escultura. Respecto a estas destacó el encargo realizado a Pietro Tacca del Retrato ecuestre de
Felipe IV (Plaza de Oriente, Madrid), que fue instalado en el jardín de la reina en 1643.

A través de las adquisiciones realizadas a miembros de la corte, ingresaron en el Palacio

del Buen Retiro, La Fragua de Vulcano (Museo del Prado) y La túnica de José (Monasterio de
San Lorenzo de El Escorial), de
Velázquez y las pinturas de Ticio
e Ixión, de José de Ribera (ambas
en el Museo del Prado).

Asimismo, también
contamos con Ticio, de Ribera
(1632). Este era hijo de Júpiter y
aparece encadenado a la roca
mientras una águila devora
eternamente sus entrañas. El
gigante fue castigado por intentar
seducir a una de las amantes de
Ilustración 5.. Ticio, por José de Ribera.
su progenitor.

Por otro lado, Ixión de José de Ribera muestra un progenitor de la raza de los centauros,
Ixión que intentó suplantar a Júpiter en el hecho de Juno, por lo que fue eternamente atado a una
rueda para expiar sus desmanes. Lectura política: Carácter ejemplarizante para aquellos que tenían
intención de igualarse o engañar a dioses o reyes.

¿Qué pretende Felipe IV con colgar estas pinturas? Pretende que el que la observe saque
una moraleja y es que estos condenados están así por atentar engañar a su progenitor. En
definitiva, aquella persona que trate de igualarse a los dioses o en este caso al rey será puramente
condenado, tal y como muestra José de Ribera en sus obras.

20
 A estas adquisiciones se le sumaron las compras
y encargos realizados en el extranjero. En la reunión de
estas colecciones jugaron un papel muy destacado
personajes como el marqués de Castel Rodrigo o el conde
de Monterrey, que se encontraban en Italia y en Flandes
desempeñando misiones diplomáticas o militares al
servicio de la corona.

En Roma, Manuel de Moura, marqués de Castel

Rodrigo, encargó dos series de paisajes con escenas del
mundo pastoril y de anacoretas en las que participaron
Claudio de Lorena, Nicolás Poussin y otros pintores (Jan
Both, Gaspard Dughet, Jean Lemaire y Jcques d’Arthois).

Ilustración 6. Paisaje con entierro de Santa

En Nápoles, Manuel de Acevedo, conde de Serapia de Claudio de Lorena.
Monterrey, y Ramiro Núñez de Guzmán, duque de Medina
de las Torres, contrataron a artistas de la talla de Lanfranco, Domenichino, Aniello Falcone y
Artemisa Gentileschi, para la realización de distintas pinturas sobre la vida de la Antigua Roma.

Ilustración 7. Auspicios de un emperador, de Lanfranco.

El conde de Monterrey fue quien llevó a Felipe IV algunas adquisiciones sorprendentes

del momento como es La bacanal de los andrios y Ofrenda a Venus de Tiziano, propiedad del
cardenal Loduvisi.

Desde Flandes, el cardenal-infante don Fernando también envió distintas obras para la
decoración del nuevo palacio, algunas de su colección privada como, El aguador de Sevilla de
Velázquez. También destacan otras obras compradas y encargadas a pintores flamencos. Además
de los numerosos lienzos de paisajes, marinas y cacerías, destacan pinturas realizadas por Rubens.

21
 En el antiguo Salón de los Reinos del Palacio del Buen Retiro, Felipe IV diseña un
programa iconográfico sorprendente. Magnificó un salón adornado con una serie de cuadros
pintados por los mejores artistas. El programa iconográfico estaba destinado a exaltar la
monarquía hispánica. Impresionar a embajadores y miembros distinguidos de las demás cortes
europeas que acudían al palacio. Se combinaba la representación de grandes hazañas bélicas del
reinado de Felipe IV, en alternancia con los retratos ecuestres de los reyes y de su familia, así
como escenas mitológicas de Hércules, símbolo de la virtud y de la fortaleza. El rey Felipe IV
tenía que autoconvencerse, además de mostrarlo al visitante, de todo el esplendor de su poder por
medio de este conjunto de pinturas.

Según las recientes interpretaciones de algunos autores, como Richard Kagan, las escenas
que decoraron el Salón de los Reinos del Palacio del Buen Retiro no eran, como Brown y Eliot
pensaron en su momento, “un espejo del príncipe”, sino un espejo de la Monarquía española vista
como un cuerpo compuesto en el que el rey era el corazón de la cabeza y sus vasallos el cuerpo
que los defendía. Más que el protagonismo del soberano, el Salón de los Reinos subrayaba el
triunfo de los mejores súbditos, capitanes y generales que, como Hércules consagraron sus
trabajos a mantener la integridad de la Monarquía Católica.

El simbolismo al servicio de la propaganda del poder:

1. Los Escudos de los Reinos: muestran la inmensidad de los dominios de la Monarquía

hispánica. Muestran la inmensidad de los dominios de la Monarquía hispánica reflejada en
los Escudos de los veinticuatro reinos que la componían en ese momento.

2. Las escenas mitológicos de Hércules y sus trabajos que reflejan su divinidad, ya que los
Austrias procedían del Hércules Olímpico de la mitología griega. En teoría los doce trabajos
de Hércules se convirtieron al final en diez, son encargados a Zurbarán en 1634 y sería cuando
luego se reducirían de catorce a diez. Zurbarán buscaba la claridad expositiva del mensaje.
En el afán de la época por remontar los orígenes de las monarquías hasta personajes
legendarios, Hércules es considerado como el iniciador de la monarquía española. Hércules
se asociaba a la figura del Rey como símbolo de virtud y fortaleza.

Constituía la imagen del héroe por excelencia, destacaba por su fuerza y también por utilizar
su ingenio en situaciones adversas y en las que debía tomar las decisiones complejas, sin
abatirse, siempre con una encomiable perseverancia. Además, Hércules simbolizaba la virtud
y la fuerza, cualidades eran comunes a los capitanes y generales que, como Hércules,
consagraron sus trabajos a luchar contra los enemigos para mantener la integridad de la
Monarquía Católica. Algunos ejemplos son la lucha con la hidra de Lerna, la lucha con el
león de Nemea o Hércules en los montes de Calpe y Abyla.

22
3. Las pinturas de batallas que muestran la gloria de las armas. La sucesión de victorias del
reinado de Felipe IV. Los frentes mayores orientados al norte y al sur se dedicaron a la
representación de los éxitos bélicos del monarca en doce grandes lienzos, llevados a cabo por
los pintores más importantes del momento (Velázquez, Zurbarán, Jusepe Leonardo Carducho,
Juan Batista Maíno, etc.). Escenas bélicas que narran continuas guerras de los españoles en
diversos escenarios europeos y americanos contras enemigos dispares. Destacan como
protagonistas, no el Rey sino los capitanes y generales que ganaron las batallas.

4. Retratos ecuestres de los reyes y las reinas que representan el esplendor de la familia
Habsburgo, conocida en España como la Casa de Austria. El conjunto se completaba con
cinco bellos retratos ecuestres de la Familia Real, pintado por Velázquez. Además de las
pinturas que decoraban el Salón de los Reinos, en el palacio se encontraban con obras de este
en una de las estancias del aposento de la reina, donde se habían reunido varios retratos de
los bufones, de los que se conservan cuatro en el Museo del Prado.

El tercer palacio que Felipe IV decide decorar con obras de arte es la Torre de la Parada. Es
un pabellón de caza a las afueras de Madrid en los montes de El Pardo. Felipe IV lo restaura y se
convierte en palacete. Se encargan obras específicas para decorar la torre entre 1636 y 1638 a
diferente autores como Velázquez (120 cuadros). Destacan temas mitológicos de pintores
flamencos (Rubens, Jacob Jordaens…), los retratos de la familia real como cazadores y algunos
bufones de Velázquez.

También contamos con temas mitológicos como el Rapto de Proserpina.

A partir de 1640 hay un punto de inflexión en el coleccionismo de Felipe IV. Una vez
finalizada la decoración de los palacios, el coleccionismo de Felipe IV entra en una nueva fase en
la que el número de adquisiciones cede ante la
calidad de las mismas y que viene marcada por un
interés creciente hacia la pintura italiana del siglo
XVI. Las colecciones se siguieron enriqueciendo
de regalos y adquisiciones aisladas y con un
número importante de cuadros de Velázquez. El
ultimo retrato que se conoce de Felipe IV, está
hecho por Velázquez.

A continuación, el objetivo principal del rey se

centró en la compra masiva de obras de arte en las
grandes colecciones que se pusieron a la venta. En Ilustración 8. Diana y su ninfa de Antonhy van Dyck.
primer lugar en la Almoneda de Rubens, donde

23
adquirió un número importante de cuadros del propio pintor, varios de los cuales se instalaron de
una manera especial en la nueva sala de Alcázar, junto a otros óleos de Antonio van Dyck.

Más tarde, Felipe IV ordenaría a su embajador en Inglaterra, Alonso de Cárdenas, que

adquiriera obras de Tiziano, Veronés y otras pinturas procedentes de la colección del duque de
Buckingham.

Cristina de Suecia (1632-1652), emprendida coleccionista de libros, manuscritos,

instrumentos científicos, cuadros y obras de arte. Destaca su colección de esculturas, en su
mayoría de réplicas romanas de obras famosas del arte griego. Aunque también coleccionó
esculturas de su época. Casi todas las piezas de la colección de Cristina fueron adquiridas en 1692
por Livio Odescalchi (duque italiano). En 1724, su heredero vendió la colección de escultura a
Felipe V e Isabel de Farnesio.

Reunió una excelente colección de esculturas antiguas, entre ellas un grupo de musas que
luego serían adquiridas por Felipe V de España. Actualmente, se han expuesto en el Museo del
Prado presidiendo el nuevo salón oval.

2.1 De las monarquías autoritarias a las monarquías absolutas. La monarquía

absolutista y el Barroco.

El Barroco fue una consecuencia de la lucha religiosa que tuvo lugar en Europa a causa de la
Reforma protestante y la Contrarreforma católica.

Pero el triunfo de la monarquía absoluta también contribuyó a la difusión del arte Barroco.
Pues, el arte actúa como un sistema eficaz de propaganda de dicho poder absoluto.

La Francia de los Luises y la Roma papal fueron los principales núcleos de la cultura barroca
como centros de poder político y religioso, respectivamente y centros difusores del absolutismo
y contrarreformismo.

Cada uno tenía sus ideas. La Iglesia quería transmitir su mensaje contrarreformista, las
monarquías absolutas vieron en el arte Barroco una forma de magnificar su imagen y mostrar su
poder, a través de obras monumentales y pomposas que transmitían una imagen de grandes y
ayudaban a consolidar el poder centralista del monarca, reafirmando su autoridad.

Luis XIV construyó su imagen de todopoderoso monarca absolutista con la ayuda de los
artistas de la época como Bernini, Girardon, Cucci, Van der Meulen, etc.) que lo retratan de
diferentes maneras.

Los medios empleados para transmitir al pueblo el poder del rey abarcaron todas las formas
de arte. Existen imágenes de Luis XIV en pintura, en piedra, bronce, tapiz, madera, etc. Han
llegado hasta nosotros en torno a unas mil representaciones del Rey.

24
 La fabricación de la imagen de Luis XIV evolucionó desde la cuna hasta la tumba. Los
consejeros del rey Luis XIV se convierten en expertos en marketing político. Los asesores de a
imagen de Luis XIV emplearon códigos visuales bastantes avanzados para magnificar su poder,
ya desde niño. Pronto pasaron de los retratos de Luis con pañales y batas a otros que los
representaban como un auténtico soberano.

Rigaud desarrolla un modelo de retrato que fomenta la insatisfacción de la majestuosidad

compositiva. El retrato de Estado estaba directamente relacionado con el poder, servía para
establecer una relación memoria e imagen. El rey aparece a tamaño natural, mirándonos. Con los
retratos se buscaba reflejar la apariencia física del monarca y la autoridad que emanaba, puesta
en relación con la imagen dinástica.

Escritores como Racine y Molière, o músicos como Lully, también ensalzaron la gloria
de Luis XIV a través de sus obras. Recine fue un dramaturgo francés del que destacan sus
tragedias, sobre todo griegas. En 1662 recibe una pensión del rey y la compañía de Molière
representa varias obras suyas.

Como alternativas al absolutismo, mientras en la Francia de Luis XIV triunfaba el

absolutismo, en otras partes de Europa noroccidental lo hacían las primeras revoluciones
burguesas que desafiaban el Antiguo Régimen (revolución holandesa e inglesa) y en el sur y este
del continente se observaba un proceso de refeudalización. En Inglaterra, aunque puede citarse
como representante del absolutismo, a Jacobo I, de la dinastía de los Estuardo, que gobernó entre
1603 y 1625; sin embargo, la oposición parlamentaria al rey Carlos I prospera a partir de 1642 en
una guerra civil y en el posterior ajusticiamiento del propio monarca en 1649, fracaso así la
tentativa absolutista.

En Holanda, la evolución política era muy distinta, de modo que en 1650 se empezaba
una nueva etapa de marcados signos republicanos, terminando por convertirse en el modelo
político alternativo, junto con Inglaterra coma a los asentados sobre pretensiones absolutistas que
dominaban en los países vecinos. Se trata de un modelo político que limita el margen de acción
de los gobernantes coma y se asentaba sobre las provincias. A la cabeza de cada provincia estaba
el estatúder “lugarteniente”, cargo con funciones ejecutivas. Los Estados generales paréntesis
especie del Congreso de representantes provinciales), Asistidos por ministros y consejeros, se
encargaban de organizar la política.

2.2 Del absolutismo al Despotismo Ilustrado.

A nivel político el despotismo ilustrado constituye la fase culminante de la monarquía

absoluta. en cierto modo es la respuesta del poder político a los cambios socioeconómicos y
culturales así como el nuevo contexto internacional. El Despotismo Ilustrado constituyó una

25
nueva forma de Gobierno que trataba de conciliar el absolutismo con las nuevas ideas de la
Ilustración. ¿Cuándo y dónde surge? En la segunda mitad del siglo XVIII en países como Rusia,
Prusia, Austria, España Francia o Portugal. ¿Cuál es su lema? “Todo para el pueblo pero sin el
pueblo”. Donde el rey tenía poder casi ilimitado y a su vez sería mecenas de las artes y las ciencias.

En el caso de Carlos III, es muy abierto a las ideas de la Ilustración. Su reinado se

caracterizó por la aplicación de las reformas del Despotismo Ilustrado en la agricultura, en la
industria y en el comercio. Entre 1759 y 1766 destacan los Gobiernos de Esquilache y Grimaldi
y entre 1766 y 1788 los Gobiernos del Conde de Aranda, Floridablanca y Campomanes. En el
ámbito cultural, Carlos III entendía que la prosperidad nacional pasaba por el desarrollo cultural
y educativo. Impulsó la investigación científica, reformó la docencia y favoreció la difusión de
los conocimientos.

En el mundo del arte va a tener una gran importancia porque no solo va a ser coleccionista,
sino que también quiere mantener las colecciones, ordenarlas y en la medida de lo posible y hacer
que el pueblo tenga acceso a ella. En los años que
antecedieron a su llegada a España, el futuro Carlos III
ya había remitido a su madre, Isabel de Farnesio, un
significativo repertorio de pintura napolitana de la
época. La llegada a nuestro país en 1759 significó
además la incorporación de artistas de la talla
internacional de Tiepolo. Este opina que el arte es un
buen canal para hacer propaganda del poder y
transmitir las ideas de la Ilustración. Para ello utiliza
varios recursos:

1. Crear galerías de retratos de los distintos

integrantes de la familia real para hacer
propaganda y va a utilizar a pintores como
Mengs, Goya y Joaquín Inza.

2. En segundo lugar, otro recurso que utiliza es

encargar tapices para la Real Fábrica de Ilustración 9. Carlos III (como cazador) por Goya.
Tapices de Santa Bárbara. En estas campañas
decorativas emprendidas por iniciativa de Carlos III en los principales reales sitios,
estuvieron contratados casi la totalidad de los artistas que formaron el entramado
pictórico de las últimas décadas del siglo XVIII. Esta por ejemplo es una de esas tantas
obras que son cartones y se van a acabar convirtiendo en matices.

26
 3. En tercer lugar, hace una compra selectiva de monedas madrileñas, que contribuyeron a
incrementar la colección real. A lo largo de su reinado resulta habitual advertir cómo el
monarca acude a esta ventas públicas de colecciones como la de la duquesa de Arcos,
Marqués de la Ensenada o el Marques de los Llanos.

Con Carlos III se dictan las primeras disposiciones en 1779 de protección del patrimonio
artístico peninsular ante el continuado expolio de compradores internacionales. En este reinado
no solo se da un proceso de revalorización de la pintura española sino también se advierte un
activo interés por organizar y dar a conocer la colección real. Con el paso del tiempo, estas ideas
crearían lo que conocemos hoy en día como el Museo del Prado. Por otro lado, tenemos el Palacio
Real de Madrid, mandado a construir por Felipa V, Carlos III fue el primer monarca que habitó
de forma continua en el palacio desde 1764. La decoración de sus salones ideada por Sabatini y
Mengs cuenta con obras de arte de todo tipo de artistas de gran importancia de Caravaggio,
Velázquez, Goya y frescos de Gioquinto, Tiepolo…

Entre esos frescos que encarga tenemos España rinde homenaje a la Religión y a la Fe
de Gioquinto, entre otras.

Otro de los ejemplos, en el ámbito ruso, tenemos a Catalina II Emperatriz de Rusia,

que fundó la Academia de las Artes Plásticas y su pasión por coleccionar la convirtió en la
fundadora de la colección del museo del Hermitage en San Petersburgo. Adquirió todas las
colecciones en venta que pudo encontrar, con obras de Rubens, Rembrandt, Rafael o Murillo.
También de artistas flamencos, holandeses y franceses. Además, se interesó por las antigüedades
y encargo diversas obras para que se las trajeran desde Roma. Su colección contaba con 38.000
libros y más de 10.000 esculturas (romanas, griegas y renacentistas). Como gran amante del arte
clásico, en su palacio tenía réplicas como la Logia del Vaticano de Rafael.

Un tercer ejemplo de monarca vinculado al Despotismo Ilustrado es José II de

Habsburgo-Lorena, emperador del Sacro Imperio. Se considera uno de los representantes del
Despotismo Ilustrado. Mostró interés por las ideas enciclopédicas. Intentó modernizar, impulsar
y racionalizar el funcionamiento de la administración con un programa de reformas con el
objetivo de construir un Estado centralizado. Asimismo, fomentó las reformas, desarrolla así la
Industria y unifica el sistema fiscal, liberaliza el comercio y favorece las exportaciones. Abole la
servidumbre en 1781. Fue contemporáneo de Mozart y de Beethoven; en 1762, Mozart tocó ante
la corte imperial de este monarca en el Palacio de Schönbrunn. En 1790, Beethoven compuso una
cantata para el emperador.

En cuarto lugar, otro de los monarcas tenemos a Federico II el Grande de Prusia, durante
su largo reinado (1740-1786) se convirtió en el exponente del Despotismo Ilustrado,
introduciendo reformas legales, económicas, sociales, educativas o militares inspiradas en esta

27
corriente. Promocionó la agricultura y la colonización de las tierras, la industria y el comercio,
modernizó la burocracia, la administración pública y el sistema judicial. Como buen monarca
ilustrado, trata de fomentar el sistema educativo. Fue un gran protector de la ciencia y de la
cultura. En el Palacio de Sanssouci en Potsdam, Federico tenía su corte donde recibía a Johann
Sebastian Bach y Voltaire. Federico II dedicó un gran esfuerzo en mejorar arquitectónicamente
algunas ciudades como la de Berlín.

Uno de los últimos monarcas como ejemplo es José I de Portugal, su figura aparece ante
la posteridad, íntimamente ligada a la de su primer ministro Marqués de Pombal, ejecutor de un
vasto programa de reformas que tenía por objetivo reflotar el prestigio internacional de Portugal.
El tremendo terremoto del 1 de noviembre de 1755 arrasó Lisboa y se derrumbaron los mayores
tesoros arquitectónicos de la época Manuelina, muchas de las importantes iglesias, templos,
palacios, hospitales, conventos, etc. El viejo Palacio Real de Ribeira, residencia oficial del rey y
de su corte, con su biblioteca con más de 70.000 volúmenes y su valiosa pinacoteca de grandes
maestros europea como Rubens o Tiziano, fue completamente destruido y todos sus tesoros
artísticos perdidos. El Marqués de Pombal aprovechó la ocasión para rehacer la nueva ciudad de
Lisboa con un equipo de arquitectos, rediseñando calles y plazas, siempre según el deseo del rey.

3. Las relaciones internacionales.

Has la conformación de los verdaderos “Estados-Nación”, las relaciones internacional eran ante
todo relaciones entre los Príncipes. Fruto de encuentros, alianzas o enfrentamientos.

3.1 Siglo XVI: La política Imperial de Carlos V.

Hasta la conformación de los verdaderos “Estados-Nación”, las relaciones internacionales

eran ante todos relaciones entre los Príncipes. Carlos V, fruto de encuentros, alianzas y
enfrentamientos. Fue coronado emperador del Sacro Imperio Romano-Germánico en Aquisgrán,
ante la tumba de Carlomagno, el 29 de octubre de 1520, con lo que se convirtió en el soberano
más poderoso del mundo. Va a heredar territorios inmensos de su madre, Juana la Loca, territorios
en España, Aquisgrán e Italia. En 1519, por parte de su abuelo paterno, Maximiliano I de
Habsburgo, estados de la casa de los Habsburgo, territorios en Países Bajos, Franco Condado,
Alemania e Imperio.

La comparación de los mapas de 1500 y 1600 refleja el notable aumento de las posesiones
territoriales de España. A lo largo del siglo XVI España ha ampliado su poderío. A lo largo del
siglo XVI, España ha ampliado su poderío sobre distintos territorios europeos, extendiéndose a
toda la península, el Franco Condado, los Países Bajos, Luxemburgo y diversas áreas de Italia,
entre otras. España logra una clara hegemonía en Europa y en el mundo colonial, adquiriendo un
protagonismo clave con la organización de su Imperio.

28
 3.2 La redefinición de las relaciones internacionales.

A medida que toras potencias europeas van creciendo y configurándose, España o

Portugal van dejando paso a otras. En esto tiene mucho que ver la Guerra de los Treinta Años que
empieza por motivos religiosos y se va a acabar convirtiendo en un conflicto bélico. Es un
conflicto que devasta centro europea (territorio alemán actual), marca el declive de una potencia
hegemónica como es el imperio hispánico y marca a potencias como Italia o Suecia.

El detonante de la Guerra de los Treinta Años es el nombramiento de un católico como

nuevo emperador del Sacro Imperio, Fernando II de Habsburgo, lo que pone a la nobleza de
Bohemia, de mayoría protestante, en una situación prácticamente de rebelión. Este envia una
comisión a una serie de camiseros católicos en Praga para preparar su llegada; los protestantes
tiran por la ventana a los consejeros del emperador, a esto se le denomina la Tercera
defenestración de Praga de 1618. Las principales causas son: religiosas (inicialmente se trató de
un conflicto religioso entre estados partidarios de la reforma y la contrarreforma dentro del propio
imperio), políticas (conflictos políticos enquistados en el tiempo y de difícil solución, por
ejemplo, Países Bajos respecto a la monarquía hispánica; hay una idea generalizada de que una
política expansionista resolvería los problemas interior, la intervención paulatina de las diferentes
potencias europeas gradualmente). Además de causas religiosas y políticas, hay económicas
(existen numerosas rivalidades por el control de tráfico y comercial del mar del norte y la zona
del Báltico. Suecia, Dinamarca y Holanda son rivales por el dominio económico de estas zonas.

Los países protagonistas de la Guerra de los Treinta Años son el imperio español, Francia,
Holanda, Suecia y Dinamarca. Lo que son los episodios bélicos van a tener mucha importancia,
la guerra por el control del comercio en el Mar Báltico entre suecos y daneses, la guerra por la
hegemonía en Europa entre Francia y España (1635-1659). Así, termina la paz de los Pirineos en
1659. Tenemos la guerra por la Independencia holandesa por lo que hay una competencia entre
Holanda y España.

Las consecuencias de este conflicto son de carácter demográfico, hay miles de muertos;
las estimaciones de perdidas civiles entre población de Alemania hablan de hasta el 30%. Los
más alcistas hablan de 5 millones de alemanes muertos. Los continuos episodios de hambrunas y
enfermedades diezmaron la población civil de los estados alemanes y en menos medida en los
Pises Bajos e Italia. Tenemos consecuencias económicas, gran devastación de territorios enteros.
La guerra causó un trastorno serio a la económica de Europa central. Tenemos consecuencias
artísticas ya que muchos artistas tuvieron que emigrar a otros países por lo que la producción del
arte se vio afectada. En cuanto a las consecuencias políticas se reestructuró la distribución de
poder en Europa. La decadencia de España se hizo claramente visible. Francia fue vista a partir
de entonces como el poder dominante en Europa. En su conflicto con Dinamarca, entre 1643 y

29
1645, el resultado favorable Suecia ayudó a consolidarla como una gran potencia den Europa.
Consigue posición en el Báltico. España tuvo que acabar por reconocer la independencia de la
Provincias Unidas en 1648. En el Sacro Imperio la autonomía de los distintos Estados creció en
detrimento de la autoridad del emperador. El título del emperador alcanza más de un valor
simbólico u honorífico que un poder político real. Hubo consecuencias religiosas, con la Paz de
Westfalia de 1648 la libertad religiosa establecida en el tratado de Augsburgo de 1555 (libertad
religiosa entre los principales del saco imperio que podrían elegir entre la confesión católica o
luterana), se amplió y el calvinismo se convirtió en otra de las religiones reformadas permitidas.

En cuanto al reflejo de la dureza de la Guerra de los Treinta taños en el arte grabados y

pintura. Dentro de los grabados destacamos la pintura de Jacques Callot que practica el arte
grabado al aguafuerte. Su obra supone una verdadera crónica del periodo en que vivió. Se inspira
en la Guerra de los Treinta Años pasa su serie “Las miserias de la guerra” (1633). Con sus
grabados trata de ser muy realista, tiene obras llamativas mostrando los horrores de la guerra,
muestra las desgracias cotidianas, retratos de las matanzas, ejecuciones, torturas, heridos,
mutilados y brutalidades. Hay una gran destrucción y pérdida de la población civil, lo que supuso
una gran destrucción, se destruyen más de 80.000 villas, 2.000 castillos y unos 1.500 pueblos de
Alemania. La pintura del siglo XVII también refleja la importancia del conflicto. Pintores
flamencos como Sebastian Vrancx, Pieter Snayers o Antonie Palamedes. Españoles como Jusepe
Leonardo o Antonio de Pereda y Salgado. Italianos como Vicente Carducho. Dejan conciencia de
las grandes batallas y las crueldades. Otro de los pintores flamencos, Pieter Snayers muestra
pinturas en las que se ve como arrasan a la población, matan a civiles, en definitiva muestra la
barbarie. La Guerra de los Treinta Años se caracterizó por las Escaramuzas que refleja el mismo
pintor, o también Antonie Palamedes.

En 1634, Jusepe Leonardo de Chevacier fue llamado a participar junto con Antonio de
Pereda y Carducho en el Salón de los Reyes, dentro del programa de exaltación de la monarquía
hispana dejo bajo la supervisión de Velázquez. Representan victorias españolas en la Guerra de
los Treinta Años.

La Guerra de los Treinta Años también se vio reflejada en la pintura de los siglos XIX y XX.
Una escena muy famosa de la Guerra de los Treinta Años es cuando muere en el campo de Batalla
Gustavo II de Suecia, y esto se refleja en obras románticas. También en el siglo XXI vemos aún
representaciones de este conflicto.

La Batalla de Rocroi aconteció el 19 de mayo de 1643 entre el ejército francés al mando del
joven Luis II de Borbón-Conde, más tarde Príncipe de Conde y el ejército español a las órdenes
del portugués Francisco de Melo, el Capitán General de los tercios de Flandes. La victoria fue
francesa. Es considerada como el principio del declive de los tercios españoles, dada la

30
repercusión que alcanzó la derrota. Los Tercios no volverían a conseguir tal esplendor. Tras la
Guerra de los Treinta Años y la firma de la Paz de Westfalia y de la Paz de los Pirineos, en su
calidad de vencedores, Francia y Suecia se erigieron en las principales potencias europeas
poniendo así fin a la anterior etapa.

3.3 Siglo XVIII: La emergencia de nuevas potencias en Europa.

Desde principios del siglo XVIII, las relaciones internacional tendieron a asentarse sobre
nuevos principios, con Inglaterra, Francia, Austria, Prusia y Rusia como grandes potencias y
España, Holanda, Suecia y Turquía relegadas a un segundo plano. Se puede observar el repliegue
de España que acaba de perder en Utrecht en 1713 la mayoría de sus posesiones en Europa; en
Italia (Milanesado, Nápoles, Sicilia, Cerdeña y Toscana), el Franco Condado, Luxemburgo y los
Países Bajos meridionales, quedando reducida en lo que se refiere a Europa.

En Francia se observa una ampliación de sus fronteras, tanto hacia el norte como hacia el este,
como fruto de la hegemonía que disfrutó durante el siglo anterior.

Por lo tanto, a partir de 1713 nuevas potencias hegemónicas van a dar un paso como es Prusia.
Tenemos la Paz de Utrecht que inicia un nuevo periodo de las relaciones internacionales, en el
que los protagonistas son nuevos. Prusia experimenta una consolidación política y militarista, que
la configura como una gran potencia. Rusia se convierte en un Imperio y tiene cada vez más
importante en la política europea. El mapa de 1975 refleja algunos campos operados desde 1715,
notable crecimiento territorial de Francia, expansión de Prusia a costa de Polonia y de Austria y
de algunos enclaves, el Imperio ruso también ha crecido considerablemente hacia el oeste y el
sur, el reino de Nápoles antes en manos austriacas se ha hecho independiente en 1735. El Imperio
turo continua su repliegue en Hungría.

31
 Sesiones Interactivas

1. Edad Moderna: Grave incidencia de enfermedades epidémicas.

En la Edad Moderna, el modelo demográfico se caracteriza por ser antiguo, una elevada
natalidad, fecundidad y mortalidad. Es elevada la mortalidad por varios factores; mortalidad
infantil elevadísima y sobre todo alta mortalidad catastrófica que incluye muertos por guerra,
hambrunas y enfermedades infecciosas que tienen gran incidencia en la época. Estos patógenos
que vemos son responsables de algunas de las enfermedades epidémicas de la mayoría de las
muertes de la época.

1.1 La incidencia de la peste en Europa en los siglos XVI-XVIII.

Alexandre Yersin,
bacteriólogo francés de
origen suizo que descubre el
bacilo causante de la peste en
1894.

Otra cuestión por

saber es la incidencia de la
peste en relación con el clima.
La peste se ve favorecida por
el tiempo cálido y húmedo,
pues contribuye a la
proliferación y agresividad de
Ilustración 10. El triunfo de la Muerte, Pieter Brueghel.
las pulgas portadas del bacilo
de Yersin, y sin embargo, el clima frío y seco perjudica la peste. Por lo tanto, la peste atacaba
sobre todo en verano y en otoño y desaparecía en invierno. Por otro lado, hay variantes de peste:
la bubónica (menos letal de todas, 40% a 60%), la pulmonar (letalidad de 90% al 100%) y la
septicémica (con una letalidad de un 100%). Para que nos hagamos una idea el Covid-19 cuenta
con una letalidad de menos de 5%.

Los síntomas de la peste bubónica son la aparición de bubones o nódulos oscuros en el

cuello, hombros, axilas, caderas, muslos y rodillas que se inflamaban y reventaban provocando
horribles dolores.

Los grandes brotes de peste en Europa durante el siglo XVI tuvieron lugar en 1523 en
Milán con 50.000 muertos, en 1528 en Nápoles con 65.000 muertos, en 1563 en Londres con
43.000 muertos o por ejemplo en 1596-1602 en España en el que mueren 500.000 personas. En

32
el siglo XVIII no va a desaparecer la peste aunque se atenúe, pero en el siglo XIX hubo brotes,
hasta incluso algunos pequeños en la actualidad.

Las causas de la remisión de la peste en Europa Occidental en 1670. Con la aparición de

la rata gris (ratus navergicua) y su expansión, se camina hacia la exterminación de la rata negra
(ratus ratus), con ello, el proceso de la transmisión de la peste se va frenando. Otra de las causas
fue los cambios climáticos, cierto enfriamiento del
clima. La peste mejora con los sistemas de la
cuarentena y hay cierta inmunidad natural de los
organismos humanos a la enfermedad. La peste
nunca desaparece, sino que se atenúa.

En la Edad Moderna tenemos grandes

brotes debido a las pulgas y ratas, mala higiene
pública y privada. Tenemos grandes deficiencias
de alcantarillado y evacuación de residuos,
inexistencia de abastecimientos de aguas potables
y de servicio de limpieza, acumulaciones de
basuras y desperdicios en las calles y animales
Ilustración 11. Cazador de ratas, Rembrandt.
sueltos. Y, en cuanto a la falta de higiene privada
contamos con la falta de agua corriente y excusados de las casas, malas condiciones de calefacción
y aislamiento contra la humedad y el viento, y malos hábitos de limpieza corporal.

Las medidas contra la peste eran más

preventivas que terapéuticas, lo primero es huir
(solo los tenían dinero para poder irse). Otra es
el cierre de murallas y puertas de ciudades,
establecimientos de cordones sanitarios,
medidas de cuarentena, retirada de animales
suelos en las calles y la limpieza de las mismas.

La medicina a nivel terapéutica no hacía

demasiado, la mayoría de los médicos se
limitaba a reventar las bubas y ganglios
infectados haciendo incisiones con lanceta o
bisturí, o practicar sangrías a los apestados.
Otras medidas era encerrar a los enfermos en
Ilustración 12. Médicos de la peste negra.
sus casas, hacer hogueras en las ciudades
porque se creía que el humo limpiaba y evitaba el contagio. También se queman los cadáveres y

33
las ropas contaminadas, se emplea todo tipo de recursos de dudosa utilidad para evitar el contagio
(colgantes de mercurio, artilugios para purificar…) y, ante la idea popular de que la peste es un
castigo de Dios, se recurre a procesiones y rogativas para aplacar la ira divina.

La peste, como es evidente, tiene consecuencias demográficas, económicas (abandono

de campos, ralentización de la economía, cierre de industrias y comercios…), sociales (cambian
los hábitos cotidianos, cierre de baños públicos, “limpieza en seco”, es decir, sin emplear agua,
cambios de vestimentarios, se recomienda taparse de arriba abajo con telas de materiales poco
permeables…), culturales y mentales (exacerbación religiosa, persecuciones minorías, pesimismo
Barroco, etc.).

Todo lo que hemos señalado se ve reflejado en las obras de arte y en la literatura, en la

época la muerte convivía a diario con la población. Tenemos el Ars Moriendi (arte de morir),
libros impresos en bloques grabados en madera con imágenes y texto que contienen consejos
sobre los protocolos). Por otro lado tenemos las Vanitas Vanitatis, género que cobró una especial
relevancia en la era barroca, donde continuamente el memento mori (recuerda que morirás), la
idea de la fugacidad de la vida, propia de una época de guerras, epidemias y pobreza. Y por último,
las danzas de la muerte en la que esta lleva de la mano al ser humano, tanto a ricos como a pobres.

34
Tema 3. Los marcos de la vida económica y social del mundo moderno.

1. El marco demográfico.

1.1 La población europea (siglos XVI-XVIII): distribución espacial y evolución.

1.2 El “régimen demográfico antiguo”.

1.2.1 La Fecundidad.

1.2.2 La Mortalidad.

2. El marco económico.

2.1 Agricultura e Industria (siglos XV-XVIII).

2.1.1 Sistemas de cultivo y técnicas agrarias.

2.1.2 La coyuntura agraria.

2.1.3 El mapa europeo de la industria: sectores industriales y su evolución.

2.1.4 La coyuntura industrial de los siglos XVI-XVIII.

2.2 El comercio europeo y transoceánico: rutas y mercancías.

2.2.1 Principales centros mercantiles en Europa.

2.2.2 El comercio: ámbitos y tráficos.

[Link] El comercio europeo

[Link] El comercio transoceánico

2.3 El Mercantilismo.

1. El marco geográfico

Antes de hablar de población, los demógrafos suelen utilizar una serie de fuentes para
estudiar la población en periodos en donde no hay estadísticas por lo que se tienen que enfrentar
a problemas como la escasez de fuentes, las fuentes de naturaleza no demográfica (fines
eclesiásticos, fiscales o militares).

Una fuente que se suele utilizar son los archivos parroquiales, gracias a que el Concilio
de Trento (1545-1564) se ordenó que las parroquias llevaran registros de bautizos, casamientos y

35
entierros de forma regular para el mundo católico, contamos con un interesante fuente eclesiástica
para el estudio de la población y de su evolución en el tiempo. La segunda fuente son los censos
y recuentos de población, con finalidades varias. Con la estructuración del Estado Moderno y de
su apartado burocrático y fiscal, se incrementa de forma notable el número de fuentes
documentales que nos pueden servir para el análisis demográfico, como pueden ser censos de
población padrones y recuentos de población, documentales fiscales., etc.

Hubo problemas como las ocultaciones o los censos y vecindarios sin carácter continuo
y regular. Por lo tanto las fuentes básicas de la investigación de la Demografía Histórica son los
archivos parroquiales y los recuentos de población.

1.1 La población europea (siglos XVI-XVIII): distribución espacial y evolución.

Tratar de establecer cuál era la población europea en los siglos XVI al XVIII resulta una
tardea ardua y compleja, debido a la precariedad de las fuentes documentales empleadas en un
periodo preestadístico como es la Edad Moderna.

Las estimaciones de población europea desde 1500 hasta 1800 son las siguientes: en 1800
alrededor de 180 y 195 millones, en 1700 alrededor de 115 y 125 millones, en 1600 en torno a
100 millones y en el 1500 en torno a 90 millones, por lo que la población asciende.

Tenemos la estimación de volumen, pero ¿cómo se reparte esta población? De una forma
muy irregular. El país más poblado en números absolutos son Francia, seguido de Alemania y
Rusia (ambas igualadas entre sí). Poco más tarde estaba la península Itálica mientras que las más
bajas son Suiza, Irlanda, Países Bajos (Holanda y Bélgica), Portugal y los países escandinavos.
Francia es el país con mayor potencial demográfico dentro de Europa, lo que va a constituir una
constante a lo largo de la Edad Moderna.

Las densidades de población presentan notables divergencias tanto a nivel de países como
a escala regional o territorial dentro de cada país. En 1500 la densidad media de Europa estaba en
torno a 7.9 hab./km2 y en 1600 aunque ha aumentado sigue siendo muy baja: 10hab./km2. Hacia
1750 las densidades aumentan pero las tendencias se mantienen.

Las diferencias internas que se puede observar en las densidades de población de un

mismo país pueden llegar a ser verdaderamente acusadas. Tomando como ejemplo el caso
italiano, tenemos que existe una clara diferencia entre: las áreas del norte, las zonas desarrolladas
económicamente, que llega a alcanzar en algunos caso a Lombardía, los 100 y hasta 200 hab./km2.
Otras áreas como los valles alpinos, Córcega o Cerdeña, regiones que presentan densidades más
débiles que ni siquiera alcanzan los 15 hab./km2. Este contraste depende de zonas naturales y
económicas. Estas diferencias de poblaciones muestran que la distribución geográfica, espacial

36
de la población era muy desigual en función a condiciones naturales dependiendo del desarrollo
económico de la época.

La población europea era relativamente escasa, desigualmente repartida en el continente

por países. Pese al crecimiento, Europa tenía una débil ocupación humana. Otro factor importante
para conocer es el desigual reparto entre mundo urbano y rural; gran parte de la población de le
época vive en el campo, prácticamente un 90%. Solamente entre un 5-18% vivía en el núcleo
urbano. Las tasas de urbanización dependían del criterio de cada autor, por ejemplo unos
consideraban que hablamos de “ciudad” cuando había más de 2.000 habitantes, mientras que otros
reconocían una “ciudad” cuando había más de 10.000, por lo tanto, siempre varía todo concepto.
Las ciudades eran poco numerosas y de pequeño tamaño. En cuanto a los rasgos generales del
crecimiento urbano, entre las ciudades que destacan por su fuerte crecimiento:

- Elevada proporción de capitales políticas.

- Fuerte crecimiento de muchos puertos atlánticos. Trasvase del dinamismo comercial y

del centro de gravedad de la población europea del Mediterráneo al Atlántico (proceso de
larga duración en torno al siglo XIV, se acelera en XVII).

- Numerosa presencia de ciudades holandesas entre las de más fuerte crecimiento.

En cuanto a contrastes espaciales, las tasas de urbanización presentan grandes contrastes

entre los diferentes países, al igual que ocurría con la densidades de población. A la cabeza
de los países urbanizados, Holanda en 1700 tenía casi un 34% de población urbana, seguido
por os Países Bajos del sur (actual Bélgica) con un tasa de urbanización en torno el 24% y
luego Italia con un 14%. En el otro extremo de la escala esta países del este y escandinavos
que se situaban por debajo del 3%. Por tanto tenemos una zona occidental y mediterránea más
urbanizada.

París es la ciudad más habitada con más de 200.000, Nápoles y Londres con cifras
similares, Venecia en torno a 151.000 habitantes, Sevilla con 135.000 o menos de 100.000
según otras estimaciones, Lisboa con 130.000, Milán con 120.000, Palermo con 105.000 y
Praga y Roma con poco más de 100.000. Casi todas las ciudades tienen un denominador
común o son capitales o son puertos.

Por lo tanto, hay que concluir que a pesar de que la población urbana incrementa sus
efectivos entre 1500 y 1800, la red urbana europea era poco densa. Las ciudades eran pocas
y pequeñas. En cuanto a los niveles de crecimiento tenemos:

 1500-1600: +26%

 1600-1700: +9%

37
  [Link] +60%

La expansión demográfica del siglo XVI: En 1450 tenemos el inicio de la fase

decrecimiento de la población tras la Peste Negra (1348-1350). En torno a 1500-
1570/1620/1640 tenemos u crecimiento generalizado más fuerte en la zona norte.

¿Por qué en el siglo XVI crece la población? Pues bien gracias a razones agrícolas con el
aumento de la producción agrícola. Las soluciones son extensivas, es decir, la ampliación de
las tierras de cultiva por recuperación de tierras abandonadas y roturación de tiernas yernas;
disección de marismas y pantano; pólderes. De manera intensiva, mejora en la técnicas
agrícolas o de intensificación agrícola en Países Bajos, el este de Inglaterra y el norte de Italia.
Asimismo, razones económicas gracias a la expansión industrial y comercial. Crecimiento
explosivo de ciudades industriales y portuarias, nuevas y antiguas capitales de reino; razones
demográficas: menor frecuencia t violencia de las pestes y menor frecuencia de la crisis
agrarias, descenso de la mortalidad catastrófica.

En torno a 1600 y 1700 contamos con un crecimiento poblacional generalizado aunque

este interrumpe con distinta cronología según los diferentes países. En Castilla, sur de Italia
y regiones francesas en torno a 1570; en el norte de Italia y en la Europa central entre 1620 y
1630 y en Inglaterra y Holanda desde 1650. Esto se debe a una serie de factores similares a
los que hemos comentado en el siglo XVI. Hablamos de un factor económico con un
agotamiento de la respuesta extensiva y empeoramiento climático (mayor frecuencia de
pérdidas de cosechas y de años de hambre), así como una crisis de subsistencias que provoca
un incremento de la mortalidad. Otro factor que incide es el factor industrial y comercial que
entran en crisis en los países mediterráneos en Castilla (España) e Italia. Evidentemente
también tenemos el factor demográfico con mayor frecuencia de virulencia de las epidemias,
sobre todo de la peste hasta la década de los 70. Asimismo, tenemos mayor frecuencia de
conflictos bélicos lo que supone el aumento de la mortalidad por batallas, contagio de
enfermedades, destrucción de cosechas y despoblación. Todo esto incide negativamente en la
evolución de la población.

Luego, tenemos el siglo XVIII que recupera el crecimiento, en torno a un 60% en torno a
la segunda mitad del siglo con diferentes intensidades de crecimiento según los países
(algunos superan con creces ese porcentaje como es el caso de Centroeuropa y el este; en
algunos de estos territorios se supera el 100%, se debe fundamentalmente a que varios de
estos territorios tienen gobernantes que tratan de poblar las zonas con políticas de repoblación
y colonización; dando facilidades para que la gente se instale en esas zonas con sus familias.
Otra zona de Europa que plantea porcentajes muy elevados es Irlanda con la introducción de

38
una nueva planta de origen americana, como es la patata, aumenta su cultivo y mejora la
alimentación; así, alcanza esta zona más de un 108%).

¿A qué se debe que de repente tengamos un siglo (XVII) de estancamiento y luego uno
de crecimiento revolucionario (XVIII)? Se debe a una serie de factores como son:

- Retroceso de la mortalidad catastrófica. Pasado el primer tercio del siglo XVIII,

disminuyen las grandes
epidemias, la crisis de
subsistencias se hacen mas
suaves y las guerras resultan
menos mortíferas.

- Progresos de la agricultura y de
la industria, lo que se traduce en
una mejor alimentación.
Además, los progresos de
transporte y de las relaciones
comerciales colaboran en la
Ilustración 13. Lección de anatomía del Dr. Willem Van Der Meer.
atenuación de las crisis de
subsistencias.

- Progresos científicos en el campo médico y sanitaria. Mejora de la higiene pública

(abastecimientos, aguas potables y alcantarillados, construcción de cementerios…) y
mejoras sanitarias (potenciación de cirugía y prácticas anatómicas, pedagógica médica a
nivel popular relacionada con la obstetricia).

1.2 El “régimen demográfico antiguo”.

Este régimen se caracteriza por una alta fecundidad, una alta natalidad y mortalidad. En
el curso del siglo XIX, este régimen demográfico antiguo irá abriendo paso hacia otro modelo
demográfico actual, caracterizado por unas bajas fecundidad y mortalidad.

1.2.1 La Fecundidad.

Las tasas de fecundidad son muy elevadas. La tasa bruta de Natalidad en la Europa
occidental era en torno a 35-40 por mil (2005: 9-11%).

Esto es muy elevado porque se trataba de una fecundidad natural o no controlada. Al

margen de círculos muy restringidos de la sociedad como puede ser el mundo de la
prostitución, vida galante y cortesana era donde había práctica de métodos anticonceptivos
que no se iniciaba hasta finales del siglo XVII.

39
 En Francia, en la segunda mitad del siglo XVIII, y sobre todo en la primera mitad del
siglo XIX, se observa un descenso de la fecundidad, atribuida a la puesta en prácticas y
paulatina extensión de limitación voluntaria de los nacimientos. Principalmente, en áreas
urbanas y con diferencias de comportamiento entre los distintos grupos sociales.

Desde finales del siglo XVII fue primero la nobleza la que empezó a practicar el control
voluntario de nacimientos. Un poco más tarde la burguesía, y luego, muy lentamente, se fue
extendiendo al resto de la población.

Las causas, según los especialistas, de este descenso de fecundidad se explica por la
práctica de control voluntario de nacimientos (hay que buscar las causas en el campo de las
mentalidades y de la cultura) Se debe principalmente a:

- Relación entre alfabetización y limitación de nacimientos. En Francia las zonas más

alfabetizadas muestran los signos más tempranos de limitación de natalidad.

- La desacralización del espíritu. La cultura de la Ilustración influyó, sin duda, al hacer

perder a la iglesia una parte de su influencia sobre las gentes.

Las estudios decían que las mujeres tenían un hijo por año aunque estudios más recientes
han tirado este tópico y dicen que eran más amplios de lo que se creía. Estos intervalos
intergenésicos nos dicen que hay un promedio de familias rurales que tenían entre 5 y 6 hijos.

Promedios superiores:

- Familias acomodadas: práctica de alquiler de nodrizas.

- Familias urbanas: práctica de amamantamiento o por nodrizas rurales. Más elevada la

mortalidad infantil.

Los niveles de fecundidad dependen de varios factores:

- Condiciones fisiológicas de las mujeres, con un máximo de fecundidad entre los 20 y 30

años.

- Edad de matrimonio: una edad tardía acortaba el periodo fecundo y el nº de hijos,

reduciendo la fecundidad general.

- Lactancia prolongada: aumento de la esterilidad temporal.

1.2.2 La Mortalidad.

La tasa de mortalidad está entre 30-40 por mil. Muchos factores ya los hemos aplicado
como son la falta de higiene tanto pública como personal que contaba con un ambiente
insalubre en las ciudades (grandes deficiencias de alcantarillado, red de aguas, acumulación

40
de basuras y desperdicios…), falta de excusados y agua corriente en las casas “agua va”.
Tenemos grandes deficiencias en la alimentación con una escasa y poca equilibrada dieta
alimenticia. Además, hambres que sacudían periódicamente a las poblaciones en años de
graves crisis agrarias (“Crisis de subsistencias”). Contamos con una gran incidencia de las
enfermedades infecciosas, tanto a nivel endémico como a nivel epidémico: como son el tifus,
la cólera, la malaria, etc. Otro problema relacionado con este es el escaso desarrollo de la
Medicina de la época. Importante ante un gran número de enfermedades. Medicina tradicional
que prima los métodos preventivos sobre los terapéuticos.

Una vez que hemos comentado la gran incidencia de la mortalidad de la época, vamos a
ver sus principales manifestaciones:

Elevada mortalidad infantil, sujeta a variaciones importantes por razón de la

alimentación (lactancia prolongada), factores ambientales (clima), actitud hacia los niños y
condición social. En las ciudades la mortalidad infantil suele ser más altas y suele rondar
depende del momento y de las ciudades entre 250-400 por mil. Por otro lado, en el mundo
rural los niveles son más bajos en torno al 120-150 por mil. Aun así, son altos comparado con
la realidad. Esto hace que la mortalidad sea especialmente intensa en el mundo urbano; la
mortalidad infantil tiende a decrecer, sobre todo en el siglo XVIII, pero sigue siendo elevada,
principalmente en ciudades.

Las consecuencias de la elevada mortalidad son las bajas tasas de supervivencia; en

Francia en 1789 (Rev. Francesa), sólo 501 de 1.000 nacidos cumplen su décimo aniversario.

Primer mes de vida: mortalidad endógena. Malformaciones congénitas,

traumatismos y secuelas derivadas del parto.

Después del primer año de vida: mortalidad exógena. Enfermedades propias de

la infancia como el sarampión o rubeola, o generales como la viruela y enfermedades
gastrointestinales por leche o agua en mal estado (por ejemplo), con gran incidencia en la
infancia.

Mortalidad catastrófica causada por factores externos:

Malas cosechas: crisis de subsistencias. Hambrunas.

Epidemias. Hasta 1670, la gran asesina es la peste (1563-1566, 1575-1578, 1589-

1590, 1597-1601, 1648-1653, 1661-1665), Londres (1603/36.269 muertos FALTA

Guerras. Tenemos la Guerra Franco-Española (1635-1659) con 380.000 víctimas

o la Guerra de loa Treinta Años con elevadas pérdidas poblacionales; un 1/3 de la población
en las zonas menos afectadas y un 70% en las zonas de Centroeuropa, la actual Alemania…)

41
 Saqueos, abandono de los campos y pérdidas de las cosechas.

Despoblación por huida.

Movimiento de tropas: propagación de epidemias.

Dado que en esta época, la muerte convivía a diario con la población, la existencia
humana aparece invadida por una sensación de desengaño, de fugacidad, de brevedad de la
vida, conceptos clave que tendría una gran importancia en el siglo del barroco. Por ello, la
iconografía de la muerte invade todo, proliferando las alegorías que representan el triunfo de
la muerte sobre el hombre.

Hablamos de las danzas de la muerte que reflejan el poder igualitario de la muerte, el

memento mori (“recuerda que morirás) y las Vanitas vanitaris: valor efímero de las riquezas
frente al carácter inestable de la muerte.

2. El marco económico.

2.1 Sector agrícola industrial.

Introducción:

2.1.1 Sistemas de cultivo y técnicas agrarias.

2.1.2 La coyuntura agraria.

2.1.3 El mapa europeo de la industrial: sectores industriales y evolución.

2.1.4 La coyuntura industrial de los siglos XVI-XVIII.

A modo de introducción: la economía agraria de los siglos XVI-XVIII, era, sin duda, el
sector económico capital, tanto por:

La población que ocupaba – en torno al 80-90%- como por la dependencia en términos de

subsistencia y riqueza, pues aportaba alimento para la población urbana y rural de este sector
dependían de las rentas de los grupos privilegiados (nobleza y clero) y los impuestos reales.

Por lo tanto, la economía agraria tenía un peso hegemónico en la época. Pero era un sector
que presentaba numerosas disparidades y contrastes en cuanto a los países agrarios, los
sistemas agrarios; y a los rendimientos y a los ritmos evolutivos de la población agraria.

2.1.1 Sistemas de cultivo y técnicas agrarias

En la Europa de los siglos XVI-XVIII, los sistemas agrarios son dispares, si bien, en
general, se caracteriza, por el predominio de unas rotaciones poco evolucionadas y por una
agricultura extensiva, con uso de barbecho. Buena parte de Europa al tener esas técnicas

42
tienen rendimientos muy bajos. Las técnicas agrarias eran poca evolucionadas. Ahora bien,
esta continuidad no supone admitir que en la economía agraria de la época no sucediesen
algunas innovaciones y cambios. Esas zonas específicas son los Países Bajos, el valle del Po
y el este de Inglaterra, con una agricultura intensiva para el mercado (plantas forrajeras,
hortícolas, frutales…), constituyen en la Europa agraria del siglo XVI y XVII. En Europa
predominaba:

- Empleo de una agricultura de barbecho, descanso de las tierras que no aplica una
agricultura extensiva que hace que todas las tierras se cultiven durante todo el año.

- Técnicas de cultivo tradicionales e instrumental arcaico de origen medieval, con escaso

uso de hierro.

- Ganadería extensiva: falta de prados y de plantas forrajeras.

- Abono insuficiente.

- Inexistencia de costumbre de selección de semillas.

- Rendimientos mediocres.

2.1.2 La coyuntura agraria

En el siglo XVI es positiva en el crecimiento generalizado de la población agraria, aunque

de amplitud cronológica diferente:

- 1450/1470-1560: Francia

- 1450/1460-1580: Castilla, Polonia.

- 1450/1470-1590-1610: Italia.

- 1450/1470-15640: Países Bajos, Inglaterrra.

Los factores de expansión agrícola son:

- Ampliación de la superficie cultivada con:

Recuperación de tierras abandonadas o transformadas.

Roturación de terrenos boscosos e incultos.

Desecación de pantanos y marismas.

- Mejoras en los sistemas de explotación:

Cultivo intensivo y progresos en la eliminación de barbecho (Países Bajos, norte

de Italia y este de Inglaterra)

43
 Rendimiento más elevados

En el siglo XVII contamos con una contracción agraria. Sus principales factores son:

- Hundimiento de los precios agrícolas.

1600. Italia y España.

1700. Alemania.

1640. Inglaterra y Países Bajos.

(Explicación insuficiente. No basta para explicar la producción de la crisis de la

producción agraria)

- Cambio climático (Pequeña Edad de Hielo, 1550-.1850); enfriamiento del clima; rosario
de crisis agrarias y años de malas y mediocres cosechas. En países alpinos retroceso de
los campos de cultivo por el avance de los glaciares desde finales del siglo XVI.

- Agotamientos de la reserva de la respuesta extensiva: abandono de tierras marginales por

escasos rendimientos y transformación de campos de cultivos en pastos.

En el siglo XVIII, como un siglo revolucionario, tenemos un siglo en el que la agricultura

recupera su evolución. Aumenta la superficie cultivada, aumentan los precios de los productos
agropecuarios, continúa el progreso del maíz y hay un desarrollo de productos más orientados al
mercado como la patata, el alforfón y el vid.

En la Europa de los siglos XVI y XVIII, más del 85-90% de la población se dedicaba a
actividades de sector primaria. Se estima que la población ocupada en la artesanía y en la
manufactura apenas suponía el 10% de la época. Dicha cifra sólo contempla a aquellos que
trabajan de forma permanente a lo largo del año en algún tipo de actividad de tipo industrial, por
lo que había que añadir a los campesinos-artesanos que, como complemento con la agricultura y
de forma estacional trabajan en sus domicilios en alguna actividad de carácter artesanal o
manufacturera.

Dado que la economía doméstica era eminentemente autárquica, cerrada y en muchos

casos dedicada al autoconsumo o autoabastecimiento familiar, existen verdaderos problemas para
conocer estadísticamente los niveles de producción de esa actividad industrial en su totalidad.

El sector industrial en la Edad Moderna se caracteriza por contar con muchos rasgos de
continuidad con respecto a la Baja Edad Media, que se manifiesta de varias formas: la tecnología
industrial, que apenas evoluciona con respecto al Bajo Medieval. En el XVI-XVIII la producción
seguía basada en buena parte en la habilidad manual, en el esfuerzo y en la pericia de los hombres,
y las innovaciones técnicas no son algo que caracterice al sector industrial del momento; salvo

44
contadas excepciones, las manufacturas o toda actividad industrial en general, continúa
haciéndose en unidades diminutas de producción, normalmente en el seno de la familia, en talleres
domésticos: la gama de bienes producidos. Apenas varía respecto a la Edad Media, casi no se
aprecia renovación o innovaciones en los bienes que produce el sector industrial. Predominan
sobre todo las industrias que satisfacen las necesidades humanas básicas, es decir, las textiles. No
obstante, a lo largo de estos siglos aparecerán algunos estímulos a la producción industrial que
dará lugar a un crecimiento del sector económico, así como de la ampliación de mercado.

Por lo tanto, tenemos un crecimiento del sector industrial europeo. Entre los factores de
dinamización que habían incidido en el desarrollo de las distintas industrias europeas, destacan:

La demanda industrial. Hay que tener en cuenta una serie de nuevos estímulos que
conocerán las industrias y manufacturas que básicamente fueron:

La expansión ultramarina. La expansión marítima y en concreto con el

descubrimiento de América supuso un importante estímulo en la economía europea.

El aumento de población y el crecimiento de ciudades.

Las novedades suntuarias. El gusto por el lujo y la ostentación, por los artículos
suntuarios supuso un importante estímulo a la producción de determinados productos. Los grupos
más pudientes demandan cada vez más objetos.

La guerra. Desde la segunda mitad del siglo XVI, Europa conoce un enorme
aumento de la belicosidad. En dicho periodo se incrementó la capacidad destructora de los
ejércitos, así como su complejidad, aumentando mucho la cantidad de recursos absorbidos por los
armamentos, los equipos y las fortificaciones. Al crecimiento de los ejércitos hay que añadir las
novedades estratégicas (mayor número de artillería, cañones y bombardas, armaduras, etc.) que
supone cambios en los ejércitos que implicaban una fabricación de armamento más rápidas y que
estimulaba la producción industrial de varios países.

El fomento del Estado. Hay que tener en cuenta también el papel desempeñado por los
gobiernos que tenían en el fomento de las manufacturas uso de los objetivos capitales de una
política económica.

2.1.3 El mapa europeo de la industrial: sectores industriales y evolución.

A escala europea, a principios del siglo XVI destacaban las tres zonas en el panorama
industrial. Al Norte de Italia la industria más importante era la textil con dos ramas especialmente
desarrolladas como son la pañería y la sedería. También destacaba la fabricación de armas, la
vidrería, la construcción naval y la fabricación de papel. Industrias todas ellas punteras en el
contexto europeo de la época. Otro gran foco fue al sur de los Países Bajos (Bélgica). Destacaba

45
el sector textil (pañería, centrada en la producción de tejidos ligeros). También la industria de la
lencería, la tapicería de lujo y la fabricación de armas. El tercer foco industrial sería Alemania,
sobre todo en la zona central y meridional: la metalurgia era el sector más destacado,
fundamentalmente la dedicada a la fabricación de armas, así como todo tipo de objetos de metal.
Minería (metales preciosos y hierro) y también tiene importancia la industria textil basada en la
fabricación de fustanes (tejidos baratos, cruzados de lino y algodón).

A escala Europea, a lo largo del siglo XVII, hay cambios en la focalización de zonas más
importantes. Las comentadas anteriores pierden fuerza y cobran fuerza la industria al norte de los
Países Bajos (Holanda), destacando una industria textil, una pañería liberta o “nueva pañería” y
lencería, construcción naval, refinación de azúcar, destilación de licores, sedería, imprenta y
fabricación de papel. Industrias que gozaban de fama internacional y que contribuyeron a que
Holanda a finales del siglo XVI y durante el XVII se constituye como una importante área
industrial en Europa.

Otro foco industrial fue Inglaterra. La primera industria nacional era la pañería
(tradicional de paños gruesos) que se expandió y a la que en la 2º mitad del siglo XVI se le unió
la nueva pañería de paños ligeros. También se registran importantes progresos en otras muchas
industrias como la minería y la metalurgia, sobre todo del hierro. Tenemos construcción naval o
la fabricación de papel, vidrio, pólvora o sedería, entre otras.

El tercer foco industrial fue Francia, donde destacó la lencería, la sedería (Lyon, que desde
1539 es la capital sedera europea), la fabricación de papel y de vidrio y la industria naval.

El cuarto foco fue Suecia con minas de cobre y de hierro. Desde finales del siglo XVI se
convierte en el principal productor europeo de cobre y hierro.

En definitiva, el mapa industrial europeo del siglo XVI y primera mitad del siglo XVII
no permanece inmutable, sino que por el contrario, sufre cambios y alteraciones. Tras la
decadencia de los centros tradicionales, -Países Bajos del sur, Italia del norte y Alemania central
y oriental-, la producción industrial se desplaza a nuevos ámbitos. A Holanda e Inglaterra,
ratificando así el traslado del polo económico europeo desde el Mediterráneo al Atlántico Norte.

2.1.4 La coyuntura industrial en los siglo XVI-XVIII.

Aunque existen pocas estadísticas de producción que permitan el análisis de la coyuntura

europea a lo largo de los siglos XVI y XVIII, los historiadores opinan que en el siglo XVI el signo
de la coyuntura industrial fue positivo. Todos están de acuerdo en que nos encontramos ante una
fase de expansión y de crecimiento.

46
 A esta fase positiva seguiría una contracción industrial, etiquetada por algunos autores
como la crisis de XVIII. Ahora, esta tesis ha sido objeto de matizaciones hasta el punto de que la
crisis no afecta a todas las regiones por igual ni con la misma intensidad a todos los países y a los
diferentes sectores industriales. En algunos casos, sus efectos son irreversibles mientras que en
otras zonas (Holanda y Inglaterra), se experimentan fuertes crecimientos.

En el siglo XVIII va a haber un notable crecimiento con la Revolución Industrial

inglesa, entre algunos factores ha de tener en cuenta:

1. Abundante disponibilidad de carbón que era muy usado en Inglaterra para la industria de
la metalurgia.

2. Desarrollo político inglés y de la situación económica del país.

3. Crecimiento de la demanda. Aumento de la población inglesa, urbanización más intensa

y cambios en las pautas de consumo. Hay una mayor demanda de productos elaborados.

4. Desarrollo del mercado colonial inglés que favorece la demanda de bienes

manufacturados, dinamizando la industria.

5. La industria del algodón (la más dinámica), favoreció los procesos de revolución
industrial. Es una industria muy dinámica que favorece la introducción de nuevas
técnicas en la industria.

6. Acumulación de avances tecnológicos que contribuye al aumento de la capacidad

productiva. Introducción de métodos mecanizados en las industrias.

Todos estos factores explicarían por qué la revolución ocurre en Inglaterra y no en otra
parte de Europa.

2.2 El comercio europeo y transoceánico: rutas y mercancías.

2.2.1 Principales centros mercantiles en Europa.

2.2.2 El comercio: ámbitos y tráficos

El comercio es uno de los sectores más dinámicos de la economía europea. El comercio

era el motor, el sector más dinámico de la época. El comercio internacional representó uno de los
fenómenos histórico-económicos más relevantes de la Edad Moderna. Generó riqueza y cultura,
conectó países y continentes.

El comercio ya desde inicios de la época moderna tiene una expansión espectacular, hasta
el punto de que en siglo XVI paulatinamente se va conformando una red cada vez más amplia de
relaciones y tráficos mercantiles.

47
 Con la expansión geográfica entre 1430 y 1565 fruto de una tarea de explotaciones y
descubrimientos territoriales, se hizo posible la apertura de nuevos mercados ultramarinos. Hitos
que contribuyen hacia la transición a un mercado mundial:

1. La explotación de la costa occidental africana por los portugueses entre 1430 y 1445.

2. El descubrimiento de América en 1492.

3. El descubrimiento de la ruta de el Asia Índica en 1498.

4. La circunnavegación del mundo en los años 1519 y 1522.

5. El establecimiento de la ruta entre Filipinas y la costa mexicana entre 1521-1565. Sale

de México con plata hasta Filipinas con productos de gran valor.

Durante la Edad Moderna, se desarrollan varias técnicas o instrumentos característicos

del capitalismo, muchas de ellas surgidas en los siglos finales de la Edad Media, que
contribuyeron a la expansión de las relaciones comerciales internacionales:

 La Moneda y el crédito. Es necesario para hacer frente a esas nuevas necesidades. Hay
un crecimiento de la masa monetaria de circulación y una difusión de instrumentos de
crédito como letras de cambio, cheques o talones.

Gracias al oro que se importó en África a través de las factorías comerciales establecidas
por los portugueses en la costa occidental africana. Y sobre todo, debido al oro y a la
plata que los españoles importaron a América.

 La banca. A diferencia de lo que se pueda pensar, no nace de la usura o de los prestamos

sino de algo muy curioso, está en los cambistas, en el cambio de monedas. En los
mercados importantes, instalaban sus mesas o “bancos” (de ahí los términos de “banco”
o “banqueros”), unos profesionales encargados del cambio de monedas, que eran los
denominados “cambistas” o “cambiadores”.

Desde finales del siglo XVI, y en el curso del XVII, los bancos públicos van a conocer
un gran desarrollo, debido a las nuevas dimensiones que estaba alcanzando la economía
europea. Entre las principales bancas europeas del siglo XVII destacan: la Banca de
Ámsterdam (Wisselbank), se establece en 1609 con el apoyo de la ciudad; la Banca de
Hamburgo (1619), de Nuremberg (1621) y de Venecia (“Banca de Giro”), son al igual
que ocurre con la banca de Ámsterdam, bancas de depósitos y las transferencias
monetarias. Tenemos también la Banca de Estocolmo (1650), introduce una novedad y
es que además de operaciones de depósitos y de transferencia, esta inventa para mejorar
la circulación, el billete de banco. La primera emisión de billetes bancaros en Europa

48
 ocurre en la Banca de Suecia (1661). Tenemos la Banca de Inglaterra (1694) dirigida por
los orfebres de Londres, que introduce novedades siguiendo el modelo de la banca sueca
como los prestamos estatales o préstamos a particulares. Por otro lado, tenemos una
novedad, la hipoteca en la Banca de Escocia (1695). El sistema bancario internacional se
va completando con las fundaciones de la Banca de Dinamarca en 1729 y la Banca de
San Petersburgo en 1768.

 Las Bolsas. Grandes centros de contratación mercantil y financiera. Ya en el siglo XVI,

apareció la Bolsa de Amberes, creada a partir de la feria que allí se celebraba, hacia 1530.
Más tarde, en el curso de la segunda mitad del siglo XVI, surgieron algunas otras bolsas
como la Bolsa de Ámsterdam en 1560, la Bolsa de Londres en 1571 o la Bolsa de Lyon
en los últimos años del siglo XVI.

 Las Sociedades o Compañías (finales del siglo XV-XVII). Desde el siglo XVI, con el
dominio por las potencias absolutistas europeas de amplios territorios de ultramar y la
progresiva explotación por las compañías de comercio marítimo de larga distancia se
iniciaría la formación de un mercado mundial, de la denominada economía del mundo.
Desde finales del siglo XV y durante el siglo XVI, se dieron algunas circunstancias que
contribuyeron a la propiedad de las grandes compañías comerciales:

1. El auge de las explotaciones mineras europeas.

2. El comercio ultramarino.

3. Las crecientes necesidades financieras de las monarquías.

En la primera mitad del siglo XVI, gracias a las minas de plata y cobre de Centroeuropa
la de los Fugger, y los Welser pasan al primer paso en el terreno de las grandes compañías o
sociedades.

Dado que en el siglo XVI se intensifica el comercio a larga distancia, se hicieron

necesarias nuevas fórmulas o tipos de asociaciones comerciales, para poder hacer las enormes
inversiones de capitales que exigían tales relaciones comerciales. Para ello se crearon las llamadas
“compañías privilegiadas”. Consistían en asociaciones de comerciantes a las que el Estado les
concedía el monopolio de comercio con una determinada área geográfica, o bien el monopolio
del comercio de una determinada mercancía o mercancías.

En el siglo XVIII, destacan las compañías privilegiadas por acciones: las compañías
inglesa, holandesa y francesa de las Indias orientales.

Las compañías de las Indias Orientales. Estas organizaciones se hicieron muy

poderosas:

49
  El comercio no era su única actividad.

 También ejercían una gran influencia política.

 Armaban sus barcos para luchar en el mar y mantenían ejércitos privados.

 Fundaron bases militares y comerciales.

 Firmaron tratados con gobernantes locales.

 Lucharon contra las naciones vecinas y también entre sí.

 En muchos sentidos, se comportaban como estados independientes.

La Compañía inglesa de las Indias Orientales obtiene Carta real de manos de la Reina
Isabel I de Inglaterra el 31 de diciembre de 1600. Dicha carta real le da a la compañía el monopolio
de todo el comercio en las Indias Orientales. El propósito es unir a los comerciantes ingleses que
hacían negocios en el sureste de Asia. La sede la tienen en Londres y tienen magníficos edificios
que muestran la riqueza de estas compañías. Es un momento tan tardío se disuelve en 1858. Los
negocios de la compañía se centraban en el algodón, la seda, el índigo (para la industria textil), el
té y algunas especies (condimentar los alimentos y mantenerlos).

La Compañía holandesa de las Indias Orientales es una compañía creada en 1602 por
las cámaras de comercio de las ciudades de Ámsterdam y Rotterdam en lo que se refiere a la
principal aportación de capitales. Su capital inicial era de 6,5 millones de florines, la compañía
va a crecer de forma potencial. Esta compañía tiene dos sedes, una en Ámsterdam y otra en
Batavia (Yakarta), en la isla de Java. Tuvo monopolo del comercio al este del Cabo de Buena
Esperanza. Con la venta de las Indias Orientales se busca la venta en el comercio de especias y
textiles. En 1640 el valor de la compañía se estima en 72 millones de florines. En 1669 esta
compañía era la más rica, posee más de 150 barcos mercantes, 40 barcos de guerra, 50.000
empleados y un ejército privado de 10.000 soldados.

Otra de las compañías privilegiadas pero nada comparable a la holandesa es la Compañía

francesa de las Indias Orientales. Se crea en 1664, por una declaración real de Luis XIV. Tenía
el monopolio del comercio en la zona que abarca desde el Cabo de Buena Esperanza, los mares
orientales y en toda la India.

Tenemos la Compañía holandesa de las Indias Occidentales creada en 1621, con un

monopolio en la zona del Caribe (Indias Occidentales). Tiene jurisdicción el comercio de esclavos
de África, Brasil, el Caribe y Norteamérica. Saca partido del contrabando y de la guerra corsaria
en la América española. Entre 1621 y 1636 apresó 547 barcos mercantes españoles y portugueses
con un gran valor de más de 30 millones de florines y a veces con mercantes que traían metales

50
preciosos de América. Esta compañía ejerció un dominio relevante con Brasil que era territorio
portugués desde 1636 y 1645.

2.2.1 Principales centros mercantiles y financieros en Europa.

Desde principios del siglo XVI, gracias a la ampliación de las fronteras de la economía-
mundo a América y la Asia Índica, en los Países Bajos, sustituye y a Venecia como principal
centro comercial y financiero.

En la primera mitad del siglo XVII, debido a la supremacía naval y comercial holandesa,
Ámsterdam se convierte en el principal centro de redistribución de mercancías europeas y
principal mercado financiero, con su bolsa al frente (hacia 1560).

Decadencia: guerra anglo-holandesa de 1652-1654 supondrá el inicio de dificultades para

la ciudad y para Holanda, ante la ambición inglesa por supremacía naval y comercial.

2.2.2 El comercio, ámbitos y tráficos.

En el ámbito europeo van a destacar las áreas y estructuras del comercio europeo de los
siglos XVI y XVII siguen siendo básicamente las herederas de la Baja Edad Media, Dentro del
territorio europeo destacan 4 grandes áreas. El Mediterráneo, la Europa Central, el Báltico y el
Atlántico.

Los cambios que se producen en el comercio europeo a lo largo de los siglos XVI y XVIII
son:

 En el Mediterráneo: el control ejercido por los mercaderes italianos (genoveses y

venecianos), se resiente ante la penetración de los competidores del norte (holandeses e
ingleses), que dirigen desde comienzos del siglo XVII las relaciones marítimas entre el
Mediterráneo y el Atlántico.

 En Europa Central, a mediados del siglo XVI el comercio centroeuropeo está volcado
ya hacia los Países Bajos y en particular hacia Amberes.

 En el Báltico: desde finales del siglo XVI, su control estaba en manos de los holandeses,
que lo mantendrán hasta avanzado el siglo XVII.

 En el Atlántico: desde finales del siglo XVI, los holandeses refuerzan más su control. A
finales del siglo XVII, los ingleses afianzan su dominio.

La expansión geográfica del siglo XV abre nuevos espacios para el comercio europeo:
África Occidental, América española y Brasil, Asia Índica y oriental. En el siglo XVI hay que
destacar dos potencias ibéricas como eran España y Portugal. Hay una serie de tratados como el
Tratado de Tordesillas en 1494 y el de Zaragoza en 1529 que reparte las colonias.

51
 En el siglo XVII, Holanda es la gran potencia comercial. Favorece el enriquecimiento de
una burguesía mercantil, gustosa de plasmar a través del arte los frutos del éxito (Edad de oro de
la pintura Holandesa).

En el siglo XVIII, Inglaterra y, en menor medida, Francia toma relevo con las principales
potencias mercantiles.

El comercio hacia África. Las exploraciones portuguesas (1434-1498). Establecimiento

de relaciones comerciales en la costa occidental africana fue una obra de portugueses tras una
serie de factorías costeras, mitad fortalezas, mitad mercados. El tráfico tiene relación a la
importación de oro, marfil y esclavos a cambios de textiles, objetos de metal, armas y abalorios
de vidrio, etc. Para los portugueses el oro es el producto más importante.

La trata de esclavos: en el siglo XVI: monopolio portugués. Dueños de tráfico negrero

hacia América española y Brasil. Se estima una cifra de alrededor de 11 millones de esclavos.
Entre el siglo XVII y XVIII, hay una competencia creciente de holandeses, ingleses y franceses.
Tenemos el establecimiento de fuertes en costa de Guinea y conquista de factores portugueses.
Ante una creciente demanda de esclavos por sus plantaciones de las Pequeñas Antillas, Jamaica,
Virginia, Carolina, etc.

El comercio con América. En el siglo XVI, está controlado por las potencias coloniales
ibéricas de Portugal y España. Descubierto en 1500, hasta mediados del siglo XVI, su importancia
económica fue escasa. A partir de estos años, pero definitivamente desde 1570, acrecienta su peso
debido a la expansión de la caña de azúcar. Brasil se convierte en el principal productor y
abastecedor de los mercados europeos. La mayor parte de la producción se destinaba a
Ámsterdam, desde donde se redistribuyen. Además, de Brasil llegaba el tabaco, el palo Brasil
(para el diseño de alta calidad de la élite) y el cacao.

El comercio español: la carrera de Indias. Tenemos la exportación de metales preciosos.

Hasta 1530 el oro aventajaba la plata.

Entre 1530 y 1560 el oro sigue manteniendo su importancia en cuanto a valor pero no en
cuanto a peso.

Desde 1560, hay un predominio aplastante de la plata. Tenemos la explotación de minas

en Nuevo México y en la famosa Mina de Potosí (Perú), la explotación más importante de plata
a carácter universal. Complementariamente tenemos:

 Exportaciones: tráfico de cueros, productos tintóreos (cochinilla, añil o índigo)

 Importaciones: trigo, vino, aceite, etc. Hasta finales del siglo XVI, momento desde el que
las tierras americanas ya impulsan estas producciones.

52
 Régimen de monopolio: Casa de la Contratación de Sevilla (1503), regula el tráfico de la
carrera hacia las indias, traslada a Cádiz en 1818 que ya desde el siglo XVII, venía siendo el punto
efectivo de exportación e importación.

Se crea el famoso Sistema de Flotas. Desde 1543 se organiza un sistema de flotas

protegidas por una armada de buques militares para su protección. Inicialmente se organiza una
flota anual. Desde 1564-1566 surgen dos flotas:

1. La flota de Nueva España, con destino a Veracruz.

2. La flota de Tierra Firme, con dirección a Perú, a través de los puertos de Portobelo y El
Callao, donde se realizaba el intercambio de mercancías procedentes de Perú (metales
preciosos).

Al margen quedó el famoso Galeón de Manila, que regresaba cada año a Acapulco desde
Filipinas cargado de sedas, porcelanas chinas, especias, intercambiadas por plata de Nueva
España.

El comercio con Asia. Tenemos precedentes medievales: rutas terrestres caravaneras y

de las rutas marítimas a través del Mar Rojo que finalizaban en las escalas de Levante (Alejandría,
Trípoli y Alepo), donde los comerciantes italianos (genoveses) adquirían especias, piedras
preciosas, tejidos de seda y de algodón, etc.

En el siglo XVI estas rutas se mantienen activas pero entran en competencia con la ruta
marítima portuguesas que circunnavega la costa africana hasta superar el cabo de Buena
Esperanza.

Entre 1499 y 1515 los portugueses ya controlaban casi la mitad de los intercambios
comerciales en la India. Centro de operaciones: Puerto de Goa en la India (1510) desde donde se
dirigía la:

 Importación a Portugal de artículos muy valiosos como los tejidos de seda y de algodón,
piedras preciosas, perlas, porcelanas, productos tintóreos y sobre todo especias (pimienta,
canela, clavo, etc.), transportadas a Amberes, desde donde eran distribuidas por los
mercados europeos.

 Exportación de vino, aceite, pescado salado, armas y municiones.

Hasta finales del siglo XVI, este comercio estaba exclusivamente en manos de los
portugueses, pero a partir de esta fecha aparecen ya barcos holandeses e ingleses en el Océano
Índico. En 1600 se funda la Compañía Inglesa de las Indias Orientales y en 1602 su homónima
holandesa, a las que concede el monopolio comercial con estas tierras.

53
 En el siglo XVII, en la India la presencia holandesa es ensombrecida por la de los ingleses
que establecen diversas platas de comercios en Madrás. Calcuta y Bombay.

¿A que nos lleva esta evolución? Pues, en el siglo XVIII se consolida Inglaterra como la
primera potencia mercantil. Los factores determinantes fueron:

 Medidas proteccionistas tomadas en la segunda mitad del siglo XVII. Política

mercantilista.

 Desarrollo de la producción industrial e innovación en el mundo de las finanzas.

 Existencia de un importante mercado interior unificado.

 Existencia de un mercado exterior amplio al otro lado del Atlántico.

 Poderosa flota de tonelaje en continuo crecimiento (1786, +9000 navíos y 1,2 millones
de toneladas)

 Factor público: fortaleza militar de Inglaterra que permite intensificar relaciones

comerciales y financieras.

Los siguientes factores son los que causan el estancamiento de Holanda como fuerza
comercial del siglo XVII:

 Los mercados interior y colonial holandés eran muy accesibles para la importación de
mercancías, al contrario que ocurría con Inglaterra o Francia.

 La contracción de la actividad industrial, ante la adopción por varios países de medidas

proteccionistas.

 Aumento de los obstáculos al transporte y el comercio de distribución holandés (Actas de

Navegación inglesas y competencias con otros países).

 Gran pujanza de Inglaterra y Francia en el comercio transoceánico.

 Las guerras con Inglaterra y Francia hacen que Holanda acumule una gran deuda.

2.3 El Mercantilismo.

El pensamiento económico de los siglos XVI y XVII, así como las principales líneas de
las políticas económicas de los gobiernos europeos, aparecen regidos por las teorías y las prácticas
mercantilistas.

Jean Baptiste Colbert (1619-1683) es el máximo exponente del mercantilismo francés

del siglo XVII. Intendente de Hacienda de Luis XIV entre 1161 y 1683, aplica de forma más
sistemática el mercantilismo en Francia (“colbertismo”). Parte de dos principios básicos:

54
  La grandeza y poderío de una nación deriva de la abundancia de dinero que posea.

 La cantidad de dinero existente en Europa es más o menos fija, que varía lentamente y,
por ello, la única manera de aumentar el dinero en el Reino consiste en arrebatárselo a los
países vecinos mediante el comercio.

Las principales medidas fueron;

1. Reforma arancelaria. Modificación de las tarifas aduaneras en un sentido proteccionista,

gravando más la entrada de productos manufacturados extranjeros y rebajando derechos
de salida de los productos manufacturados nacionales para hacerlos más competitivos en
el mercado. También intenta aumentar ingresos fiscales.

2. Atención al desarrollo de las manufacturas y del comercio. Creación de fábricas estatales

y estimulación para la implantación de fábricas privadas mediante la concesión a
empresarios de créditos blandos, ventajas de tipo fiscal, monopolios temporales de
fabricación y facilidades para la contratación de trabajadores.

 También introduce reglamentación fijando los detalles técnicos de la fabricación. Con

todo ello consigue una industria textil próspera de gran calidad.

 Funda compañías comerciales con capital estatal.

3. Logra reorganizar la marina mercante francesa y los puertos atlánticos. Con ello consigue
aumentar el volumen del comercio exterior francés, duplicando el tonelaje de la flota
mercante en 20 años (1660-1680).

Luis XIV fue un importante lastre a la gestión de Colbert y a la economía francesa. Había
excesivos gastos de Luis XIV que ponen a Francia al borde de la bancarrota:

1. Guerras costosas, fruto de la política expansionista de Luis XIV. El enorme esfuerzo

bélico, continuado, generó un déficit permanente en la Hacienda real.

 La guerra de la devolución (1167-1668), invadió Flandes (parte de loa Países Bajos, actual
Bélgica) y el Franco Condado.

 La guerra de Holanda (1672-1678).

 La guerra de la Liga de Augsburgo (1688-1697). Inglaterra, Alemania, Holanda, España

y Saboya, aliados contra la expansión francesa.

 La guerra de sucesión de España (1702-1714)

55
 2. Palacio de Versalles: gastos desmesurados en su construcción, mobiliario y
mantenimiento. Los gastos eran tales que el ministro Colbert en varias ocasiones hizo
notar al rey que eran realmente excesivos, aunque Luis XIV daba ordenes para continuar
con la construcción.

Para hacer frente a los costos de Versalles durante los primeros años del reinado de Luis
XIV, Colbert decidió que el palacio debía ser el escaparate de Francia. En consecuencia, todos
los materiales que entraron en su construcción y decoración fueron fabricados en el país. Para
satisfacer las demandas de la decoración y el mobiliario de Versalles, Colbert, nacionaliza la
fábrica del tapiz propiedad de la familia goberlino, para convertirse en la Manufactura Real de
los Goberlinos. Dada la calidad y la singularidad de los artículos producidos en los Goberlinos,
de uso y exhibición en Versalles, el palacio sirvió vomo lugar para reflejar no sólo el éxito del
mercantilismo de Colbert, sino también para mostrar al mundo la excelencia de las manufacturas
que Francia podría producir.

3. Revocación del Edicto de Nantes (1685). El Edicto de Nantes en 1598 garantizaba cierta
tolerancia religiosa, fue revocado por Luis XIV en 1685 por el edicto de Fontainebleau.
El protestantismo fue prohibido en todo el territorio francés.

Las consecuencias fueron las siguientes:

 Supuso el exilio para muchos hugonotes, debilitando con ello la economía francesa y
beneficiando, por ende, a los países protestantes que los acogieron (Inglaterra y los Países
Bajos con sus colonias como Prusia y Rusia). Se calcula que fueron 200.000
aproximadamente los exiliados, entre los que se contaban artesanos y miembros de la
burguesía.

 Tuvo también como consecuencia indirecta varias sublevaciones de protestantes.

56
 Sesiones Interactivas

1. Brote de la peste negra en la Francia del siglo XVI.

Comentario de la película Nostradamus. Nostradamus fue un doctor muy conocido

durante la época que curaba la peste negra. La escena de la película es la Facultad de Medicina
de Montpellier. Vemos como se muestran síntomas de la peste bubónica: bubones o nódulos en
el cuello. Enfermedad contagiosa, de carácter epidémico, muy infecciosa. Vemos la huida de los
estudiantes de medicina. Tenemos medios para evitar el contagio quemándose el cadáver, la ropa
contaminado y se lava el cuerpo con agua, algo poco recomendado durante la época porque se
abrían los poros e incitaba al contagio.

Durante la segunda escena, el protagonista entra en un edificio que es una iglesia habitada
como un hospital, donde la gente está tirada en el suelo, sin ninguna ventilación y dice una frase
muy significativa “Con esta suciedad no hace falta la peste para morir”. El protagonista ve a una
mujer que pide un sacerdote porque cree que está a punto de morir a lo que este contesta que aún
los nódulos no están negros y que tiene fiebre por lo que resulta positiva. Hay una escasa
capacidad terapéutica de la medicina de la época: hierbas, pétalos de rosa secos, sangría…
Tenemos una frase muy significativa que muestra la angustia del momento “El destino está en
manos de Dios”, hay una atribución religiosa, supersticiones… Una escena muy breve pero
significativa.

La siguiente escena tiene lugar en el Tribunal de la Santísima Inquisición, aquí el tribunal

lee su biografía y es acusado de superstición, en toda la escena vamos a observar un contraste
claro entre dos mundos opuestos, el que muestra la Inquisición y el del protagonista, el de la
tradición y el de la ciencia. Por lo tanto, en el contexto histórico tenemos que ver ese choque entre
tradicionalismo de la Iglesia y la Ciencia. A continuación se acerca el inquisidor al médico y le
dice que está enfermo, este trata de acercarse pero él cree que es el diablo y para dejarse observar
le pone una cruz delante y la pide que la bese para saber que no es el diablo (“Si eres el demonio
te quemará los labios”). La tortura es muy típica para hacer cantar a acusados de pensar de manera
distinta a la Iglesia.

A continuación, estamos en tiempos de convulsión religiosa, se vende una biblia que no

está en latín, sino que está traducida por lo que uno le dice al otro que es una herejía. Estamos en
un contexto histórico de reforma, escisión en el seno de la Iglesia con la aparición de Reformas
protestantes. Luteranismo. El médico dice “¿Pero está traducida? Eso es herejía, Biblia traducida
del latón”. El protestante contesta “Acaso sólo los monjes y sacerdotes deben saber lo que Dios
nos dice. La palabra de Dios debe de estar al alcance de todos”, “Construimos una nueva iglesia
en la que no caben los ídolos”. Estamos ante la supresión del culto a las imágenes.

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 Comentario de la película El Séptimo Sello. Durante la primera escena vemos como hay
un pintor haciendo un mural sobre la muerte y la peste negra. Hay varios recursos artísticos, en
primer lugar le pregunta ¿Qué significa eso? A lo que el pintor responde “Es la danza de la muerte,
se lleva a todos”. A continuación, cuenta como la peste es el horror de todo y como las personas
intentan arrancarse los nódulos a sí mismo, que se contraen y que se arrancan las manos hasta de
sus propios mordiscos. En otra escena está pintando a los penitentes, los pobres gentes consideran
que la peste es un castigo divino y por eso recorren el país grupos de penitentes que se azotan a
sí mismos para aplacar la ira del Señor. Los penitentes cantan el “Dies Irae” que es un himno
latino del siglo XIII que describe el día del Juicio Final. La idea de irse autoflagelando es que
creían que estaban recreando la Pasión de Cristo y lograrían salvarse de la peste. Las calaveras
simbolizan a la muerte. “Dios nos ha sometido a un juicio condenatorio. Todos seremos
entregados a la muerte negra. Lo veo, la muerte está en vuestra espalda. Os mira amenazante.
Brilla su guadaña, la esgrime ahora sobre vuestras cabezas”. Por lo tanto, hace referencia a que el
ser humano ha pecado, hace referencia a una mujer embarazada, haciendo referencia a uno de los
siete pecados capitales, la lujuria. Finalmente, levantan las manos y piden piedad a Dios.

Comentario de texto:

1. Primero hay que comentar la autoría.

2. Contextualización espacial-temporal.

3. Tipo de fuente: primaria (del tiempo) o secundaria (escrita posteriormente).

4. Tipo de texto.

5. El comentario se empieza por una idea global.

6. Crítica final.

Patrick Süskind. El perfume: historia de un asesino, 1985. Problemas en las ciudades

del Antiguo Régimen: suciedad, cementerios (olor insoportable). ¿En que espacio del país se
ambienta este texto? En un mercado de pescados de París, un día caluroso de verano, con el
mercado más maloliente de Francia, olor a pescado podrido (peor que el de los cadáveres).
Detrás del mostrador del pescado había dado a luz una mujer. El texto, además de problemas
de higiene, nos abre demográfico del Antiguo Régimen, como es la elevada mortalidad
infantil. Tenemos una escena que nos muestra la elevada mortalidad infantil, hace una
descripción de la mujer como una mujer joven en cuanto a edad pero no en cuanto a
apariencia; apenas tiene pelo, le faltan dientes e irónicamente dice que no tiene enfermedades
claras pero es evidente que si las tiene, como una enfermedad de transmisión sexual, en

58
definitiva tiene una salud bastante precaria para ser muy joven. Vemos un envejecimiento
prematuro. La esperanza de vida de la época era bajísima, esta joven tenía veinticinco y su
mayor logro sería llegar a los 30 como mucho. Esto es normal debido a las hambrunas,
enfermedades epidémicas, guerras… la muerte siempre está muy cerca. Aparte, también se
esperaba antes de casarse tener hijos “de verdad”. Esto puede significar dos cosas: hijos sanos
(que vivan) o hijos que tuviese acompañada (estos son fuera de matrimonio, hijos bastardos
o ilegítimos). Otro problema que hay en la época es la ilegitimidad, hablamos de la situación
que se comentaba hacia un momento, esta novela termina que la madre se acusa de asesina,
el niño sobrevive pero la gente piensa que ella lo quería matar (¿Qué ocurre con estas madres
solteras que tienen miedo al rechazo? A veces se deshacen de sus hijos, eliminando al niño,
tirándolo al rio… o otra forma más razonable es que si no se puede mantener es llevarlo a una
institución para que lo cuide o lo de en adopción). Mas cuestiones para comentar sería por
ejemplo, es cuando describe el momento del parto de la mujer en ese ambiente antihigiénico
cuando tiene el parto. Incluso una novela como esta si esta bien documentada, en
contextualización, puede llevarnos a comentar algunos problemas en la demografía del
Antiguo Régimen como ya hemos comentado; prematuro crecimiento, situaciones
antihigiénicas…

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Tema 4. Estructura y características del sistema de estratificación.

1. De la sociedad estamental a la sociedad de clases.

2. Los grupos privilegiados: nobleza y clero.

2.1 La nobleza.

2.1.1 Estatuto jurídico: la función militar (“bellatores”) y la defensa de la

comunidad.

2.1.2 La nobleza: riqueza y poder.

2.1.3 La nobleza: la jerarquización interna.

2.1.4 El ennoblecimiento.

2.2 El clero.

2.2.1 Privilegios y exenciones. El fuero eclesiástico.

2.2.2 Ingresos económicos.

2.2.3 Función religiosa de carácter no hereditario y abierto: ascenso social.

2.2.4 La jerarquización interna.

3. La sociedad rural y la sociedad urbana: composición y jerarquización interna.

3.1 La sociedad urbana.

3.2 El campesinado.

3.3 Pobres y marginados.

4. La conflictividad social: motines y revueltas populares.

1. De la sociedad estamental a la sociedad de clases.

La sociedad europea: caracterización controvertida.

a) Composición de componentes tradicionales y riqueza como factor de estratificación y de

movilidad social.

a. Se dice de ella que es una sociedad de transición, porque combina componentes

tradicionales vinculados al modelo triunfal (bellatores, oratores y laboratores)

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 con un creciente protagonismo social de la riqueza, de la fortuna como factor de
movilidad o ascenso social.

b) Sociedad estamental: diferencia de estatuto y de función. Privilegiados / no privilegiados.

a. De todas formas, los historiadores seguimos hablando para este periodo de una
sociedad estamental, en cuyo seno la desigualdad deriva de diferentes estatutos.

c) Jerarquización social en función de la riqueza.

a. No obstante, algunos historiadores insisten en el creciente protagonismo de la

riqueza y de la fortuna, como forma de movilidad social.

d) La controversia entre estas dos posturas dio pie en los años 1960 a un debate entre dos
pesos pesados de la historiografía francesa: Roland Mousnier y Ernest Labrousse.

Mousnier negaba la posibilidad de aplicar el concepto de sociedad de clases a la sociedad

de la época moderna, ya que a su entender, la jerarquización en órdenes o estamentos venía
definida por la honra, la función y la estima social.

Por otro lado, Labrousse establecía la jerarquización social en función de la riqueza.

En un intento de conciliar ambas interpretaciones se podría decir que en la época moderna

existía una:

e) Diferenciación de estamentos en función del estatuto jurídico (nobleza: estatuto

nobiliario; clero: fuero eclesiástico), pero en el seno de los estamentos hay diferencias en
la riqueza.

Por lo tanto parece innegable la división de esta sociedad en estamentos, definidos por su
estatuto jurídico.

f) Antiindividualismo: estima honor y dignidad, atribuidas a cada estamento, no al mérito

personal. Tenemos la “Cascada del desprecio”: el modelo nobiliario (proceso de
movilidad social ascendente y descendente).

En otras palabras, la fortuna y la categoría social eran inseparables: el rango exigía un

nivel de fortuna para hacer frente al estilo de vida de lujo y ostentación que la sociedad.

Otra cuestión importante dentro de la mentalidad social es la “cascada del desprecio” que
recorrería toda la sociedad. El estamento nobiliario menospreciaba a la pequeña nobleza,
pero aún más a los nobles recientes.

En conjunto, los nobles miraban con desprecio a los plebeyos, pero en el seno de éstos
los comerciantes al por mayor y los banqueros hacían lo posible por diferenciarse de los

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 pequeños comerciantes con tienda abierta y éstos, a su vez, de los artesanos, en contacto
con el trabajo manual. Considerado vil y deshonroso.

La “cascada del desprecio” tenía como objetivo identificarse con el grupo social
superior y marcar diferencias con el interior. El objetivo es identificarse con el grupo
social superior y menospreciar al inferior.

¿Cuál es la aspiración fundamental en la época? Ascender o ennoblecerse, llegar a tener

una vida de noble (vivir de rentas…). El ennoblecimiento va a ser una aspiración social. En
consecuencia, la movilidad social es un fenómeno fluido en este periodo, en particular en el siglo
XVI y XVII.

La movilidad social ascendente: Los ejemplos de ennoblecimiento de grandes

comerciantes y banqueros, de oficiales reales, por “creación” de los monarcas, en compensación
de servicios militares y administrativos, mediante la compra de cartas o títulos de nobleza, o
mediante la compra de oficios públicos que ennoblecen.

El crecimiento de las ciudades, el enriquecimiento de sectores vinculados al comercio, la

industria y las finanzas, refuerzan el protagonismo de los sectores intermedios de la sociedad que
ascienden socialmente.

La movilidad social descendente: Desde finales del siglo XVI se asiste a una
pauperización y proletarización del campesinado, con la reducción del sector de los medianos
campesinos y una polarización social, con la concentración de la riqueza en el sector minoritario
de los campesinos ricos y acomodados, agravándose así las diferencias socioeconómicas en el
seno de la sociedad rural.

g) Sociedad en proceso de cambio: diferenciación estamental (estima dificultad y honor

atribuidas a las funciones de cada estamento) y diferenciación económica.

En definitiva, la movilidad social es un fenómeno fluido en este periodo, en particular en

los siglos XVI y XVII.

2. Los grupos privilegiados: nobleza y clero.

2.1 La nobleza.

La nobleza es el sector minoritario de la sociedad. Podemos observar porcentajes muy

bajos. En Europa en torno a un 1-10%.

España y Europa Oriental (mayor peso):

España, 1600: 10% de la población.

62
 Polonia: 8-10%.

Francia: 1%.

Durante el siglo XVIII, el porcentaje de Europa gira en torno a un 3% con una cifra de 3
a 4 millones de nobles.

España: 7-8%.

Polonia: 10%.

Francia, Alemania e Inglaterra: 1%.

2.1.1 Estatuto jurídico: la función militar (“bellatores”) y la defensa de la

comunidad.

1. Privilegios fiscales: Exención de impuestos directos.

2. Privilegios de tipo judicial: Juzgados por sus iguales (ej. Nobleza Inglesa: Cámara
Lores).

3. Privilegios de tipo penal. No van a ser condenados a las mismas penas que al resto
de la sociedad, suelen ser penas más suaves; en el caso de que sean condenados a
muerte va a ser la menos honorosa posible, no van a ser guillotinados por ejemplo.

4. Privilegios políticos: Cargos en la casa del rey, en el gobierno y en le diplomacia.

Suelen ser representantes en asambleas representativas (Cámara de los lores, Estados
Generales, etc.).

5. Privilegios honoríficos: Preeminencia en las ceremonias públicas, tratamientos, etc.

(portar armas y exhibir blasones de su linaje, etc.).

2.1.2 La nobleza: riqueza y poder.

a) La propiedad de la tierra la nobleza rentista. El Mayorazgo.

En Europa oriental la tierra solía ser incluso patrimonio exclusivo de la nobleza, como
ocurría en Rusia o Polonia.

En Europa Occidental la situación variaba en cada país: Francia tiene tierras nobiliarias
pero apenas un 1/3 del total. Castilla o Inglaterra propiedad tiene porcentajes superiores en cuanto
a la tierra, está mayoritariamente a manos de la nobleza.

El Mayorazgo es una institución que protege legalmente la propiedad de sus patrimonios

por medio de la institución del Mayorazgo.

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 Su origen es Castilla, tras la crisis del siglo XIV, consolidándose en el siglo XV.
Sancionada (darle cuerpo legal) por la corona por las Leyes de Toro en 1505.

En cuanto a sus características: Se prohibía la venta o confiscación de los bienes

vinculados en régimen de mayorazgo. Los bienes pasaban a un único heredero, el primogénito,
manteniéndose unidos en un solo bloque. También se emplea en otros países de Europa
(Inglaterra, Francia, Italia, Alemania, etc.) bajo diferentes regímenes de primogenitura.

Función: recurso empleado para proteger la propiedad noble.

b) La propiedad de los señoríos: el poder jurisdiccional.

Muchos nobles eran propietarios de señoríos, ejerciendo jurisdicción sobre vasallos,

pudiendo administrar justicia en primera instancia y proceder a la designación de cargos.

c) Las actividades mercantiles, financieras e industriales: incompatibilidad nobiliaria.

Si bien la tierra, explotada directamente o con más frecuencia arrendada, fue la base de
la riqueza nobiliaria, las nuevas condiciones económicas de los siglos XVI y XVII
amplían sus fuentes de ingresos.

En el estatuto nobiliario existían determinadas actividades consideradas infames para la

nobleza (el trabajo manual, el comercio al por menor o la usura, etc.). Sin embargo, fue
comúnmente admitido que la dedicación al gran comercio no contradecía la condición
del noble. Por ello, era habitual que los nobles de distintos países se ocuparan en
actividades comerciales o industriales.

En Inglaterra, los magnates participan activamente en el comercio, la minería o las

industrias de carbón y de hierro.

d) El favor real: cargos, pensiones, mercedes y recompensas (monopolios industriales,

comerciales, etc.).

2.1.3 La nobleza: la jerarquización interna.

En Inglaterra tenemos los Lores y los Gentry.

1. Lores: alta nobleza. Muy escasos en número (en el año 1487 eran 57, en 1628 eran 126).
Nobleza titulada. Copaban los altos encargos administrativos, del ejército y de la marina.
Construían grandes mansiones en el campo y vivían en la corte.

2. Gentry: definición social antigua. Se trata de una pequeña nobleza rural. Aglutina nobles
sin título y gente de origen burgués, clases medias del campo y la ciudad (principalmente
por medio de la compra de tierras).

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 Estilos de vida de “gentleman”, notabilidad y prestigio social. “Vivero”; sheriffs y
diputados lugartenientes de los condados, jueces de paz. Electors y diputados de la
Cámara de los Comunes.

La extensión urbana: profesionales liberales y comercio que han ascendido socialmente

a la nobleza de clase.

En Francia, en torno a los siglos XVII y XVIII, el número de nobles era muy reducido,
debido, entre otras cuestiones, a las guerras de religión y a la política fiscal de Luis XIV, que
hacen desaparecer muchos linajes.

a) Gran nobleza: principalmente cortesana. Acceso por presentación con mucha riqueza
patrimonial al monarca, que es el que concede dichos títulos. A mediados del siglo XVIII,
son solo alrededor de 100 familias, e ingresan más de 50.000 libras anuales.

b) Nobleza provincial o parlamentaria: de las Cortes de Justicia a Tribunales. Nobleza

letrada, de toga. Se accede por razón de oficio. Es menos rica pero más cohesionada. En
1750 había unas 3.500 familias e ingresan entre 10.000 y 50.000 libras al año.

c) Nobleza media-inferior: estrato más diversificado internamente. Economía centrada en

las rentas de la tierra y en la explotación de los dominios. En 1750: entre 4.000 y 6.000
familias, con ingresos menores de 10.000 libras anuales.

Por debajo había entre 1000 y 4000 familias de individuos de condición noble, pero con
un nivel de vida más modesto. En el estrato más bajo de la nobleza, unas 5.00 familias con
ingresos inferiores a 1.000 libras al año y por tanto un modo de vida similar a los miembros del
Tercer Estado o al Estado Llano.

España cuenta con la nobleza más abundante.

a) Alta nobleza. Ésta, será estructurada por Carlos V en dos grupos:

a.1. Los Grandes de España, compuesto por 25 linajes, que ascienden a 113 durante
el reinado de Felipe V (1700-1746).

a.2 Los Títulos, compuestos por 35 linajes en el siglo XVI, por más de 500 en 1700
y más de 1300 a finales del siglo XVIII. Casi todos esos linajes contaban con
importantes rentas que no solían bajar de los 50.000 ducados anuales e incluso podían
llegar a superar los 150.000.

¿Qué tienen en común ambos grupos? Son grandes linajes nobiliarios, tienen como base
económica bases territoriales, rentas importantes (fijarnos en los niveles superior a 50.000
ducados anuales que es una brutalidad para la época, es decir un nivel económico enorme); de

65
todas formas esta nobleza titulada presenta una diversidad en su distribución, suele ser mas
abundante en el sur que en el norte. Sobre todo en áreas como Castilla la Nueva, Extremadura y
Andalucía, centrados en grandes ciudades como Sevilla, Jerez, Córdoba Úbeda o Baeza.

b) Nobleza no titulada: Eran mucho más abundantes de modo que a mediados del siglo
XVIII eran unos 800.000 individuos, que se reducirían a 400.000 en 1797.

Em la base de la pirámide española se encontraban los caballeros y sobre todo los

hidalgos, dentro de los cuales existía una gran heterogeneidad interna, con situaciones
económicas de lo más diverso. Los hidalgos abundan en el norte, en Galicia, Asturias
y las provincias vascongadas.

2.1.4 El ennoblecimiento. Procesos para obtener el ennoblecimiento:

1. El nacimiento: la nobleza de cuna o de sangre. La descendencia legítima de un noble.

2. Concesión o gracia real: patronazgo real y “servicio” militar o administrativo. La vieja

aristocracia militar evoluciona hacia una nobleza de corte, vinculada a esas cortes
monárquicas de las que hemos hablado, sobre todo absolutistas; deja de vivir en sus
castillos o palacios en el campo. El rey tiene un “poder” para ennoblecer.

3. Compra de título (carta patente de la nobleza; cartas de hidalguía). El rey puede vender
cartas de nobleza y comprándola se puede acceder al ennoblecimiento.

4. Compra de oficios que ennoblecen (nobleza de toga francesa). El que consigue comprarlo
puede llegar a ennoblecerse, es la manera en la que la nobleza de toga ha conseguido
ennoblecerse.

5. Asumir el estilo de vida noble (compra de feudos, rentista, exención de impuestos,

notabilidad y prestigio social) y reconocimiento comunitario: ennoblecimiento.

Dentro de la nobleza aparte de privilegios también se tienen obligaciones, asumir el estilo

de vida noble y actuar como tal.

1. El espectáculo, la ornamentación y la imagen de la nobleza era uno de los principales

trabajos de noble.

2. Eran nobles y por tanto debían actuar como tales, debían vivir en un palacio, con criados,
jardines, carruajes, audiencias con los reyes, fiestas, cenas de gala, concierto… y demás
actuaciones que eran propias de la condición de un aristócrata.

3. Debian comportarse de esta corma como elemento obligado a su condición.

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 4. Mecenazgo noble. La nobleza tuvo la necesidad de demostrar su poder social y
económico, así como intelectual, mediante el sistema de mecenazgo. Para dar una imagen
de nobleza culta, leída, entendida, sensible, amante de las artes y de las humanidades,
algunas grandes familias vieron en el mecenazgo de artistas un gran móvil para que la
sociedad vieses en estas un gran sentido de cultura y de reputación.

En el transcurso del siglo XVII, tiene lugar una reducción del poderío de la nobleza
europea, que se puede observar a través de varios indicios.

1. Exclusión de los altos cargos de la administración y del gobierno.

2. La restricción general de los privilegios.

3. La reducción de su poderío militar.

4. La centralización y burocratización del gobierno y de la administración estatal fomenta

la ascensión de nuevas fuerzas sociales provenientes de otros estamentos y de su
introducción en las competencias del gobierno y poder político.

5. La disminución constante de ingresos de los terratenientes nobles, a causa de la inflación

de precios, las crisis agrarias, los destrozos de las guerras, los gastos militares y las
exigencias fiscales, así como el consumo excesivo ligado a las rentas decrecientes todo
llega al endeudamiento progresivo, con la consiguiente pérdida de riqueza y de poder.

2.2 El clero.

Sector minoritario: 1-2%. Incremento en el siglo XVII: l: la “inflación del clero”.

2.2.1 Privilegios y exenciones: El fuero eclesiástico.

Comparte con la nobleza la condición de estamento privilegiado, estando exentos de

cargos ficales y gozando de privilegios de tipo judicial.

Tienen su propio fuero: la Iglesia podía decidir sobre la doctrina, estableciendo las reglas
de disciplina y por tanto los clérigos no podían ser juzgados por ningún juez laico, salvo en casos
muy especiales.

2.2.2 Ingresos económicos.

1. Rentas territoriales: gran propiedad territorial (prelados y ordenes monacales).

2. Diezmos (10% parte de toda la producción agraria y ganadera que producen en las
distintas parroquias sus fieles).

3. Propiedad inmueble urbana (alquiler).

67
 4. Actividad de crédito (préstamos), en determinados casos, aunque la usura es condenada
por parte del clero.

2.2.3 Función religiosa y estamento de carácter no hereditario y abierto: ascenso

social.

El clero es un estamento muy heterogéneo que se compone de elementos muy variados y

diversos, y de procedencias sociológicas muy dispares.

2.2.4 La jerarquización interna.

Tenemos que establecer una diferenciación entre:

A. Clero Secular:

1. Países Católicos:

1.1 El papado y la curia romana: congregaciones, tribunales (Penitenciaria, La

Rota), y organismos (Dataría, Cámara Apostólica y Cancillería).

Penitenciaria: litigios en materia teológica y moral.

La Rota: procesos religiosos y civiles. Anulación de matrimonios.

Dataría: concesión de bps eclesiásticos y venta de oficios.

Cámara apostólica: finanzas de la Iglesia.

Cancillería: redacción y envío de las cartas apostólicas.

1.2 Alto clero: obispos y arzobispos. Extracción social nobiliaria (ej. Francia del
siglo XV: 60% de nobleza de sangre).

Su selección:

Nombramiento regio: patronazgo real. Conjunto de privilegios

especiales que los papas concedían a los reyes europeos del antiguo régimen, que
les permitían ser oídos antes de una decisión papal o elegir directamente en
sustitución de las autoridades eclesiásticas, a determinadas personas que fuesen
a ocupar cargos vinculados a la iglesia católica (derecho de patronato).

Patronato regio: rey como máxima autoridad eclesiástica en los

territorios de su dominio.

Patronato universal de 1506, concedido al monarca portugués

Manuel I por el Papa Julio II.

68
 Concordato de Bolonia de 1516. Papa León X y Francisco I de
Francia, confirma derecho del rey a nombrar beneficios para arzobispos, obispos,
abades y priores. Con dignidad rectora: deán o también abad o prior.

A nivel económico la situación del alto clero era la siguiente:

• Fortunas más cuantiosas / (propiedades territoriales y señores de vasallos).

• Poder político: miembros de consejos del rey, virreyes y diplomáticos. Asambleas

representativas (Cámaras de los Lores inglesa, brazo estamental en los Estados Generales,
etc.).

1.3 Clero medio: cabildos y colegiatas.

• Extracción social: pequeña y mediana nobleza y oligarquías locales.

• Cabildos: colegios de clérigos que asisten al obispo.

• Colegiatas: templo católico, que sin ser catedral, posee un cabildo. Dignidad rectora: deán
o también abad prior. Templo sin categoría de catedral pero tiene un cabildo, con un abad
que la rige.

1.4 Bajo clero: párrocos (beneficio eclesiástico: diezmos, iglesiarios y derechos

de estola y pie de altar) y clero “expectante” (capellanes, patrimonialistas, etc.).

Ingresos económicos:

• Párrocos (beneficio eclesiástico, diezmos, iglesieros y derechos de estola y pie de altar:

derechos a percibir por funciones de matrimonio, bautismo, defunción y por misar).

• Clero “expectante”: agricultura, crédito, comercio.

• Órdenes sagradas por el obispo, pero nombramiento para beneficios parroquiales

(derecho de presentación), también por los patronos eclesiásticos (cabildos), monásticos
y laicos.

2. Países protestantes:

A raíz de las reformas protestantes en varios países se producen profundas alternaciones

en los rangos clericales según los países:

• Suiza, Holanda y escocia: desaparición del episcopado, de los cabildos y sustitución del
clero secular por pastores protestantes.

• Inglaterra o países escandinavos: episcopado y pastores protestantes.

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 • Alemania: del derecho de libre designación de los pastores al nombramiento por los
principios territoriales y por las autoridades municipales, con funciones de gobierno y de
inspección. Cooptación clerical y cierta “funcionarización” de los pastores (35-60%
reclutamiento entre los propios familiares de los clérigos).

B. Clero regular (en comunidad, bajo una regla monástica).

1. Países católicos:

a) Órdenes monacales (benedictinos, cistercienses, etc.): localización rural. Propiedad

territorial y señoríos, incluso con poder jurisdiccional.

b) Órdenes mendicantes (dominicos, franciscanos, etc.): localización en villas y

ciudades. Oficios religiosos, culto mortuorio, limosnas, etc.

c) La reforma católica y la multiplicación de los institutos religiosos. Proyección social

y apostolado (enseñanza, beneficencia, asistencia a los pobres, predicación, etc.).
jesuitas, capuchinos, escolapios, camilos, etc.

2. Países protestantes: Desaparición del clero regular y secularización de los bienes

monásticos.

En resumen el clero no es un estamento homogéneo. En su seno las diferencias en cuanto

a rango y fortuna son apreciables. Pero además, a raíz de la expansión a partir de la década de
1520 con las reformas protestantes, el clero sufre profundas alteraciones en los países de las
nuevas confesiones religiosas. Mientras que los países católicos persisten con la estructura
tradicional, con la particularidad que se potencias las vocaciones religiosas hará el punto de
incrementarse progresivamente el número de eclesiásticos tanto seculares como regulares.

3. Las sociedad rural y la sociedad urbana: composición y jerarquización interna.

3.1 La sociedad urbana.

a) Aumento del peso demográfico y social. Crecimiento poblacional y consolidación de su

papel urbano (concentración del clero y de la nobleza; residencia de grupos burgueses en
ascenso social y económico).

b) Sociedad urbana: oligarquía o patriciado urbano; burguesías, artesano y pueblo llano.

b.1) Oligarquía o patriciado urbanos Sector social y políticamente preeminente. Control

del gobierno municipal. Pequeño número de familias con un nivel de riqueza y de poder
importante para garantizar ese poder practican una técnica que es la endogamia (casamiento entre
ellos como un grupo cerrado); reproducción y control del poder político y social.

70
 Diferente composición dependiendo de los países:

• Italia y Alemania (patriciado), fuertemente señorializada. Función con la aristocracia de

sangre en XVI y XV y asimilación de su estilo de vida.

• Francia: nueva nobleza de oficios.

• España: rentistas de tierra; caballeros, nobleza local.

• Holanda: los regentes (la familias enriquecidas en el comercio y reiterados de los

negocios. Fortuna, prestigio para acceder y monopolizar el gobierno municipal).

• Ciudades mercantiles (Londres, Ámsterdam, etc.); hombres de negocios y síndicos

gremiales.

Características sociales:

• Seña de identidad: vivir imitando a los nobles; por lo tanto vivir de rentas, ante su
obsesión y aspiración por ennoblecerse.

• Rentas de préstamo de propiedad rural y urbana. Posesión de cargos y oficios públicos

patrimonializados, negocios mercantiles (compañías comerciales).

• Rica y poderosa social y políticamente: aspiración al ennoblecimiento.

b.2) Las burguesías. Grupo social poco numeroso sin los privilegios ni las formas de
prestigio social de la nobleza y muy diferenciado internamente.

Estilo de vida:

• Formación de capital e inversión en negocios.

• Señorializado (ideal de vivir noblemente: vida de lujo de ostentación t aspiración a la

compra de oficios, de señoríos y de títulos nobles).

Tenemos diferentes tipos de burguesía en cuanto a la actividad profesional:

1. Mercaderes-banqueros o burguesía de las finanzas. El sector más acaudalado y

poderosos. Inmensos beneficios. Préstamos a los monarcas y a los nobles. Inmensas
fortunas: ascenso social. Ejemplo: los Fugger. Ennoblecimiento: compra de señoríos y
propiedades territoriales en Suabia y del título del príncipe del Imperio.

2. La burguesía letrada o de los oficios: profesionales liberales, principalmente juristas

(abogados, procuradores, jueces), oficiales reales y municipales. Su servicio al monarca
o a la compra de oficios. Ennoblecimiento (la nobleza de toga).

71
 3. La burguesía mercantil o de los negocios. En el siglo XVI, en expansión numérica y
crecientemente enriquecida por su dedicación al comercio y la industria, dominante en
las ciudades mercantiles. Sobre esta burguesía y la de las finanzas, pesa la acusación de
su traición (F. Braudel): abandono total o parcial de las finanzas y del comercio e
inversión en propiedad territorial, señoríos y títulos nobiliarios (economía rentista). Sin
embargo, esta tesis hoy en día ha sido matizada, pues, a consecuencia de la crisis del siglo
XVII se da una respuesta al riesgo del negocio mercantil y la mayor seguridad del
beneficiario de rentas. En el siglo XVIII la burguesía mercantil se convierte en una elite
rentista.

Burguesía mercantil en la Holanda del siglo XVII. El desarrollo urbano y mercantil

(primera potencia comercial mundial) propicio la formación de solidos grupos burgueses
que fueron muy influyentes políticamente (proporcionaron los cuadros del Gobierno del
país), y que impusieron una particular mentalidad y forma de vida. La élite burguesa,
necesitaba mostrar y plasmar a través del arte (Edad de Oro de la pintura holandesa) los
frutos de su éxito económico y social. Fue adquiriendo y emulando los gustos y modos
de estilo aristocrático.

b.3) Artesanado y asalariados urbanos. Grupo más numeroso con diferencia en el mundo
urbano. Dentro de aquí tenemos el artesanado, el pequeño comercio y los trabajadores asalariados.

Gran variedad de actividades económicas: sector secundario (textil, alimentación,

construcción, metal y joyería, zapatería y cueros, etc.); sector terciario (transporte y comercio;
hostelería, servicio doméstico, etc.); sector de trabajadores manuales sin especialización laboral
contratados como asalariados a cambio de jornal.

Conjunto heterogéneo: minoría formada por comerciantes de mediana fortuna, por

maestros artesanos dueños de talleres y por oficiales de nivel medio frente a una mayoría en la
frontera o por debajo del umbral de la subsistencia.

Por lo que respecta a los artesanos, son un grupo numeroso en efectivos, sólo superado
en la época moderna por el campesinado.

1. Corporaciones de oficios, gremios progresiva jerarquización y diferenciación interna.

2. Cada vez más cerrados porque los maestros y oficiales tienen conflictos por la promoción
profesional.

3. En la última fase del siglo XVI hay un empeoramiento de sus condiciones laborales y de
subsistencia.

72
 Por lo que respecta a los asalariados urbanos sufren exclusión de la propiedad
inmobiliaria, de la propiedad de los medios de producción y escasa propiedad inmueble.

1. Problema cotidiano de la subsistencia: escasa o nula cualificación profesional.

2. Inestabilidad del empleo y a su extrema vulnerabilidad en épocas de malas cosechas y de

carestía de cereales.

Desde finales del siglo XVI sus condiciones van a empeorar tanto en lo que respecta a
condiciones laborales y de la vida de artesanado y de los trabajadores urbanos.

1. Mayor frecuencia de las crisis de subsistencia y, por tanto, de años de carestía del pan.

2. Creciente precariedad de empleo, debido a la crisis de la industria, pero también a la

difusión de contratos de corta duración (los contratos basura a la actualidad).

3. Degradación del salario real, con la consiguiente pérdida del poder adquisitivo al
incrementarse los precios de los cereales en una cuantía superior de la de los salarios
nominales.

Consecuencia: creciente pauperización y movilidad de los trabajadores urbanos (salen de

los ciudades).

3.2 El campesinado.

 Sector poblacionalmente más numeroso (1700: 86%).

 El campesinado no tiene la misma condición en todo el mundo, depende mucho de

su espacio geográfico: campesinado libre (Europa occidental), servidumbre (Europa
al este de río Elba): adscripción a la tierra y limitación de movilidad y de matrimonio
e incremento de los días de “corveas” (trabajo servil en las reservas señoriales).

a) El campesinado en Europa Occidental.

Duras condiciones de vida: variedad de rentas e impuestos. Presión fiscal en alza:

Impuestos reales pagados al fisco real.

Derechos señoriales pagados a los señores jurisdiccionales.

Diezmo (10% de la producción agrícola y de las cabezas de ganado).

Renta de la tierra (pago por cesión en explotación indirecta a los

propietarios).

Intereses pagados por préstamos muy frecuentes entre el campesinado.

73
 Rentas, impuestos y semilla: 60% de la cosecha. Subsistencia familiar:
40%.

Diferente condición: Labradores (propietarios de tierras y de ganado), jornaleros o

trabajadores de campo: sin propiedad de tierras y de ganado, trabajo a jornal (regiones de
latifundio: Andalucía, Castilla la Nueva, sur de Italia y norte de Francia). Campesinado:
campesinos ricos o acomodados, medianos campesinos y pequeños campesinos o campesinos
insuficientes (su producción es insuficiente para abastecer las necesidades de la familia).

Ejemplo inglés: Yeomen (+20 hectáreas de propiedad territorial). Campesinos

acomodados, obtienen ingresos suficientes para la subsistencia familiar y excedentes para su
comercialización. Hasta primeros decenios del siglo XVII acumulan crecientes beneficios, que
les permiten ascender socialmente hasta las filas de la Gentry. Husbandmen (2-20 hectáreas de
propiedad territorial). Medianos campesinos. No suelen alcanzar para su subsistencia familiar,
por lo que complementan la actividad agrícola con actividades auxiliares como el trabajo textil.
Cottagers (-1 hectárea de propiedad territorial). Para subsistir mantienen alguna cabeza de
ganado en los terrenos de aprovechamiento comunal como montes y bosques y ejercen una
actividad artesanal o como jornaleros agrícolas. Jornaleros. Campesinos sin tierras que trabajan
tierras ajenas.

A finales del siglo XVII las familias de cottagers y de jornaleros suponían el 56,1% del
total del campesinado, es decir, más de la mitad.

A todo esto que se acaba de señalar hay que añadir la coyuntura de la época. Hay un
empeoramiento de las condiciones laborales y de la vida desde finales del siglo XVI:

Evolución del campesinado. La sociedad rural en los siglos XVI y XVII no permanecerá
inalterada, sino que por el contrario experimenta cambios, que se puedan sintetizar en dos
procesos:

1. Debilitamiento de la comunidad campesina:

 Alza de la presión fiscal: endeudamiento y venta de comunales propios.

 Presión social.

2. Concentración de la propiedad y pauperización campesina:

 Mayor frecuencia de crisis de subsistencias: carestía de los cereales.

 Aumento de la presión fiscal y de alza de precios agrícolas: endeudamiento/venta

y expropiación de la propiedad campesina.

74
  Degradación del salario real: los precios de los productos de primera necesidad
se incrementan a un ritmo y proporción superior a los salarios nominales, lo que
deriva en pérdida del poder adquisitivo.

 Ruralización de las actividades artesanales (industria rural doméstica).

A finales del siglo XVI la sociedad estaba más polarizada y pauperizada, hay una
disminución proporcional de los medianos campesinos y un incremento de los pequeños
campesinos y de los sin tierra.

Asimismo, hay un incremento

de conflictividad social y
levantamientos populares cada vez
más frecuentes y violentos.

b) El campesinado en la Europa
centro-oriental: la “segunda
servidumbre”.

Factores:

 Crecimiento de la población. A
medida que aumenta la población,
los señores ven que hay una
demanda de cereales sobre todo por
parte de la Europa occidental y
viendo el negocio, aumentan sus

Ilustración 15. Familia campesina de Adriaen Van Ostade. reservas señoriales.

 Alza continuada de los precios de los cereales y incremento de su comercio.

 Extensión de las reservas señoriales (tierras secularizadas de la Iglesia; tierras de

dominios reales, tierras abandonadas y tierras expropiadas de endeudamiento).

“Segunda servidumbre”.

 Vinculación a la tierra sin libertad de movimiento (no refugio en ciudades) y sin

libertad de matrimonio.

 Incremento de los días de trabajo “conveas” en las reservas señoriales.

3.3 Pobres y marginados.

1. Sector cada vez más numeroso desde el último tercio del siglo XVI.

75
 2. Pobres y marginados.

 Pobres estructurales (viejos incapacitados, viudas pobres, niños huérfanos, etc.).

 Pobres coyunturales (asalariados pequeños artesanos, etc.).

 Pobres de Dios/ pobre de vicio o fingidos.

 Marginados: vagabundos y mendigos; minorías étnicas y religiosas, esclavos…

3. La pobreza: problema social (alteración del orden público y

asistencia/beneficencia).

4. Concepción de la pobreza y sistema asistencial.

a) Edad media: el pobre como imagen de cristo. Derecho a la caridad y obligación

cristiana. Caridad indiscriminada: particulares e instituciones religiosas de
beneficencia.

b) A partir de 1520:

 Humanismo (Erasmo, T. Moro, L. Vives) y reformadores protestantes como

Lutero, dice que quien se tiene que encargar de la asistencia a los pobres es el
Estado, no la Iglesia.

Condena de la mendicidad por ociosidad y vagancia.

Asistencia: responsabilidad del Estado.

Exaltación del valor del trabajo, forzoso y obligatorio, como medio de reforma y
del pobre y represión de los pobres y vagabundos fingidos.

 Cambio en la concepción del pobre. Proclive a la delincuencia y condena de la

mendicidad.

 Cambio en el sistema asistencial: secularización y control oficial de la asistencia:

persecución de los mendigos (ordenanzas urbanas, 1522-1545).

Ejemplo francés: “Bureaux de pauvres” (Paris, Lyon, Poitiers, etc.). Tenemos una
centralización de los recursos alimenticios por tasas pagadas por los ciudadanos, censos de pobres
y un reparto oficial de alimentos, un aprendizaje en talleres de huérfanos y un apresamiento
(milicias urbanas) y trabajo forzoso de pobres capacitados.

Ejemplo inglés: Represión de la mendicidad. Institucionalización y secularización de la

asistencia: leyes de pobres (“poor laws”) de 1594-1597 y 1601 (Isabel).

76
 Antecedentes legales: Ley de 1536 que estipulaba que los niños mendigos de 5 a
14 años serían confinados sin salario a campesinos o artesanos como aprendices. Posteriormente,
en 1563 se promulga el Estatuto de los Artesanos, según el cual cualquier parado útil podía ser
obligado a trabajar por un salario prefijado.

Leyes de pobres (poor laws) trabajo a los capacitados, formación profesional y colocación como
aprendices de huérfanos; ayuda en metálico a los pobres. Marco de aplicación parroquial:
residencia, supervisión por oficiales y financiación locales (tasas de pobres parroquiales).

 Política de reclusión (ca. 1570): encierro y trabajo forzoso.

Causas: incremento de los pobres y prevención de contagio de enfermedades. Reforma

de las costumbres y disciplina social y moral.

a) Asilos en Ámsterdam (finales del siglo XVI).

b) Hospitales Generales en Francia (1630-1640)

c) Workhouse (asilosd de pobres en inglatera a finales del siglo XVII)

4. La conflictividad social: motines y revueltas populares.

A lo largo del siglo XVI y sobre todo en el siglo XVII, la sociedad rural y particularmente
el campesinado se verá afectado por la creciente incidencia del Estado, por los grupos sociales
dominantes y la ofensiva de las ciudades, sin olvidarnos del fenómeno de la polarización social y
la pauperización campesina y de los grupos urbanos.

El bloqueo de la producción, la pérdida de los derechos colectivos y el retroceso en el uso

de los bienes comunitarios, las crisis de subsistencias, la creciente presión fiscal y el
endeudamiento campesino, dificultan enormemente la situación del campesino.

Ante los constantes desequilibrios en la sociedad de la época, la población no permaneció

inmóvil, protagonizando variados episodios violentos de la resistena popular que afectaron casi
todo el territorio europeo.

Estallan revueltas campesinas de carácter antifiscal y antiseñorial, los denominados

“furores campesinos”, pero también revueltas urbanas: túmulos de subsistencia, motines de
hambres o carestía, que se suman a los movimientos de revuelta de carácter religioso y político.

77
Tema 5. Los indicadores sociales: Imagen, rituales, justificación simbólica.

Introducción. La imagen: objeto de distinción social.

1. La imagen y el poder político.

1.1 Las representaciones del Estado.

1.2 La imagen del soberano.

a) Legitimización histórica.

b) Las múltiples imágenes del soberano.

B1) Imagen del conquistador.

B2) Imagen con figura salomónica.

B3) Imagen como figura salomónica.

B4) Imagen como defensor de las Artes y la Cultura.

1.3 Ceremonias públicas: la afirmación del poder real.

1.3.1 Fuentes para su estudio y elementos básicos.

a) Las ceremonias de proclamación real.

b) Las entradas triunfales reales.

c) Funerales y exequias reales.

d) Sucesos políticos y militares.

e) Otras celebraciones públicas: las festividades

religiosas.

2. Imagen y justificación simbólica de la nobleza.

a) Las Casas de campo aristocráticas.

b) Las colecciones de Retratos de la nobleza.

c) Fiestas de la Aristocracia.

d) La Hidalguía: inversión en “signos” o símbolos de prestigio.

3. La burguesía urbana: imagen de la prosperidad.

78
 Introducción: La imagen como objeto de distinción social.

La Sociedad europea de la Edad Moderna estaba muy jerarquizada. Existían diferencias

abismales entre los individuos dependiendo de la posición que cada uno ocupaba en el orden
estamental, pero también, cada vez más, dependiendo de la riqueza y la fortuna.

Los miembros de los grupos privilegiados se valían de toda una serie de indicadores
sociales, de simbologías y de rituales para legitimar la posición social que les correspondía para
garantizar su perpetuación como grupo privilegiado, así como para hacer ostentación pública de
su poder y riqueza ante el resto de la sociedad.

Se trataba de una rica variedad de signos y rituales conducentes a lograr una justificación
simbólica.

La Imagen será un recursos fundamental de distinción social.

Desde los propios Reyes, pasando por la nobleza o los grupos ricos de burgueses urbanos
y otros sectores enriquecidos, todos los miembros de los grupos privilegiados hacían uso de
diversos indicadores sociales que definían su poder y riqueza, diferenciándolos del conjunto de la
sociedad.

Si bien la documentación de la época ofrece datos sobre los “signos” o símbolos de

prestigio empleados por los grupos privilegiados como elementos de distinción social, también es
arte, a través de las imágenes que se han conservado del pasado, puede dar pistas interesantes
acerca de la distinción social.

Peter Burke ha expresado su convencimiento de que “las imágenes pueden hablar a los
historiadores cuando los textos callan”.

No hay que olvidar que la imagen que cada individuo proyectaba en el resto de la sociedad
era transmitida a través de múltiples recursos.

1. Una gran variedad de signos de prestigio y notoriedad.

2. Desde aspectos de cultura material como la vivienda y el mobiliario, el vestido o la

alimentación.

3. Hasta por medio de las imágenes transmitidas a través de obras de arte (pinturas,
grabados, etc.), como elementos simbólicos o de propaganda.

A continuación comprobaremos en qué medida la imagen funcionó como elemento de

distinción social y propaganda, entre los grupos privilegiados.

1. El poder político: la Monarquía.

79
 2. La nobleza.

3. Burguesía urbana.

En la Edad Moderna las imágenes inundaron la esfera de la comunicación política y se

convirtieron en eficaces transmisores de ideales, aspiraciones y planteamientos de gobierno.

Pero lejos de agotarse su función comunicadora, muchas de estas imágenes reflejaron la

percepción que los poderosos tuvieron de sí mismos y, por lo tanto, constituyen un importante
capítulo tanto de la historia política como de la historia cultural.

Destaca sobre todo el siglo XVIII. Pues, el Barroco fue una cultura de la imagen, donde
todas las artes confluyeron para crear una obra de arte total, con una estética teatral escenográfica,
una puesta en escena que pone de manifiesto el esplendor del poder dominante (Iglesia o Estado).

1.1 Las representaciones del Estado.

Como los signos (corona, cetro, mano de justicia…) y los gestos (entradas en la ciudad,
imposición de manos…), las imágenes participan de la simbología del Estado.

La corona: símbolo monárquico más extendido. Para el cristianismo simboliza la señal o

marca de la elección por Dios el soberano.

1. Cetro: distinción de mando a modo de bastón corto. Como señal de autoridad. Suele
rematar en alguna figura simbólica.

Imagen: Cetro de Carlos V que había hecho para la

futura coronación de su hijo Carlos VI rematado en la
figura de
Carlomagno.

2. Mano
de justicia:
especie de
cetro que
llevaban
algunos
Ilustración 1. Cetro de Carlos V.
reyes en la
mano izquierda cuando asistían a alguna
función solemne. Consistía en un bastón de
unos dos pies de largo rematado en una mano

Ilustración 2. Luis IX de Francia.

80
 de marfil bendiciendo, que alude a la potestad religiosa y al poder del soberano de juzgar
y hacer justicia.

3. Bastón de mando o “bengala”: insignia de mando

militar a modo de cetro o bastón.

4. Toisón de Oro o Vellocino de Oro: distintivo de

poder de una orden caballeresca creada en 1430 en
Brujas por
Felipe II el
Bueno, duque
de Borgoña. Por
el matrimonio
de la heredera
borgoñona con
Maximiliano I, Ilustración 3. Luis XV de Francia (bastón de mando).

la jefatura pasó a la
casa de Austria, alcanzando su máximo esplendor
con Carlos V.

5. Trono: elevado y distante sillón donde sólo se

pueden sentar los monarcas y desde que presiden
ceremoniales públicos. Lujosamente elaborados,
Ilustración 4. Toisón de Oro.
reflejan la riqueza y el poder del monarca.

Simbolismo: Corona:
soberanía; Cetro: autoridad; Espada:
poder imperial; Orbe: territorio e
imperio defendido por el emperador.

El águila bicéfala. El escudo

de la casa real, una vez que Carlos V
es el coronado emperador, trae como
soporte al águila imperial bicéfala
con la corona cerrada del Sacro
Imperio. También aparecen en el
escudo real el collar del Toisón y las
columnas de Hércules. Forma parte Ilustración 5. Salón del Trono del Palacio de Versalles.

de la iconografía imperial de la casa

81
de Habsburgo desde el año 1508. Jugó un papel importante en las representaciones simbólicas de
la Monarquía Hispánica.

El águila bicéfala de los Austrias pisa con sus garras

a la Herejía.

1.2 La imagen del soberano.

El Rey estaba en la cúspide de la pirámide social y

su imagen se convirtió en un instrumento fundamental,
tanto para garantizar la legitimización histórica del poder,
garantizado la perpetuación de su linaje, así como para
hacer propaganda del poder y riqueza de la Monarquía.

a) Legitimización histórica: construcción de una

imagen heroica del poder.

Muchos monarcas europeos trataron de legitimar su

Ilustración 6. Grabado de Juan de Courbes. Madrid, 1637.
poder desde un punto de vista histórico, construyendo
una imagen heroica de su linaje, que entroncaba con los héroes clásicos.

Maximiliano I decidió buscar conexiones reales (verdaderas o ficticias) entre sus

ancestros y los grandes reyes y emperadores de la Historia.

Trazó una línea de decadencia que abarcaba desde el mismísimo Héctor, hijo del rey
Príamo de Troya, pasando por Julio César al rey Arturo y Carlomagno, incluyendo entre
medias a varios santos.

El emperador estaba obsesionado con el uso de la imagen, para ello, eligió el grabado. A
diferencia de sus grandes frescos en los palacios imperiales, los grabados podían llegar a
todos los rincones de su imperio. Debido al gran valor que Maximiliano le daba a su
legitimidad histórica como emperador, no es de extrañar que en la última década de la
subida, encargase tres obras monumentales inspiradas en construcciones con las que se
renda homenaje a los antiguos generales victoriosos de Roma (posesión, gran carro y
arcos triunfales).

La Procesión Triunfal (1512-1515). El Gran Carro Triunfal y el Arco del Triunfo.

Interesantes muestras de propaganda imperial.

Las pinturas originales (pintura aguada sobre pergamino) de La procesión triunfal, fueron
creadas por Albrecht Atdorfer tomando como motivo las escenas de la vida y las victorias
militares de Maximiliano, ilustrada con una larga horda de músicos, cazadores, abanderos,

82
cortesanos, carruajes con exóticos equipajes, antepasados de Habsburgo, caballeros y un enorme
y majestuoso carro imperial.

Copia de la
Procesión Triunfal
de Maximiliano I.
Biblioteca Nacional
de España.
Manuscrito en
pergamino con 99
pinturas. “Los
antepasados del
emperador Ilustración 7. Copia de la procesión triunfal de Maximiliano I.

Maximiliano”, de la Procesión Triunfal del emperador

Maximiliano I de Habsburgo (1512-1515).

El Arco Triunfal (1512-1515).

Está dedicado a magnificar al
Emperador Maximiliano I. Son 192
Ilustración 8. Sala de Apolo, o del Trono, de Versalles.
estampas y ocupaban 10 m2. Dividido
en tres portales. Enseñando la genealogía de Maximiliano, las armas, su vida, matrimonio,
príncipes y acontecimientos de la época. Alberto Durero hizo la entrada central, escudo de armas
y algunas figuras y escenas. El resto fue obra de diversos grabadores. Grabado en 8 planchas
xilográficas de madera diferentes, que luego había que engarzar. Originalmente destinado a ser la
parte central del Triunfo de Maximiliano. Seis parejas de caballos van guiadas por mujeres que
alegorizan virtudes morales y políticas. El Gran Carro Triunfal. En el Gran Carro Triunfal de
Maximiliano, la corroza imperial actúa como el contenedor que aglutina todas las excelencia del
buen gobernante, que se personifica en Maximiliano al incluir su imagen coronado, acompañada
por los símbolos del cargo. La diosa Victoria, alada con los nombres de las campañas militares

83
 de Maximiliano (Gallis, Ungaris, Bohemis, Elvetiis, Germanis y Venetis), liga con las coronas de
laurel las virtudes mayores de la Prudencia, Justicia, Templanza y Fortaleza a la gracia de la
bondad, la equidad y la inteligencia. Del cordón de una campanilla de aviso, una tarjeta con un
corazón en el centro revela “En la mano de Dios está el corazón del Rey”. Las figuras alegóricas
de la Moderación, previsión, actividad, oportunidad, velocidad, firmeza, energía, virilidad,
valentía, magnanimidad, habilidad y experiencia dan fin a la parábola. El palio que cobija el
emperador se acompaña del águila bicéfala y el Sol junto a cuyos rayos se lee “Lo que en los
cielos es el Sol, lo es en la Tierra el César”.

La simbología solar. En Francia, muy tempranamente los reyes recurrieron a las

representaciones solares a al hora de construir su imagen oficial y pública. La simbología solar
arraiga en la corte de Enrique III, Carlos VI, Enrique IV
y Luis XIII. Si bien alcanza su punto álgido con Luis
XIC, llamado Rey Sol. Este adopta el símbolo solar
desde 1653, s la temprana edad de 15 años. A pesar de
la pluralidad de las imágenes de Luis XIV que los
apologistas del rey construyeron (Júpiter, Hércules,
Alejandro Magno, Carlomagno, Salomón, Constantino,
etc.), sin embargo, el triunfo de la simbología solar es
evidente. Tal y como el astro rey ilumina los planetas,
así Luis XI derrama su luz sobre el mundo. La metáfora
del Rey Sol, que pretende ensalzar la magnificencia de
Luis XIV, fue repetida hasta la sociedad en medallas,
pinturas, esculturas, espectáculos y decoraciones
versallescas. Versalles, en sí mismo, constituía en sí una
Ilustración 9. Palacio de Marly.
alegoría solar o palacio del Sol.

El Palacio de Marly (destruido

durante la Revolución) tuvo carácter
cósmico y solar. A los lados del gran
estanque, se levantaban los doce
pabellones residenciales de la Corte
dedicados a los planetas y presididos
por el gran pabellón del monarca.
Éste fue concebido como Palacio del
Sol, pues Apolo aparecía en los
cuatro frontones de las cuatro
Ilustración 10. Retrato del Rey Sol y familia. fachadas. Pinturas, esculturas y

84
grabados representan como Apolo al rey de
Francia, y los atributos iconográficos de
Apolo (lira, laurel, carro, rayos, luminosidad,
el palacio solar, etc.) pasaron a ser atributos
de Luis XIV.

En la Ilustración 10 (La familia de

Luis XIV de Jean Nocret) vemos a Luis XIV
sentado en su trono, como Apolo, asumiendo
su habitual papel solar: vestido de oro y
coronado de laurel, con el cetro con la
imagen del sol. A su alrededor gira el
Universo. Asimismo, el resto de la familia,
incluidos los infantes, aparece representada
como dioses del Olimpo. A la izquierda, Ana
Ilustración 11. Felipe IV (1621-1665).
de Austria, su madre como Cibeles (madre de
los dioses) y s las derecha, su esposa la reina María Teresa, como Juno, señora del Olimpo.

La simbología solar en la monarquía hispánica. Los reyes de España fueron

representados en numerosas ocasiones mediante el Sol, expresión simbólica del orden universal
impuesto por la monarquía hispánica. Los monarcas de la casa de Austria siempre fueron
identificados como reyes solares, como centro de un universo cortesano que siempre giraba en
torno a ellos. El sol era un astro único e inmortal. Ya hay referencias en tiempos de Felipe II, en
cuto imperio “no se ponía el
sol”. Comparación con el Sol
y el Dios Apolo. El sol era
identificado como el cuarto
planeta.

Ilustración 11: Felipe

IV, rey de España, Portugal,
Nápoles, Sicilia y Cerdeña,
Duque de Milán, Soberano de
los Países Bajos y conde de
Borgoña. También Carlos II
(1665-1700) fue identificado
como el Sol. Con motivo de su Ilustración 12. Retrato de Carlos II recién nacido por Juan Bautista Martínez del
Mazo.

85
 muerte se realizaron algunos de las más
importantes muestras de simbolismo regio a
través de la metáfora solar.

La construcción de la imagen idealizada

de Carlos II “El hechizado” (1665-1700).
Desde su nacimiento se construye una imagen
ficticia de Carlos II tratando de aparentar una
falsa normalidad a través del recurso de la
retórica, la simulación, la apariencia, el
engaño y la persuasión. Retratos cuyo objeto
era la propaganda favorable de un monarca
cuya debilidad era cuestión de Estado, y hacía
necesario ocultarla a toda costa y mediante
toda clase de argucias posibles.

Más adelante tenemos un gran

Ilustración 13. Carlos II por David Teniers III. Museo de Bellas
Artes de Bruselas. simbolismo en Carlos II con la espada al cinto
y como apoya la mano en una mesa sobre la
que descansan el cetro y la corona, atributos
de la realeza y la majestad.

También aparece Carlos II como

imagen ideal como príncipe defensor de la
fe católica y combatiente de la herejía
(Ilustración 14).

Encontramos numerosos retratos de

este personaje, desde los hechos por Juan
Miranda Carreño en 1671, 1681 y 1685.

Ilustración 14. Carlos II como defensor de la fe católica y combatiente de la

herejía.

86
 Retratos de Carlos II por Juan Miranda Cerreño

Las múltiples imágenes del soberano. El carácter sagrado de la persona y de las

funciones reales confiere a su representación una dimensión fuera de lo común. Son múltiples las
imágenes que trataron de ensalzar determinadas virtudes de los monarcas de la época:

1. Imagen del Rey de la guerra como conquistador.

2. Imagen del Rey de la paz como pastor o padre de su pueblo, justo y clemente (figura
salomónica).

3. Imagen del Rey como defensor de la religiosa.

4. Imagen del Rey como defensor de las Artes y la cultura.

La imagen del monarca conquistador. El soberano es descrito a menudo utilizando

adjetivos: “victorioso”, “triunfante”, “glorioso”, “invencible”. Y retratado como un Alejandro as
caballo guiando a su ejército contra el enemigo.

El prestigio de una monarquía se medía por su gloria militar. El recurso a la guerra

constituía una prueba de prestigio político útil para mostrar a los súbditos la propia fuerza y
atemorizar a las potencias rivales.

La imagen empleada para la exaltación del poder del Rey de la Monarquía:

87
 a. Destacan las colecciones de pinturas bélicas encargadas por los monarcas europeos y
exhibidas en sus “Galerías y salas de batallas”, o “salones de guerra” para mostrar el
poder y gloria del soberano y de la Monarquía.

b. Retratos triunfantes de los Reyes como emperadores o caudillos militares.

Veamos, por ejemplo, los casos Español y Francés. Salas de Batallas del Escorial.
Dimensiones considerables de 60 metros de largo por 6 metros de ancho y 8 metros de alto. En
sus muros se representan pintadas al fresco algunas batallas ganadas por los ejércitos españoles.
Presentes pintores italianos como Nicolás Granello, Fabrizio Castello, Lázaro Tavarone y Orazio
Cambiaso (entre 1584 y 1591).

Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. ADELA. Los frentes mayores, orientados
al norte y al sur de dedicaron a la representación de los éxitos bélicos del monarca en 12 grandes
lienzos, llevados a cabo por los pintores más importantes del momento. Escenas bélicas que
narran las continuas guerras de los españoles en diversos escenarios europeos y americanos contra
enemigos dispares. Destacan como protagonistas, no el Rey, sino los capitanes y generales que
ganaron las batallas. En el Muro Norte vemos al Duque de Feria al mando de las tropas de Felipe
IV que consigue liberar del asedio de los suecos las ciudades suizas de Constanza y Rheinfeldel
en 1633. En el Muro Sur vemos, entre otras La recuperación de Bahía de Brasil de Juan Bautista
Maíno.

Salón de la guerra o galería de las batallas del Palacio de Versalles. Retrato de Luis XIV.
Antoine Coysevoux, Luis XIV como emperador romano.

Retratos. Absoluta sublimación de la majestad y del poder guerrero del hombre más
poderoso de la tierra. Detalle “marca de la casa”. Brillo en las armaduras: el brillo del poder.
Modelo de retrato de Tiziano: encarnación del emperador clásico y del caballero cristiano.
Modelo de retrato de Tiziano: Complejo simbolismo que irradia majestad. Contribuyen la pose
de su figura, la armadura, el guante, la espada. Llega el bastón de mando o “bengala”. Exalta la
grandeza del Rey Sol.

Otro elemento fundamental que suelen utilizar los monarcas para hacer propaganda de su
poder son las estatuas ecuestres. Basado en la estatua ecuestre del emperador romano Marco
Aurelio, fue un modelo para la representación de la magnificencia y poder de los monarcas
europeos de la Edad Moderna. El deseo de Luis XIV de ligarse con la iconografía imperial clásica
le llevo a levantar caso dos decenas de estatuas ecuestres suyas. La mayoría fueron destruidos
durante la Revolución Francesa. La necesidad de prestigiar las monarquías absolutas y
despotismos ilustrados y la convivencia de utilizar los espacios públicos para ello favorece la
expansión de la función propagandística de las estatuas ecuestres.

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 La imagen del soberano como figura salomónica. Como un juez sentado en su trono,
el padre de su pueblo, quien es descrito como “justo”, “sabio” y “clemente”. A lo largo de los
siglos XVI y XVIII se empleó el Arte tanto la arquitectura, como la escultura o la pintura para
magnificar el simbolismo de los monarcas como figuras salomónicas (salomonismo).

Felipe II como nuevo Salomón. Vidriera de la Iglesia de San Juan Bautista de Gouda
(Países Bajos, 1557). Felioe II y María Tudor arrodillados frente a la Eucaristía en la Última Cena.
En la corona de Cristo reza “Mira, he aquí al que es el más que Salomón”.

Felipe II y el Escorial: salomonismo escurialense. La vinculación del Templo de Salomón

con El Escorial siempre ha generado cierta controversia. Para algunos autores puede que la
arquitectura del Templo de Salomón haya influido en el proyecto del Escorial. Para otros (por
ejemplo Henry Kamen), es mera especulación. David y Salomón en la Fachada del Escorial.
Fresco en la bóveda de la Biblioteca de El Escorial (1586). Luis IX de Francia, “el Santo” era una
figura popular de su tiempo, tradicionalmente retrato administrando justicia a la sombra de un
roble. Ya en la Edad Moderna, su sucesor Luis XIII, llamado el Justo, parece haber adquirido una
reputación similar.

La imagen de los Reyes como defensores de la fe religiosa. Defensores de la ortodoxia

católica frente a los herejes e infieles. Destaca, sin duda, la monarquía hispánica. En la Monarquía
Hispánica son abundantes las pinturas en las que aparecen retratos reales integrados en obras de
significado religioso. Monarquía Hispánica y Monarquía Sacra. Dios elige y legitima a los Reyes
de España y les favorece, y éstos se convierten en sus defensores y de su Iglesia. Leone Leoni y
Pompeo Leoni: Carlos V dominando el furor (1564). Figura vencida del Furor, en alusión a los
enemigos del emperador, entre ellos los herejes divulgadores de las ideas luteranas y eramistas
(alegoría de la Herejía).

Felipe II: martillo de los herejes. Intransigente guardián del credo católico en Europa.
Vemos Felipe II mostrando a su hijo a la divinidad (1573). Al fondo la Batalla de Lepanto (1571)
y al frente turcos vencidos (Imperio Otomano).

Vemos La Gloria de Tiziano (1552-1554). La Casa de Austria integrada en una visión

celestial. Carlos V y Felipe II como espectadores, arrodillados con gastos piadosos. En la siguiente
obra, Apoteosis de la Virgen con Felipe IV, Mariana de Austria, el príncipe Carlos (Catedral de
Toledo, 1662) de Pietro de Po. Flanqueados por los cuatro continentes, símbolos de grandeza de
la Monarquía Hispánica. A la derecha América y Asia y a la izquierda Europa y África. Felipe IV
señala a la Virgen, protectora de la Monarquía Hispánica. Rodeada por una corte celestial y la
derecha Santiago Apóstol y la izquierda San Miguel Arcángel.

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 Carlos II. Imágenes de claro contenido retórico que expresa de manera alegórico-
simbólica esa imagen ideal como príncipe católico virtuoso, defensor de la ortodoxia y
combatiente de la herejía.

La imagen del soberano como defensor de las Artes y la Cultura. El interés de los
monarcas por hacer propaganda de su grandeza y de su Reino favorece una imagen de éstos como
grandes mecenas de las artes y la cultura. Fomentan la construcción de grandes palacios, que
sirven por sí solos para exteriorizar el poder real, al tiempo que albergan sus espectaculares
colecciones de arte, y escenario de grandes eventos culturales. Felipe II quiso manifestar toda su
grandeza en el Escorial como reflejo de los lazos indivisibles entre Monarquía e Iglesia, así como
el sitio de enterramiento de su linaje. Un edificio que fuese recordado y admirado en toda Europa
e hiciese honor a su memoria. Que pudiese ser comparado con el templo de Salomón.
Espectaculares dimensiones: 33.327 metros cuadrados y 4.000 estancias. El extraordinario
complejo, de rígida unidad y singular arquitectura renacentista comprende un monasterio, palacio
real, basílica, panteón real y biblioteca. El centro del conjunto constituye en la Iglesia, las
habitaciones del monarca y el panteón real. En torno suyo, el monasterio y la biblioteca, y todo
ello adornado con las colecciones reales de obras de arte.

La Biblioteca del Real Monasterio de El Escorial. Simboliza el templo de la sabiduría

donde se encuentran diferentes artes, como sitio de conservación de las distintas colecciones
documentales y bibliográficas, científicas y de curiosidades que atesora, muestra clara del
prestigio cultural que Felipe II quiso dar a este complejo arquitectónico. Considerada una de las
mejores bibliotecas renacentistas del mundo.

Luis XIV. Restauración y ampliación de los palacios reales. La restauración y ampliación

de los palacios reales del Louvre de París y de Fontainebleau en el Loire, y sobre todo la magnifica
construcción de Versalles, tienen como objetivo publicitar la grandeza del monarca. EL incendio
de 1661 en el Louvre ofreció a Luis XIV la oportunidad de su renovación.

A partir de renovaciones constructivas y decorativas de varios monarcas franceses,

incluido Luis XIV, que construyó un conjunto de apartamentos para dar alojamiento a numerosos
cortesanos y transformó loas jardines del Palacio de Fontainebleau (1522-1540).

Palacio de las Tullerías (iniciado en 1564). Iniciado en la segunda mitad del siglo XVI
para la reina Catalina de Médicis, al oeste del viejo Palacio del Louvre. Fue completado durante
el reinado de Luis XIV, y ocupado varias veces por éste. Destruido en 1871 por un incendio.
Castillo de Chambord (1519-1539). Construido para servir como un pabellón de caza para el rey
Francisco I. Tiene 440 habitaciones, 365 chimeneas y 84 escaleras. Rodeado por 52,5 kilómetros
cuadrados que forman un bosque de 31 kilómetros, donde cazaban los monarcas franceses,
incluido Luis XIV.

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 Palacio de Versalles. Símbolo del poder absoluto de la Monarquía Francesa. Luis XIV,
convencido de su función, semidivina, pensó en levantar un ostentoso conjunto monumental que
tuviese un simbolismo capaz de expresar, con su sola grandeza, la riqueza y magnificencia del
Rey, así como el esplendor de la Monarquía Francesa ante todo el mundo. El Rey encargó a Luis
Le Vau un inmenso monumento (edificio “híbrido”, una “mega estructura”) con dimensiones
colosales, numerosísimos pabellones, cuarteles, residencias, palacetes en los bosques, etc. En
1661 empezó la realización de las primeras obras cuyas reformas, demoliciones, ampliaciones,
planes desestimados o interrumpidos por un nuevo plan habrían de suceder durante más de 40
años. El conjunto incluye también juego de aguas, lagos, fuentes, ríos de cascadas, jardines
floridos, balcones, terrazas, avenidas, parques, praderas, portones y rejas gigantescas de hierro y
bronce. A esto le añadirían tríadas de aguas con artilugios novedosos, un jardín zoológico,
animales exóticos, luces e iluminaciones nocturnas, explanada para juegos artificiales…

En Versalles, Luis XIV es el Dios que todos vienen a acatar respetuosamente. Versalles
se convierte en capital, sede del gobierno, residencia de la Corte (desde 1682) y lugar mundano
con fiestas y diversiones casi diarias por el que diariamente circulan unos 10.000 figurantes. Un
mundo entero de lujo, de diversión y de simbolismo, para celebrar ceremonias esplendorosas,
destinadas a impresionar. En primer lugar, a los nobles de la corte, desprovistos ahora del poder
y convertidos, de temerarios, en dóciles y aduladores cortesanos. En segundo lugar, Versalles era
el lugar para recibir un protocolo, pensado hasta el último detalle, a los embajadores o enviados
especiales de las cortes de Europa y a los diplomáticos forasteros con inmenso aparato, a fin de
deslumbrarlos. Además, es en Versalles grandioso se podía ofrecer a los intelectuales de la ´época,
actores de teatros, a los músicos de moda, a los dramaturgos, cantantes y potas, un Auditorio de
calidad única, capaces de aplaudir su talento, su ingenio…

Luis XIV, predado de la zona pantanosa de Versalles (1651), elige este lugar para la
construcción de su sueño, un espectacular complejo palaciego rodeado de magníficos jardines y
bosques. construido sobre un antiguo pabellón de caza, supuso un extraordinario reto técnico y
sobre todo económico. Las dimensiones del Palacio, su Parque y jardines impresionantes: Más de
67.000 metros cuadrados y 700 estancias. Parque de 800 hectáreas, 35 kilómetros de
canalizaciones, 55 estanques y 700 estatuas.

Cámara del Rey. Estancia más importante de Versalles. Es el cuerpo central del edificio.
La decoración se realizó siguiendo un programa iconográfico en torno a los siete planetas, que
dependía de la identificación simbólica que se había establecido entre Luis XIV y el Sol. El 16 de
julio de 1701, Luis XIV toma posesión de su nueva cámara, que queda situada hacia la salida del
Sol, sobre el gran eje solar que tanto marca la posición del gran canal como la del estanque de

91
Apolo. Como la cama del rey es el centro del mundo, la nueva planta general de Versalles aparece
como el ícono perfecto del absolutismo.

La fastuosa decoración de la habitación, con brocado de oro y plata sobre fondo carmesí,
se complementa con cuadros escogidos por Luis XIV, de Le Valentin y Giovanni Lanfranco;
Giovanno Battista Caacciolo; Le Dominiquin; y Antoon Van Dyck. Tenemos la Galería de los
Espejos. Concebida por el arquitecto Jules Hardouin Mansart (1678-1684) con el objetivo de
deslumbrar a los visitantes de Luis XIV. Decoración a cargo de Charles Le Burn. Símbolo del
poder del monarca absoluto.

El Parterre de Agua (1685). De los grandes estanques que reflejan la luz e iluminan la
fachada de la Galería de los Espejos. Diseñados como una prolongación de la fachada del palacio,
como transición a los jardines. Incluye un conjunto de estatuas tumbadas que representan a los
ríos de Francia y varias minas.

Castillo diseñado por el arquitecto Robert de Cotte bajo la orden del Rey siguiendo los
ideales simétricos del Palacio de Versalles. Construido como residencia del director.

Los jardines de Versalles. Luis XIV en 1661 encarga el paisajista André Le Notre, la
creación de unos espectaculares jardinees, que ensalcen la magnificencia de la Monarquía
francesa. Charles Lebrun colabora diseñando varias estatuas y fuentes.

Gran Canal.

Durante el Barroco la jardinería estuvo muy vinculada a la arquitectura, con diseños

racionales, donde cobró preferencia el gusto por la reforma geométrica. Versalles: Jardín
clasicista, ordenado, racionalizado. Reina la simetría. El hombre dominaba la naturaleza.
Organización que ensalza la Monarquía.

El gusto por el Barroco por la teatralidad y la artificiosidad conllevó la construcción de

diversos elementos accesorios al jardín, como grutas artificiales, teatros al aire libre, menageries
de animales exóticos, pérgolas, arcos triunfales, etc. Surgió la orangerie, una construcción de
grandes ventanales destinada a proteger en invierno naranjos y otras plantas de origen meridional.
El modelo de Versalles fue copiado por las grandes cortes monárquicas europeas.

La Orangerie. Sala de Baile (1685). Como un anfiteatro con cascada. El Gran Trianón
(1687). Edificio que permitía a Luis XIV aislarse un poco del bullicio del Palacio.

Fuentes y Estanques. Se construyeron más de 1.000 fuentes con magníficas cascadas y

estanques con espectaculares juegos de agua. Obra muy ambiciosa que exigió complicados
sistema de ingeniería hidráulica y una intrincada red de canalizaciones. Estanque de Latona.
Estanque de Apolo. Representa al Dios Sol conduciendo su carro celeste.

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 Palacio de Peterhof en San Petesburgo (Rusia). En 1714 Pedro I el Grande emperador
de Rusia quiso construir una residencia real que pudiera eclipsar la fama del Palacio de Versalles.

Palacio Real de la Granja de San Idelfonso (Segovia) (1721-1741). Felipe V ordena la

construcción de su “pequeño Versalles” en 1721.

Palacio Real de Aranjuez. Iniciada por Felipe II, obras paralizadas y retomadas por
Felipe V quiñen hace de Aranjuez su Versalles particular, hasta que luego hereda su condición la
Granja de San Idelfonso. En 1748 un incendio destruye casi todo el Palacio que será reconstruido
por Fernando VI.

Cenotafios y panteones reales como propaganda de poder. Las monarquías europeas

de la Edad Moderna, también buscaron en los panteones reales y en los cenotafios (“tumbas
vacías”, monumentos funerarios erigidos en honor de una persona o grupo de personas) una forma
de hacer propaganda como un postrero símbolo de su poder y el de su linaje, . De forma octogonal,
consta de 26 sepulcros de mármol donde reposan los reyes y reinas de España de las casas de
Austria y Borbón (excepto Felipe V u Fernando VI). Simboliza un punto de encuentro entre la
Iglesia y la monarquía, entre la muerte y la vida. Se aprecia una distribución jerárquica y sexual
entre los distintos miembros de la familia regia. Uno de los Cenotafios más importantes de la
época es el de Maximiliano I. Simbolismo: Monumento funerario que, busca la creación de un
monumento político que exaltará el poder de los Habsburgo. En el medio de la nave se sitúa la
estatua del emperador arrodillado y 24 representaciones en relieve de sus hazañas alrededor del
sarcófago. Entre los pilares de la nave 28 figuras de bronce de miembros de la familia de los
Habsburgo. En el medio de la nave se sitúa la estatua del emperador arrodillado y 24
representaciones en relieve de sus hazañas alrededor del sarcófago.

Cenotafio de Carlos V y Felipe II.

Mausoleo de los reyes franceses en la Real Basílica DE Saint Denis (Paris).

Desfiles triunfales: Cosme II de Medici eligió en honor de su esposa María Magdalena

un desfile triunfal por las calles de Florencia, con el motivo de los continentes. Incluye
espectaculares carrozas con temas alegóricas. Tenemos el ejemplo del Desfile triunfal del ducado
de Toscana de 1615.

Los desfiles triunfales forman parte en gran medida de las celebraciones públicas. Suelen
tener motivos alegóricos como en este caso el de los continentes. Alegorías donde aparecen
carrozas de grandes dimensiones.

Otro ejemplo es la Visita del príncipe Urbino en 1616. Carroza espectacular con una
colosal Atlante de más de siete metros de alto, portando a hombros el Orbe, sobre el que campea

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el dios Apolo. El mismo protector de la música y la poesía, el protector de las Musas y de las
Artes Liberales, en clara alusión a su mecenas, el Gran Duque Cosme.

Otros elementos, ya hemos hablado de algunos caballerescos, es este ejemplo del

“Combate en la barrera”.

También tiene cierta relevancia los llamados juegos de cañas fueron una de las
manifestaciones deportivas más populares en el siglo XVII en España, sobre todo durante el
reinado de Felipe IV. Carrera entre varias cuadrillas de jinetes que se asaetaban unos a otros con
lanzas. Las cuadrillas efectuaban cruces y evoluciones combinadas de un efecto muy vistoso. Son
muy vistos en España.

Lo mismo ocurre con los juegos de sortija o cintas. Consistían en meter la lanza, con el
caballo a galope, en un aro colgado en una cuerda, a fin de mostrar la maestría de la equitación.

En España es muy conocido las corridas de torre, pero más allá de entenderlas como son
actualmente, en los siglos XVI y XVII se toreaba a caballo con garrochas (varas largas con la
punta de hierro). Los Austrias eran muy amigos de las corridas de torres mientras que los primeros
borbones no eran muy aficionados a este tipo de juegos, de hecho hay un momento en las que lo
limitan o lo prohíben.

En cuanto a la tipología de las celebraciones públicas:

Las ceremonias de la proclamación real. Fiestas oficiales con dimensión popular en las
que se hace solemne reconocimiento público, un ritual de legitimización del poder. Fiestas con
motivaciones políticas y propaganda monárquica, que refuerzan las vinculaciones de los Reinos
con la Corona. En Castilla, a diferencia de lo que ocurría en otras monárquicas como la francesa
o la inglesa, el nuevo rey no subía al trono mediante el acto de coronación, sino a través de la
llamada “proclamación”, llevada a cabo mediante el alzamiento del pendón o el estandarte real.
El acto de proclamación real solía celebrarse una vez finalizadas las demostraciones de luto del
monarca anterior. El ritual de proclamación del soberano reviste una carácter teatral, como
muchas otras celebraciones de la época. Puede ser considerado una fiesta popular en el sentido de
que libera a las gentes de la rutina, contribuyendo a alterar el paisaje visual y sonoro de la vida
cotidiana.

Ejemplo: Proclamación de Carlos II en Medina del Campo el 1 de febrero de [Link]

celebró en la Plaza Mayor, en donde se levantó un tablado con forma de castillo con cubos en las
esquinas, revestido de lienzos de damasco, terciopelos y lujosas alfombras campeando en él las
armas de las villa. Las nuevas Casas Consistoriales y las casas de la plaza también estaban
profusamente engalanadas para el acto. El Alférez Mayor acompañado por una comitiva de 20
caballeros recibió de manos del Corregidor del pendón real, confeccionado para la ocasión, con

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el fin de hacer la aclamación pública del nuevo rey en plazas y calles. Desde el entarimado se
dieron cuatro aclamaciones, una a cada una del tablado coreadas por el numeroso público, con la
fórmula: “Castilla, Castilla, Castilla. Don Carlos II, Nuestro Rey y Señor viva muchos años”

Las entradas triunfales reales. La fiesta es ante todo una decoración, un combinado de
talentos de pintura, escultura, arquitectura e ingeniería. La imagen tiene un espacio
particularmente en las entradas triunfales de los monarcas con la ayuda de decorados de cartón,
de madera, de arquitecturas efímeras (puertas, arcos del triunfo, obeliscos…). Las entradas reales
consistían en el ceremonial y las festividades que acompañaban una entrada formal por parte de
un gobernante en una ciudad. Se centraba en una procesión que rodeaba el soberano, el cual era
recibido y homenajeado adecuadamente por las autoridades civiles. Seguiría una fiesta y otras
celebraciones.

Normalmente, las autoridades de la ciudad esperaban al monarca y su sequito fuera de las

murallas y después de la ofrenda pública de la entrega de una lave ceremonial con un discurso, el
cortejo era conducido por las calles coloridas, con las casas de ruta engalanadas. La procesión
solía incluir los miembros de diferentes estamentos en la ciudad, con la nobleza y la burguesía de
los alrededores, el clero y los gremios detrás del soberano. En muchos casos suelen seguir el
modelo de una entrada triunfal romana, pasando bajo arcos de triunfo efímeros colocados en la
entrada de la ciudad o en las calles principales.

Dentro de toda entrada triunfal suele transformarse la ciudad. A los arcos del triunfo
acompañan otras construcciones efímeras como arquitecturas pintadas a modo de decorados
teatrales que recrean espacios urbanos o paisajistas. Los construidos con materiales pobres
(madera, telas…) son camuflados con pintura para darles apariencia de piedra o mármol.
Decoración con motivos alegóricos, temas mitológicos, históricos o religiosos. Otros elementos
que enriquecen la fiesta en los desfiles de carros y personajes, juegos ecuestres y torneos,
escenificaciones de asaltos de castillos o batallas navales (naumaquias) a veces también se
incluyen representaciones de comedias y banquetes.

La arquitectura efímera (arcos de triunfo, castillos, arquitecturas pintadas, etc.) constituyó

un verdadero ensayo no sólo formal sino también iconológico de la obra de arte barroca, y con un
amplio contenido emblemático y simbólico.

Ejemplo: Entrada Triunfal de Carlos V en Bolonia el 5 de noviembre de 1529. El 24 de

febrero de 1539, Carlos I de España y V de Alemania era coronado por el Papa Emperador del
Sacro Imperio Romano. La entrada y el desfile fue espectacular, cortejado por tres mil soldados
de los tercios españoles.

Ejemplo: Entrada triunfal de Carlos V en Gante en 1549.

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 Ejemplo: Entrada triunfal de Carlos V en Paris en 1540. Es un momento de crisis con los
Países Bajos y Carlos V tiene que viajar para apaciguar esas tierras y porque es invitado a cruzar
territorio francés, su cuñado le hace una recepción maravillosa que queda guardada para la
historia. La entrada de Paris fue apoteósica, con ceremonias, torneos, banquetes, cacerías., etc. Al
día siguiente visitan el Panteón Real y Carlos V estuvo siete días en París con cortejos.

Ejemplo: Entrada triunfal de Felipe II en Lisboa el 29 de junio de 1581. Combinación de

eventos religiosos y populares. Arquitectura efímera espectacular: más de quince arcos triunfales,
fachadas y artificios construidos. Simbolismo: la entrada triunfal en Lisboa representa
visualmente la idea de imperio y de monarca universal, al celebrar la unión de los dos imperios
coloniales más extensos del mundo, el imperio hispano y el imperio portugués.

Ejemplo: Entrada triunfal de Felipe III en Lisboa en 1619. Uno de los principales
acontecimientos teatrales y barrocos del siglo XVII en Portugal. Por el proyecto del viaje se
levantaron efímeros arcos del triunfo en honor del rey, exaltando el pasado histórico portugués.
Mensaje simbólico: a través de representaciones de dioses de la mitología, alegorías de la Religión
o la Fortuna, referencia a héroes históricos, mitos, armas, escudos, emblemas…

Ejemplo: Entrada de Felipe V en Madrid en 1700.

Ejemplo: Entrada Triunfal de Enrique II en Paris en 1549 y en Rouen en 1599. En la

entrada triunfal de Paris se erigen varios arcos de triunfo y se incluye una batalla naval
representada en el Sena y un torneo. En la entrada triunfal de Rouen se observa al Rey pasando
bajo un arco de triunfo efímero y una representación de batalla naval (naumaquia) en el río.

Decadencia de las entradas reales. Las entradas triunfales van a seguir existiendo pero
durante el siglo XVII las entradas reales comienzan a declinar. Tenemos una serie de causas:

1. Por la tendencia a transferir festividades que implicaban al monarca al mundo privado de

la corte. Los intermezzi italianos, el ballet de cour francés, o los ballets ecuestres; todo
ello hace que las entradas reales declinaran.

2. El ambiente cultural del protestantismo era menos favorable para la entrada real.

3. El miedo a ser asesinados. Los asesinatos de Enrique II en 1589 y Enrique IV de Francia

en 1610, y de otras figuras destacadas, así como la propagación de armas de fuego,
hicieron a los gobernantes más cautos en cuanto aparecían en lentas procesiones
planificadas y publicitadas desde mucho antes. Los gobernantes ahora no hacían más que
mostrarse en una ventana ceremonial o un balcón.

El ritual funerario se presta muy bien a la teatralización y a su empleo como vehículo para
mostrar públicamente el poder y su estatus. Los coros de plañideras, los cortejos de los pobres, el

96
desfile de los parientes y de las armas de difunto, las procesiones de cirios y la abundante
producción de arte efímero, convertían al ritual mortuorio en un espectáculo urbano de primera
magnitud. Cortejos fúnebres y funerales: Cortejo fúnebre al emperador Carlos V en 1558. Incluía
un navío “La Nave de la Victoria” con inscripciones de todos los viajes y victorias que hubo en
la mar y muchas banderas de turcos y moros. En el palo mayor un estandarte con un crucifijo.

Ceremonia de Bruselas: Funerales del Emperador, cortejo con jinetes y caballeros

portando cada uno de los estandartes de los diferentes reinos que conformaron su patrimonio.

Si espectacular es la celebración fúnebre de Carlos V, no lo es menos la de Luis XIV en

1715 hacia la Basílica de Saint-Denis.

Una vez comunicada la muerte del monarca lo habitual es que esa noticia se comunique
a las ciudades, sobre todo a las capitales de provincia que inician el preparativo que va desde la
erección de túmulos funerarios efímeros abarrotados de mensajes simbólicos sobre la realeza,
hasta la organización de procesiones en las que intervienen todas las instituciones seglares y
eclesiásticas, pasando por la celebración de misas por el alma del difunto soberano. De uno de
dos meses tras el fallecimiento. En el caso de España, las exequias reales eran obligatorias y
afectaba a toda la Monarquía hispánica, no sólo a las ciudades castellanas capital de provincia,
sino también a las de los estados de Italia, de Flandes y de los territorios americanos.

Simbolismo:

1. La organización de las exequias simboliza el poder de las ciudades y de las comunidades

que las organizan.

2. Su vinculación ideológica con la Monarquía y su deseo de agradar a la Corona.

Todo ello explica la inversión de elevadas cantidades de dinero para costear las exequias
y las manifestaciones públicas en honor del monarca difunto.

Las ceremonias públicas con ocasión de sucesos políticos y militares. Constituyen otro
tipo de ceremonias públicas, motivo de exaltación popular y en ocasiones muy adecuadas para
exteriorizar los símbolos de poder. Los tratados de paz y las victorias militares era motivo de
alegría para los súbitos de la monarquía. Y la propaganda oficial se encarga de presentarlas como
éxitos de la política estatal, para lo cual se instruía a las autoridades para que dieran la máxima
publicidad a estos eventos y organizaran los oportunos festejos públicos. Toda la sociedad era
convocada para participar en la fiesta y contribuir con su colaboración a ensalzar la monarquía.
Misas, procesiones, corridas de toros, etc., eran los mecanismos para congregar a la gente.

Otras celebraciones públicas de carácter religioso. A parte de las celebraciones públicas

relacionadas con la Monarquía, en la Edad Moderna abundaban las festividades religiosas. Los

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concejos organizan, participan o colaboran en los festejos religiosos y profanos con la finalidad
de reforzar el prestigio social y el poder de los miembros que lo componen. Los elementos de
fiesta religiosa son las procesiones, música, danzas, luminarias, adorno de calles y fachadas de
casas, fuegos de artificio, corridas de torres e incluso en algún caso naumaquias.

Fiestas religiosas ordinarias (anuales): Fiestas patronales, fiestas a otros santos

protectores, Semana Santa, Navidad y el Corpus Christi. El Corpus Christi fue la festividad que
la Iglesia católica conmemoró con mayor apoteosis durante el Barroco. Mezcla de fiesta religiosa
y profana, que aúna actos en el interior de los templos con actos en las calles, con procesiones,
autos y danzas.

El día del Corpus se suele sacar al Santísimo Sacramento bajo Palio, en solemne procesión
acompañado por las autoridades civiles y eclesiásticas de la ciudad. La ciudad suele estar
engalanada. Normalmente la procesión va acompañada por los gremios y cofradías de la ciudad,
con sus instrumentos, danzas e invenciones; así como del repique de campanas y los estruendos
de los arcabuces y fuegos de artificio, que le dan un aire de grandiosidad a la festividad. Son
clásicos los Autos Sacramentales.

Ejemplo: Procesión en Madrid en 1740 del Corpus Christi.

A veces se toma como elemento festivo los autos sacramentales o misterios. Son obras
teatrales, representaciones dramáticas de un solo acto, en verso, con personajes alegóricos (la
Avaricia, la Iglesia, los Pecados, el Hombre, etc.) y de tema religioso como la Eucaristía, la
redención de Cristo, la vida de la Virgen, etc.… Se solían representar para la celebrar alguna
festividad religiosa (sobre todo el Corpus Christi) en la iglesia o en la plaza pública. En el siglo
XVII, autores como Calderón de la Barca se ocupan de su escenificación más fastuosa, y se amplía
el asunto de la temática mitológica. Para su representación se construyen grandes carros que
contienen escotillas, pequeñas plataformas giratorias, y todo lo necesario para una escenografía
complicada.

De forma ocasional también se celebran fiestas religiosas extraordinarias con motivos de

beatificaciones y canonizaciones, conmemoraciones locales, etc. Ejemplo: Centenario de la
canonización de San Vicente Ferrer en 1755. Destaca la celebración de una naumaquia. Las
naumaquias habían dejado de practicarse desde su apogeo en la Roma Imperial. Aunque en la
Edad Moderna se recuperan representaciones ficticias.

Centenario de la canonización de San Vicente Ferrer en 1755. El río se convierte en un

gigantesco escenario. Se hicieron tablados para acomodar al público, acuden 30.000 personas
sentadas. Más de 40 embarcaciones simulando barcos de guerra, recreando una batalla naval entre
musulmanes y cristianos. Se aparece San Vicente Ferrer (por medio de un niño elevado en el aire

98
por una tramoya). Los moros aterrorizados se retiran y se entabla una batalla con fuego de cañones
y fusilería. Vuelve a aparecer San Vicente Ferrer y los cristianos animados abordan a los
musulmanes derrotándolos. Por la noche hay un concierto acuático rematado por castillo de
fuegos de artificio, que se disparó sobre las aguas. Un fingido Vesubio inicia una erupción de
fuego y lava.

1.4 Las Fiestas Reales.

Las fiestas organizadas por la monarquía eran un instrumento político importante, pues
constituían un medio muy útil para exteriorizar la propia gloria de los reyes y de sus monarquías.
Además, mantenían a la nobleza dócil, proporcionándole formas frívolas para que gastaran su
tiempo y su dinero.

En el caso de Francia, en XVI, destacan las fiestas organizadas por Catalina de Médici,
reina consorte de Enrique II de Francia (1547-1559) y Reina madre (1559-1589).

Se puede decir que fundamentalmente en su periodo como Reina madre, inauguró los
fantásticos espectáculos por los que serían famosas monarquías francesas posteriores. Buscaba
reforzar el prestigio real a través de una espléndida exhibición cultural. Catalina creía en el ideal
humanista, y durante su vida fue una gran defensora y mecenas del Arte. Coleccionista de tapices,
mapas, esculturas, muebles, porcelanas, así como de cientos de retratos.

A lo largo del siglo XVII sin embargo estas fiestas que se organizaron fuera del palacio
tienden a interiorizarse. Van a pasar de la plaza a los palacios. Tenemos las fiestas barrocas que
suponían una conjugación de todas las artes, desde la arquitectura y las artes plásticas hasta la
poesía, la música, la danza, el teatro, la pirotecnia, arreglos florales, juegos de agua, etc.

Estas fiestas van a ser un motivo de ensayo para muchos artistas que organizaron fiestas
reales como Bernini, Pietro de Cortona, Alfonso Cano, Sebastián Herrera, en España, aportaron
su talento a tales eventos, diseñando estructuras, coreografías, iluminaciones y demás elementos,
que a enudo les servían como campo de pruebas para futuras realizaciones más serias. En el caso
francés, destaca arlo Vigarini, arquitecto italiano al servicio de la corte desde 1662, el Intendende
de los placeres de Luis XIV hasta 1690. Además, Jean Bérain pintor y grabador, dibujante, etc.,
hacía todo tipo de diseños de figuras y vestuario para hacer los espectáculos de la corte de Luis
XIV.

Un elemento consustancial a estos festejos reales hemos dicho que es el baile, la danza,
la música, el teatro… Se emplean de manera simbólica para hacer propaganda del poder. La
música, la danza y el teatro como propaganda de poder. Durante la Edad Moderna, la música
es un arte reservado a una élite. Compositores e instrumentistas están frecuentemente ligados a la
corte o a familias nobles por relaciones de mecenazgo. En Francia a lo largo del reinado de Luis

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XIV (el Rey Sol) predomina la música majestuosa, apropiada para solemnizar los artos de la
Corte. Versalles es el centro musical; la música se convierte en algo decorativo, a través de la cual
se puede reflejar el sentido de la grandiosidad, la majestad y el aspecto formal.

Las representaciones teatrales, fiestas y bailes en los que Luis XIV participaba
personalmente encarnando personajes que emanaban gloria y poder (Marte, Apolo, Alejandro
Magno, etc.), no tenían solo como objetivo fundamental entretener a la Corte, sino adoctrinarla
como símbolos e imágenes continuas que publicitaban la grandeza del monarca. A finales del
siglo XVI, el principal país donde se otorgaba una cierta importancia a la danza era Francia, con
el denominado ballet de cour. Se utilizaban en la corte francesa era más que nada un acto
propagandístico con el que demostrar la magnificencia de la realeza, o con que agasajar a
visitantes y diplomáticos y donde se valoraban más la escenografía, el porte y la elegancia que la
coreografía o la habilidad física. Desde muy joven, Luis XIV fue muy aficionado a la danza. En
1661 fundó la Academia Real de Danza. Siguió participando como bailarín de ballet hasta los
cincuenta años, EN 1669. Año en el que funda la Academia Real de la Música.

Ejemplo: El ballet Real de la noche del 27 de febrero de 1653. Representado en el Louvre.

Al rey le gustaba aparecer en los numerosos ballets que se representaban en la corte., Mazarino
ideó el ballet de la Noche, destacando las cualidades de bailarín del joven rey de quince años. Los
asesores de imagen del rey usan la danza para enaltecer su figura, aplicando la metáfora teatral al
ejercicio político de Luis. Luis XIV representaba seis papeles, entre los que destacaba el “Sol
Naciente”, totalmente simbólico, con un sorprendente traje.

La metáfora del Sol que se eleva representaba al rey: Luis XIV aparecía como Apolo, el
sol triunfante, vencedor de los rebeldes de la Fronda en la guerra civil. Vestuario: un curioso y
ardiente vestido de llamas rojas y el de una estrella matutina, todo ello para triunfar en la figura
del Sol.

El ballet de la Noche reunía todos los tipos de espectáculos posibles, todos los tonos
(poético, realista, burlesco, pastoral, erótico, mitológico, alegórico…), y todos los géneros
(comedia, mimo, danza, canto).

Es el barroquismo en estado puro: trajes suntuosos o burlescos, cambios de decorados a

telón abierto, tramoya, transformaciones, metamorfosis, trucaje…

Psicológicamente Luis XIV es considerado un megalómano. Tenía una colección de

calzado de ballet decorado con suntuosos adornos de más de 2.500 pares de zapatos.

Las grandes fiestas de la Corte de Luis XIV. Ejemplo: Fiesta del Gran Carrusel de las
Tullerías. El 5 de junio de 1662. Diez mil espectadores contemplaron desde el anfiteatro diseñado

100
por Vigarani un espectáculo en el que Luis XIV aparecía disfrazado de emperador romano. En
total había cinco equipos de jinetes compitiendo en una demostración de destreza al frente.

Los equipos combatientes se distinguían por el color y lujo de sus trajes. En esta ocasión
un total de 655 caballeros desfilaron en torno al recinto para que los espectadores pudieran
admiraros. Después comenzaron las diferentes competiciones:

 Courses de tetes (los jinetes tenían que descabezar a un muñeco con su lanza).

 Course de vagues (ensartar anillas y juegos de sortijas).

 Luchas de espada

Realmente, las verdaderas fiestas reales de Luis XIV son las fiestas de Versalles. Mucho
antes de que Luis XIV terminara de construir el Palacio de Versalles, los jardines del Palacio ya
se habían convertido en los escenarios de fiestas famosas de Europa. Las fiestas campestres del
Rey Sol celebraban las victorias militares, nacimientos y bodas (y, extraoficialmente, honraban a
la amante de Luis XIV en aquel tiempo).

Las Fiestas de Versalles: Pomposa y disparatada exhibición de lujo, derroche y altanera

soberbia. Primera gran fiesta de Versalles (7 a 13 de mayo de 1664). Luis XIV organiza en honor
a Ana de Austria, su madre y de la Reina María Teresa, una fiesta sobre el tema novelesco de la
maga Alcina que mantiene prisioneros en su palacio a Roger y a sus valientes caballerescos. El
amor, la acción y la magia del tema invitan a la Corte a soñar. La fiesta está dedicada en realidad
a la duquesa de La Vallière, amante del rey.

Se llamó a este octavario de placeres: “La isla encantada”. La celebración forja

definitivamente el mito de Versalles como lugar de festejos. Combina torneos al aire libre, con
desfiles simbólicos; representaciones teatrales; ballet nocturno con fuegos artificiales; una lotería
con soberbios premios. Comedia galante, que mezcla música y ballet, sobre texto de Molière y
música de Lully.

Ballet del palacio d’Alcine. Ballet con composición de Jen-Baptiste. Quema del Palacio
de Alcina en unos magníficos fuegos artificiales orquestados por Vigarani. Una sorprendente
ballena flotante con sus dos ballenatos delante, llevan a Alcina y sus sirvientes.

Otra gran fiesta de Veralles fue “El Gran Divertimiento Real” de 1668. La celebración
por la victoria ante España era el objetivo de esta fiesta. Aunque realmente parece que se trata de
homenajear a la segunda amante del rey, una dama de la reina, la marquesa de Montespan. Fiesta
multitudinaria con muchos invitados, cerca de 3.000 y todos disfrazados. En el bosque de la
Estrella se alzaban 5 colosales buffets. Tenían formas de pirámides, de montaña rusa, de colina

101
artificial, de rocas puntiagudas, de bosque en miniatura. La viandas, los pescados, las bebidas, los
postres se amontonaban en cada uno de estos puestos gigantescos, iluminados de diversos colores.

Se construyó un teatro improvisado en cartón piedra dorado para simular mármol y

lapislázuli, con capacidad para 1.200 personas sentadas. Iluminado por cientos de velas en
candelabros de cristal fue escenario para una comedia de Molière (George Dandinel). Después el
rey y la corte disfrutaron una cena que constaba de cinco cursos de 53 platos diferentes cada uno.
Como todas las celebraciones reales importantes, la fiesta de 1668 terminó con una exhibición
deslumbrante de pirotecnia.

La tercera fiesta que queremos ejemplificar es la Fiesta celebrada por Luis XIV para
celebrar la reconquista del Franco Condado en julio y agosto de 1674.

Serie de seis fiestas que incluyó varias producciones teatrales, puestas en escena en el
parque de Versalles en teatros temporales.

Festín en la mesa puesta alrededor de la fuente del patio de mármol. Grabado de Jean de
Pautre.

Las fiestas funcionaban como laboratorios de experimentación artística. La elaborada

decoración se levantaba y desaparecía durante la noche daba a los equipos de renombrados
arquitectos, compositores, decoradores, expertos en pirotecnia y jardineros, la oportunidad de
probar e implementar nuevos estilos y tendencia, cuyo éxito o fracaso podría hacer o deshacer la
carrera de la persona responsable. Estos grandes golpes de efecto de Luis XIV eran también un
instrumento político importante. Además de mantener a la nobleza dócil, proporcionándoles
formas frívolas para que gastaran su tiempo y dinero, el Rey Sol utilizaba las fiestas como un
medio para difundir su propia gloria a través de las cortes de Europa. Los grabados por encargo
del rey con suntuosas procesiones y fuegos artificiales espectaculares proclamaban al mundo la
intención de Luis XIV de gobernar como un monarca absoluto, así como su apogeo cada vez
mayor en Versalles y sus jardines.

Además de estas tres grandes fiestas solemnes, Luis XIV era amante de pequeños festejos.
Para relajarse, Luis XIV inventó el privilegio de ser invitado, los martes, jueves y sábados, un
festejo íntimo en los salones privados del monarca, soberbiamente decorados y repletos de
colecciones artísticas de exquisito gusto. Los invitados variaban cada día. Primero se jugaba una
partida de billar que era una pasión favorita del rey. Después venía la fiesta nocturna, a la que
asistían tres o cuatro docenas de personas. Cada noche había un programa diferente: una comedia
de teatro, unos juegos de azar y loterías, conciertos de música, bailes de disfraces. Todo en petit
comité, sin los miles de invitados de las fiestas solemnes. El rey se retiraba a las doce en punto
de la noche.

102
 La construcción del Palacio de Marly (1678-1688), a 6 km de Versalles, tuvo como origen
ese deseo del rey de poner más distancia por medio entre el mastodóntico Gran Versalles y las
pequeñas fiestas nocturnas que le servían de expansión y relajamiento. La norma de Marly era
invitar a no más de cincuenta personas cada noche. Marly constituyó el rincón escondido que Luis
XIV cuidaba por particular esmero y en el que se divertía alejado de la monótona cantinela de los
asuntos de Estado que se llevaban la mayoría del tiempo de cada día.

Por último, otro elemento de carácter festivo que utilizaba eran las Recepciones a las
embajadas en Versalles. La suntuosa recepción en la Galería de los Espejos por Luis XIV
demuestra la dimensión política que alcanza el Palacio. El 15 de mayo de 1685, Francesco Mario
Lercaro hace su entrada solemne en la Galería de los Espejos.

Ejemplo: Recepción del Dogo de Génova en 1685. El Dogo visitará durante diez días
Versalles: los grandes aposentos, los jardines, los animales del Zoo, el amplio Canal, Trianón.
Luis XIV le regalaba una caja revestida de retratos magníficos y varios tapices. Los cuatro
senadores que le acompañan reciben su retrato adornado con diamantes.

Ejemplo: Recepción de la embajada de Siam en 1686. Con la recepción de los

embajadores del Rey de Siam, Phra Narai, se pretende extender la influencia de Francia más lejos.
Luis XIV quiere asegurarse a un nuevo aliado en lucha contra Holanda. El fasto desplegado con
motivo de la recepción de la embajada de Siam es una nueva demostración de la gloria del Rey
Sol. La embajada llega el 1 de septiembre de 1686. 1.500 personas están presentes. El mobiliario
de plata vuelve a estar sobre el estado real. Los embajadores, ataviados con sus extraños
sombreros de punta, se inclinan ante el Rey como si fuese un Dios vivo.

Ejemplo: Recepción de la embajada de Persia en 1715. La embajada de Persia fue al

tercera y última recibida por Luis XIV en la Galería de los Espejos. El Rey despliega entonces
una última manifestación de su fasto. En la Galería de los Espejos se habían montado cuatro filas
de gradas para instalar a los cortesanos. Sólo los más ricamente ataviados podían entrar. Cuidando
su imagen, Luis XIV iba vestido con un traje negro y dorado cubierto de diamantes, valorado en
un total de 12.500.000 libras, una cantidad astronómica. El traje pesaba tanto que el rey tuvo que
cambiarse después de la cena.

2. Imagen y justificación simbólica de la nobleza.

De la misma manera que hemos visto a los monarcas utilizar la imagen como una
justificación de su poder, la nobleza no va a ser menos. Esta, como grupo privilegiado de la
sociedad de Antiguo Régimen, empleaba toda una serie de signos y rituales de distinción social,
conducentes a lograr una justificación simbólica. Se trataba de lograr su perpetuación como grupo
privilegiado así como hacer ostentación pública de su poder y riqueza ante el resto de la sociedad.

103
 a) Las Casas de Campo aristocráticas. Durante la Edad Moderna, sobre todo desde 1600,
la casa de campo aristocrática va perdiendo su función militar y adquiere un nuevo papel como
lugar de elegante bienestar y descanso de las presiones de la vida pública.

La casa debía de dejar bien a la vista el éxito de la familia y su categoría social. Era a la
vez un espacio generador de identidad para los miembros del linaje y un soporte escenográfico
para la exhibición de poder hacia extraños, su familiaridad con las ideas avanzadas y su riqueza.

La nobleza del norte de Europa (danesa, polaca, francesa del norte y especialmente
inglesa), prestó toda su intención y dinero a la casa de campo.

Ellos compraban o arrendaban una casa en la ciudad, especialmente en las capitales como
Paris o Londres, pero solo vivían en ella unos pocos meses al año. Las casas de campo eran
viviendas principales. Sin embargo, en la Europa mediterránea (España, Portugal…),
especialmente en España e Italia, destacaba la ciudad y por lo tanto la casa urbana en la que vivían
la mayor parte de su tiempo. Las casas de campo españolas o las villas italianas eran simplemente
un lugar para que la familia pasara algunos meses del año.

Eran casas, por lo general, más grandes de lo que necesitaba para alojar a la familia y los
sirvientes. Construidas de tal manera que los dueños pudieran tener invitados a gran escala, por
ejemplo para recibir al rey, de hecho en ocasiones tenían un habitación reservada para este. Los
grandes y bellos parques y jardines de las casas aristocráticas también evidenciaban el amor por
el ocio y lo lúdico.

Ejemplo: Palacio de Vaux-le-Vicomte. Fue construido (1657-1661) por Louid Le Vau

para Fouquet, Ministro de Finanzas del Rey Luis XIV. La decoración interior corrió a cargo de
Charles Le Brun, y el jardín fue diseñado por André Le Nôtre. Está formado por un pabellón de
planta alargada con dos pequeñas alas laterales en su fachada principal rodeando al conjunto un
foso. En el centro del palacio destacan dos salones. El de la parte delantera es un vestíbulo
decorado con columnas y tras él se dispone un gran salón ovalado cubierto por una inmensa
cúpula, que sobresale del resto del palacio y lo integra en el parque. Em lugar de la tradicional
galería. Le Vau usó por primera vez un salón ovalado con una enorme cúpula.

Este salón a la italiana es único en la arquitectura francesa. A ambos lados del salón
ovalado se hallan, por una parte, los apartamentos del propietario (Fouquet) y por la otra, los
destinados al rey que no debían faltar en las casas novles para cuando visitaran el palacio.

Entre la decoración interior, que corrió a cargo de Le Brun, destaca el dormitorio del rey,
que supuso el punto de partida del futuro esquema decorativo de Versalles (estilo Luis XIV), pues
este artista fue el máximo responsable de la decoración de este palacio.

104
 Ejemplo: Chateau de Chantilly. Construido entre el siglo XIV y XIX, perteneció a las
familias de Orgemont, de Montmorecny, de Borbón-Condé, y de Orleáns. En 1632 la propiedad
pasó al Príncipe de Condé (título nobiliario francés).

Casas de campo aristocráticas inglesas: La country house. Tipología de palacio inglés,

residencia principal de una familia correspondiente a la aristocracia en un entorno rural.

Ejemplo: Wentworth woodhouse. Casa de campo de Torkshire de sur, en el centro de

Inglaterra, conocida como el Versalles inglés, debido a sus dimensiones (más de 300 habitaciones
y finca de 250 has.). Se inició en 1725 `por Thomas Watson-Wentworth, sobre un edificio del
siglo XVII (de los condes de Strafford).

En el caso italiano, dentro del modelo mediterráneo, las villas de la aristocracia no tienen
esa función de vivienda habitual. En la Europa mediterránea, destaca la ciudad y por tanto la casa
urbana. Los que los italianos llamaron el palazzo, palacio, era la casa en la ciudad, el lugar donde
la familia pasaba la mayor parte de su tiempo. La villa, especialmente en la Toscana y el Veneto,
era más modesta, pues era simplemente un lugar para que la familia pasara los meses cálidos del
año.

Las Casas de Campo de la familia Médici. Antiguos palacetes enclavados en mitad de la

naturaleza en los que la nobleza portuguesa pasaba sus vacaciones y celebraba ostentosas fiestas.

Las quintas de la nobleza portuguesa. Antiguos palacetes enclavados en mitad de la

naturaleza en los que la naturaleza portuguesa pasaba sus vacaciones y celebraba ostentosas
feistas.

Con el establecimiento fijo de la corte en Madrid (1561), la nobleza española se hace

cortesana y tiende a vivir en la capital, cerca del Rey. Los monarcas residían en sus palacios
urbanos pero también pasaban pequeños periodos de tiempo en palacetes de campo y fincas de
recreo próximas a la capital. Imitando a la realeza la aristocracia española crea el concepto de
Quintas de recreo. Viven en palacios urbanos en el centro del Viejo Madrid y pasan pequeñas
temporadas en el campo en los alrededores de la capital en una casa con un parque y jardines de
recreo. La nobleza de provincias también imita este concepto. Se trata de villas suburbanas de
recreo, un tipo de residencia rural destinada al ocio. Disponen de edificios, jardines geométricos
en terrazas, huertas o terrenos agrícolas y espacios abiertos (bosques y prados). Tampoco faltan
fuentes y estanques, bancos, rotondas, exedras, etc.

Ejemplo: Quinta de Canillejas o de Aguiar (actualmente Quinta de Torre Arias). Antiguo

camino Real a Alcalá. Afueras antigua villa de Canillejas. 8 kilómetros de Madrid. (1580-1602).
I Conde de Villamor (García de Alvarado Velasco). Torre al suroeste, función:

105
  Dominio del paisaje y disfrute de las vistas.

 Símbolo señorial al exterior.

Ejemplo: Palacio de Sotofermoso, en Abadía (Cáceres). De la casa ducal de Alba desde

mediados del siglo XV.

Ejemplo: Quinta del Duque de Arco. Casa de campo aristocrática a las afueras de Madrid.
Siglo XVIII: En 1745 la duquesa dona la finca a Felipe V, para el Pardo).

Ejemplo: Quinta del Capricho (1787-1839). Construida por la duquesa de Osuna (M.ª.
Josefa Pimentel y Téllez). Barrio de Alameda de Osuna (Barajas). Noroeste de Madrid.

En el siglo XIX sigue evolucionando este ejemplo de quinta de recreo y se extiende a la

alta burguesía, que construye bellos palacetes o casas-jardín en los alrededores de Madrid, sobre
todo en las zonas de Canillejas y Chamartín de la Rosa, de los Carabancheles, Canillas y
Hortaleza, e incluso en lo que es hoy el paseo de la Castellana.

Palacetes de campo. Fincas de recreo de Felipe II. Concebido como pabellón.

Ejemplo: Casa del Bosque de Segovia o de Valsaín (1552-1562). Ubicado en una belleza
cona al noroeste de la Sierra de Guadarrama, de saludable clima. Influido por su viaje por los
dominios de su padre, donde visitó Flandes y Países Bajos (1548-1554), Felipe II hace la última
reforma (1552-1562), convirtiendo el edificio en un suntuoso palacio flamenco.

Ejemplo: Real Sitio de El Pardo (Madrid). 1547-1558. Inicia las obras Carlos V en 1547
y las continúa Felipe II con el impulso del arquitecto Juan de Vergara. A Felipe II se deben
cubiertas de pizarra, así como los emplomados, para cuyas obras se hicieron venir oficiales
flamencos y plomeros ingleses.

Cigarrales de Toledo. Fincas señoriales de recreo. Quintas o casas de campo situadas a

orillas del Tajo. Con cerca de piedra o tapial, encierran una casas de campo rodeada de
jardines con fuentes y estanques, utilizadas como lugar de ocio y descanso de las clases
pudientes (nobleza y burguesía).

b) Los parques y jardines de las casas de campo aristocráticas.

Desde 1600 la nobleza se sintió cada vez más atraída por crear grandes espacios privados
alrededor de la casa de campo para separarse físicamente de los aldeanos ordinarios. Esta
separación obedece a fines ideológicos: subrayaba la diferencia de rango entre el hacendado y los
insignificantes aldeanos que rodeaban y destacaba la elocuente ociosidad de que disfrutaba el
propietario al eliminar de su vida los terrenos de cultivo.

106
 A medida que se desarrollan las nueves ideas de confort y elegancia, las viviendas
aristocráticas evitaban la proximidad con las granjas. La moda de crear parques alrededor de las
casa de campo aristocráticas llega más lejos de Inglaterra o en Francia, donde se llega a ocupar
varias hectáreas a costa de destruir pueblos enteros. Por ejemplo, Fouquet, ministro de Finanzas
de Luis XIV, en 1660, ordenó a eliminar 3 aldeas para dejar espacio para el parque de su vallado
de su casa de Vaux-le-Vicomte.

Los parques y jardines de las casas aristocráticas expresaban una serie de ideas:

1. Evidenciaban los ideales de intimidad y los conectaban al concepto de clase.

2. Expresaban un disfrute refinado de los elementos, pues contenía una naturaleza

gobernada correctamente.

3. Expresaban una preferencia por lo lúdico.

En Francia, primero en el Renacimiento y luego durante el Barroco, en sus villas y

chàteaux establecieron un modelo de jardines caracterizados por:

1. La formalidad, simetría y artificiosidad de sus formas.

2. Diseño de complicadas plantas geométricas, cuidadosamente configuradas.

En contraste con estos aspectos, en el siglo XVIII el jardín inglés introduce el concepto
de lo natural, sustituyendo los jardines regulares franceses y las normas geométricas.

3. Eliminación de fronteras entre el jardín y la naturaleza, sin uso de líneas rectas, de forma
que consigue la apariencia de un paisaje natural, salvaje.

4. Los parterres y terrazas se transforman en suaves praderas y grupos de árboles aislados,

con imitaciones de grutas, templos griegos, estanques, etc.

Ejemplo: Los jardines del Chateau de Villandry (Valle de Loire). En 1536, Jean le
Breton, secretario de Estado de finanzas del rey Francisco I, edificó el palacio castillo sobre una
antigua torre fortaleza del siglo XII. Le Breton había vivido un tiempo en Italia donde se interesó
por el arte de la jardinería y en su posesión de Villandry se decidió a poner en práctica lo
aprendido, obteniendo un resultado realmente maravilloso.

Dentro de las características del jardín italiano destacan:

1. Parterres, escaleras que unen diferentes terrazas.

2. Empleo de esculturas, fuentes y estanques.

3. División matemática del espacio dominado por la geometría y la simetría.

107
 4. Boj y mirto como arbustos principales.

La estructura general del jardín parte de tres terrazas escalonadas:

1. En la terraza más alta se sitúa el jardín del agua con un gran estanque del que cae el agua
por gravedad al resto de la propiedad. De inspiración clásica busca su función como un
espejo reflejante, que as u vez aparece rodeado de praderas, plantas y árboles.

2. En la terraza intermedia aparece el jardín ornamental dividido a su vez en tres secciones:

el jardín del amor, el jardín de las cruces y el jardín de la música.

3. En la terraza baja está el famoso huerto que ha dado fama mundial a los jardines de
Villandry y el jardín de las plantas medicinales y aromáticas.

Ejemplo: Jardines del Palacio de Vaux-le-Viconte. El complemento indispensable del edifico era
el jardín que fue diseñado por Le Nòtre. Supuso el primer ejemplo de mansión proyectada en
intima unión y armonía con la naturaleza, y el modelo a seguir en Versalles. El parque se
encuentra dividido por un eje central de simetría, a cuyos lados se disponen los distintos parterres
con bordados de boj, fuentes, céspedes, bosquecillos y estanques. Sigue el modelo de jardines
regulares franceses: artificialidad de sus formas. Típico geométrico y estructurado jardín francés
del siglo XVII (lleno de laberintos perfectamente recortados, decoración de fuentes y estatuas,
etc.)

Jardines casas de campo inglesas. Wentworth woodhouse:

 Eliminación de fronteras entre el jardín y la naturaleza, de forma que consigue la

apariencia de un paisaje natural, salvaje.

 Los parterres y terrazas se transforman en suaves praderas y grupos de árboles aislados.

 Templos clásicos, estanques, etc.

Las colecciones de retratos de la nobleza. En el XVII toda vivienda nobiliaria que se

preciase poseía una colección de retratos que representan a los antepasados de la familia y a
menudo a otras figuras notables. Los retratos permitían exponer públicamente la gloria y estatus
de la familia y un medio de transmisión del sentido de linaje a las generaciones venideras. Retratos
de individuos lujosamente vestidos al lado de símbolos de pujanza y de riqueza temporal. En las
casas de campo inglesas era característica la gran galería, usada en parte para exponer los retratos
familiares y así impresionar a los visitantes.

La reunión de retratos en galería también funcionaba como una marca de nobleza,

atestiguando la existencia de antecesores que avalaban la nobleza personal y eran ejemplo para
generaciones posteriores.

108
 El mantenimiento transgeneracional de algunas colecciones de retratos evidencia la
existencia de unos auténticos programas artísticos familiares. Grandes retratistas como Tiziano,
Rubens o Van Dyck trabajan para la nobleza. En el caso de Van Dyck, fundamentalmente para la
aristocracia genovesa y la inglesa. Así, tenemos ejemplos como es el caso de la Condesa de
Oxford, de Van Dyck o el Conde Enrique de Bergh por Van Dyck.

La alta nobleza, por emulación a los reyes, empieza a reunir grandes colecciones de arte.
Entre esas míticas de la alta nobleza española destaca la del Valido de Felipe III, Francisco de
Sandoval y Rojas I, duque de Lerma. Con su vanidad y afán de emular al rey llegó a poseer casi
2.800 obras de arte. La Colección de arte de los marqueses de Carpio, iniciada por D. Luis Méndez
de Haro, VI marqués de Carpio, y primer ministro de Felipe IV. Éste tenía a los embajadores
españoles trabajando como agentes artísticos en todos los países, adquiriendo pinturas para Felipe
IV, de las cuales él se quedaba algunas, incluidas auténticas obras de arte de Tiziano, Tintoretto,
veronés, Rafael, Corregio, Durero, Rubens o Van Dyck, base de su colección familiar. Su hijo,
Gaspar de Haro, VII marqués de Carpio, convierte dicha colección en la primera de España
después de la del rey, con más de 3.000 cuadros. Su cargo como embajador en Roma y de Virrey
de Nápoles, las dos capitales del arte italiano en el siglo XVII facilitaron su labor de adquisición
de obras de arte.

El conde de Monterrey, embajador en Roma y Nápoles, D. Juan Alfonso de Pimentel

(1576-1621), conde duque de Benavente, o D. Juan Alfonso Enríquez de Cabrera y Colonna
(1600-1647), IX Almirante de Castilla, también fueron otros grandes coleccionistas de obras de
arte.

Por otro lado, tenemos el coleccionismo de objetos. En el XVII entre los espíritus
caprichosos de la nobleza hubo una verdadera fiebre por el coleccionismo por cualquier serie de
artilugios u objetos que alguien pueda imaginar: calaveras enanas, relojes, autómatas, fósiles,
ídolos aztecas que se traían de América, conchas marinas, estatuas romanas... Las colecciones se
acumulaban en las lujosas cámaras de sus mansiones y ellos competían orgullosos por mostrarlas
a todo el mundo. La nobleza no hacía con esta costumbre otra cosa que copiar a los reyes, que
eran los primeros en acumular objetos y artefactos para su distracción. Ejemplo: La Vista de Jan
Brueghel y Rubens de 1617.

c) Fiestas de la Aristocracia. Invitaciones Reales.

El poder y la riqueza de la alta nobleza europea de la época también se exteriorizaba

ofreciendo espectaculares fiestas, en las que en ocasiones incluso era invitado el Rey y su Corte.

17 de agosto de 1661. Invitación de Nicolás Fouquet (Ministro de Finanzas) al Rey XIV

(23 años) y a toda la corte (alrededor de 600 cortesanos) para celebrar la inauguración del palacio

109
de Vaux-le-Vicomte. Esta fiesta tuvo un gran esplendor. Destaca el programa de los festejos.
Espectáculos en los que se utilizaron la últimas técnicas del momento como son el teatro, los
espectaculares banquetes, los fuegos artificiales y la música.

El Gran Banquete. Vatel, como maestro de ceremonias de su señor, organiza una

grandiosa y suntuosa fiesta, seguida de una cena de ochenta platos, treinta mesas de buffet y cinco
servicios de faisanes, codornices, perdices… Gran Banquete Se sirvieron especialidades de
Oriente nunca probadas en Francia, así como nuevos platos especialmente creados para la ocasión.
Todo servido en una vajilla de oro macizo creada expresamente para la familia real junto a otra
de plata para el resto de la corte.

Música, teatro y comedia-ballet. Los invitados disfrutaron del servicio mientras más de
ochenta violinistas interpretaron obras de Jean-Baptiste Lully, compositor favorito del rey.
También se escenificó Les Fâcheux, una comedia-ballet fruto de la colaboración entre Molière y
Lully, compuesta para la ocasión.

Fuegos de artificio. De madrugada, el rey de Francia admira una sesión de fuegos de

artificio sobre el canal, y luego sobre la cúpula del palacio.

Luis XIV quedó tan impresionado, que hizo llamar a todos los artistas que intervinieron
en su construcción y decoración (Le Vau, Le Brun, Le Nôtre...), para que emprendiesen la
construcción del nuevo palacio del rey en Versalles. Además, la naturaleza de las fiestas que allí
se daban despertó en Luis XIV el deseo de levantar un conjunto parecido que representara la
apoteosis de las artes y sirviera de floración al escenario de las letras y del teatro francés. La
construcción de Versalles fue, en cierto modo, una consecuencia del esplendor arquitectónico de
Vaux-le-Vicomte.

Cuando el monarca vio la impresionante obra arquitectónica se sintió humillado por el

derroche de lujo y ostentación del conjunto, que superaba ampliamente a cualquiera de las
propiedades de la corona, que por entonces no eran más que palacios ruinosos y desfasados. Ello,
junto con la suntuosidad del festejo desborda la copa de la envidia del rey, y pronto Fouquet, es
acusado de malversación de fondos y condenado al destierro perpetuo. Se trata de una muestra de
la implacable autoridad del monarca.

23-25 de abril de 1671. Visita de tres días de Luis XIV y su corte al castillo de Chantilly.
Conocida como la “fiesta de los tres días”. El Príncipe de Condé, caído en desgracia después de
haber participado en la rebelión nobiliaria de la Fronda contra Luis XIV y al borde de la ruina,
invita al rey y su corte. Con Luis XIV se trasladaron a Chantilly, su esposa, el hermano del Rey
y miembros de su Corte, en total, alrededor de dos mil personas. Fiesta de tres días y tres noches,
incluyendo sus tres respectivos banquetes, ofrecida por el Príncipe de Condé para seducir al rey,

110
y escenificar esta reconciliación estratégica ante toda la corte. Esta recepción, llegaría a costar
50.000 escudos reales. Tenemos danza, ópera, fuegos de artificio, espectaculares escenarios y
originales banquetes. Hubo una gran diferencia de menú para cada uno de los cinco servicios que
cada día se sirvieron, diseñados todos por el maestro de ceremonias, Vatel. Diseñó los menús y
las puertas en escena que lograban asombrar a toda la corte de Versalles. Supo organizar
espléndidamente los espectáculos de ópera y danza, el montaje de los escenarios y sesiones de
pirotecnia. Todo ello en un marco incomparable de escenarios diversos tras los que se escondía
una complicada maquinaria de cuerdas, poleas, engranajes y telas pintadas, que permitían una
puesta en escena espectacular, incluyendo artificios que permitían volar a los actores.

1. Para el primer día se evoca la gloria al Sol, abundancia de la naturaleza, pájaros,

mariposas, frutas y flores. Espectaculares escenografías en un ambiente exótico con
danzas.

2. Para el segundo día había un banquete con fuegos de artificio sobre el lago del chateau
de Chantilly. Simbología: el Sol destrona a la noche. Glamoroso banquete con una mezcla
de música, espectacular escenografía e increíbles efectos pirotécnicos.

3. Para el tercer día hay un banquete de pescado presentado en un mar de hielo. Simbología:
el tributo de Neptuno a Helios, el Dios del Sol.

Horas antes de que se celebrara la cena, debido a problemas de transporte, el pescado y

los mariscos brillaban por su ausencia. Vatel, incapaz de asumir la desgracia que supondría para
el príncipe Condé el no poder agasajar al rey con el banquete previsto, se dirigió a sus habitaciones
y, se suicidó. Al final, el pescado pescado llegó, y fue Gourville, Intendente del Príncipe de Condé
quien ocupó el lugar del Gran Vatel. El banquete fue todo un éxito.

Otros símbolos externos de distinción social. Tenemos lujosos carruajes, vestimenta

lujosa y a la moda y alimentación rica y exótica. No sólo la alta nobleza proyectaba su imagen de
distinción social. La mediana y pequeña nobleza también desplegó toda una serie de a fin de
publicitar su preeminencia social y estatus privilegiado. En el caso de España, dentro de la
pequeña o baja nobleza tuvo gran relevancia la denominada Hidalguía.

d) La Hidalguía: inversión en “signos” o símbolos de prestigio y notoriedad. En su afán

de consolidarse como una auténtica elite de la sociedad gallega, la hidalguía, acostumbra a hacer
una fuerte inversión en una serie de complejos “gestos”, o de símbolos de prestigio y notoriedad,
a través de los cuales los hidalgos daban fe pública de su posición, posición, preeminencia social
y estatus privilegiado.

La morada: auténtico espejo del poder económico y social. Las pousas y pazos hidalgos,
además de moradas residenciales, actuaban como instituciones económico-sociales de las

111
familias, y poseían un rol simbólico de gran trascendencia, como emblema de estas elites, pues
eran:

1. Centros de explotación y administración del territorio a la par.

2. Sedes de un linaje.

Por lo que se configuraban como auténticos referentes simbólicos. Una minoría muy
selecta de hidalgos moraba en construcciones, cuyo tamaño, suntuosidad y calidad artística,
autorizan a emplear el término pazo a la propiedad.

Los muros que rodean a muchos pazos, con su portalón de entrada blasonado, junto con
la pétrea escalinata que conduce a la mansión, mansión, son los primeros elementos que sirven
para marcar las distancias, en un afán de diferenciarse del conjunto de la comunidad, como un
lugar distinguido en el contexto del contorno aldeano.

La chimenea de proporciones monumentales, con su grandiosidad también denotaba el

poderío de la Casa y exteriorizaba el conjunto de la comunidad local la idea de una cocina bien
provista de viviendas.

La construcción de capillas manifestaba un privilegio, pues los oratorios privilegiados

servían para resaltar la distinción de la familia hidalga, que puede oír misa a parte y tener un
currador de almas para sí.

Jardines ornamentales: búsqueda de prestigio de las residencias hidalgas. Símbolo claro

de refinamiento de la vida alcanzado por la élite hidalga. A ello contribuía también la presencia
de elementos arquitectónicos y escultóricos en los jardines (escalinatas, pétreas, fuentes exentas
o murales, estanques o relojes de sol, bancos y cenadores, etc.).

Pazo de Mariña.

Pazo de Oca. Residencia temporal de los condes de Amarante.

Lujo y refinamiento en la mesa. El sustento como signo de distinción social. Uno de los
rasgo que mejor definía la alimentación de la elite hidalga era la disponibilidad en sus mesas de
toda suerte de productos, algunos de ellos muy refinados. Ejemplo: “El gusto” de J. Brueghel
(1618).

El lujo en la indumentaria: ricas galas y vestimenta a la moda. La vestimenta era

también uno de los signos más primarios y poderosos de distinción social. Indumentaria elaborada
con telas lujosas, de seda, tafetán, raso, tisú y holandas, etc.

El consumo conspicuo más allá de la vida. El simbolismo desplegado ante la muerte.

Con la llegada de la muerte las Casas hidalgas contaban con uno de los momentos más propicios

112
para hacer propaganda, ratificando ante el conjunto de la comunidad local el poder de la Casa a
la que se pertenecen; desplegando para ello un amplio simbolismo a fin de hacer pública la
pujanza social, así como de procurar conservar perpetua memoria de la riqueza de sus antepasados
en el linaje. Los hidalgos muestran una actitud ante la muerte tan ampulosa como la llevada en
vida:

1. Las invocaciones de sus testamentos contienen amplias peticiones de intercesión.

2. Mortajas y sepulturas denotan cierto privilegio.

3. Número de sacerdotes y comunidades solicitadas en los funerales.

4. Ofrendas y número de misas a favor de su alma son muy cuantiosas.

5. Complejidad del acompañamiento, que presenta una gran pompa y solemnidad propia de
los cortejos fúnebres de la nobleza.

3. La burguesía urbana: imagen de la prosperidad.

En el transcurso de la Edad Moderna, el avance de la economía-mundo dinamiza

extraordinariamente las actividades comerciales y financieras, favoreciendo el creciente
enriquecimiento de un selecto grupo de la burguesía. Su riqueza estimuló un importante consumo
de bienes de lujo: grandes mansiones, ricos muebles, rica alimentación y vestido, obras de arte y
joyas, hábitos culturales distinguidos (música y la lectura), jardines exóticos, etc., claras imágenes
de distinción social. Resulta especialmente destacable el extraordinario enriquecimiento de la
burguesía comercial en Holanda, gracias al pujante comercio marítimo y la En el transcurso de la
Edad Moderna, el avance de la economía-mundo dinamiza extraordinariamente las actividades
comerciales y financieras, favoreciendo el creciente enriquecimiento de un selecto grupo de la
burguesía. Su riqueza estimuló un importante consumo de bienes de lujo: grandes mansiones,
ricos muebles, rica alimentación y vestido, obras de arte y joyas, hábitos culturales distinguidos
(música y la lectura), jardines exóticos, etc., claras imágenes de distinción social. burguesía
comercial en Holanda, gracias al pujante comercio marítimo y la expansión de la actividad
mercantil de los Países Bajos por el mundo, sobre todo en el siglo XVII.

Casas de campo de alrededores de Ámsterdam. En el XVII la burguesía holandesa

incrementó su propensión a comprar propiedade s rústicas. En muchas ocasiones esta actitud,
dictada por motivos económicos, formaba parte al mismo tiempo de las estrategias de
ennoblecimiento puestas en práctica por los burgueses como medio de ascender socialmente y de
adquirir el prestigio añejo a las clases aristocráticas. En las viviendas de la burguesía holandesa
surge una cierta concepción de la decoración, del confort, del lujo. En muchas casas, las paredes
se decoran con cuadros de paisajes, de escenas de género, de naturalezas muertas, simplemente

113
porque las encuentran bellas. Es una novedad: la valoración de la “belleza visual”. Pero además,
la presencia de pinturas en las casas de la burguesía holandesa del XVII, tiene un objetivo de
distinción social y propaganda. La élite comercial holandesa necesitaba mostrar y plasmar a través
del arte los frutos del éxito. En un afán por dejar constancia de sus logros e inmortalizar su
capacidad para prosperar, la rica burguesía holandesa convierte a la pintura en el vehículo perfecto
para legar a la posterioridad y sus descendientes el reflejo de su ascenso socioeconómico con sus
gestos y aspiraciones. Ello determina, en parte, la edad de Oro del arte holandés. Esta cada vez
más acaudalada burguesía fue adquiriendo, emulando los gustos y modos del estilo aristocrático.
Las pinturas representan elegantes interiores de casas burguesas, dónde las paredes están cubiertas
de cuadros y tapices, los personajes visten trajes de ricas telas y el mobiliario es suntuoso. Escenas
de vida refinada con lujos fuera del alcance de la mayoría de los europeos del siglo XVII.

Ejemplo 1: La mujer de la perla (1665-1666) de Jan Vermeer.

Ejemplo 2: Mujer con collar de perlas (1664) de Jan Vermeer.

Ejemplo 3: La pesadora de oro (1664) de Pieter de Hooch.

Ejemplo 4: Mujer dando de comer a un papagayo (1663) de Frans van Miers.

Tenemos así a burgueses tocando instrumentos o leyendo:

Ejemplo 1: Mujer con Cavicornio (1655) de Gerrit Dou.

Ejemplo 2: La lección de música (1662-1665) de Jan Vermeer.

Ejemplo 3: Mujer tocando el clavicémbalo de Jan Vermeer.

Ejemplo 4: Mujer tocando el virginal de Jan Vermeer.

Ejemplo 5: Mujer tocando la guitarra (1672) de Jan Vermeer.

Ejemplo 6: Ama con laúd y criada de Jan Vermeer.

Tenemos también escenas de interior y tabernas con borrachos y gente de baja estofa a
los que mirar para marcar las distancias con la case baja y reafirmar los valores de la nueva clase
media. Además, bodegones con productos exóticos y de lujo propios de mostrar y lucir ante el
mundo. Género muy al gusto de los ricos burgueses para dar muestra de sus riquezas.

Ejemplo 1: Escenas de taberna (1625) de Adriaen Brouwer.

Ejemplo 2: Desayuno con cangrejo (1648) de Willem Claesz Heda.

Ejemplo 3: Naturaleza muerta con copa de nautilus (1649) de Willem Claesz Heda.

Ejemplo 4: Bodegón con Pastel turco (1627) de Willem Claesz Heda.

114
 Los tulipanes, como objeto exótico (procedentes de Asia) también aparecen en los
bodegones:

Ejemplo 1: Bodegón con nautilus y frutas (1610-1615) de Osias Beert.

O bien en los denominados bodegones de cocina:

Ejemplo 1: Jarro de flores (1615) de Jan Brueghel.

Ejemplo 2: Vaso con flores (1660) de Jan Davidz de Heem.

Consumo conspicuo de la burguesía holandesa: Impresionar con joyas en los jardines. La

Tulipomanía.

Originario de Turquía, el tulipán se hizo popular en Holanda a finales del siglo XVI. La
insaciable demanda por los bellos y raros bulbos alcanzó su punto más alto en 1636, cuando cuado
se pagarón 6.000 florines por el Semper Augustus y 4.200 florines por el Viseroij. Estos importes
representaban quince o veinte veces el salario anual de un carpintero. La especulación llegó a tal
punto en 1637, que los bulbos se vendían más rápido de lo que podían crecer, a veces ni el
comprador ni el vendedor habían visto el bulbo y ya no era el bulbo lo que cambiaba de mano
sino un papel que se vendía y revendía a precios cada vez más altos. En febrero de 1637 la burbuja
explotó y decenas de fortunas desaparecieron de la noche a la mañana.

Ejemplo: Alegoría de la Tulipomanía (1640) de Jan Brueghel. Cuadro satírico que

muestra la evolución de este comercio, tratando a los que intervienen como monos. Desde la venta
hasta el crack final, representando a la derecha por un mono orinando en los tulipanes.

115
 Sesiones Interactivas

1. Martín Lutero y la Reforma Protestante

Visita a Roma de Martín Lutero. Visita de Lutero a Roma a mediados de noviembre de

1510. En el año 1510, sus superiores mandaron a Lutero a Roma, para desempeñar allí una
comisión del convento. El había esperado encontrar en el sumo pontífice y su corte, modales de
vida cristiana y quedó sorprendido y horrorizado al contemplar la corrupción que existía en los
lugares que él creía verdaderamente santos.

2. Crítica a las reliquias

Las reliquias eran aquellos objetos que muchos católicos medievales consideraban
“santos” por haber presuntamente permanecido o estado en contacto con un Santo católico
(incluso partes del propio cuerpo fallecido). De acuerdo a estas creencias (que posteriormente
serán refrendadas por la Iglesia Católica Romana en el Concilio de Trento), su contemplación
otorgaba méritos al espectador, de modo que podía recibir la absolución de castigo por pecados
en el purgatorio. Hacia 1509, el príncipe elector llegó a poseer alrededor de 5.005 piezas,
incluyendo varios frascos con la leche de la Virgen María, paja del pesebre donde nació Jesús y
el cadáver dentro entero de uno de los inocentes masacrados por orden de Herodes. Estas reliquias
eran mantenidas en relicarios (recipientes artísticos labrados sobre todo en plata dorada) y
exhibidos una vez al año para que los fieles las venerasen.

Algunas reliquias de España son el Santo Sepulcro de Jesucristo, plumas del arcángel San
Gabriel, un suspiro de San José, conservada dentro de una botella hoy en día en el Vaticano; un
estornudo del Espíritu Santo, un pelo de la barba de Jesucristo, los pechos de Santa Águeda, cinco
gotas de la leche de Santa María, el velo y lágrimas de Santa María, unos quinientos dientes de la
leche del Niño Jesús, el paño con el que Jesucristo secó los pies de los apóstoles, dos manteles y
fragmentos de la mesa en la que se sirvió la última cena, más de media docena de ejemplares del
Santo Grial, más de ochocientas espinas de la corona que llevó Jesús, etc.

En 1512 Lutero recibió el título de Doctor en Biblia y pasa a enseñar Teología y Sagrada
Escritura en la Universidad de Wittnberg. Al principio de su actividad como profesor, Lutero
enseñaba la misma teología que había aprendido en Erfurt. La única diferencia entre él y los demás
profesores, era de que él basaba los dogmas en la experiencia más bien que en principios
filosóficos o autoridad del Papa o de la Iglesia. Poco a poco vino a entender que era imposible
reconciliar sus principios con los de la icnología antigua.

En 1520 el Papa pide a Lutero que retracte de las 95 tesis. Bula Exsurge Domine, hecha
pública el 15 junio de 1520. En enero de 1521 el Papa excomulga a Lutero. Mediante la bula
Decet Romanorum Pontificem. En mayo de 1521 Lutero es desterrado y considerado proscrito

116
por el emperador, prohibiendo a los súbditos que le prestaran ayuda y ordenando su detención
(Dieta de Worms).

Exsurge Domine es una bula Papal hecha pública el 15 de junio de 1520 por el Papa León
X, como respuesta a las enseñanzas de Martín Lutero y sus 95 tesis sobre todo a las que se oponían
al papado. Demanda que se retracte de 41 errores (la mayor parte extraídos de las 95 tesis, otros
de escritos menores o de discursos atribuidos a él) en el plazo de 70 días desde la publicación de
la novela. Este plazo terminó el 12 de diciembre de 1520 día en el cual Lutero quemó una copia
de la bula.

Características básicas de la nueva doctrina. mismo tiempo que se producía esta ruptura
formal se producía la ruptura doctrinal en el año 1520 al aparecer 3 obras escritas por Lutero que
son verdaderamente manifiesto del luteranismo. “Llamamiento a la nobleza cristiana alemana”.
Se la puede considerar un manifiesto político en ella Lutero proclama el sacerdocio universal,
propone la supresión del celibato eclesiástico y entre otras cosas propone la reforma de los
distintos órganos de la Iglesia despojándola de su organización jerárquica haciendo que en
adelante estuviera sometida al Estado. “La cautividad de Babilonia”. Se la puede considerar un
manifiesto dogmático obra dirigida a los teólogos en la cual basándose en la tradición bíblica sólo
reconocía validez a dos de los 7 sacramentos el bautismo y la eucaristía los demás carecían de
justificación evangélica para Lutero. Además identificaba al Papa con el Anticristo. “De la
libertad del cristiano”. Te la puede considerar como un manifiesto ético. Lutero exalta la prioridad
de la fe como instrumento de salvación y también incluye una dura crítica contra el papado. en
estas 3 obras además de la otra titulada “El papado en Roma”, Lutero expone en profundidad las
bases doctrinales de su reforma. dentro de esas bases doctrinales destaca la doctrina de la
justificación de la fe: para Lutero lo que salva es la fe la confianza en Dios y en la promesa divina
de la salvación. para él el hombre está corrompido por el pecado original por lo que la justificación
es decir el perdón de los pecados se logra sólo por la fe y no por los méritos humanos. con su
doctrina de la justificación por la fe Lutero descalifica los votos religiosos la vida monástica y la
religiosidad extrema basada en el culto a los Santos. Además Lutero niega la existencia del
purgatorio ya que para él la salvación es total o no la hay.

La dieta de Worms (enero-mayo de 1521). Te presento a Luther una mesa llena de copias
de sus escritos y se le preguntó al útero si los libros eran suyos y si todavía creía en lo que esas
obras enseñaban. El emperador del acto el Edicto de Worms el 25 de mayo de 1521 declarando a
Martín Lutero prófugo y viviendo sus obras.

Exilio en el castillo de Wartburg (1521-1522). gracias a la ayuda de Federico el sabio

permanece cerca de un año exiliado en el Castillo de Wartburg. ahí empezó a traducir el Nuevo
Testamento que se imprime en septiembre de 1522.

117
 3. Publicación del Nuevo Testamento en Alemán

Mientras se encontraba recluido en el Castillo Lutero comenzó a traducir el Nuevo

Testamento al alemán para hacer más accesible a toda la gente del Sacro Imperio Romano a la
nación alemana.

Un profesor dice así:

1. No fabricará ningún ídolo ni ninguna figura.

2. Aprender a despreciar accesorios y pretensiones.

3. Uniros a los rectos o sed eliminados con los demás.

En definitiva no existe un término medio.

Ataques a la Iglesia:

1. Hijos de Satanás, blasfemos.

2. Destrucción de las imágenes.

La reforma Protestante dio lugar a una hora de iconoclastia es decir la destrucción de las
imágenes religiosas. todas las formas de protestantismo mostraron hostilidad hacia las imágenes
religiosas al considerar las empresas expresiones de idolatría especialmente en las culturas y a las
grandes pinturas. las ilustraciones en libros impresiones eran menos resistidas ya que eran de
menores dimensiones y más privadas. los líderes protestantes especialmente Zwinglio y Calvino
eliminaron de manera activa imágenes de las iglesias controladas por sus seguidores.

A Federico el sabio, dijo así: he dedicado a esta obra a vos mi señor la traducción del
Nuevo Testamento a nuestro propio idioma. siempre he buscado la Unión del cristianismo pero
no a costa de la servidumbre yo respondo ante la ley de Dios no a la de Roma.

El protestantismo luterano destaca una doctrina fundamental que es el sacerdocio

universal según esta idea todos los creyentes eran sacerdotes el Pastor elegido y destituido por la
propia comunidad es una persona que por su formación aseguró el servicio a la comunidad.

1. Administrar los sacramentos (sólo acepta los sacramentos como son el bautismo y la
eucaristía).

2. Predicar las escrituras aunque lo podía hacer cualquiera ya que para el útero debía darse
la lectura directa de las eucaristías sin intermediarios de ahí la preocupación del útero por
la elevación de los niveles de alfabetización y la difusión de las escuelas elementales para
el aprendizaje de técnicas de lectura y escritura.

118
 La doctrina del sacerdocio universal y lleva a negar el silbato obligatorios de los
eclesiásticos y a descalificar el tradicional monopolio de la interpretación de las escrituras
mantenido por los ministros de la Iglesia afirmando el derecho de todo creyente a leerlas e
interpretarlas personalmente.

El bye calvinismo fue especialmente crítico con las imágenes sagradas como
manifestaciones idolátricas contrarias a Dios fomentando la destrucción de imágenes de tema
religioso en la Iglesia es decir la iconoclastia.

119
Tema 6. Cultura popular y de las élites.

Introducción.

1. Fuentes para el estudio de la cultura popular.

1.2 La transmisión de la cultura popular.

2. Principales manifestaciones de la cultura popular.

2.2 Otros instrumentos difusión de la cultura popular: la literatura efímera.

3. Los intentos de reforma de la cultura popular (1500-1800).

En la Europa de la Edad Moderna existía una clara estratificación de la población tanto

social como cultural. Había una minoría que podía leer y escribir, frente a una mayoría que no
podía hacerlo.

La Cultura popular y la Cultura de las élites. Frente a la cultura de las élites, de los
instruido, cuya tradición clásica, era conservada y transmitida por las escuelas y universidades, y
que sólo afectó a una mayoría que no podía hacerlo.

1. Fuentes para el estudio de la cultura popular en la Edad Moderna.

Dado que mucha de la cultura popular de la Edad Moderna era oral, su estudio choca con
grandes problemas documentales. No nos podemos aproximar a su estudio de forma directa, sino
a través de intermediarios entre la cultura de los instruidos y la popular (predicadores, impresores,
viajeros, funcionarios, etc.).

Muchas de las actividades populares en la Edad Moderna están documentadas

simplemente, porque las autoridades eclesiásticas estaban tratando de suprimirlas.

Se trata de fuentes oficiales, que han dejado los intermediarios. En muchos casos se trata
de estudiar las actitudes populares de artesanos y campesinos a través de testimonios del clero, la
nobleza o la burguesía.

1. Sermones de los frailes: Sobre todo de los franciscanos. Predicaban en un estilo coloquial.
Contaban cuentos tradicionales para darles una moraleja, que no era necesariamente
tradicional. Hay que tener precaución, pues vivían de dos culturas como universitarios y
como hombres de plaza. Por ello, no nos permiten un acceso directo a la cultura popular.

2. La tradición oral: A través de recopilaciones de canciones y historias populares.

120
 3. Baladas y libretos populares: Hay que tener presente el elemento propagandístico. Pues
eran un vehículo de control social.

4. Juicios y confesiones de la Inquisición: D nuevo hay intermediarios. Las confesiones no

eran realizadas de forma espontánea.

5. Tumultos y rebeliones: Pueden ofrecer información sobre la descripción y

acontecimientos, sobre los interrogatorios a detenidos, impresas las demandas de los
rebeldes.

Otro método de aproximación indirecta es el Iconográfico: diagnosticar unas actitudes y

unos valores de las cuales las obras de arte son sus síntomas.

La iconografía tiene relación con lo que los coetáneos vivían, pero hay que tener muchas
precauciones, pues la obra de arte no siempre es objetiva, ni siempre refleja la realidad. Puede
estar sujeta a cierto nivel de subjetividad.

La cultura material es un sujeto potencial para el análisis iconográfico. El vestido o la

vivienda formaban parte del sistema simbólico.

El vestido era un sistema de signos y transmitía diversos mensajes a los miembros de la

comunidad. Y en un nivel iconográfico esto era evidente. Una simple mirada a una mujer
campesina nos podía indicar la villa y grupo regional al que pertenecía, su grupo de edad o lo
próspera que era su familia y si estaba casada, soltera o viuda, e incluso si tiene descendencia.

Las obras de Arte (pinturas, xilografías, grabados, etc.) también nos pueden aproximar a
algunas realidades de la cultura popular de la Edad Moderna dándonos pistas acerca de cuestiones
como los espacios de sociabilidad popular, las fiestas y celebraciones, así como manifestaciones
de la cultura popular.

1.2 La transmisión de la cultura popular.

Todos estaban involucrados en la transmisión de la cultura popular. Se contaban unos a

otros historias tradicionales, mientras que la educación de sus hijos comportaba necesariamente
el transmitirles los valores de su cultura o subcultura. La cultura popular se solía transmitir en la
casa, pero también en otros escenarios. En la iglesia, en la taberna o en las plazas der los mercados
y las ferias; pero sobre todo en las fiestas.

La iglesia en la época se empleaba muy a menudo con propósitos seculares, a pesar de

las objeciones puestas por el clero.

1. Los dramas sacramentales eran representados en las iglesias mientras que los cementerios
eran usados para bailar y festejar.

121
 2. En fechas tan señaladas como la fiesta del patrón los feligreses podían permanecer en la
iglesia toda la noche comiendo, bebiendo, cantando y danzando.

Además de la salida de la misa, los vecinos charlaban, se transmitían noticias y daban

rienda a una sociabilidad que se extendía alrededor de los cementerios y los atrios parroquiales,
donde también se tejía cierta sociabilidad popular.

Los atrios de las iglesias y los cementerios también eran espacios de sociabilidad popular.
Los campos santos eran tantos lugares de muerte como lugares de vida, espacios en los que se
combinaban actos de carácter sagrado y profano y en los que se celebraban operaciones
comerciales, juegos y otras actividades de carácter cotidiano.

Las tabernas, posadas y mesones eran lugares de sociabilidad en los que se bebía y se
fumaba pero también se bailaba y se jugaba. Se charlaba y se cantaba, y se relataban cuentos y
leyendas.

En Inglaterra, las tabernas y posadas eran lugares en los que se podía ver luchas de gallos,
jugar a las cartas, a los dados o a los bolos. También había bailes en los que las gentes danzaban.

En Holanda, las pinturas del siglo XVII nos traen a la memoria la importancia de las
tabernas como lugar de sociabilidad. Reflejan los interiores de las tabernas populares, dónde los
grupos más pobres dan rienda suelta a los “placeres” de la vida; cantan, bailan, beben, juegan, se
cortejan, pelean…

Las plazas, los mercados y las ferias también son espacios de sociabilidad, en los que
conocer las últimas noticias o ver todo tipo de animados itinerantes.

Entre los transmisores de la cultura popular también estaba toda clase de animadores
itinerantes que actuaban en las plazas de pueblos, villas y ciudades: buhoneros, charlantes y
cantantes callejeros, cuenta cuentos, ciegos que cantaban coplas o recitaban romances, etc.

2. Principales manifestaciones de la cultura popular.

En la cultura popular tradicional europea el escenario más importante era la fiesta:

1. Fiestas familiares como las bodas.

2. Fiestas comunitarias como las del Santo Patrón, en la ciudad o la parroquia.

3. Fiestas anuales, comunes a la mayor parte de Europa, como la Pascua, el primero de

mayo, San Juan, Navidades, Año Nuevo y la Epifanía.

4. Fiestas como el carnaval, fiesta por excelencia de la época.

122
 El carnaval era la fiesta popular más importante del año, en particular en la Europa
Mediterránea (Italia, Francia, España) y menos importante en Europa central y prácticamente
inexistente en Europa del norte, Inglaterra y Escandinavia.

Desde febrero hasta abril había que comer de todo glotonamente, y desatar todas las
pasiones y deseos, puesto que en Cuaresma la religión pedía sacrificios y ayunos.

Se caracteriza por un conjunto de elementos más o menos informales: cantos y bailes por
las calles, gente disfrazadas: los hombres se vestían de mujeres y los mujeres se vestían de
hombres; diversiones: lanzar harina, confetis, manzanas o huevos a veces rellenos de aguas de
rosas; competiciones: carreras de caballos y pedestres; torneos sobre tierra o agua…

El carnaval era fiesta de todos. Los grupos privilegiados (nobleza, clero…) también
participaron en él.

Peter Burke, señala “un mundo al revés” que caracteriza el carnaval como:

1. El desgobierno (la sociedad tenía derecho a transgredir varias normas: podían blasfemar,
cometer abusos, burlarse de los nobles y de las investiduras eclesiásticas y podían elegir
al Rey y la Reina de la festividad.

2. El derroche de comida y bebida (mucha carne, cerveza y vino).

3. Libertinaje social (libertad para que el hambre persiguiera mujeres y contruyeran

símbolos fálicos. En muchas ocasiones, las mujeres podían perseguir ellas a sus víctimas.
Abundaba la infidelidad voluntaria).

4. Representaciones y parodias (las procesiones de carrozas muy comunes en el norte de

Italia representan pasajes de la Biblia o escenas de Apocalipsis, siempre en tono de burla
a las autoridades, pero a veces como verdadera manifestación de las creencias populares).

5. Los cambios de roles, donde el patrón se convertía en siervo y este último en amo, durante
el tiempo que transcurriera la festividad.

El cortejo del Carnaval: El carnaval aparece representado por un orondo hombre sobre un
barril de cerveza, que lleva por sombrero una olla de sopa de gallina, plato muy apreciado en
tiempos de carnaval, en la cintura un gran cuchillo de carnicero, y en lugar de una lanza blande
un espetón. El cortejo está formado por unos travestidos y un hombre encinta, un tonto y tres
músicos con instrumento de cocina. Los alimentos que hay por el suelo y los utensilios de cocina
dan fe del tipo de comida grasa consumida durante todo este ciclo del carnaval.

El cortejo de Cuaresma: simbolizado por la delgada mujer sentada sobre una silla del
oratorio, del que tiran un monje y una monja, lleva por sombrero una colmena, símbolo de la miel

123
de cuaresma y como lanza porta una pala con dos arenques. Tras el cortejo siguen varios niños
que llevan en la frente el signo de la cruz dibujado con ceniza por el cura el Miércoles de Ceniza.
Llevan en la mano un instrumento que servía para anunciar la misa durante los tres últimos días
de la Cuaresma.

El cerdo y el pescado son los alimentos típicos consumidos durante el Carnaval y la

Cuaresma respectivamente. En el centro de la plaza, a los dos lados del pozo, se aprecia la figura
de un cerdo devorando todo lo que encuentra a su paso, en oposición a los pescados limpios.
Carne de cerdo considerada malsana e impura frente al pescado con un fuerte simbolismo para el
Cristianismo.

Las batallas entre Carnaval y Cuaresma no sólo eran productos de la imaginación de

Brueghel, El Bosco y otros pintores, sino que algunos se escenificaron públicamente.

El carnaval, tiempo de éxtasis, de gran consumo de carne, de intensa actividad sexual, y

de diversión, se oponía a la Cuaresma, tiempo de ayuno y abstinencia, de carne, de huevos, de
sexo, así como de teatro y otras diversiones.

El carnaval era un período de desorden institucionalizado, un conjunto de rituales sobre

la diversión del mundo conocido.

El carnaval era la fiesta favorita de la cultura popular de la Edad Moderna. Este mundo
al revés se prestaba para ser ilustrado, siendo desde mediados del siglo XVI uno de los motivos
iconográficos preferidos de los repertorios de imaginería popular impresa.

En Europa la tradición iconográfica del mundo al revés aparece en la estampa popular del
siglo XVI y adoptará rápidamente la forma de pequeña viñetas. Se representa un ambiente de
caos, de desgobierno y de desorden.

1. Inversión de las normas y jerarquía social (niños que castigan a los padres, alumnos
pegando al maestro y pobre dando limosna al rico, criados impartiendo órdenes a los
amos, laico celebrando misa a los curas, rey caminando y campesino a caballo, marido
criando a bebé y mujer con la escopeta, etc.

2. Subversión entre objetos (barcos navegan sobre montañas, el sol y la luna en la tierra.

3. Subversión o desequilibrio en la relación entre personas y animales.

A parte del Carnaval, fiesta popular más importante del año, en la Edad Moderna
destacaban otras fiestas, tanto familiares como colectivas, en las que la cultura popular tenía varias
manifestaciones. Entre las fiestas familiares destacan las bodas. Se convertían en motivo de fiesta
para las familias de los contrayentes e incluso para los vecinos del lugar. En la celebración de las
bodas los campesinos gastaban sus mejores manjares en grandes banquetes, consumiendo

124
productos que no probaban habitualmente. Todo ello acompañado de coplas, cantos, música y
bailes.

Inversión en las relaciones entre los propios animales (conejos cazan a zorros, ratones a
gatos, etc.). Las águilas confraternizan con las liebres, los gatos hacen migas con los ratones y los
lobos y las merinas echan fraternales partidas de naipes.

Además del Carnaval tenemos otras fiestas:

1. Comunitarias como la del Santo Patrón, en la ciudad o en la parroquia.

2. Fiestas anuales como la Pascua, el Primero de Mayo, San Juan, Navidades, Año Nuevo
y la Epifanía.

3. La “danza del postre de mayo”, de origen medieval: danza folclórica europea en la que
un círculo de jóvenes de ambos sexos baila con cintas de colores alrededor de un poste
alto en el que se colocan guirnaldas, flores o ramas. Simboliza la fertilidad propia de la
primavera.

Describe los excesos con que se celebraban en la época en Europa la fiesta de San Martín
(11 de noviembre), cuando se daba por concluida la cosecha y se brindaba con el vino nuevo.

Karmesse: fiesta popular al aire libre con bailes, concursos, etc.

2.2 Otros instrumentos de difusión de la cultura popular: la literatura efímera.

La cultura popular descansa fundamentalmente en la tradición oral (cuentos,

canciones…) y visual (estampas, imaginería, grabados…) pero a medida que la tradición impresa
ganaba terreno en la sociedad, fue desarrollando nuevos instrumentos de difusión generando una
producción escrita que ganaría terreno rápidamente bajo la forma de pliegos, folletos, libros… de
manera que se ampliaba el horizonte cultural.

En la época destacan varias formas de comunicación escrita que llegaban al pueblo:

1. Los folletos y pliegos de cordel.

2. Los libros baratos de venta ambulante.

3. La literatura proverbial.

Que constituyen un buen ejemplo de la interferencia mutua entre cultura popular y cultura
sabia.

a) Los pliegos de cordel.

125
 Género literario efímero muy popular y con una gran difusión en países como Francia,
Inglaterra y España. Eran pliegos sueltos y manuscritos que llevaban los ciegos atados a su cintura
con una cinta o un cordel, de ahí su nombre, y eran vendidos por unas pocas monedas en las calles
y plazas de las ciudades y poblaciones rurales. Muchas veces eran cantados o recitados por el
propio vendedor en calles y plazas para suscitar el interés del público. Los textos en varias
ocasiones son más escuchados que leídos.

1. Temática muy variada.

2. Forma en que se trataba, solía ser sentimental, moralizante, jocosa o satírica.

3. En muchos de ellos aparecían ilustraciones para facilitar la comprensión del texto escrito.

4. Sirvieron de vehículo transmisor de la literatura cultura, literatura religiosa o de sucesos

históricos.

En España alcanzó una enorme difusión, siendo ampliamente utilizados para dar a
conocer el Romancero, un género popular en la sociedad española, heredero de la tradición
medieval, que todavía en el siglo XVI gozaría de gran popularidad.

Los temas que tocan los romances son generalmente asuntos religiosos o históricos,
narraciones sobre cautivos y bandoleros, domésticas, amorosas o satíricas y acontecimientos
reales de actualidad: crímenes, incidencias políticas, etc.

b) Libros baratos de venta ambulante: la Biblioteca Azul de Troyes.

Nació en 1630 en Troyes (Francua). Son unos libros pequeños impresos en un papel de mala
calidad y encuadernados con una tapa azul, los cuales eran vendidos a muy bajo precio, por los
buhoneros y los vendedores ambulantes.

El contenido de estos libros era generalmente una literatura de caballería, obras

picarescas, vidas de santos, temas médicos, astrológicos… pero sobre todo cuentos y leyendas
destinadas a clases más humildes y que se difundían a través de la lectura colectiva.

c) La literatura de proverbios.

En el siglo XVI los humanistas reconocieron el enorme valor moralizante que suponía las
colecciones de proverbios por su lenguaje directo y fácilmente comprensible, de manera que
empezaron a editar complicaciones donde se comentaba la significación del proverbio y su
estructura lingüística para facilitar su estudio. El propio Erasmo de Rótterdam, publicó sus
famosos Adagia, en 1500, colección en la que reunió unos 800 proverbios.

126
 De la popularidad de los proverbios en la cultura popular de la época, también da fe a la
iconografía, pues son varios los pintores y grabadores que recogen el tema en sus obras. Destacan
Pieter Brueghel el Viejo, Frans Hogenberg o El Bosco, entre otros.

Los proverbios flamencos, Pieter Brueghel el Viejo: Representa una tierra habitada con
representaciones literales de proverbios flamencos de la época. Se sirve de los dichos populares
o proverbios para denunciar satíricamente la locura del mundo en que vivía. Tener el techo tejado
de tartas (significa tener abundancia de todo), uno esquila de ovejas y otro esquila de cerdos
(significa que uno aventaja al otro). “Nadar a contracorriente”: es difícil oponerse a la opinión
generalizada. “Lanzar la cogulla sobre la valla”: Descartar algo sin saber si más tarde lo vas a
necesitar. “Sujetar la anguila por la cola”: Emprender una tarea difícil. Mujer que ·es capaz de
atar con una almohada hasta el mismo diablo”, significa que es obstinada hasta conseguir lo que
parece imposible.

3. Los intentos de reforma de la cultura popular (1500-1800).

En el transcurso de la Edad Moderna las diversas manifestaciones de la cultura popular a

menudo chocaron con la oposición de las autoridades civiles y eclesiásticas, que trataron por todos
los medios de limitarlas o de erradicarlas. Algunos autores como Peter Burke hablan de la
existencia de varias fases en la reforma de la cultura popular durante el periodo moderno.

Primera fase de la reforma de la cultura popular (1500-1600).

Es una fase liderada por el clero, que intensificó gracias al impulso de las reformas
católica y protestante. Los reformadores se oponían a ciertas formas de religiosidad popular tales
como las representaciones de temática religiosa (misterios y milagros), sermones populares y
sobre todo fiestas religiosas. También se oponían a muchos elementos de la cultura secular
(corridas de toros, naipes, dados, charivaris, charlantes, bailes, ferias, cuentos populares,
máscaras, tabernas, brujería, etc.).

La segunda objeción tenía una base moral: Las fiestas eran denunciadas como momentos
propicios para el pecado, especialmente por la embriaguez, glotonería y lascivia. Además, estaba
la idea de que los juegos y fiestas provocaban violencia.

Otro argumento moral era que éstas eran “vanidades” que desagradaban a Dios, porque
en ellas se malgasta tiempo y dinero. Los reformadores protestantes fueron más hostiles con la
cultura popular que los católicos.

La Reforma de la cultura popular en la Europa protestante. Dentro de los protestantes

también hay diferencias. Los luteranos eran más tolerantes hacia las tradiciones populares, que
los seguidores de Zuinglio o Calvino. Zuinglio mandó a retirar toda las imágenes de las iglesias

127
de Zurich en [Link] se opuso a las obras de teatro y a las canciones deshonestas. En
Escocia, durante los años centrales de la década de 1570, se produjo un ataque importante contra
la celebración de las navidades y del día de San Juan, y en general, contra todas las fiestas que
tuviesen como sus características más importantes, las canciones, los bailes y las representaciones
teatrales.

La idea era que los fieles alcanzasen una instrucción elemental en los principios
doctrinales y conformar las costumbres a estos principios desterrando supersticiones e
indecencias. Los reformadores protestantes se valen de varios elementos para modificar la cultura
popular. Una de las prioridades de los protestantes fue hacer que la Biblia fuese un texto con
lenguaje asequible para el pueblo común, para lo que se hacen ediciones en lengua vernácula. En
1534 Lutero finaliza la traducción completa de la Biblia al alemán. Otro de los elementos centrales
de la cultura popular protestante era el catecismo, un folleto que contiene información elemental
sobre la doctrina religiosa. Destacan el pequeño catecismo de Lutero (1529) y el catecismo de
Calvino (en especial la edición de 1542).

La Reforma de la cultura popular en la Europa católica. Después del Concilio de Trento

(156+2-1563) se intensifican los ataques a la cultura popular. En sus intentos de contener las
herejías de Calvino y Lutero, los obispos reunidos en Trento promulgaron varios decretos
dirigidos a reformar la cultura popular. Entre 1550 y 1650 muchas costumbres tradicionales
fueron abolidas. Los reformadores católicos no querían abolir las fiestas, sino purificarlas.
Empleaban como elementos para modificar la cultura popular los rituales, las imágenes y los
textos:

1. Los rituales. Destacan las misiones populares por predicadores jesuitas y otros
monjes en ciudades y campo durante el siglo XVII. Los sermones tenían una gran
importancia, a través de una teatralización por medio del tema del fuego del
infierno, y mostrando la calavera afectando a los sentimientos del auditorio. Y
las procesiones con penitentes con coronas de espinas en las cabezas, arrastrando
grandes cruces mortificándose.

2. Las imágenes. A diferencia de los protestantes, los católicos seguían

promoviendo una religión de las imágenes y elementos visuales. Se fomentan
nueva imágenes y santos como San José y Santa María Magdalena y se da una
creciente sustitución de imágenes del niño y la virgen, por la Sagrada Familia.
Las representaciones artísticas tienen un destacado papel como vehículos
difusores de la doctrina del Concilio de Trento. Son abundantes las disposiciones
eclesiásticas que ordenan la talla de nuevos retablos en iglesias y capillas o la
restauración de los ya existentes. También se constata la difusión de imágenes en

128
 el ámbito familiar (cuadros, altares portátiles, relicarios, medallas, etc.); así como
de estampas y grabados, según reflejan algunas fuentes documentales como los
inventarios post-mortem y los inventarios de impresores y libreros.

3. Los textos: también los católicos publican traducciones de la Biblia y obras de

divulgación como vidas de santos y devocionarios.

En realidad hay que señalar que, en especial en países como España, la cultura popular
fue escasamente afectada por la primera fase de su intento de reforma.

Segunda fase de la reforma de la cultura popular (1600-1800).

Fase de debilitamiento de las resistencias y del triunfo del reformismo, si bien matizando
por las permanencias residuales de la cultura tradicional.

En esta fase aunque el clero siguió intentando reformar las costumbres populares, tuvieron
un importante papel los laicos.

Otra diferencia con respecto a la primera fase es la creciente importancia de los

argumentos seculares, entre los que se incluían consideraciones estéticas.

Se atacaba al teatro popular no tanto en nombre de la moral, sino del mal gusto.

En la España del siglo XVIII se puede observar con claridad la segunda reforma. Feijoo
en su Teatro Crítico Universal, critica sistemáticamente los errores más extendidos del pueblo
común, arremetiendo contra supersticiones, adivinación, curanderas populares, supuestos
milagros y tradiciones populares, etc. Los Jovellanos también critican las corridas de toros.

Estas son las consecuencias de los intentos de reforma de la cultura popular:

 En el mundo urbano la mayor presencia y preparación del clero hace más eficaz el control
sobre la doctrina y la moral, consiguiendo más resultados en la reforma de la cultura
popular.

 Pero en el mundo rural, a pesar de los esfuerzos de las autoridades eclesiásticas por
moderar el comportamiento del campesinado en el transcurso de los siglos XVI y XVIII,
sin embargo, en muchas zonas de Europa, la cultura popular tradicional parece haber
conservado buena parte de su vigor hasta finales del Antiguo Régimen.

 La reforma de la cultura popular separó más a una minoría educada del resto de la
sociedad. En los siglos XVII y XVIII las clases dirigentes se alejan gradualmente de la
participación en la cultura popular.

129
  En todo caso, el esquema propuesto por Burke, de dos grandes etapas en la reforma de la
cultura popular, presenta un carácter general, sin tener en cuenta la existencia de diversos
ritmos, según el ámbito geográfico y el contexto religioso.

En algunas zonas de Europa la reforma triunfa muy temprano, en otras hay que esperar a
principios del siglo XVIII y en algunas áreas periféricas o montañosas la cultura tradicional sufrió
apenas variaciones.

En Galicia, a pesar de la influencia de la reforma tridentina y de los reiterados ataques

por parte de las autoridades eclesiásticas, buena parte de las manifestaciones de la cultura popular
siguen manteniendo su vigor.

Los banquetes fúnebres y velatorios, las pitanzas de cofradías, los banquetes de bodas y
bautizos, las romerías, las ferias y reuniones nocturnas de mozos y mozas entre otras
manifestaciones de la sociabilidad popular, consiguen sobrevivir a las prohibiciones de la Iglesia,
a través de las constituciones sinodales y visitas pastorales.

130
Terma 7. Los medios de difusión de la cultura: Educación, libro e imprenta.

Introducción

1. La enseñanza: niveles, centros y programas.

1.1 La enseñanza de las primeras letras.

1.1.1 La expansión de la enseñanza elemental y sus causas.

1.2 La enseñanza secundaria.

1.2.1 Expansión fundacional de los siglos XV y XVI. Decadencia en el

siglo XVII.

1.3 Las universidades.

1.3.1 Número de estudiantes y su evolución.

1.3.2 La herencia medieval y la expansión del siglo XVI.

2. La Alfabetización: contrastes y evolución temporal.

2.1 Siglos XVI-XVII: crecimiento positivo de los niveles de alfabetización.

2.2 La “estratificación social” de la alfabetización.

2.3 La alfabetización en función del género.

2.4 La alfabetización en el mundo urbano.

3. Libro e imprenta: la producción y su evolución.

3.1 La difusión de la imprenta.

3.1.1 La expansión en la fase inicial.

3.1.2 La expansión de la imprenta entre 1470 y 1520.

3.1.3 La producción del libro en el siglo XVI.

La época moderna es un periodo de aceleración cultural, ya que en el mismo se asiste a

una profunda transformación de los mecanismos de propagación de la cultura.

Transformaciones en los conductos difusores de la cultura:

131
 1. Educación: Expansión sin precedentes de la escolarización. Aumento de centros de
enseñanza-escuelas, primeras letras de gramática y universidades, como de los maestros,
profesores y de principalmente en la enseñanza universitaria en la segunda mitad del siglo
XVI e inicios del siglo XVII.

2. Alfabetización: Paralelamente a los progresos de la enseñanza, la expansión de las tasas

de alfabetización experimenta un notable ascenso, en particular en los países de Europa
del norte.

3. Producción del libro: Profunda transformación a raíz de la invención de la imprenta.

Invento revolucionario, bajo cuya influencia las bibliotecas se incrementan en número y
los libros llegan a un público más amplio socialmente.

1. La enseñanza: niveles, centros y programas.

En fase inicial de la Edad Moderna, la enseñanza se caracteriza por:

1. Inexistencia de sistemas educativos planificados y homogéneos a escala nacional y por

tanto la inexistencia de programas educativos de estudios generales.

2. Funcionan diversidad de centros de enseñanza con programas y materias dispares.

3. No hay una edad de inicio y de finalización de los estudios. Escuelas de primeras letras
domina disparidad de edades en las aulas: ausencia de una organización académica
graduada.

Progresos en los siglos XVI y XVII: A lo largo del siglo XVI se ve perfilando una
gradación que permite hablar de tres niveles:

1. La enseñanza elemental, impartida en las escuelas de primeras letras.

2. La enseñanza elemental, en escuelas de gramática.

3. La enseñanza universitaria en las universidades y colegios asociados a universidades

(colegios mayores).

1.1 La enseñanza de “las primeras letras”.

En el siglo XVI se produce ya una importante expansión de la escolarización elemental

con el consiguiente incremento numérico de escuelas y por supuesto de maestros y de alumnos.

1.1.1 La expansión de la enseñanza elemental y sus causas:

• La expansión del humanismo: la educación como un “bien” tanto individual como

social. Defiende la instrucción pública.

132
 • El impulso “municipal”: las escuelas de financiación comunal o municipal.

• El impacto de las reformas protestantes. Lutero (Sermón de 1524) y la instrucción

popular (exhortación a los príncipes alemanes a implantar una instrucción estatal y
gratuita y a los padres para que envíen a sus hijos a la escuela.

El pequeño catecismo de Lutero (1529) para satisfacer la necesidad de instrucción

popular elabora un sencillo manual en la fe cristiana: cuadros murales explicando en
lenguaje sencillo los Diez Mandamientos, el Credo, el bautismo, la confesión, etc.

• El impulso de las escuelas católicas: arma contra la herejía y la difusión del

protestantismo: Escuelas de órdenes religiosas (Jesuitas-1540; Escolapios-1617;
Congregación de las Escuelas Cristianas-1684, etc.). Abren escuelas para la instrucción
de los pobres, en las cuales se forman en la lectura, aritmética, catecismo y doctrina
cristiana.

• La expansión económica (comercio): exige conocimientos especializados en la esfera

mercantil (lectura, escritura, correspondencia comercial, operaciones de cambio,
contabilidad, etc.).

• El desarrollo del aparato burocrático de los estados: difusión social de la necesidad de

enseñanza. Al ofrecer nuevas perspectivas para hacer carrera y ascender socialmente.

1.2 La enseñanza secundaria. Escuelas de gramática y colegios.

1.2.1 Expansión fundacional de los siglos XV y XVI. Decadencia en el siglo XVII.

Al igual que en el caso de las escuelas de primeras letras, su número se incrementa en el

transcurso del siglo XVI y en los primeros decenios del siglo XVII. Pero desde 1620 tiene lugar
una descendencia del número de escuelas de enseñanza secundaria.

Las principales causas fueron:

1. Crisis económica.

2. La dificultad de financiación por los gobiernos municipales.

3. Cambio en la actitud de los grupos privilegiados que reducen sus fundaciones.

En realidad son las mismas causas que indicen en el caso de la decadencia de las escuelas
de primeras letras.

1.3 Las universidades.

133
 El acceso a la enseñanza universitaria era minoritario: comienzos del siglo XVI (1& de
varones de 15-24 años); a comienzos del siglo XVII (Holanda: 2,8%; Inglaterra 2,4% y España
3%).

1.3.1 Número de estudiantes y su evolución.

Al menos hasta los primeros decenios del siglo XVII en las principales universidades
europeas como la de Oxford o la de Cambridge, en las italianas de Padua o Pisa o en las alemanas,
la matrícula se incrementa durante este periodo.

Pero en las universidades inglesas la matricula empieza a descender de forma

interrumpida desde 1630 hasta 1639.

La Universidad de Padua sufre una caída de matricula desde comienzos del siglo XVII
hasta mediados del siglo.

El número de alumnos de las universidades de la época era modesto:

• Cambridge: (1630-1639): 1.000 alumnos.

• Oxford (1630-1639): 550 alumnos.

• Padua (1611): superaba ligeramente los 1.000 alumnos.

En las mismas fechas el conjunto de las universidades alemanas sumaba en torno a unos
2.400 alumnos. Varias universidades italianas como la de Perugia, Parma, Ferrara… tenían menos
de 200 alumnos. Y en plena decadencia en el siglo XVII, incluso 20 alumnos.

1.3.2 La herencia medieval y la expansión del siglo XVI.

El siglo XVI hereda de la Edad Media en torno a 80 universidades localizadas

preferentemente en el norte de Italia, sur de Francia y en la Corona de Aragón.

A partir de este siglo se experimentan cambios en la red universitaria: las universidades

aumentan su número y ganan en presencia espacial.

La Corona de Castilla antes de 1540 tenía 6 universidades y en 1600 tiene en torno a 33

universidades.

El Imperio Germánico desde mediados del siglo XVI hasta 1700 sufre un importante
proceso fundacional con 22 universidades nuevas.

A escala europea:

• En la segunda mitad del siglo XVI se funda el mayor número de universidades (47).

134
 • En la primera mitad del siglo XVII las fundaciones se reducen a la mitad (24).

• En la segunda mitad del siglo XVII el proceso de reducción continua (12).

Como consecuencia de la aparición de nuevas universidades y de la supresión y fusión de

otras en 1790 están en funcionamiento 143.

1.3.3 La distribución espacial de las universidades a lo largo del siglo XVIII.

En valores absolutos, los países más universitarios eran el Imperio alemán (34), los
Estados italianos (26), Francia (25) y España (24).

En los últimos puestos están Inglaterra con 2, Oxford y Cambridge y Portugal con 1
(Coimbra).

2. La alfabetización: niveles y contrastes sociales y espaciales.

2.1 Siglos XVI-XVII: crecimiento positivo de los niveles de alfabetización.

En paralelo con los progresos de la escolarización, las tasas de alfabetización también

crecen, si bien no de forma lineal, porque se producen interrupciones e incluso retrocesos en el
tiempo, ni de forma homogénea especialmente, por razón de los notables contrastes entre países,
regiones de un país, etc.

Inglaterra, Escocia y otros países como Suecia y Holanda formaban parte de la Europa
más alfabetizada. No así Francia, donde a finales del siglo XVII las tasas de alfabetización todavía
eran muy modestas tanto en los hombres como en las mujeres.

Inglaterra: la proporción de analfabetos tanto varones como mujeres tiende a decrecer

entre comienzos del siglo XVI y mediados del siglo XVII. En 1650 el 15% de las mujeres inglesas
y el 30% de los varones sabían leer.

Escocia: en 1650 las tasas de alfabetización eran incluso superiores entre los hombres
(44%), mientras que la femenina era del 13%.

Francia: habrá que esperar al siglo XVIII para que el nivel de alfabetismo descienda de
forma destacada.

Los siguientes factores son los que explican los contrastes nacionales de
alfabetización:

1. Escolar: Expansión de las escuelas de primeras letras, como ocurre en Inglaterra y

Escocia. En Escocia, una disposición legal de 1646 reforzada por otra posterior de 1696
contribuyó a un importe de crecimiento de la red de las escuelas parroquiales.

135
 2. Religioso: Difusión de la lectura de la Biblia en el ámbito familiar. En Suecia, la
influencia del factor religioso es más decisiva. Donde sin una red oficial de escuelas, las
tasas de alfabetización masculina superan un 50%. Ello explica por la iniciativa de la
iglesia luterana que combinaba la enseñanza de la lectura en el marco doméstico por el
padre con ocasión de la lectura de la Biblia, con el control y supervisión del pastor en
cada parroquia, mediante exámenes obligatorios periódicos de lectura, negando la
comunión e incluso el matrimonio a los ignorantes.

3. Económico: tipo de economía: segunda mitad del siglo XVIII: crecimiento urbano y
expansión del comercio que dinamiza la demanda al alza de la alfabetización.

4. Político: desarrollo de la burocracia estatal.

2.2 La “estratificación social” de la alfabetización.

La alfabetización aparece también jerarquizada socialmente (ej. norte de Inglaterra):

• La nobleza, el clero y los profesionales liberales presentan tasas más elevadas (casi
100%).

• Comerciantes y artesanos presentan ya tasas de alfabetización inferiores (0,3%).

• El campesinado y los jornaleros rurales presentan las tasas más bajas.

Dentro de estos grupos sociales más bajos se observa una jerarquización en razón de su
fortuna.

Tasas de alfabetización:

1. Campesinos acomodados: 60%.

2. Medianos campesinos: 37%.

3. Criados y jornaleros: 22-29%.

2.3 La alfabetización en función del género.

La proporción de mujeres alfabetizadas es simple inferior a la de los hombres. En Escocia,

en los decenios centrales del siglo XVIII las proporciones respectivas son del 44% de hombres
alfabetizados y del 13% en las mujeres.

2.4 La alfabetización en el mundo urbano.

El mundo urbano presenta mayores índices de alfabetización que el rural. Los principales
factores fueron:

136
 • Mayor diversificación socio-profesional con toda una serie de profesiones que demandan
el dominio de la lectura y de la escritura (clérigos, profesionales, liberales, oficiales,
burgueses…).

• Concentración de centros docentes.

• Mayor dinamismo cultural (imprentas, mayor acceso y circulación de libros, etc.).

3. Libro e imprenta: la producción y su evolución.

La imprenta ¿un invento revolucionario? La invención de la imprenta es considerada por

algunos historiadores como el punto de partida de una revolución cultural que, en la esfera de la
producción del libro, lleva del pupitre del copista manual, del escritorio medieval, al taller del
impresor.

Johannes Gutemberg. Sin embargo, la atribución más segura de su invención sigue siendo
la de Gutemberg. Nace en Maguncia en el seno de una familia de orfebres, por lo que inicialmente
se forma en el arte de la orfebrería y de las técnicas de acuñación de moneda. Se traslada en 1448
a Maguncia, ciudad en la que realiza las primeras impresiones, las cuales introduce ya tres
innovaciones:

1. El uso de tipos o caracteres móviles, cada uno de los cuales se corresponde con una letra
o con un signo ortográfico.

2. Un nuevo sistema de fundición de estos tipos móviles en sustitución de las planchas de

metal, que permite la producción de millares de tipos móviles necesarios para la
composición de los textos.

3. La adaptación de la prensa del vino como máquina de impresión.

3.1 La difusión de la imprenta.

3.1.1 La expansión de la fase inicial.

La imprenta aparece en el Rhin Medio, entre Estrasburgo y Maguncia y desde este punto
se produce su difusión en un primer momento de forma lenta y con posterioridad, a partir de 1470,
de forma más rápida.

Las primeras ciudades en introducir la imprenta son ciudades alemanes en el curso del río
Rhin (Estrasburgo, Colonia, etc.).

En la propagación fuera de Alemania juega un papel decisivo el asedio y posterior saqueo

de Maguncia en 1462 (Conde Adolfo de Nasao) que obliga a huir a varios impresores que
transportan con ellos sus talleres, dando a conocer el invento en el exterior. Por esta vía se instala

137
la primera imprenta, en las proximidades de Roma en 1464 y en Venecia, en 1469. Al año
siguiente, en 1470 la imprenta llega a Paris en 1472 y funciona la primera imprenta en territorio
peninsular (Segovia) y desde 1473 en suelo inglés.

En este proceso de difusión de la imprenta tienen por lo tanto un esencial protagonismo

los impresores alemanes muchos de ellos itinerantes, que se desplazan con su taller de ciudad en
ciudad para atender perdidos. Los motores de la difusión son el círculo eclesiástico, el
universitario y el de los negocios.

3.1.2 La expansión de la imprenta (1470-1520).

Tras esta etapa inicial la verdadera difusión de la imprenta se produce entre 1470 y 1520. En esta
última fecha, 360 ciudades europeas contarían con imprentas mayoritariamente localizadas en el
norte de Italia y en Alemania.

1. En el primer caso destaca la ciudad de Venecia, capital editorial europea en los

siglos XV y XVI.

2. En Alemania, destaca Leipzig, en Francia, París, seguida de Lyon.

Las ciudades con imprenta son ciudades universitarias, ciudades con sedes episcopales,
ciudades administrativas y judiciales, puertos y ciudades mercantiles en principales nudos de
comunicación…

Asimismo, los principales centros productores son Venecia, Paris, Lyon, Leipzig,
Ámsterdam y Valencia.

3.1.3 La producción del libro en el siglo XVI.

Con la imprenta, los libros llegan a un público más amplio socialmente. El incremento
espectacular de la producción impresa no se debe sólo al aspecto religioso como instrumento al
servicio de las creencias sino que tiene su explicación también en un renacimiento cultural, un
crecimiento económico y una expansión demográfica.

Libro y lectura. Los estudios realizados de las bibliotecas de la época indican que su
difusión social era modesta.

• Contrastes entre mundo urbano y mundo rural. Mayor presencia en ciudades que el
campo, donde el libro era en bien caso, restringido a los notables locales (clero, escribanos
y notarios, pequeña nobleza).

• Contrastes sociales. La propiedad del libro aparece también jerarquizada socialmente, es

decir, por la condición socio-profesional. Profesiones liberales (magistrados y abogados)

138
 y eclesiásticos y en menos medida comerciantes y artesanos que poseen mayor número
de libros que el resto de la población urbana.

La imprenta y la ampliación del sector lector. A parte de la impresión de los libros, la

actividad editorial se diversifica con la difusión de nuevos formatos editoriales breves en
extensión y de pequeño tamaño con contenidos de interés general y a precios más baratos
destinados a un público más amplio y heterogéneo, social y comerciante.

Nuevos géneros tipográficos: pliegos sueltos o textos de pocas páginas con el apoyo de
ilustraciones y párrafos breves para su mejor comprensión. Proliferación de textos del repertorio
poético tradicional (romances, villancicos, canciones, etc.); relaciones de sucesos extraordinarios
o maravillosos, comedias sueltas, vidas de santos, etc.

1. Consolidación y difusión de las lenguas vulgares.

2. Vulgarización de textos clásicos y eruditos (traducciones a lenguas vulgares,

ediciones en pequeños formatos…).

Con estas características se incrementan en España los pliegos de cordel (pliegos sueltos
o de textos que no excedían las 16/32 páginas) o las “baladas” inglesas y los “ocasionales”
franceses, vendidos en ferias -los ciegos- y por los buhoneros itinerantes.

139
Tema 8. Humanismo y Renacimiento cultural.

1. La cuestión del Renacimiento: interpretaciones y cronología.

1.1 El problema del concepto de Renacimiento.

1.2 Cronología. Génesis y decadencia del Renacimiento.

1.3 Geografía del Renacimiento.

2. La difusión del Renacimiento.

2.1 Correas de transmisión de la renovación cultural renacentista.

2.2 ¿Cuáles son los elementos nuevos del Renacimiento?

2.3 La desintegración del Renacimiento.

3. El Humanismo: origen y vocaciones (educativa, clasicista y humanista).

3.1 Los orígenes del Humanismo. Petrarca y Florencia.

3.2 La vocación educativa: los “studia humanitatis”.

3.3 La vocación clasicista: el redescubrimiento de la Antigüedad. La crítica

textual.

3.4 La vocación humanista: la concepción del hombre.

4. La difusión del Humanismo: cronología y medios de expansión.

El Renacimiento es, sin duda, uno de los periodos o fenómenos histórico-culturales más
complejos y ricos y en consecuencia también, uno de los más controvertidos, por la disparidad de
opiniones acerca de las interpretaciones vertidas sobre el propio concepto de Renacimiento, su
cronología, sobre su caracterización, sobre su modernidad, etc.

El Humanismo está vinculado por una especie de cordón umbilical al Renacimiento. En

su calidad de movimiento de renovación cultural, su fuente de inspiración es por supuesto la
tradición grecolatina, pero su esfera de preocupaciones se centra en el hombre, de ahí la
importancia que le conceden a la educación del hombre y a la propia naturaleza humana, cuya
excelencia y dignidad alaban los humanistas pero ya con una perspectiva secular y
antropocéntrica.

1. La cuestión del Renacimiento: interpretaciones y cronología.

140
 1.1 El problema del concepto de Renacimiento.

El Renacimiento presenta una diversidad de concepciones o acepciones:

a) Se emplea para acotar un periodo o una etapa histórica que no solo sobresale por
impulsar un movimiento de renovación cultura, sino también por impulsar toda
una serie de procesos.

- De naturaleza política (las monarquías autoritarias nacionales).

- Económica (el capitalismo mercantil).

- Educativo (nuevos métodos y programas educativos).

- Cultural (imprenta, secularización de la cultura), etc.

b) En otros casos se emplea con sentido más restrictivo vinculado a la esfera de la

creación artística y literaria y por lo tanto al florecimiento de las artes y de las
letras a la luz de los modelos de Antigüedad Clásica, grecolatina.

c) Con el término Renacimiento, también se hacía referencia a un mito, al mito de

la modernidad, por cuanto había dado comienzo a la época moderna. Según el
historiador Jacob Bruckhardt (La cultura del Renacimiento en Italia) el primer
hombre moderno sería el italiano del Renacimiento, caracterizado por su
individualismo, por su laicismo, por su mundanalidad, y por su desafección por
la moral y por la religión. En la actualidad este mito está en descrédito.

1.2 Cronología. Génesis y decadencia del Renacimiento.

Un periodo histórico, un movimiento cultural no tiene un nacimiento súbito e inmediato,

sino que por el contrario suele surgir tras un prolongado período de gestación.

La palabra italiana “rinascita” es utilizada por primera vez por un artista y tratadista
italiano G. Vasari en su obra “Vida de pintores, escultores y arquitectos ilustres” (1550) para
aludir al paso del estilo gótico o bizantino, ruso y tosco, al nuevo estilo moderno que, iniciado
por Giotto, incorporando los modelos y reglas de la Antigüedad clásica e imitando a la naturaleza
hace del arte un ejemplo de medida, proporción y belleza.

Sin embargo, este término apenas se propaga en los siglos posteriores. Para su difusión
se debió esperar hasta la segunda mitad del siglo XIX a raíz de la obra de Jacob Burckhardt “La
cultura del Renacimiento en Italia” aunque ya con un sentido más amplio en su concepción: el
Renacimiento como puerta de entrada a un nuevo periodo histórico caracterizado por el
clasicismo. Pero también por otros cambios como el individualismo y el laicismo.

141
 En cuanto a la cronología. Las propuestas no siempre son coincidentes.

1. El historiador italiano Cantimori aludió a una “época humanística” desde el siglo XIV
hasta la Revolución Francesa, ocupando la primera fase del Renacimiento y la Reforma.

2. Otros autores como Delumeau, E. Garin, P.O. Kristeller proponen una cronología entre
1300 y 1600.

3. Hay autores que incluso adelantan el ocaso del Renacimiento a los años 1520 pero otros
lo posponen a 1620 e incluso a 1630.

Recientemente Burke ha propuesto una periodización que combina estas disparidades

cronológicas.

• Etapa inicial: Comienzos del siglo XIV coincidiendo con la obra artística de Giotto y con
posterioridad, con la de Petrarca, hasta finales del siglo XV. Sería según Burke la época
del redescubrimiento de la Antigüedad clásica, de sus textos, de sus vestigios
arquitectónicos y escultóricos.

• Etapa de Apogeo: entre 1490 y 1530 sería la etapa de la emulación, porque los artistas y
escritores italianos adquieren la convicción de que eran capaces de competir e incluso
superar a los antiguos, mientras que los artistas de otros países estaban empezando a
competir con los italianos.

• Etapa de decadencia o de Renacimiento tardío: desde 1530 hasta 1630 que etiqueta Burke
como la etapa de la variedad porque con al transición al marinerismo en las artes y las
letras a partir de 1520 se alternan y transforman las antiguas reglas y modelos artísticos.

Los textos del canciller florentino Bruni y del papa humanista Pío II, o finalmente de G.
Vasari vinculan los orígenes del Renacimiento a la obra de Giotto y Petrarca, prosiguiendo su
desarrollo en el siglo XV.

1.3. Geografía del Renacimiento.

¿Dónde se inicia la renovación cultural renacentista? Para L. Bruni fueron ciudades de la

Toscana y para el filósofo Marsilio Fisino (s. XV), concretamente la ciudad de Florencia sería el
más temprano y brillante foco renacentista.

Florencia. En el tránsito del siglo XIV al siglo XV al frente de la cancillería de Florencia,

estaban dos humanistas de prestigio-Salutati (1375-1406) y Bruni (1410-1411), quienes difunden
la herencia del Petrarca en la recuperación de textos de autores grecolatinos y la formación de
bibliotecas.

142
 En el periodo siguiente, con la conquista del gobierno florentino por la familia Médicis,
que favorece las artes y las letras con su patronazgo, se asiste al apogeo de artistas como
Brunelleschi, Donatello, Massacio, o de humanistas como L. Battista Alberti o M. Ficino.

Nápoles. Fue también un importante foco cultural, en este caso bajo el patrocinio del rey
Alfonso V de Aragón, que conquista el reino de 1442. Su corte se convierte en un foco cultural
muy activo debido al patronazgo real de las artes y las letras hasta su muerte en 1458. Atrae a
famosos profesores humanistas como Valla y Manetti y eruditos griegos como Jorge de
Trebisonda y Teodoro Gaza, renovando la Universidad de Nápoles y creando una nueva en Sicilia.
Funda además la biblioteca real, punto de reunión de humanistas e intelectuales.

Roma. A mediados del siglo XV fue también un importante centro renacentista; entre los
años 1447-1464, gracias al patronazgo de los papas Nicolas V y Pio II, vivió una etapa de
esplendor cultural, renovada con posterioridad en el primer cuarto del siglo XVI, gracias al
mecenazgo del papa Julio II y de León X.

Venecia. Tardó más en incorporarse al estilo renacentista pero su punto de inflexión va a

tener lugar tras el famoso saco de Roma en 1527 por las tropas imperiales tomó el prestigio como
el principal y más brillante foco renacentista.

Por tanto nos encontramos con que el Renacimiento aparece inicialmente ligado a la
ciudad de Florencia y con posterioridad a otras ciudades italianas que se van sumando. Se trata
de un fenómeno fundamentalmente urbano, pues no se difunde, como ocurre con posterior en el
estilo Barroco, por el mundo rural.

2. La difusión del Renacimiento.

2.1 Correas de transmisión de la renovación cultural renacentista.

La Génesis de la renovación cultural renacentista se liga a las figuras y obras de Petrarca

y Giotto:

• La renovación renacentista de las letras aparece ligada a la personalidad y obra de

Petrarca quien en 1337, viaja por primera vez a Roma y al año siguiente redacta su poema
África, donde hace un primer llamamiento a la renovación cultural bajo la inspiración de
los autores clásicos. Petrarca es un hombre de transmisión de la cultura clásica a su
tiempo.

• En el campo artístico, cumple igual cometido Giotto, al que se le atribuye el haber

contribuido de forma fundamental en la pintura y en la escultura al paso del estilo gótico
al estilo moderno.

143
 2.2 ¿Cuáles son los elementos nuevos del Renacimiento?

El Renacimiento supone una época innovadora en múltiples aspectos:

1. Desde un punto de vista político se asiste a la formación de un Estado Moderno. Surge

la burocracia, una fiscalidad regular, numerosa, con gran organización. Y los Estados
europeos cuentan con un ejército permanente profesionalizado.

2. Desde un punto de vista religioso se tiende a catalogar al Renacimiento como una época
de crisis. Crisis como institución. Crisis en el marco de la salvación. Crisis en su
condición de maestra de fe.

3. Innovación de tipo científico pues se vive un nuevo clima de carácter intelectual, de

experimentación, hipótesis y trabajos. Se abandonan los postulados tradicionales y se
concentra en la observación del hombre, la naturaleza y el cosmos. En 1543 aparecen
publicadas dos obras de gran interés científico como son De Humani Corporis Fabrica
de Vesalio (descripción sobre anatomía humana, con disecciones antómicas) y Acerca
del movimiento de los cuerpos celestes de Copernico (en la que se desarrolla la teoría del
heliocentrismo, afirmando que la tierra gira alrededor del sol y además la tierra tiene un
movimiento de rotación en torno a su eje.

Además, surge un fenómeno nuevo en el Renacimiento: el de los maestros

experimentadores como es el caso de Leonardo da Vinci, con estudios sobre mecánica, aviación,
navegación…

Una de las aportaciones fundamentales del Renacimiento fue la construcción de una

cultura autónoma, de una escala de valores a partir de modelos clásicos. La valoración del hombre
y de la naturaleza son dos de los valores esenciales que asimilan las artes del Renacimiento.

Tienen lugar pues, un cambio del centro de gravedad medieval (Dios), a un centro de
gravedad humano.

Motores del paso al Renacimiento:

1. El clasicismo: la influencia de la tradición grecolatina.

2. El naturalismo: la búsqueda continua de una imitación más exacta de la naturaleza que

ahora se perfecciona mediante la técnica de la perspectiva, así como del mayor realismo,
al que contribuyeron los avances en la anatomía (1543; De Humani Corporis Fabrica.
Auténtico atlas ilustrado de anatomía humana utilizado por artistas y científicos).

2.3 Desintegración del Renacimiento.

144
 Según P. Burke la decadencia del Renacimiento tendría lugar entre 1520 y 1630. Dicha
fecha de 1520 justifica porque es a partir de ese decenio cuando se difunden las reformas
protestantes y asimismo cuando se produce la transición al manierismo en las artes y en las letras.

1. La reforma luterana se distingue por la teología pesimista hasta el punto de negar

cualquier corporación al hombre en su salvación, que es una decisión únicamente divina.
Tiene que ser así porque el hombre está totalmente corrompido por el pecado original y
debido a esta naturaleza frontalmente con la concepción antropocéntrica del hombre que
exalta la dignidad, la excelencia de la naturaleza humana, que hace del hombre el centro
del universo.

2. El manierismo es una tendencia artística que pone énfasis en la manera o el estilo, en la

elegancia, apartándose de las reglas y modelos clásicos.

3. Más tarde, a partir de 1580 debemos destacar la corriente del escepticismo que agrava la
crisis renacentista poniendo en cuestión modelos y valores renacentistas. Montaigne en
sus Ensayos (1580-1588), exhibe una escasa confianza en la razón humana y en la
excelencia y dignidad de la naturaleza humana, y critica la autoridad otorgada a los
autores clásicos.

F. Bacon entre 1605 y 1620 señala que en Grecia y Roma los avances de la ciencia habían
sido muy modestos, y pugna por un nuevo método de investigación de la naturaleza
basado en la observación y en la experimentación.

A partir de 1630, el estudio de las autoridades clásicas y de sus obras cede ante la
indagación experimental de la naturaleza (Galileo, Descartes…). Se camina hacia un
cambio de paradigma. Las ciudades del renacimiento se empiezan a resquebrajar hacia
otras novedades.

El término humanista aparece a mediados del siglo XV para aludir al maestro que se
dedicaba a la enseñanza de la literatura clásica y en particular, de los studia humanitatis, que
engloba las disciplinas de gramática latina, retorica, historia, poesía y filosofía moral.

Estos maestros pertenecen a un extracto social definido. Al menos los humanistas

italianos del siglo XV eran mayoritariamente de familias de nobles, de profesiones liberales y
hombres de negocio del mundo urbano.

Dedicación profesional: enseñanza y ejercicio de cargos públicos. Humanistas como

Salutati, Bruni o Poggio, son, por ejemplo, cancilleres de la república florentina. Otros forman
parte de la cancillería papal, de los cuadros administrativos de las monarquías europeas.

145
 Naturalmente hubo humanistas de menor fortuna y rango, que trabajaron como
bibliotecarios, copistas, y como correctores de textos a raíz de la difusión de la imprenta.

Número: según Burke serían unos 1.500 aproximadamente.

El término humanismo es relativamente tardío pues aparece en el siglo XIX en Alemania

y se emplea para definir a la filosofía de la educación partidaria de los estudios clásicos.

A mediados del siglo XIX algunos autores ya conciben el humanismo como un periodo
histórico asociado al redescubrimiento de la Antigüedad clásica.

Caracterización del humanismo: aunque no hay unanimidad entre los autores, se podría
proponer la definición del humanismo como un movimiento de renovación cultural, que inspirada
en la tradición grecolatina, se distingue por tres vocaciones: la educativa, la clasicista y la
humanista.

3.1 Los orígenes del humanismo. Petrarca y Florencia.

Se remontan a la Italia de la segunda mitad del siglo XIII y se vinculan en particular a la

enseñanza del ars dictaminis, el arte de la redacción y composición de cartas, documentos,
discursos, etc. Que proporcionaba una instrucción en gramática latina y retórica y en leyes, usando
como modelos textos de la época clásica.

Hombres de leyes, juristas se van interesante también por la lengua latina, por las
instituciones y las costumbres romanas, por la literatura clásica, etc., de forma que empezaron a
ocupar su tiempo en redactar obras en latín.

De esta forma surgen los primeros círculos prehumanistas en ciudades como Padua,
Verona o Vicenza, que se familiarizan con las tragedias de Séneca, con las obras de historias de
Tito Livio, la lírica de poetas como Catulo, Propercio, etc.

El humanismo daba así sus primeros pasos cuando aparece en escena Petrarca, nacido a
comienzos del siglo XIV que impulsó la recuperación de las obras clásicas, reuniendo una
biblioteca personal. Potenció el uso del latín y privilegió aquellos estudios relacionados con el
hombre por contraposición a la escolástica, que primaba la teología, la metafísica y la física.

Este legado va a ser heredado en la última fase del siglo XIV por Bocaccio, bibliófilo
apasionado y compilador enciclopédico de datos bibliográficos, geográficos y mitológicos de la
Antigüedad clásica.

Por Salutati, canciller florentino desde 1375, cuya preeminente posición como estadista
propicia la difusión del humanismo. Acumula una biblioteca de autores clásicos, difunde los

146
valores humanistas e impulsa el conocimiento de la lengua griega, formando así a la primera
generación de humanistas italianos. El humanismo iniciaba su camino.

3.2 La vocación educativa: los “studia humanitatis”.

La enseñanza era una preocupación fundamental del humanismo hasta el punto de que
algunos historiadores atribuyen a los humanistas una revolución educativa en razón de los nuevos
métodos pedagógicos que aplican, de los nuevos ideales educativos que propugnan y, finalmente,
del muevo programa escolar que implanta, los studia humanitatis, compuestos por las disciplinas
de gramática latina, retórica, historia, poesía y filosofía moral.

La selección de estas materias se justifica porque pone énfasis en la naturaleza humana

por contraposición a la animal:

1. La gramática y la retórica se refieren a disciplinas relacionadas con el lenguaje, con la

expresión y comunicación del pensamiento, con el arte de persuasión, rasgos exclusivos
y distintivos de la naturaleza humana.

2. La filosofía moral remite a la capacidad del hombre para discernir entre el bien y el mal,
entre la virtud y el vicio, otra característica distintiva del hombre frente a los animales.

3. La historia y la poesía eran guías de ética porque ofrecían ejemplos y modelos de virtud
e ilustraban sobre las consecuencias de la virtud y del vicio.

Por tanto, la educación humanista era puesta al servicio de la perfectibilidad de la

naturaleza humana con un doble objetivo: desarrollar las aptitudes racionales e intelectuales del
hombre, del saber…; potenciar la conciencia moral.

3.3 La vocación clasicista: el redescubrimiento de la Antigüedad. La crítica textual.

Otra vocación que distingue a los humanistas es su vocación clasicista, su pasión por los
clásicos, que motiva la búsqueda y el descubrimiento de los testimonios y vestigios de la
Antigüedad, como los restos arquitectónicos, obras de arte, monedas, inscripciones epigráficas y,
sobre todo, copias de textos de autores clásicos.

Para recuperar estas copias de textos clásicos humanistas recurren a copias de la época
medieval realizadas en los escritorios medievales y conservadas en bibliotecas monásticas y
surgidas en la Edad Media.

Sin embargo, fue Petrarca el que en sus viajes escudriña estos centros para rescatar del
olvido los autores clásicos y formar la primera biblioteca de manuscritos clásicos.

147
 La generación siguiente de Bocaccio, de Poggio, etc., imitan a Petrarca y ponen las bases
de la erudición humanista que en esta fase inicial se nutre de los autores y de las obras más
copiadas y conocidas de la Edad Media (Cicerón, Séneca, Tito Levio, Virgilio, etc.).

Con posterioridad, conforme pasa el tiempo, las bibliotecas se van enriqueciendo con las
obras de otros autores como Quintiliano, etc.

Las obras de autores Griegos llegan a la India por distintos conductos:

1. Son tratados en número creciente por humanistas a su regreso de estancias de estudio en

Bizancio, o en funciones diplomáticas u oficiales o por comerciantes italianos que venden
estos manuscritos en Italia.

2. En otros casos, las obras griegas son dadas a conocer por eruditos o sabios bizantinos
(como ocurre con los Diálogos de Platón).

3. La segunda oleada de textos griegos en Italia se produce a raíz de la toma de

Constantinopla por los turcos en 1453, que provoca la huida de sabios y eruditos
bizantinos, que traen consigo nuevos manuscritos griegos. Autores griegos como
Homero, Jenofonte, Plutarco, etc., son así leídos por los humanistas.

Ahora bien, a esta labor de recuperación de los textos de autores clásicos, los humanistas añaden
la aplicación de técnicas de crítica filológica o histórica. Analizan el vocabulario, el estilo, las
formas gramaticales para comprobar si se corresponde con la época de la obra, así como si los
sucesos históricos relatados son reales, detectando incluso falsificaciones.

El humanista más famoso por la aplicación de las técnicas es Lorenzo Valla, quien
durante la primera mitad del siglo XV se le considera el padre de la filología (ciencia que se ocupa
del estudio de los textos escritos a través de los cuales intenta reconstruir, lo más fielmente
posible, los textos originales con el respaldo de la cultura que en ellos subyace.

3.4 La vocación humanista: la concepción del hombre.

La vocación justifica la exaltación de la dignidad humana, de la excelencia de la

naturaleza humana. El filósofo Marsilio Ficino, identificándose con la concepción platónica del
universo, lo concibe como jerarquizado en una cadena de seres que van desde Dios al mundo
animal. En este universo jerarquizado, el hombre ocupa un lugar central.

Pico de la Mirandola, autor de 1486 del Discurso u oración sobre la Dignidad del Hombre,
enfatiza ante todo la libertad del hombre, su propia soberanía para poder forjar su propia
naturaleza.

4. La difusión del Humanismo: cronología y medios de expansión.

148
 El humanismo italiano alcanza su momento de esplendor entre 1430 y 1520, fecha esta
última en la que el humanismo ya se había difundo a Europa.

Primeros contactos: desde 1380 en algunos centros como Paris o la corte aragonesa de
Juan I. Interés por la cultura clásica y por la cultura italiana de la época.

Entre 1420 y 1450 será, según P. Burke cuando los contactos con la cultura italiana se
multipliquen por una doble vía.

- La residencia de humanistas de segunda fila y artistas italianos en distintos países

extranjeros, donde son contratados como maestros, como lectores en las universidades,,
y los más afortunados como preceptos de familias nobles, como secretarios y oficiales en
las cancillerías.

- A la inversa, el creciente número de escolares, eclesiásticos, artistas que se desplazan a

Italia, donde entran en contacto con el humanismo y con la cultura renacentista.

Se dice que Alemania fue el primer país de desarrollo del humanismo fuera de Italia
debido a su difusión por parte de profesores formados en Italia, que a su vuelta, se integran en las
universidades y algunos centros secundarios. En Inglaterra, entre los humanistas de finales del
siglo XV la influencia italiana también es decisiva porque con excepción de T. Moro, el resto de
los principales humanistas ingleses (Colet, Linarce, Grocyn) realizan estancias más o menos
prolongadas en Italia donde estudian Griego y latín y amplía su conocimiento de la cultura clásica.

La difusión del humanismo se acelera a partir del periodo de 1420 y 1450, de forma que
en 1520 está difundido en Europa occidental y central, en un momento en que ya los humanistas
italianos pierden su supremacía. El flujo de italianos hacia Europa y la peregrinatio académica
hacia Italia había contribuido a la difusión europea del humanismo.

Asimismo, otros vehículos de propagación fueron la imprenta, la enseñanza y la

república de letras que se trata de una especie de colectividad internacional sin fronteras
espaciales que compartía una misma lengua (el latín) y un mismo ideal: la Antigüedad clásica.

Sus miembros estaban en contacto por medio de viajes y estancias de unos humanistas en
casas de otros (Erasmo en la de T. Moro) por medio de la correspondencia epistolar, que ahora se
generaliza entre los humanistas no sólo para dar noticias sino a modo de ensayo para exponer
ideas, teorías, etc.

Las academias también constituyen un eslabón de esa conexión humanista. A un nivel

más modesto, las asociaciones de tipo informal que reúnen para la lectura y discusión de textos
clásicos, que proliferan por ejemplo en el siglo XV en territorio francés y alemán. Tampoco debe
olvidar la contribución de las relaciones comerciales en este intercambio de préstamos culturales.

149
 Principales corrientes del humanismo. Este era una cultura libre, abierta, dinámica,
por lo que estaba compartimentando en una serie de corrientes.

1. Campo literario y filológico; centrado en el comentario y estudio de textos

antiguos. Principales focos: Florencia y Venecia, así como París y Lyon. Figura
principal: Lorenzo Valla, para quien el lenguaje es la articulación y el mensaje
del pensamiento, por lo que la retórica y la gramática deben tener primacía.

2. Campo filosófico; se trata de compaginar cristianismo con filosofías paganas.

Focos: Florencia. Figura principal: Fiscino que trata de afrontar el platonismo y
cristianismo.

3. Campo de la naturaleza; se pretende un mejor conocimiento de la naturaleza y

de acceder a ella a través de la física, las matemáticas y la astronomía. Principales
focos: Padua, Cracovia y Nuremberg. Figuras: Pomponazzi, quien propugna un
análisis de la naturaleza y encuentra como uno de los valores esenciales del
humanismo la condición del hombre de ser libre y responsable.

4. Campo de la religión; se pone su atención en los textos sagrados en la Biblia.

Los textos bíblicos se someten a la crítica histórica para ver las influencias
circundantes y la crítica filológica para que las traducciones sean lo más ajustadas
posible.

5. Campo jurídico o legal; empleo de textos jurídicos, sobre todo del Derecho
Romano, sometidos a la crítica histórica. Focos: Francia, círculos de jesuitas.
Vinculada a dicha corriente, algunos autores distinguen un humanismo cívico,
muy relacionado a personajes italianos del siglo XV. En él, destaca la idea de
libertad.

6. Corriente política; a principios del siglo XVI, en Florencia o Roma se observa

una corriente Republicanista, cuyo personaje más conocido es Maquiavelo. Es el
autor de un pensamiento político, a través de sus obras: El Príncipe (1513-1514)
o Los discursos sobre la primera década de Tito Livio.

El Príncipe. Obra que rompe con muchos moldes de la época. Se centra en la virtud del
Príncipe para su gobierno con la que lograría honor, fama y gloria. Pero no estaba obligado a
seguir las virtudes tradicionales e incluso podría obrar al margen o en contra de cualquier
consideración moral o religiosa si con ello, contribuía al objetivo principal al que debe aspirar
todo gobernante: la conservación del poder. Tomas Moro: Utopía. Desarrolla las ideas
humanistas sobre la organización social y política. Para Moro una República virtuosa nace cuando

150
una sociedad elimina sus diferencias sociales para lo cual hay que eliminar las causas de estas
diferencias: el dinero y la propiedad privada. Así, la virtud tendrá un valor por si misma.

Tema 9. Las reformas protestante y católica.

1. La crisis de la Iglesia renacentista: los primeros proyectos de reforma.

1.1 La crisis de la Iglesia

1.2 Las alternativas reformistas.

1.2.1 La reforma de la iglesia: primeros ensayos.

1.2.2 El milenarismo: Savonarola.

1.2.3 El misticismo: la “Devotio Moderna”.

1.2.4 El Humanismo cristiano.

2. Las reformas protestantes: corriente, doctrina y eclesiología.

2.1 Geografía de la Reforma. Focos y áreas territoriales.

2.2 Factores de expansión y conología.

2.3 Primera etapa de la Reforma: Lutero y su contexto.

2.4 Otros focos de la primera etapa de la Reforma.

2.4.1 Las Reformas urbanas.

2.4.2 La Reforma radical: el Anabaptismo.

2.5 La segunda etapa de la Reforma: Calvino y su contexto.

2.5.1 Calvino y su doctrina.

2.5.2 La eclesiología calvinista.

2.6 El Anglicanismo.

2.6.1 Causas y planteamientos del conflicto.

2.6.2 Excomunión y cisma.

3. La reforma católica: el Pontificado y el Concilio de Trento.

151
 3.1 Las iniciativas “prerreformistas”. Precedentes de la Reforma Católica.

3.2 El Concilio de Trento y el abandono de la tolerancia.

3.2.1 La celebración e incidencias del Concilio.

3.2.2 Las fases y la obra del Concilio: la definición de la ortodoxia la

reforma pastoral y disciplinar.

3.3 La aplicación de los postulados tridentinos.

3.3.1 Los medios de la reforma.

3.3.2 La gradual aplicación de los decretos conciliares.

4. Influencias de las Reformas protestante y católica en el Arte.

4.1 El Arte en los Países Católicos.

4.2 El Arte reformado.

1. La crisis de la iglesia renacentista: los primeros proyectos de reforma.

1.1 La crisis de la Iglesia.

Ya en los siglos XIV y XV se está gestando una crisis de la Iglesia, manifestada en varios
aspectos: como institución, como marco de salvación, como maestra de fe.

La crisis institucional aparece íntimamente ligada al desprestigio del papado.

La relajación moral y la preocupación de los papas por los asuntos temporales (fiestas
profanas, concubinato, mecenazgo) o políticos y materiales en detrimento de los espirituales.

Los “abusos eclesiásticos”:

1. Deterioro moral de obispos (absentismo, descuido labor pastoral y atención a rentas y

bienes).

2. Clero medio (canónigos) y bajo (párrocos) también abundan los abusos.

3. Degradación de la vida monástica o conventual.

La siguiente imagen representa a la Virgen protegiendo a los soberanos (Emperador y

Rey) y (Papa y Cardenal) del (gallico morbo: sífilis). Grabado en madera de 1508.

1.2 Las alternativas reformistas.

152
 Ante esta situación de
crisis que vivió la Iglesia,
surgen cada vez más fuentes
llamadas a la reforma, aunque
ésta queda siempre aplazada o
afecta aspectos muy parciales.
Veamos cuales fueron las
alternativas reformistas que
surgieron antes de 1520:

1.2.1: La reforma de la
Iglesia: primeros ensayos.

Intentos de reforma
desde la jerarquía: Concilio de
Constanza (1414-1415) o el V
Concilio de Letrán (1511-
1517); ambos fracasaron.

Intentos de otros sectores eclesiásticos: ordenes franciscana y dominica tratan de reformar

la disciplina conventual.

1.2.2 El milenarismo: Savonarola. El Milenarismo, más que una propuesta de reforma es

una propuesta de refundación de la Iglesia, su sustitución por otra. El ejemplo más destacado de
esta línea es Girolamo Savonarola, fraile dominico de temperamento fanático, que a finales del
siglo XV en Florencia denunciaba en los sermones la corrupción general, anunciando el inminente
castigo divino y el fin del mundo. Las críticas contra la corrupción de la Iglesia ponen al papado
en su contra. Se le prohíbe predicar y más tarde es detenido y juzgado a morir en la hoguera rn
1498.

1.2.3 El misticismo: la “Devotio Moderna”. Vía caracterizada por el individualismo, que

predica la huida del mundo, la meditación individual y la abstracción progresiva hasta la unión
con Dios.

La Devotio moderna nació en los Países Bajos en el último cuarto del siglo XIV. A sus
miembros se les conocía como los “Hermanos de la vida Común”.

 Optaba por una piedad personal, interior, que fomenta la meditarición, el examen de
conciencia, frente a la práctica mecánica y ritualizada de la espiritualidad de la época.

 Se volcaba en las obras de misericordia y en la beneficencia pública.

153
  También destaca el interés pedagógico, otorgando gran importancia a la educación y a la
lectura de textos.

La religiosidad de la Devotio Moderna era fundamentalmente urbana y de círculos más o

menos alfabetizados. Una religiosidad un tanto elitista, por lo que no logró una amplia difusión.

1.2.4 El Humanismo cristiano. Todavía más elitista era el Humanismo cristiano que tuvo
su proyección fundamentalmente en el norte de Europa, con figuras como los ingleses Tomás
Moro y Colet, y sobre todo el holandés Erasmo de Rotterdam.

 Los humanistas cristianos pretenden dar respuesta a las inquietudes religiosas por medio
de un saber renovado que tenga como principal texto de referencia las sagradas escrituras.

 Aplican a los textos sagrados las técnicas de la crítica filológica e histórica tratando de
lograr una interpretación correcta de las Escrituras.

 Propugnan religiosidad más próxima a las doctrinadas e instituciones de la Iglesia

primitiva, una religión interiorizada, sencilla, de pocos dogmas, con una gran importancia
de la claridad y en contra de esa religiosidad externa y mecánica (de culto a los santos,
peregrinaciones y ceremonias).

 Era una religión de intelectuales para intelectuales, que difícilmente podía darle al pueblo
cristiano, en su conjunto, las respuestas que éste reclamaba. Aquí radicó la clave de su
fracaso.

A partir de estos centros (Wittenberg, Zurich, Ginebra), la Reforma protestante, en sus

distintas versiones, se difundió por Europa pudiendo distinguirse tres grandes áreas:

1. Área territorial del Luteranismo: Imperio germánico, con su área de influencia

escandinava (Suecia, Noruega y Dinamarca)

2. Área territorial del Calvinismo: Europa renana, con sus prolongaciones hacia los Países
Bajos, hacia Escocia y hacia el sur de Francia. Foco inicial: Zurich, Berna y Brasilea. Por
el curso del río Rhin se difundió a los Países Bajos.

3. (hortensio se lo saltó)

2.2 Factores de expansión y cronología.

Frente a movimientos heréticos de épocas anteriores que sólo disponían de la predicación

y del manuscrito, la Reforma protestante dispuso de una nueva arma de difusión: la Imprenta.

Entre los elementos de divulgación destacaban:

 Los catecismos que se editaron sin cesar para adoctrinar a las masas.

154
  Las hojas volanderas, que bajo la forma de pasquines, combinaban texto e imagen,
utilizando la caricatura y el grabado, elogiando a los reformadores y denigrando al papado
a través de imágenes ridículas o obscenas, como las del papa-asno, el monje cerrero o la
propia Roma, presentándola como la Babilonia del Apocalipsis.

 Ediciones de la Biblia en las diversas lenguas romances.

 También se empleó el recurso de la predicación, e incluso de la música, por medio de

cánticos.

Los grabados fueron un importante instrumento de propaganda protestante. Destaca el

taller de Lucas Cranach (1472-1553). Crannach expresa en sus pinturas y grabados el nuevo
espíritu de la Reforma luterana, algo perceptible en el gran número de obras que satirizan al
Imperio, el papado y a la Iglesia romana.

Destaca la Pasión de Cristo y el Anticristo (1521). Se trata de 13 grabados en madera en

los que compara la pasión de Cristo con el Anticristo; el Papa; empleando antítesis visual.

Cronología de la Reforma protestante:

El movimiento de la Reforma protestante tuvo su arranque hacia 1520 y ocupó las dos
generaciones siguientes, entre 1520 y 1560. En esos 40 años cabría destacar la existencia de dos
generaciones de reformadores:

1. La primera generación (1520-1540): encabezada por Lutero y en la que también

formarían parte algunos reformadores suizos como Zwinglio.

2. La segunda generación (1540-1560): presidida por el reformados franco-ginebrino

Calvino.

2.3 Primera etapa de la Reforma: Lutero y su contexto.

Lutero ingresa en la orden de loa Agustinos en 1505. Tras su ordenación sacerdotal en

1507, es enviado a la Universidad de Wittenberg, en donde alcanza el grado de Doctor en Teología
(1512) y pasa a enseñar Teología y Sagrada Escritura. En 1515 a ser vicario general de los
agustinos de Alemania. Durante estos años Lutero vivió una profunda inquietud personal por el
problema de la salvación.

En 1517 el papa León X fomenta la predicación de indulgencias (pago de una limosna a

cambio de obtener seguridad para acotar las penas del purgatorio). Para Lutero era inadmisible
esta especie de comercio sagrado, ya que para él, lo único que salva es la fe gratuita concebida
libremente por Dios.

155
 Este asunto de las indulgencias actúa como detonante, y hace afrontar en Lutero una clara
posición en la Iglesia.

Las ciudades de Brasilea, Zurch, Berna y Ginebra se adhieren a la Reforma, fomentada

por reformadores locales (Escolampadio en Brasilea, Heller en Berna, Zwinglio en Zúrich, etc.).

Destaca la Reforma de Zwinglio en Zurch, Se diferencia de la de Lutero en:

1. Considera la Eucaristía como una conmemoración meramente simbólica sin presencia

real de Cristo.

2. Sustitución de la Justificación por la fe de la predestinación.

Aunque en un principio Zwinglio soñaba con una Iglesia invisible, sin estructuras, ni
órganos, finalmente organizó su Iglesia con estructuras que conferían control al poder secular, lo
que derivó en una injerencia civil institucionalizada.

2.4 Otros focos de la primera etapa de la Reforma.

2.4.1 Las Reformas urbanas.

En la primera etapa o generación de las Reformas protestantes también hay que señalar
la existencia de otros focos en distintas ciudades suizas, que en su conjunto se conocen como las
Reformas urbanas.

¿Por qué surgen esos focos reformadores en Suiza, casi al mismo tiempo que en
Alemania? En Suiza se respiraba el mismo ambiente de inquietudes religiosas que en Alemania.
Un anticlericalismo y actitud contra Roma, junto con una profunda influencia de la imprenta y
del Humanismo, que potencia el espíritu crítico contra la situación de la Iglesia, lo que llega a la
búsqueda de una reforma.

2.4.2 La Reforma radical: el Anabaptismo.

El movimiento radical por excelencia, surgido en esta primera etapa de la Reforma

protestante es el anabaptista.

Capas sociales: El anabaptismo arraigó entre el campesinado y las capas populares

urbanas.

Geografía: Surge en Suiza, y su área de expansión fundamental son las religiones renanas,
extendiéndose luego por el Tirol, Suabia, Bohemia, Turingia y Moravia.

Creencias: Los anabaptistas creían en la iluminación interior, sin meditaciones que no

fueran las del espíritu. Defendían una sociedad sin estado, ni instituciones, ni Iglesia, sin
jerarquías ni sacramentos y sin propiedad privada.

156
 El anabaptismo preconizaba una transformación radical no sólo del orden religioso sino
también del orden mundano, enfrentándose abiertamente con los poderes políticos y eclesiásticos.
Los anabaptistas creían en la proximidad del Juicio Final y confrontaban sectas a menudo muy
móviles, movidas por impulsos proféticos y milenaristas.

Un movimiento con tales características constituía una amenaza para todo el orden social
y suponía un peligro tanto para los poderes monárquicos como para las distintas confesiones
religiosas, tradicionales y reformadas, lo que explica que se ganaran la hostilidad tanto de la
Iglesia católica como de las otras confesiones protestantes y explica la cruel represión a la que
fueron sometidos.

El anabaptismo fracasó en su intento de crear una sociedad y una Iglesia nuevas. Thomas
Muntzer, reformador alemán, fue uno de los fundadores del anabaptismo.

2.5 La segunda etapa de la Reforma: Calvino y su contexto.

Después de hacer Derecho combinado con el aprendizaje de lenguas clásicas, Calvino se

une al protestanismo.

2.5.1 Calvino y su doctrina.

La doctrina no era la faceta más original del Calvinismo, ya que mientras que se considera
a Lutero como el gran teólogo por antonomasia de protestantismo, Calvino fue, en cambio, el
eclesiólgo, el organizador. No cabe duda de que su formación como jurista favoreció esa
inclinación. Sin embargo, entre la doctrina calvinista destacan al menos tres puntos:

1. La concepción de la omnipotencia y la libertad divinas: Par Calvino es el

Todopoderoso, cuya voluntad no se puede discutir, pero en la doctrina calvinista
destaca la oposición entre la transcendencia divina y la maldad humana.

2. Idea doctrinal de la supremacía de las Sagradas Escrituras: Para Calvino el

conocimiento de Dios es posible, sólo gracias a la Revelación contenida en los
textos bíblicos. Además, Calvino concede una atención muy especial al Antiguo
Testamento.

3. La idea de la predestinación: El hombre nada puede hacer de cara a su salvación

porque su naturaleza está irremediablemente inclinada al pecado. Ahora bien,
Dios predestina a algunos hombres a la salvación. Por tanto, Calvino sostiene que
la única opción que le queda al creyente es aceptar los planes de Dios aunque
Calvino opina que el hombre no debe renunciar a solicitar la misericordia divina
mediante la oración y los sacramentos (esta doctrina de la predestinación no era

157
 nueva, se encuentra en San Agustín y en Lutero, pero Calvino la sitúa en el primer
plano, para incitar a los fieles a una total confianza en Dios).

Calvino sólo admite dos sacramentos: Bautismo y comunión. Para Calvino los
sacramentos los concibe como instituidos por Dios con la finalidad de dar al fiel
la fuerza para preservar en la fe.

2.5.2 La eclesiología calvinista.

La faceta que más sobresale de la Reforma propuesta por Calvino es la faceta

eclesiológica y organizativa. Así, Calvino después de afirmar el fundamento de la Iglesia
por la predestinación, se dedicó a la organización de la Iglesia, tratando de
institucionalizarla, tarea en la que se ocupó entre 1539 y 1543.

¿Cuáles son las bases en las que se apoya Calvino para la organización de su
Iglesia? Calvino, además de la influencia de las Escrituras, toma préstamos del Derecho
Público Romano, lo que explica el carácter aristocrático y colegiado de su Iglesia.

¿Cuáles son los rasgos fundamentales de esa organización, sus principales

principios?

1. Destaca la negación de la jerarquía, que se funda en el principio del Sacerdocio

Universal (aunque luego en la práctica Calvino dote a s Iglesia de unas
estructuras).

2. El gobierno colegiado, según Calvino, debe evitar el acaparamiento y monopolio

del poder.

3. Calvino pide una separación de funciones.

- Los pastores nombrados por las autoridades tienen encomendada la predicación y la

administración de los Sacramentos.

- Los Doctores son los encargados de precisar la interpretación de las Escrituras y se

ocupan también de la enseñanza.

- Los Diáconos (nombrados por las autoridades previa consulta a los pastores), se ocupan
de las funciones de beneficencia y asistencia a pobres y enfermos, así como de administrar
los bienes eclesiásticos.

- Los ancianos cumplen la función de policías de costumbres.

- Su carácter autónomo. Las Iglesias calvinistas tienen un carácter localista, con gran
fraccionamiento de las comunidades.

158
 - Su gran rigor disciplinar. El rigorismo empezaba ya por los niños, con una estricta
educación infantil que los controlaba desde pequeños. Existía, además una gran
intolerancia con los opositores internos o disconformes.

Al morir Calvino en 1564, el calvinismo ya se había extendido a numerosos países. Su

difusión era mayor que la del Luteranismo, quizás por el universalismo de su doctrina y de su
organización.

2.6. El Anglicanismo.

2.6.1 Causas y planteamientos del conflicto.

El Anglicanismo, a diferencia de Reformas protestantes como el Luteranismo ye el

Calvinismo, no fue protagonizado por reformadores y apoyado con posterioridad por los poderes
políticos, sino que la ruptura con Roma fue promovida por los poderes políticos, por el propio
Rey en colaboración con el Parlamento. En la Inglaterra anterior al cisma con Roma, existía un
ambiente propicio para la Reforma:

1. La influencia del Humanismo había influido en la sociedad, con las descalificaciones a la

Iglesia.

2. En la sociedad inglesa existía un claro sentimiento anticlericalista, a lo que hay que unir
la lejanía con Roma, que alimentaba una creciente xenofobia romana.

A todo este ambiente propicio a la Reforma, se une un detonante: el divorcio del Rey
Enrique VIII, casado con Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos.

El asunto del divorcio de Enrique VIII era un asunto de Estado, con una clara implicación
dinástica y política. Ante el peligro de que una falta de descendencia masculina legítima hiciese
peligrar la continuidad en el trono de la dinastía reinante y pudieses originar una guerra civil. La
reina Catalina era mayor que Enrique VIII (tenía más de 40 años), y ya había tenido 5 hijos (4 de
ellos habían muerto) y varios abortos. Por lo tanto ante el peligro de no conseguir una hijo varón
de dicho matrimonio, Enrique VIII pide en 1527 al Papa la nulidad de su matrimonio con Catalina,
con el fin de poder casarse de nuevo.

El Papa Clemente VII, en un principio o pone impedimentos a la nulidad, pero luego

cambia de actitud influido por sus relaciones con el Emperador Carlos V, (sobrino de Catalina de
Aragón). El Papa va ralentizando el proceso. Debido a esto, en Inglaterra empiezan a tomarse
medidas, que se pueden considerar “precismáticas”, destinadas a hacer cambiar a Roma de actitud
sobre la nulidad del matrimonio de Enrique VIII.

159
 En 1533 el arzobispo de Canterbury declara nulo el matrimonio del Rey y declara
públicamente matrimonio secreto con Ana Bolena (mayo 1533), que en esos momentos ya estaba
embarazada.

2.6.2. Excomunión y cisma.

El Papa excomulga al Rey Enrique VIII, y su inflexibilidad, deriva finalmente en el cisma

inglés. En el Acta de Supremacía de 1534, se reconoce al Rey como jefe supremo de la Iglesia de
Inglaterra, con poder para excomulgar, perseguir la herejía, establecer la doctrina y nombrar a los
obispos.

Establecida la supremacía eclesiástica, el Rey procede a la nacionalización de los bienes

de los monasterios.

Faceta doctrinal del Anglicanismo: varía dependiendo de situaciones diplomáticas

concretas:

 Hacia 1536, era proclive a posiciones doctrinales luteranas.

 Sin embargo hacia 1539, debido a las buenas relaciones mantenidas con el Emperador
Carlos V retorna a la doctrina Católica y a la piedad y los cultos tradicionales, y hasta la
muerte del soberano Enrique VIII, en 1547, se acentuó la persecución a los luteranos.

Podría decirse que por entonces el Anglicanismo era un catolicismo no romano, un cisma
más que una herejía.

1. A la muerte de Enrique VIII, su hijo Eduardo VI (1547-1553) (hijo de Juana Seymour, 3ª

esposa), convierte Inglaterra en un dominio del protestantismo, más calvinista que
luterano.

2. Con la muerte prematura de Eduardo VI, le sucede en el trono María de Tudor (hija de
Enrique VIII y Catalina de Aragón), quien devuelve en 1555 a Inglaterra al catolicismo.

3. La muerte también temprana de María Tudor (1558), llega al acceso al trono a Isabel I
(hija de Enrique VIII y su 2ª esposa Ana Bolena). Isabel I impuso y consolidó
definitivamente el Anglicanismo. Una religión a medio camino entre el catolicismo y el
calvinismo, una forma intermedia.

A partir de la ratificación por Isabel I de los denominados “39 artículos “, que recogían
las principales líneas del Anglicanismo, la Reina desata la persecución contra los católicos,
expulsa a los jesuitas y hace ejecutar a varios disidentes.

160
 Dogmáticamente el Anglicanismo estaba muy próximo al calvinismo, pero contaba con
rasgos afines al catolicismo como el mantenimiento de una jerarquía episcopal al modo católico
o una falta de rechazo explícito de los otros sacramentos.

Puritanismo. Movimiento reformista religioso surgido en el XVI, en el reinado de Isabel

I de Inglaterra, de confesión calvinista, que rechazaba tanto a la Iglesia católica como a la Iglesia
Anglicana. Quieren que la Reforma sea realizada de forma total, pues piensan que: La ruptura
definitiva con la Iglesia católica no se había terminado de producir, ya que buena parte de la
liturgia y las creencias seguían siendo muy similares. El anglicanismo estaba demasiado próximo
al poder real inglés, obediente a sus decisiones.

A finales del XVI los puritanos se escinden en dos ramas:

1. Presbiterianos más próximos a las tesis de Calvino en cuanto al gobierno de la iglesia,

que impulsaban una centralización paulatina de la estructura eclesial.

2. Congregacionalistas, que defendían profesar su fe en la más completa libertad.

Los puritanos ingleses se extendieron por América a principios del XVII (Nueva
Inglaterra y Carolina del Norte).

Presbiterianos. John Knox, considerado el fundador del presbiterianismo (1559).

Reformista de la iglesia en Escocia a mediados del siglo XVI. Discípulo de Juan Calvino,
regresará a Escocia tras un tiempo en Ginebra. Escocia dejará de obedecer al Papa. J. Knox
redactó una liturgia a semejanza de la que había aprendido en Ginebra.

3. La reforma católica.

3.1 Las iniciativas “prerreformistas”. Precedentes de la Reforma Católica.

La Reforma Católica, comparativamente con las otras reformas cristianas, se caracterizó

por su unidad y por su carácter universal. Se trata de una Reforma promovida por varios Papas,
que dirigen un proceso de transformación de toda la Iglesia según un modelo común que se había
difundido en el Concilio de Trento (1545-1563).

Algunas iglesias como la italiana, o la española, se adelantaron en una serie de iniciativas

reformistas, conducentes a transformas sus Iglesias. -En España: los Reyes Católicos (y en
especial Isabel I para Castilla habían hecho una selección cuidadosa de Obispos y piadosos,
anticipando el modelo reformista. Además promovieron la reforma de las órdenes religiosas, y la
Inquisición es convirtió en un instrumento de control religioso de primer orden.

En Italia la renovación de la Iglesia se debe más a iniciativas particulares. La paulatina

renovación de episcopado y de la curia, que culminó con la del pontificado, encontró ya avanzados

161
muchos de los instrumentos necesarios para la Reforma Católica. También se sucedieron varias
iniciativas de reforma de antiguas órdenes religiosas, o en la fundación de otras nuevas.

3.2 El Concilio de Trento y el abandono de la tolerancia.

3.2.1. La celebración e incidencias del Concilio.

El Concilio de Trento constituye un verdadero punto de inflexión en el proceso de la

Reforma Católica. Tras esta convocación fallidas en Mantua (1536), Vicenza (1538), Trento
(1542) en Diciembre de 1543 se inicia en Trento.

El Concilio tuvo un desarrollo muy agitado a lo largo de tres fases descontinuas:

1545-1549: con Paulo III.

1551-1552: con Julio III.

1562-1563: con Pío IV.

3.2.2 Las fases y la obra del Concilio: la definición de la ortodoxia y la reforma

protestante y disciplinar.

Fases:

1. (1545-1549): En la primera fase del Concilio de Trento se abordaron los grandes temas
doctrinales cuestionados por los protestantes, y algunos disciplinares. En 1547 Carlos V quiso
imponer a los protestantes alemanes la asistencia y aceptación del Concilio, pero el deterioro de
las relaciones con el Papa (Pablo III) y a posterior muerte del Papa, suspenden el Concilio.

2. (1551-1552): El nuevo pontífice (Julio III) reanuda el Concilio en 1551, pero éste sólo
dura un año, pues en 1552 se suspende debido a los conflictos entre Enrique II de Francia y el
Emperador. Paulo IV (1555-1559) no quiso saber nada del Concilio.

3. (1562-1563): Pío IV reanuda el Concilio en 1562, y todos los esfuerzos se centraron en

la reforma interna de la Iglesia. En Diciembre de 1563, en la sesión de clausura se confirmaron
todos los decretos adoptados desde 1546, que Pío IV ratificó.

La Obra del Concilio: Trento reafirmó los principales dogmas de la fe católica frente a
los protestantes. Asimismo, el Concilio de Trento sirvió para reorganizar la Iglesia Católica,a fin
de afrontar con mayor eficacia la recuperación del espacio perdido ante el avance de la Reforma
protestante, además de mejorar la “cura de almas” de sus fieles.

Entre las reformas que proponía el Concilio de Trento destacan:

162
a. Una nueva definición de la ortodoxia, es decir, una renovación de los fundamentos
dogmáticos.

La Escritura como una fuente principal de la fe, pero interpretada por el magisterio de la
Iglesia y con la tradición.

Se rechaza la visión extrema y pesimista de Lutero, y sobre todo, de Calvino sobre el

hombre sin libertad para hacer el bien y rechazar el mal. Con la ayuda de la gracia que se
otorga en los sacramentos, se puede hacer obras meritorias y vencer las tentaciones.

Los sacramentos son 7, y son considerados signos de Cristo y no de la Iglesia. La doctrina

católica marcó profundas diferencias con la protestante. Y la Eucaristía fue exaltada en
especial, así como el Sacramento del matrimonio.

La Iglesia se considerada “el cuerpo de Cristo”. Se reconoce el sacerdocio universal de

los fieles por el bautismo, también se exalta el sacerdocio ministerial de los consagrados,
en una triple jerarquía de obispo, presbítero y diácono. La Iglesia es el instrumento
querido por Dios, y es una, santa, universal y apostólica, y sólo la Iglesia de Roma
responde a esos caracteres. No se hace ninguna concesión a las ideas defendidas por las
corrientes reformadoras.

b. Una reforma pastoral y disciplinar.

Trento no se ocupó del papado pero sí renovó la figura del obispo y del sacerdote. Los
obispos son los sucesores de los apóstoles, como el Papa lo es de San Pedro. El obispo
debía de ser un hombre de ciencia y piedad, para servir como maestro y pastor de la
Iglesia local, lo que obliga a residir en la diócesis, a visitarla constantemente, a predicar
y a enseñar, a promover la formación moral e intelectual del clero, y a introducir las
reformas necesarias mediante concilios provinciales y sínodos diocesanos.

Los sacerdotes: se reafirma el celibato obligatorio, se significa el aspecto exterior ( con

uso de la tonsura y vestiduras talares que les distingan) y se les encomienda la cura
pastoral en las parroquias. El párroco debe enseñar las oraciones y la doctrina en la
predicación dominical y en la catequesis de los niños, y vigilará el cumplimiento de los
mandamientos de la Iglesia (confesión y comunión anual). Para ello el Concilio ordenó
la creación de seminarios en cada diócesis.

Las órdenes religiosas. En Trento a penas se trató el tema, salvo para recortar sus
exenciones e incrementar el control episcopal sobre su actuación. Por otro lado tenemos
la piedad popular. La Iglesia Católica impulsó las cofradías populares devocionales,

163
 centradas en el rezo del Rosario, la caridad con los enfermos, la oración por los difuntos,
la celebración de los misterios y las fiestas de la fe, como las de Semana Santa.

Las procesiones se convirtieron en reafirmaciones colectivas y públicas de la fe en

aquellos puntos más atacados por el protestantismo: la devoción a la Virgen y a los
Santos, y fundamentalmente, del sacramento de la Eucaristía en las grandes solemnidades
del “Corpus Christi”.

En la cristiandad católica se acentuó la riqueza formal de los ritos, frente a la mayor

sobriedad litúrgica de las iglesias protestantes. Los templos católicos se llenaron de
crucifijos, vírgenes y santos, expresión de la devoción popular. Las vestiduras y vasos e
instrumentos litúrgicos se renovaron, enriquecidos con oro, plata, sedas y pedrería, signos
de la magnificencia de los sacramentos. También se cuidó la música sacra, la polifonía
coral y el órgano como una forma de espectáculo.

3.3 La aplicación de los postulados tridentinos.

La aplicación en la Europa católica de los postulados dimanados de Trento fue desigual,

ya atendió a las circunstancias nacionales de cada país.

La obra del Concilio de Trento fue activamente propagada por los confesores, profesores
y predicadores, o que hizo llegar a los fieles descarriados que ingresaron de nuevo en el seno del
catolicismo. Entre los grandes difusores del Concilio de Trento, destacaron los jesuitas.

La compañía de Jesús, fundada en 1532 (aprobada por el Papa en 1540), por San Ignacio
de Loyola (noble vascongado, nacido en Guipúzcoa), contribuyó a la difusión de la Reforma
Católica.

La eficacia de los jesuitas era debida a sus ejercicios espirituales, así como a su
organización casi de carácter “militar”. La Compañía de Jesús era un verdadero “ejército”, una
especie de tropa organizada, jerarquizada y disciplinada. Los jesuitas deben obediencia absoluta
al superior.

Después de los ejercicios espirituales, el gran medio de influencia de los jesuitas eran los
Colegios. En ellos se daba la educación humanista, despojada de sus peligros. A los Colegios de
los jesuitas acudieron millones de alumnos, sobre todo de las clases ricas, incluso protestantes.

Los jesuitas también tuvieron éxito con los Príncipes, señores y burgueses por su
habilidad como confesores. Además, la orden de los Jesuitas triunfó, por medio de un arte
suntuoso y colosalista, destinado a obrar y a conmover la sensibilidad. Por sus devociones
sensibles, a través del culto a la Virgen, de los santos y de las reliquias. Su éxito fue extraordinario,

164
y entre 1556 y 1590 contribuyeron a extinguir el protestantismo de amplias zona de Europa
(Baviera, Tréveris, Maguncia, Augsburgo, Colonia, Austria Polonia, etc.).

3.3.2 La gradual aplicación de los decretos conciliares.

Si bien el papado pidió a los Príncipes católicos que “recibiesen” los decretos del Concilio
de Trento, es decir, que les dieses el carácter de leyes de Estado, su aplicación fue desigual en los
diversos países del orbe católico. Aunque fueron admitidos sin reservas en Italia, Polonia,
Portugal y el Sacro Imperio Romano Germánico, sin embargo no fue así en todo el continente
europeo. -En España Felipe II aceptó los decretos tridentinos, aunque empleó los recursos del
patronato regio, aceptando el dogma, pero no aplicó ciertos decretos sobre la disciplina. -En los
Países Bajos los decretos son recibidos en 1566, con las modificaciones sobre la disciplina exigida
por los privilegios del país. -En Francia, la importancia de los movimientos protestantes, y las
guerras religiosas, impidieron la aceptación final de los preceptos dimanados de Trento. Además,
las reformas religiosas se aplicaron tarde en el Imperio. A finales del XVII, fundamentalmente
por el apoyo de los Príncipes de Baviera y de Austria.

En realidad fueron los papas posteriores al Concilio de Trento los que hicieron de Roma
la cabeza del catolicismo. Papas como Pío V (1566-1572), Gregorio XIII (1572-1585), Sixto V
(1585-1590), o Clemente VIII (1592-1605).

En Roma enseñaron los mejores teólogos, se fundaron seminarios específicos para los
países en los que se estaban dando procesos de recatolización (Alemania, Inglaterra, Irlanda,
Escocia, Hungría, etc.). No obstante, a pesar de los esfuerzos de la Reforma católica, Europa se
encontraba irremediablemente dividida en dos grandes grupos religiosos: católicos y protestantes,
y ambos continuarían llamando en su ayuda a los poderes públicos.

4. Influencias de las Reformas católica y protestante en el Arte: Arte reformado y el

arte católico.

Tanto las Reformas Protestantes como la Contrarreforma Católica tuvieron una gran
influencia en las formas de pensamiento y culturales de la población europea de la época,
imponiendo unos determinados cánones artísticos a los países católicos y protestantes, que
influyeron en la forma de entender el arte.

El Concilio de Trento definió el conjunto de la religiosidad, imponiendo los cánones

artísticos. Para oponerse a la doctrina protestante proliferan las imágenes de la Virgen, de los
Santos, y de los mártires. Así como representaciones escenográficas de una Iglesia triunfante,
prohibiéndose escenas paganas y las imágenes impúdicas.

165
 El arte Barroco fue utilizado como medio propagandístico para la difusión de la doctrina
contrarreformista. La Iglesia fue el mayor mecenas artístico de la época, y utilizó el arte como
caballo de batalla de la propaganda religiosa, al ser un medio de carácter popular fácilmente
accesible e inteligible.

Se trata de un arte que se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto
racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo
sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se trata de promocionar
una plástica para impresionar a las masas.

La iglesia, se convirtió en el máximo exponente de la propaganda contrarreformista. Las

iglesias barrocas italianas se caracterizan por la abundancia de formas dinámicas, con predominio
de las curvas cóncavas y convexas, con fachadas ricamente decoradas y repletas de esculturas, así
como gran número de columnas, que a menudo se desprenden del muro, y con interiores donde
predominan igualmente la forma curva y una profusa decoración.

En la arquitectura barroca el modelo por antonomasia a imitar fue la Iglesia de los jesuitas
La iglesia, se convirtió en el máximo exponente de la propaganda contrarreformista. Las iglesias
barrocas italianas se caracterizan por la abundancia de formas dinámicas, con predominio de las
curvas cóncavas y convexas, con fachadas ricamente decoradas y repletas de esculturas, así como
gran número de columnas, que a menudo se desprenden del muro, y con interiores donde
predominan igualmente la forma curva y una profusa decoración. antonomasia a imitar fue la
Iglesia de los jesuitas del Gesú (Roma) de Vignola, considerado un auténtico prototipo de iglesia
contrarreformista. De una sola nave diáfana, desde la cual se pudiera seguir la misa del altar
mayor, donde las columnas retorcidas, los juegos de luz, la contraposición de motivos curvos y
quebrados producen dinamismo y ornamentación cargada de dorados.

La basílica de S. Pedro del Vaticano (1506-1626) también constituye la imagen,

paradójicamente material y simbólica, más elocuente de la Contrarreforma.

Un edificio que figurativamente muestra todo el esplendor, el doble poder y la

magnificencia de los papas, en calidad de sucesores de San Pedro y representantes de Jesucristo
en la tierra. Arquitectura de dimensiones colosales (templo de mayores dimensiones de la
cristiandad), cincelada por escultores como Miguel Ángel y Bernini, que sirve de reflejo material
de la santidad de la Iglesia y como eje desde el que se dirige y centraliza ideológicamente el
catolicismo.

También la metódica distribución de los espacios interiores busca el espectáculo litúrgico

y la visión del poder, manifiestos a través del empleo de una riqueza de materiales, algunos de
ellos arrancados de los monumentos de la antigüedad romana y de colores.

166
 Columnatas de la plaza de S. Pedro del Vaticano (1656-1667), de Gian Lorenzo Bernini
(culminación de la retórica escenografía). Simbolismo: la columnata abraza no sólo a los fieles
sino a todos los ciudadanos del mundo. Representa una comunión casi mística entre la Iglesia
triunfante, simbolizada por la larga colección de santos de la coronación y la Iglesia militante, la
multitud de fieles orando en la plaza

San Carlos alle quatro Fontana (Roma) (1634-1641), de Francesco Borromini también da
muestra del patronato y triunfo de la Iglesia. Compuesta por una estructura típicamente barroca
de entrantes y alientes cóncavoconvexos, predominando en ella la línea curva.

Pintores y escultores también recibieron de la Iglesia una normativa precisa a fin de

ilustrar las grandes verdades de la fe, y adoctrinar y enseñar al pueblo los grandes temas de la
doctrina, a través de la exaltación de la Eucaristía, la glorificación de la Virgen y de los Santos,
etc. Pintores y escultores también recibieron de la Iglesia una normativa precisa a fin de ilustrar
las grandes verdades de la fe, y adoctrinar y enseñar al pueblo los grandes temas de la doctrina, a
través de la exaltación de la Eucaristía, la glorificación de la Virgen y de los Santos, etc. Incluso,
a las artes plásticas se sumó la música sacra, para lo que se introdujo en la liturgia el uso del
órgano y del canto coral, con la finalidad de emocionar a los fieles para estimular la devoción.

Pintura barroca en Italia. Tenebrismo de Caravaggio. Personajes sobre fondo oscuro,

con una iluminación artificial y dirigida, de efecto teatral. Clasicismo de Annibale Carraci, o
Guido Reni. Búsqueda de la belleza ideal, inspirándose en el arte clásico grecorromano y el arte
renacentista.

Pintura barroca en España. Tenebrismo efectista de José de Ribera. Realismo del

mundo monástico de Zurbarán. Colorismo preciosista de las Vírgenes y Jesús niño de Murillo.
Clasicismo de inspiración veneciana de Alonso Cano.

Escultura barroca en Italia. Los talleres de Gregorio Fernández, Martínez Montañés,

Pedro de Mena y Alonso Cano esculpían Inmaculadas, crucificados y cristos yacentes destinados
a los pasos procesionales, y a los retablos de los templos. Culminación de la iconografía del
crucificado, con una composición cargada de dramatismo y realismo. Para ello Gregorio
Fernández no duda en utilizar toda clase de recursos: cristal en los ojos, marfil para los dientes,
corcho en las heridas y asta en las uñas.

El arte reformado. Frente a la exuberancia de formas y contenidos propuesta por la

Contrarreforma católica, con un arte que estimula las emociones y los sentimientos, el arte
reformado, en especial el puritano inglés y el calvinista de los Países Bajos, producía lo contrario:
-Una pintura interiorista, familiar y profesional, donde cofradías artesanales y milicias burguesas

167
dejaban constancia de su predominio social y poderío económico. Bodegones de naturalezas
inmóviles que no transmiten emociones.

En los Países Bajos, el calvinismo determinó una arquitectura más simple y austera, de
líneas clásicas, con preponderancia de la arquitectura civil:

En los países nórdicos, el protestantismo propició igualmente una arquitectura sobria y

de corte clásico, con modelos importados de otros países.

-En Dinamarca destacan el edificio de la Bolsa de Copenhague (1619-1674).

-En Suecia, el Palacio Real de Estocolmo (1697-1728), de Nicodemus Tessin el Joven.

Así como el Palacio de Drottningholm (1662-1685) y la iglesia de Riddarsholm (1671),

de Nicodemus Tessin el Viejo.

Asimismo, se da la pintura interiorista, familiar. Escenas de género y domésticas. La

Lechera de Vermeer (1648-1660), La mujer de la perla de Vermeer (1665-1666), El Dormitorio
de Peter de Hooch o Mujer aseándose de Ter Borch.

Temas populares: Vida cotidiana. Así como el Palacio de Drottningholm (1662-1685) y

la iglesia de Riddarsholm (1671), de Nicodemus Tessin el Viejo.

Así como paisajes como son los de Pieter Brueghel el Viejo (Paisaje en Invierno, 1565).

Bodegones holandeses. Frente a la pintura gesticulante, barroca cargada de sentimientos

y emociones, los bodegones representan objetos inmóviles que no transmiten ninguna emoción y
que simplemente nos invitan a la contemplación de la pintura, del color, de la luz.

Pintura profesional o corporativa: cofradías artesanales y milicias burguesas (Ronda de

Noche de Rembrandt, Síndicos de las pañeras de Rembrandt, Regentes del asilo en Haarlem de
Hals…

Grabados: ataques a la Iglesia Católica (Lucas Cranach).

En territorio alemán. Luchas Cranach el Viejo (1472-1553). Aparte de los temas cáusticos
y críticos (generalmente grabados), contra el papado y la Iglesia romana, Cranach lleva a cabo
una renovación iconográfica que aplica a temas bíblicos y mitológicos.

Entre los temas bíblicos destaca el de Judit, como heroína del Antiguo Testamento, y
sustituta de la Virgen, en la que insiste la contrarreforma católica. Entre los temas mitológicos
destacan los de Venus y el Juicio de Paris. Hans Baldung Grien (1884-1545). Pintura con una
intención moralizante, destaca el tratamiento del tema del paso del tiempo y la idea de la muerte,
representada a través de las edades de la vida de las mujeres.

168
 Arte religioso de la inspiración luterana:

a. Desacralización de la imagen religiosa que pasa a ocupar el lugar de apoyo a la

predicación y la formación.

b. Cambia su función: en lugar de incitar a la devoción hacia la figura sagrada representada

en ella, como el católico, se dotará de un carácter didáctico, intentando transmitir por
medio de él los principios de la religión luterana a los Arte religioso de inspiración
luterana fieles.

Obras moralizantes y didácticas. Para ilustrar pasajes de la Biblia y comunicar mensajes

a los feligreses iletrados. Las obras de Durero, Lucas Cranach o Holbein, pretenden plasmar las
ideas luteranas en un arte religioso “reformado”.

“Los cuatro Apóstoles” de Durero. No tiene carácter devocional. Enfatiza la importancia

del Evangelio y la palabra en la expresión artística religiosa.

Tema 10. La cultura del Barroco. La Ilustración.

1. El Barroco.

1.1. El Barroco: etimología y definición.

1.2. El Barroco: un concepto estilístico, morfológico o de época.

1.3. El Barroco: ¿la cultura de la Contrarreforma?

1.4. El Barroco: ¿la cultura de una sociedad en crisis?

1.5. Los motivos culturales del Barroco.

1.6. Caracterización social de la cultura. El Barroco: una cultura dirigida, de

masas, urbana y conservadora.

2. La Ilustración.

2.1. Los orígenes de la Ilustración.

2.2 El culto a la evidencia y a la razón.

2.3 Laicización o desacralización del pensamiento y de la ciencia.

2.4 Las crisis religiosa. Deísmo y Ateísmo.

2.5 Propugnación de una mora natural.

2.6. La ideal del progreso y el ideal de la educación.

169
 1.1 El Barroco: etimología y definición.

El concepto de Barroco y de cultura barroca ha sido uno de los más polémicos que se han
acuñado por la historia del arte y de la literatura. El origen etimológico es muy oscuro, y oscila
entre la palabra portuguesa barrôco, empleada para denominar perlas de forma irregular, que
tenían alguna deformidad (como en castellano el vocablo «barruecas»). Fue en origen una palabra
despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso, Perlas irregulares porque rompía las normas
estéticas, grandilocuente, excesivamente recargado.

El origen más culto deriva del sustantivo baroco, un silogismo de origen aristotélico y
carácter ambiguo, proveniente de la filosofía escolástica medieval, que hace confundir lo
verdadero con lo falso, por medio de un razonamiento pedante y artificioso, generalmente en tono
sarcástico y no exento de polémica.

Más lejano aparece el supuesto origen de la palabra como correspondiente a un antiguo

término jurídico de la Toscana, con el que se indicaba una especie de contrato usurario, esto es,
una forma de engaño.

Algunos autores piensan que la palabra española aceptada durante el s. XIX surgió
precisamente por una reunión o superposición de ambas significaciones, que se usó para designar
al estilo artístico del sigo XVII, caracterizado por la abundancia de formas irregulares (volutas,
adornos curvilíneos, etc.), a imitación de las perlas irregulares a que alude uno de sus orígenes
etimológicos y crea un arte engañoso y lleno de sorpresas.

1.2 El Barroco: un concepto estilístico, morfológico o de la época.

Concepto estilístico: Inicialmente se empleó el término Barroco para definir un estilo.

Pero el empleo de la palabra barroco para designar el estilo, concretamente de la arquitectura de
la época que sucede al Renacimiento, no se fija hasta el s. XIX, si bien mantiene el sentido
peyorativo en cuanto se considera un estilo decadente, de mal gusto. Esto ocurre con Jacob
Burckhardt, quien en su obra Cicerone (1860), llega a identificar al nuevo concepto con una nueva
etapa del arte italiano, prolongación del Renacimiento, al advertir que las obras existentes en
Roma posteriores al período renacentista tenían, por razón de la deformación y corrupción de
modelos anteriores, unos caracteres que parecían como propios de otro estilo distinto al del
Renacimiento.

En España, la palabra barroco no aparece hasta bien entrada la segunda mitad del s. XIX,
al igual que en el resto de Europa procedente de Francia. En 1867 aparece en los textos españoles
el empleo de la palabra barrroco en su más exacto sentido calificador del estilo, si bien, proseguía

170
manteniendo una significancia peyorativa, de mal gusto. Algo que también compartían muchos
países de Europa, con la excepción de algunos como Alemania, en donde se había roto con la
condenación del barroco por la pluma de H. Wölfflin, quien en su obra Renacimiento y Barroco
(1888), ofrece una caracterización del barroco en contraposición del clasicismo renacentista,
renacentista, interpretada interpretada no como una degeneración degeneración sino como una
positiva positiva transformación.

En una segunda obra, Conceptos fundamentales de la Historia del Arte (1915), Wölfflin
desarrolla un análisis formal y estilístico del Barroco.

Concepto morfológico: Ya en 1878 Nietzsche consideraba el Barroco no como un estilo

sino como una fase de la evolución artística que cierra distintos períodos culturales. El barroco,
desde esta perspectiva, es entonces una constante o un fenómeno recurrente que se produce
siempre en la decadencia de un gran arte.

De esta visión morfológica del barroco como históricamente cíclico, salvando las
distancia temporales, también participa el critico español E. D´Ors, quien en 1929 procede a dar
una definición intemporal del barroco, según la cual tal fenómeno se puede reproducir en
cualquier momento, en cualquier época, de donde toma, pues, un concepto morfológico, cíclico.

Concepto de época: Una tercera vía para la definición del barroco, es el concepto de
época. José Antonio Maravall es quien ha dedicado mayor número de páginas a esta cuestión.

En la historia de algunos países europeos, en concreto en el caso español, iría

aproximadamente desde 1600 a 1670, pudiendo adelantarse a 1570- 1580 en Italia, y retrasarse,
en Francia a los años 1640, según precisa el filólogo alemán experto en Cervantes, Helmut
Hatzfeld. Esto quiere decir, según Maravall, Maravall, que debe renunciarse renunciarse al
término término barroco barroco para designar designar conceptos estilísticos o cíclicos repetibles
en culturas cronológica y geográficamente lejanas; y solo emplearse para designar la cultura de
una época que resulta de una conjunción de toda una serie de actores socio-políticos, económicos,
religiosos, etc. que configuran una situación histórica concreta.

Ello explica que el barroco se extienda, según Maravall, a las más variadas
manifestaciones de la vida social y de la actividad humana, pero que también geográficamente
esté difundido a todos los países de la mitad occidental de Europa, desde donde llega a las colonias
americanas.

A nivel, pues, de definición, el concepto de barroco plantea diversas posturas:

1. Inicialmente ha servido en las artes visuales y en la literatura para definir un estilo.

(Concepto estilístico).

171
 2. Desde ahí la visión del barroco se ha ido ampliando hasta el punto, por una parte, de
acoger a todas las manifestaciones a una época histórica que, según una tesis ya caída en
desuso, es de carácter recurrente y cíclico. (Concepto morfológico).

3. Finalmente, según la opinión de la mayoría, el barroco responde a una situación histórica

concreta como es la europea del siglo XVII. (Concepto de época).

Pero los problemas no se acaban aquí. La publicística del barroco es rica en discrepancias.
Lo fundamental versa sobre las relaciones entre el Barroco y la Contrarreforma y entre el Barroco
y el Misticismo. Además, al tratar de fijar posiciones en este punto, inmediatamente se implica la
cuestión del origen español del Barroco por la vinculación de España al movimiento
contrarreformista.

1.3 El Barroco: ¿la cultura de la Contrarreforma?

El primer historiador del Arte en responder a esta cuestión fue Weisbach en 1921, quien
establece para ello un paralelismo entre el estilo artístico y la ideología de la época, concluyendo
que el Barroco es el arte de la Contrarreforma. Idea: los dogmas y devociones que se habían
impuesto históricamente a consecuencia del espíritu contrarreformista impulsaron nuevas formas
artísticas artísticas y culturales, culturales, las formas barrocas barrocas. Bataillon, en 1937,
vuelve a buscar las raíces de este movimiento en el Concilio de Trento. La tesis es aceptada más
recientemente por Hatzfeld, si bien, en su caso a la literatura. Pero él, no sitúa el origen del barroco
en España por su especial protagonismo contrarreformista, sino en Italia.

1.4 El Barroco: ¿la cultura de una sociedad en crisis?

Otro problema que plantea el Barroco es si se trata de una cultura de una sociedad en
crisis. Rodríguez San Pedro ha señalado que la atmósfera cultural del Barroco ha venido siendo
identificada o ligada a una situación de crisis en los diversos niveles económico, social, político
y de mentalidad, en el marco general de la depresión del s. XVII. Más definida es la postura de
Maravall, para quien el Barroco es ante todo una cultura que consiste en la respuesta dada entre
1600-1670 a una situación de crisis socio-política, que refuerza una conciencia de malestar ante
los trastornos graves del aparato social y económico.

1.5 Los motivos culturales del Barroco.

El Barroco puede referirse a unas actitudes ideológicas:

1. Sustitución del humanismo antropológico renacentista por una espiritualidad

trascendente.

2. Espíritu religioso tridentino y jesuítico.

172
 3. Concepto absolutista del Estado.

4. Tensión entre fe dogmática y el espíritu crítico.

Así, la Contrarreforma, Absolutismo y Barroco constituyen una unidad conceptual

indisociable.

En este momento cobra cuerpo la noción básica del desengaño, muy ligada a la
decadencia política y económica. El tema del desengaño es el tema del barroco español. Tras un
siglo de apogeo político y cultural, sucede una caída casi en vertical del Imperio español, que
genera una reacción de desengaño que adquiere expresión en una literatura y en una filosofía
sobre este tema y otros afines. Temas como la muerte, la vanidad, la inestabilidad, la ilusión.

En general, vemos una cultura marcada por contrastes violentos: hombres y naturaleza,
idealismo y realismo, impulso vital y angustia ante la muerte, que refleja los mismos contrastes
de la sociedad donde se produce.

1.6 Caracterización social de la cultura del Barroco.

A la hora de caracterizar el Barroco, Maravall hace una diferenciación en cuatro puntos.

Según él se caracterizaría por ser una cultura dirigida, de masas, urbana y conservadora.

Una cultura dirigida: La cultura del Barroco se muestra como instrumento operativo para
integrar a los individuos en el sistema social vigente, por eso estaríamos ante una cultura dirigida.
Todo lo que hace el teólogo, el filósofo, el escritor o el artista está en función de un planteamiento
planteamiento ideológico, ideológico, en el cual el contenido contenido es lo de menos con tal de
respetar respetar el orden establecido en lo político y en lo religioso. Para conducir y cambiar los
comportamientos de los individuos se emplean diversos medios: la literatura –de manera muy
especial el teatro-, el ensayo, la oratoria, las artes, etc.

En España, autores como Baltasar Gracián, destacan por sus obras moralizadoras,
tratando de modelar la conducta del lector. La misma actitud se advierte en autores de comedia
como Calderón de la Barca, Lope de Vega, Tirso de Molina, novelistas como Cervantes, Mateo
Alemán o escritores tan polifacéticos como Quevedo. Se trata de respetar el poder establecido,
pero no simplemente de una cultura subvencionada por el poder, sino de una cultura
comprometida con el poder y manejada por él.

Esta doctrina controlada y dirigida desde arriba también se difunde a través de una
abundante propaganda tanto oral como escrita.

La propaganda oral tiene su principal instrumento en el púlpito, desde el que se lleva a

cabo una propaganda magnificadora de la monarquía y de la ortodoxia religiosa.

173
 La propaganda escrita, a parte de un sinnúmero de escritores comprometidos y
dependientes del sistema, hay que destacar las gacetas, cartas, avisos, octavillas y panfletos.

Una cultura de masas: Maravall atribuye un carácter masivo a la cultura del Barroco. Una
cultura de masas: - Vulgar (popular, sencilla) - Repetitiva (reiterativa en su mensaje) -
Espectacular (sorprendente) - Sensiblera (emotiva, conmovedora). - Una cultura destinada a
conquistar la mente de los hombres más que a reprimirla.

La imprenta permite una producción masiva y barata, y en consecuencia capaz de

alcanzar a gran público en el XVII, jugará un papel importante en la búsqueda de ese objetivo.

También la pintura comienza a tomar esa orientación. Se empieza a producir ya no sólo

por encargo. Así, en ciudades como Amberes, un buen número de maestros de pintura y grabado
aplican un trabajo artístico de producción de tipo manufacturero (en serie). Se empieza a trabajar
para un mercado y no ya simplemente para peticiones particulares.

Uno de los fenómenos más masivos fue el de la comedia. El teatro tendrá un papel
destacado en la transmisión de ideas y valores –religiosos, políticos, morales…- que se busca sean
asumidos por el conjunto de la sociedad.

Una cultura urbana: Advierte Maravall, que la cultura barroca va dirigida

fundamentalmente a las poblaciones urbanas. Es en las ciudades donde se levantan los principales
monumentos -Roma, Viena, Praga, Madrid, París, Londres...- y también se concentran las
creaciones de pintores, arquitectos, escultores, representaciones teatrales, etc.

En esas mismas urbes barrocas se produce y se consume la voluminosa carga de literatura

que se da en el XVII. Sin embargo, Víctor L. Tapié, presenta al Barroco como una cultura rural,
dominada por la mentalidad campesina, bajo la acción de una economía agraria. Según Tapié, el
Barroco nacería del gusto y del placer que los sectores rurales encontraron en la ostentación y
riqueza desplegada por los grandes. Para refutar esta tesis, Maravall, apunta que son obras tardías,
las cuales dependen de patrones anteriores procedentes de los centros urbanos, cuya influencia
llegará al medio rural. Maravall afirma que el Barroco surge como cultura de ciudad, aunque
opere sobre zonas rurales próximas. Se trata, por tanto, de una cultura esencialmente urbana, pues
allí se concentra el poder, en correspondencia con la nueva función de la ciudad.

Una cultura conservadora: Con la cultura Barroca se pretende conservar el orden

establecido, por lo que de ahí deriva, según Maravall, el carácter conservador de la cultura
barroca. En la cultura barroca hay un predominio de la idea de conservación del orden social o
bien de la monarquía. El absolutismo sirve, según Maravall, de freno a los cambios sociales y
políticos; y mantenía enérgicamente los cuadros estamentales de la sociedad. Así, el teatro barroco

174
aparece ligado a la propaganda del sistema monárquico-señorial, pero también en la pintura, la
poesía, etc., se da a cada persona su decoro estamental según la condición social de su grupo.

Los sermones, la literatura, el teatro reflejan las formas de vida, los valores morales del
código establecido en la sociedad monárquica. La pintura refuerza por integrar al público que la
contempla el sistema de valores de la sociedad nobiliaria, a cuyo servicio está. En contra de la
visión tradicional de un barroco restringido al marco del catolicismo, las revisiones
historiográficas han observado también la existencia de una cultura barroca dentro de los países
protestantes. El arte protestante del barroco, no se basa en manifestaciones sobrenaturales del
poder divino, no tiene aspecto de superioridad ante los hombres, si no que refleja actos y sucesos
de carácter humano, que intentan realizar lo correcto, lo que le agrada a Dios. Las pinturas narran
que es más valioso el actuar, que aparentar ser bondadoso. El mensaje ligado, y a la vez el propio
motivo del surgimiento de la reforma protestante late en los cuadros, reflejando que no hay
hombre más valioso que otro, que todos son iguales, y que la muerte es real para todos, por lo
cual hay un Dios comprensivo, no un Dios castigador.

También la música pasa por un período de florecimiento, en que, durante la época

propiamente barroca, va a la cabeza el mundo protestante (Juan Sebastián Bach, Jorge Friedrich.
Händel), terminando en el clasicismo vienés (Mozart, Haydn, Beethoven).

Conclusiones:

1. El Barroco, ya sea en el campo artístico, literario o en el de otras manifestaciones

culturales, aparece profundamente impregnado de un componente religioso. El Arte
Barroco es un arte de la Contrarreforma, un arte religioso, un arte de combate y de
disciplina, que trata de reflejar de forma triunfante la victoria sobre el protestantismo, y
para ello se vale de una decoración profusa en iglesias y templos.

2. Pero además, el Barroco en sus distintas manifestaciones, refleja la sociedad monárquica,

el poder establecido. En el arte, en la literatura, teatro, etc. se ensalza el poder del
soberano. Las pinturas, los retratos, los túmulos y catafalcos construidos con motivo de
la muerte de miembros de la familia real, etc., son propaganda magnificadora de la
monarquía y contribuyen incluso a sacralizarla.

3. El Barroco, además de reflejar la religiosidad de la época, así como la sociedad

monárquica, también constituye la expresión de una época atormentada, de una época de
crisis política, económica y social, y a través del arte, de la literatura (novela, poesía...),
de la música, del teatro, etc. se refleja una sensibilidad popular, en la que temas como la
salvación, el destino de hombre, el tema de la vida y de la muerte, la vanidad de las cosas,

175
 el desengaño, el paso del tiempo y la fugacidad de la vida. El hombre Barroco vive una
época de crisis, tanto económica como espiritual. Esto tendrá su reflejo en las artes.

Todo esto tiene cabida en las distintas manifestaciones de la cultura barroca.

Características del Barroco: Excesivo uso de la disonancia, ¿para qué? Para crear más
tensión y tratar de explicar mejor la situación atormentada en la que se vive. Búsqueda de un ritmo
muy marcado (ritmo mecánico), con pulsaciones fuertes y repetidas. Así, el movimiento se
convierte en un elemento vital para la música. Trata de dar un efecto dramático, exagerando la
expresión.

La literatura barroca se caracterizó principalmente por el escepticismo y el pesimismo,

con una visión de la vida planteada como lucha, sueño o mentira, donde todo es fugaz y
perecedero, y donde la actitud frente a la vida es la duda o el desengaño, y la prudencia como
norma de conducta. Su estilo era suntuoso y recargado, con un lenguaje muy adjetivado, alegórico
y metafórico, y un empleo frecuente de figuras retóricas. Los principales géneros que se cultivaron
fueron la novela utópica y la poesía bucólica, que junto al teatro, fueron los principales vehículos
de expresión de la literatura barroca.

En la pintura y la escultura: No desaparece el tema mitológico, pero con una

interpretación moralizadora que dota de un sentido alegórico a los temas. Como en el Apolo y
Dafne de Bernini, al que se le añadió en el pedestal un dístico moralizante: “Quien persigue un
loco amor, encuentra, cuando lo alcanza, hojas secas y frutos amargos”.

Se generaliza la Vanitas, es un término latino que puede traducirse por vanidad; en el

sentido de vacuidad, insignificancia. El mensaje que pretende transmitir es la inutilidad de los
placeres mundanos frente a la certeza de la muerte, animando a la adopción de un sombrío punto
de vista sobre el mundo. Las vanitas hablan de la futilidad y la brevedad de la vida, y como al
final, tras la pobreza y la miseria, pero también tras la gloria y la riqueza, vendrá la muerte que lo
disolverá todo en polvo. Es la idea del desengaño, tan presente en la cultura del Barroco.

Las vanidades denuncian la relatividad del conocimiento y la vanidad del género humano
sujeto al paso del tiempo, a la muerte.

Símbolos:

 Cráneos humanos y esqueletos, símbolo de la muerte.

 Las burbujas, que simbolizan la brevedad de la vida y lo repentino de la muerte.

 Los espejos, cómo la imagen es un engaño de la realidad.

 Fruta pasada, que simboliza la decadencia como la senectud.

176
  -Pompas de jabón, ruinas, flores marchitándose, velas apagándose, humo y viento
representan lo efímero de las cosas.

 Relojes, y relojes de arena, que simbolizan la brevedad de la vida

La gafa es utilizada dentro de la vanitas como objeto ligado a la lectura y al cultivo del
saber, es decir, en su papel de motivo simbólico que representa la inutilidad de la vida intelectual
y del saber científico.

Alonso Gutiérrez, pintor madrileño del s. XVII, asocia las gafas en su Vanitas a unos
libros viejos con los bordes doblados y gastados, a un tampón y a tres plumas de ave para escribir
como alusiones conjuntas al absurdo del conocimiento y del estudio.

En muchos cuadros de vanitas se agrupan los elementos que representan la actividad

humana (libros, instrumentos científicos) y los placeres humanos (pipas, instrumentos musicales,
etc.) que marcan la futilidad de lo material en una vida tan corta.

Libros, instrumentos científicos, materiales y herramientas, joyas, coronas, armas,

vasijas, cartas, e instrumentos musicales, representan nuestra existencia terrenal y la vanidad de
los honores y la gloria.

2. La Ilustración.

Se conoce con el nombre de Ilustración al movimiento cultural europeo del s. XVIII, que
se caracteriza por su: utilitarismo, secularización del saber y la política y el reformismo social y
económico.

Al siglo XVIII se le designa también con frecuencia como el “Siglo de las Luces”.
(Lumières, Enlightement, Aufklärung, Luzes, Illuminismo…) Son denominaciones que hacen uso
de la metáfora de la luz, porque este movimiento cultural tuvo la declarada finalidad de disipar
las tinieblas intelectuales de la humanidad mediante las luces de la razón. En efecto, haciendo uso
de la razón como arma o instrumento fundamental, la Ilustración sometió a revisión revisión todos
los fundamentos fundamentos del pensamiento pensamiento y de la ciencia, atacando
abiertamente no pocas concepciones que hasta entonces se habían mantenido como verdades
inamovibles, inalterables. Se trata, por tanto, de una actitud profundamente crítica y renovadora.
Una crítica que se ejerce en todos los campos: ciencia, filosofía, moral, religión, derecho,
educación, política, economía, literatura, etc., pues la Ilustración afectó a todas las facetas del
saber y de la vida humana.

Nos encontramos, sin duda, ante una etapa decisiva en la historia del pensamiento
europeo. Se podría decir que la Ilustración ante todo, más que un movimiento cultural, o más que
una ideología, es una actitud. Una actitud crítica que, en opinión del gran filósofo alemán Kant,

177
en 1784, representaría para el hombre su llegada a la mayoría de edad, desde el punto de vista
intelectual.

2.2 Los orígenes de la Ilustración.

La Ilustración, como todo fenómeno cultural, no es algo que surja de repente, de la noche
a la mañana, sino que cuenta con un largo período de preparación, de incubación, hasta que por
fin alcanza alcanza un estadio estadio que se puede calificar de madurez. La Ilustración define el
pensamiento europeo del XVIII, y más concretamente desde 1720 ó 1730. Es a partir de entonces
cuando se encuentra en plenitud. Pero todos los tratadistas del tema están de acuerdo en que sus
orígenes hay que buscarlos más atrás.

Según Paul Hazard, los orígenes de la Ilustración estaría en los años 70 u 80 del s. XVII,
cuando algunos precursores comienzan a expresar las ideas que serán características el
pensamiento ilustrado. Así, tenemos a Spinoza, Pierre Bayle, Fontenelle, Leibniz, a Newton, a
los llamados librepensadores o libertinos (Saint-Evremond) o a los deístas ingleses (el más
combativo, John Toland), o a John Locke, referencia siempre obligada al hablar de Ilustración.

Se trata de en conjunto de pensadores, que desde 1670 u 1680, en un períod o dominado

por la influencia de Descartes (que había publicado en 1637 su famosa obra el Discurso del
Método), quieren hacer de la razón el instrumento fundamental del conocimiento humano.

Entre los escritores racionalistas cabe destacar al judíoholandés Baruch de Spinoza

(Obras: “Tractatus Theologico Theologico -politicus” (politicus”(1670); “Tractatus “Tractatus
politicus” politicus” (1675 - 77), que atacaba al poder monárquico, negando su origen divino. La
libertad de conciencia y la tolerancia, dos ideas básicas del pensamiento ilustrado, se encuentran
ya en este autor muerto antes de 1680.

Otro pensador racionalista del XVII, Nicolás Malebranche (1638-1715), trata de conciliar
razón y fe, pero da tal importancia a la razón que apenas dejó algún espacio a Dios.

Los librepensadores o libertinos, propugnaban una doble libertad, la del espíritu y la de

los sentidos. Saint-Evremond (1613-1703) era a-religioso, Jean Deliénault negaba la vida después
después de la muerte y Ninom de Lenclós negaba la existencia existencia del alma. Defendían
posturas de incredulidad y tolerancia.

Tampoco hay que olvidar a los deístas ingleses. El más ruidoso era John Toland (obra: El
cristiano privado de misterios, 1696). Un hombre para quien nada en el mundo puede ser superior
ni contrario a la razón, por lo que atacaba con saña los misterios de la religión, los milagros, la
superstición y los prejuicios.

Por tanto, la Ilustración supone una cristalización de cosas ya conocidas.

178
 Se alcanza en la segunda mitad del XVII, y concretamente en Inglaterra, donde existían
unas condiciones favorables para que allí surgiese la Ilustración:

El considerable avance de las ciencias.

La relativa tolerancia religiosa.

El liberalismo político.

Facilitaron el ambiente para el desarrollo de dos elementos fundamentales para el

pensamiento ilustrado: el empirismo y el deísmo (sustituye una religión revelada por una natural).

Y que se encuentran tempranamente en las obras de Locke y Newton, que se difundieron

pronto al continente a través de Holanda, principalmente las de Locke, que lo hicieron antes

Aunque esto no quiere decir que los demás países europeos no tuvieran sus propios
precursores: Francia tuvo, por ejemplo, a Fontenelle (1657-1757) y a Pierre Bayle (1647-1706).
Alemania tuvo a Christian Alemania tuvo a Christian Thomasius Thomasius (1655 -1728).
Holanda a Baltasar Bekker (1634-1698). España a Gregorio Mayans (1699-1781) y a Benito
Jerónimo Feijoo (1676-1764), etc. Pero será Inglaterra la que irá por delante y la que hasta 1730
representará la vanguardia intelectual. Después de 1730, Francia acabará arrebatando a Inglaterra
esa primacía dentro de Europa.

Desde entonces hablar del pensamiento ilustrado equivale casi a hablar de los pensadores
franceses del momento. Así pues, la Ilustración nace en Inglaterra, se desarrolla en Francia y
luego se difunde por el resto de Europa y América. Una vez vistos los orígenes ideológicos,
temporales y geográficos de la Ilustración, pasaremos al estudio de sus características más
destacadas:

2.2. El culto a la evidencia y a la razón.

Según el espíritu ilustrado sólo se deben admitir las verdades claras y evidentes. Pero
¿cómo se llega a esa evidencia?. A través de dos vías. La razón y la experiencia. El espíritu de los
ilustrados es profundamente racionalista. Para ellos, la razón humana es norma y criterio de toda
verdad. Pero no se trata de la razón eclesiástica, sino de la razón matemática. Esta fe de los
ilustrados en la razón está en íntima relación con su concepto del hombre.

La Ilustración es una corriente antropocéntrica, que considera al hombre como centro del
universo. De ahí la elevada valorización de la razón, a la que se considera considera como la
mejor facultad facultad del hombre. Se afirma la necesidad de la evidencia y el empleo de la razón
y de la experiencia como las únicas vías para alcanzar la verdad mediante el análisis y la
inducción. Se trataba de que los hombres aprendieses a pensar por sí mismos, sin las cortapisas
que suponían la autoridad y la tradición.

179
 2.3 Laicización y desacralización del pensamiento y de la ciencia.

Otra característica esencial de la Ilustración es la laicización o desacralización del

pensamiento de la ciencia, que se libera así de las trabas religiosas que hasta entonces la habían
atenazado. En el XVIII se produjo un cambio en la forma de ver y concebir la naturaleza, al pasar
de la visión hasta entonces imperante, de la naturaleza naturaleza como algo estático, estático,
inmutable, inmutable, dejando dejando paso a una visión dinámica, transformista. En 1749 tienen
lugar la publicación de los tres primeros volúmenes de la célebre “Historia natural” del naturalista
francés Jorge Luis Leclerc, conde de Buffon (1707-1788). Con anterioridad, la Historia natural
no era sino un capítulo de la teología, y se solía echar mano del Génesis de la Biblia para explicar
la Historia del Universo. Ello, llevaba a una visión estática del Universo y la naturaleza.

A mediados del XVIII, esta visión empezó a cambiar, al surgir opiniones opuestas, en la
línea de una visión dinámica de la naturaleza. Buffon fue una figura clave, en su “Historia
natural”, nos habla de una concepción científica y transformista del Universo. Según él, la tierra
se formaría tras el choque de un cometa con el sol, y el posterior enfriamiento de la masa original,
evolucionaría hasta que finalmente haría su aparición la vida. Además, en contra de la idea de la
inmutabilidad de las especies vivas, admite la posibilidad de cambios y variaciones en el curso
del tiempo (idea que se puede considerar precursora del evolucionismo).

La aparición de estas nuevas ideas científicas entra en contradicción con el saber hasta
entonces admitido, vinculado a la ideología religiosa dominante. Dicha situación de contradicción
llevó a considerar que había verdades de diferentes géneros, que se desarrollan en planos distintos,
siempre separados:

Las verdades de la fe o del corazón.

Las verdades de la ciencia o de la razón.

Podemos, pues, ser cristianos por un lado y sabios por otro; podemos creer a la vez los
libros sagrados y las observaciones científicas, aunque ambas se contradigan, y podemos hacerlo
porque Religión y Ciencia se mueven en planos o esferas completamente diferentes y separadas.
Esta solución supuso la liberación definitiva de la Ciencia con respecto a la Teología. En adelante,
la primera podría desarrollarse de manera autónoma sin la cortapisas de la segunda.

2.4. La crisis religiosa. Deísmo y Ateísmo.

En la mayoría de los filósofos del XVIII es bien patente su carácter a-cristiano, cuando
no declaradamente anti-cristiano. Voltaire fue el que mejor definió las razones de los ilustrados
para su ataque al cristianismo. Esas razones pueden sintetizarse en 3 puntos:

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 1. Su irracionalismo: En el cristianismo hay numerosos elementos que chocan con
la razón humana, dogmas como la Trinidad, el pecado original, etc., que rechazan
por parecerles absurdas.

2. El carácter carácter esotérico esotérico: misterioso misterioso que el cristianismo

cristianismo tiene, al no permitir permitir la libre discusión discusión sobre
algunos dogmas. La religión invocaba la autoridad y la tradición como principios
del saber, algo que para los ilustrados no era más que un abuso y un error.

3. El carácter represivo: del cristianismo en múltiples facetas. Para el cristianismo

la vida terrena no era más que un tránsito hacia el cielo, hacia otra vida después
de la muerte, y por ello invitaba al hombre a renunciar a sus ansias naturales de
felicidad en la tierra, en aras de una felicidad futura. Los ilustrados, por el
contrario, veían la inclinación del hombre a la felicidad terrena como algo natural,
más aún, como un derecho del hombre.

Por todo ello, en las filas de los ilustrados se produce, por lo general, un abandono de la
religión cristiana tradicional, pasando a proponer y defender, o bien posturas o concepciones de
carácter deísta, o bien posturas o concepciones de carácter materialista y atea.

Deísmo. En materia religiosa, es la corriente más representativa de las filosofías del

XVIII. Consiste en la sustitución del Dios tradicional propio de la teología cristiana, por un Dios
intelectual, suprema inteligencia ordenadora del Universo, de la que nada podemos decir ni
podemos conocer, pero cuya existencia nos revela la propia razón humana. (Argumento del reloj
y el relojero). Deísmo es una doctrina que reconoce un Dios como autor de la naturaleza, pero no
admite revelación ni culto externo.

Revelación, porque ésta pertenece al orden del milagro y de lo sobrenatural, y la razón no

puede admitir milagros ni verdades que no sean naturales.

Culto externo, porque rogar a Dios es inútil, dado que Dios ha relegado el mundo
mediante leyes externas, leyes inmutables, cuyo papel nunca varía. Por ello sobran sacramentos,
iglesias, templos, etc., y también sacerdotes o pastores.

Entre los filósofos deístas de la Ilustración destaca Voltaire, quien preconizaba una
religión natural, sin dogmas, sin sacramentos, sin ceremonias. Era un anticlerical convencido,
pues consideraba que la Iglesia, como todas las apoyadas por el poder, un obstáculo definitivo
para el progreso y la libertad.

Materialismo ateo. Otra corriente de filósofos ilustrados negaba categóricamente la

existencia de Dios. Opinaban que en el mundo, no hay más que un elemento: la materia. Ésta es

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eterna y de su propia naturaleza proceden el movimiento, sus leyes y el orden universal. Niegan
la inmortalidad del alma Entre los materialistas ateos destacan La Mettrie, Helvetius, Diderot y
Holbach. Esta corriente atea, que tendría sus antecedentes en Spinoza y algunos librepensadores
del siglo anterior, fue minoritaria entre los filósofos ilustrados.

Ilustración cristiana. Esta tercera corriente trata de conciliar tradición e Ilustración, razón
y fe. Mantienen una serie de dogmas que consideran esenciales, pero destierran ciertas prácticas
religiosas que destierran por supersticiosas, o manifestaciones devotas exageradas.
Representantes: Una de las figuras más representativas es el sacerdote italiano Antonio Genovesi.
También destaca el jesuita Luis Antonio Muratori. En Francia: el jesuita Claudio Buffier. En
Inglaterra: el obispo anglicano José Butler. En Portugal: el sacerdote Luis Antonio Verney. En
España: el valenciano Gregorio de Mayans y el benedictino gallego Benito Feijoo Conocedor y
admirado de Descartes, de Bacon, de Newton, partidario del método experimental y contrario a
la aceptación de afirmaciones y de teorías avaladas únicamente por la autoridad o la tradición.
Feijoo respetaba los dogmas sagrados, pero desterraba todos los elementos que le parecían
superfluos o contraproducentes para la religión (falsos milagros, supersticiones, excesos del culto,
mezcla de lo profano con lo religioso, etc.).

2.5. Propugnación de una moral natural.

Para los Ilustrados la naturaleza es sabiduría, es bondad, y uno de los postulados básicos
de la moral ilustrada es la creencia en la bondad natural del hombre. Los ilustrados consideran
que no se debe reprimir el instinto, sino favorecerlo, puesto que el instinto, guiado por la razón,
orienta la hombre hacia la felicidad. Sin esa guía, se incurría en el vicio. La felicidad individual
no sería posible sin la felicidad colectiva. La Ilustración se orientó a sustituir la moral cristiana,
determinada por la religión y dirigida al logro de la salvación eterna, por una nueva moral
utilitarista, inspirada en la naturaleza y en la razón, y que tiene como objetivo garantizar la
felicidad terrena del individuo.

2.6. La ideal del progreso y el ideal de la educación.

Es otra idea capital de la mentalidad ilustrada. Se trata de una teoría según la cual la
Historia de la humanidad ha tenido y seguirá teniendo en el futuro un sentido positivo, es decir,
de progreso, que lleva a que los hombres sean cada vez más sabios y vivan cada vez mejor y más
felices. Además, los ilustrados tenían una gran confianza en los efectos beneficiosos sobre el
hombre de la educación y la cultura. En aras de ese perfeccionamiento del hombre, de ese
progreso, los ilustrados proclaman insistentemente la necesidad de la educación, la necesidad de
“ilustrar” al ser humano. Sólo educándose podrá éste alcanzar el dominio de la razón. Por eso
también comienzan los ilustrados a preocuparse por la educación femenina. Gran interés en
fomentar la ciencia, en especial en aquellos campos que podían ser más útiles al hombre

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(medicina, biología, física, química, etc.), y aquellas técnicas que también podían reportarle un
mayor beneficio (agronomía, minería, metalurgia, etc.).

La Enciclopedia es una obra que hay que entender en el contexto de un gran interés por
la divulgación de los conocimientos.

Carlos Ireneo Castel, conocido como Abate Saint-Pierre (1658-1743), Fue uno de los
principales defensores de la idea de progreso, no sólo intelectual, sino también social. A diferencia
de lo defendido hasta entonces, él no considera que la historia de la Humanidad hubiera
evolucionado en sentido negativo desde una mítica Edad de Oro en que los hombres eran felices,
pasando por una Edad de Plata, de Bronce hasta la Edad de Hierro en que sus contemporáneos
defendían se estaba viviendo, sino justamente al revés.

La Edad de Oro estaba por llegar u habría que llevar a cabo importantes reformas:

De la economía.

De la educación.

De la relación entre las naciones aboliendo la guerra (Proyecto para establecer la paz
perpetua en Europa, 1713), mediante una alianza perpetua entre todos los soberanos europeos,
que deberían renunciar a la guerra como medio para solventar sus diferencias.

Del modo de gobernar, creando una Academia Política que actuaría como cuerpo
consultivo para los ministros del rey en todas las cuestiones referentes al bienestar público.

Otros dos pensadores de la Ilustración que desarrollaron la idea de progreso fueron Turgot
y Condorcet. Turgot abarcó el tema en dos obras: Revisión filosófica sobre los progresos
sucesivos de la mente humana (1750) y Plan para dos discursos sobre la Historia Universal
(1751) Para Turgot es la naturaleza la que sirve al hombre para llevar a cabo su plan de progreso.
También establece una estrecha relación entre progreso y libertad.

Mª Juan Nicolás de Caritat, marqués de Condorcet, en su obra: Bosquejo de un cuadro

histórico de los progresos del espíritu humano (1793-94) Manifiesta gran fe en los avances que
podrían esperarse de la educación extendida a todos los individuos de la sociedad. Establece 10
fases de evolución en la Humanidad, la última con la Revolución.

Conclusión: A modo de Conclusión podemos señalar que la Ilustración fue una época en
que la vanguardia intelectual europea se caracterizó por su actitud crítica y renovadora, con rasgos
como: -El culto a la evidencia y a la razón despreciando autoridad y tradición como fuentes del
conocimiento. -La desacralización del pensamiento y la ciencia. -Tendencia a formas de religión
natural (deísmos) o materialismo ateo (minoritarias). -Tendencia a una moral natural, al margen
de los condicionantes religiosos, teniendo como objetivo la búsqueda de la felicidad terrena. -

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Ideal de educación como medio de perfeccionamiento general de los hombres. -Fe en el progreso
humano.

Los conductos difusores de la Ilustración:

1. Los publicista, es decir la publicación de todo tipo de libros y periódicos.

2. Los salones literarios y las sociedades culturales o de pensamiento.

3. Las sociedades secretas, como la Masonería (integrada por Deístas y racionalistas).

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