NEOCLASICISMO
No es nada fácil hablar de NEOCLASICISMO cuando no se piensa primero en la
belleza de la naturaleza, como el ejemplo de algunas imágenes que he puesto a
continuación,
(Tomado de Google-internet “invierno en Francia”)
(Tomado de Google-internet “invierno en Francia”)
En esta ultima imagen vemos a una persona cualquiera observando la belleza del paisaje
en una zona nevada de Francia, (Tomado de Google-internet “invierno en Francia”)
Pues estas imágenes lo dejan a uno sin palabras como dice el dicho popular
boquiabierto, quiero que todos hagamos una verdadera abstracción de pensar en
la nieve, ese cambio que hace la naturaleza en el invierno cuando cambia por las
estaciones, o visitar un sitio con nieves perpetuas como los hay en Francia o
también como los tenemos en Colombia en la Sierra Nevada de Santa Marta, el
Nevado del Ruiz, Santa Isabel, para solo nombrar algunos.
Quienes conocen y conocemos la nieve entenderán perfectamente de que estoy
hablando, esa sensación única, espectacular, incomparable de ver, sentir, tocar la
nieve es única, maravillosa e incomparable.
Quería hacer esa corta, muy breve reflexión sobre esa sensación maravillosa de la
nieve que la puedo comparar con la emoción de un artista cuando realiza una
obra. El artista plasma en una obra la sensación, la emoción que ve y siente en la
nieve, no en vano los exponentes del Neoclasicismo en la arquitectura y sus
formas quizás pensaron en la nieve, porque eso se refleja en sus obras, todas
blancas, monumentales, columnas como los árboles cubiertos de nieve, podemos
ver a continuación algunas imágenes sobre esos artistas maestros de la
arquitectura y sus obras, las imágenes hablan por sí solas. A continuación,
tenemos varios ejemplos,
ARCO DEL TRIUNFO, EN PARÍS
(Tomado de Google-internet “Francia”)
(Tomado de Google-internet “Francia”)
Fue construido en 1809 por 2 famosos arquitectos: Charles Percier y Pierre
Francois Leonard Fontaine por orden de Napoleón Bonaparte como
conmemoración del triunfo de sus batallas militares. Como curiosidad en dicho
inmueble monumental se encuentra la famosa tumba del soldado desconocido:”le
soldat inconnu”.
CATEDRAL DE LA SANTA TRINIDAD DE SAN PETERSBURGO, EN RUSIA
(Tomado de Google-internet)
La catedral de la Santa Trinidad, ubicada en San Petersburgo, es un ejemplo
tardío del estilo imperio; fue construida entre 1828 y 1835 de acuerdo al diseño del
arquitecto Vasili Stásov, Estilo neoclasico.
CAPITOLIO, EN ESTADOS UNIDOS
(Tomado de Google-internet)
Este inmueble fue diseñado y construido por el Médico y Arquitecto Willian
Thornton principalmente en 1793, pero otros 16 arquitectos también intervinieron,
es construccion netamente neoclásica, como la mayoria de inmuebles neoclásicos
lleva marmol entre sus elementos constructivos.
MUSEO DEL PRADO, EN ESPAÑA
(Tomado de Google-internet)
2 arquitectos construyen el Museo del Prado en 1819, Juan de Villanueva y Rafael
Moneo, parece ser que es uno de los museos más visitados del mundo: 4 millones
de personas en el 2023 a una entrada normal de $15 Euros.
TEATRO DE LA ÓPERA REAL DE VERSALLES, EN PARÍS
(Tomado de Google-internet)
2 arquitectos intervinieron en 1770 en la construcción del Palacio de la Opera:
Ange-Jacques Gabriel y Augustin Pajou. Es curioso, pero todos los turistas que
van a Versalles se quejan por el olor permanente a orines y materia fecal en el
palacio donde vivían 5.000 personas. Los arquitectos de la época no pensaron
nunca en los baños, orinaban donde les cogía, en las paredes, palanganas y
cortinas, ventanas y en los patios. Pero hasta la mitad del siglo XIX no empezaron
a diseñarse los baños.
PANTEÓN, EN PARÍS.
(Tomado de Google-internet)
Es un inmueble de estilo neoclásico construido por los arquitectos Jacques-
Germain Soufflot y Jean Baptiste Rondelet, cuya construcción duró 26 años se
inauguró en 1790. Personajes ilustres franceses están enterrados allí como
Madame Curie, premio nobel de química y física.
ROTONDA DE LA UNIVERSIDAD DE VIRGINIA, EN ESTADOS UNIDOS
(Tomado de Google-internet)
Fue idea del arquitecto, artista, filosofo, poeta, músico, erudito, expresidente
Thomas Jefferson diseñar la rotonda de la Universidad que fundó: Universidad de
Virginia, convirtiéndose quizás en el Presidente más importante en la historia de
los Estados Unidos.
El neoclasicismo aparece entre 1765 y 1830 paralelo a unos cambios sociales
históricos ocurridos en Europa como la Ilustración y la revolución francesa para
expresar con la razón los diversos valores: morales, la libertad, el patriotismo y el
progreso social según los avances en las nuevas industrias y los descubrimientos
científicos, aunque se dice que dejó a un lado las emociones, pero en toda
expresión cultural y artística hay emociones sino no existiría, en toda actividad
humana hay emociones y sensaciones, no tendría razón de ser. Anterior al
neoclasicismo acababa de pasar el Barroco entre 1600-1750, posterior al
neoclasicismo vendría el romanticismo.
Estos artistas se destacaron en diversas expresiones del arte como la arquitectura
que ya la hemos visto, la escultura, la literatura y la música entre otros.
Rápidamente sin profundizar damos un par de ejemplos de cada expresión
artística para poder entender mejor este movimiento histórico cultural.
Tomemos el análisis de la inteligencia artificial de Wikipedia que dice,
Influencia de la antigüedad clásica: Recuperación de formas, temas y
estilos de la antigua Grecia y Roma.
Énfasis en la razón y el orden: Búsqueda de la claridad, la lógica y la
estructura en las obras.
Equilibrio y armonía: Composiciones simétricas y proporcionadas,
evitando la extravagancia del Barroco.
Simplificación y sobriedad: Menos ornamentación y detalles excesivos en
comparación con el estilo anterior.
Temas históricos y mitológicos: Recurso a la mitología griega y romana,
así como a eventos históricos relevantes.
Moralidad y virtud: Transmisión de valores éticos y mensajes morales en
las obras.
Precisión y detalle: Cuidado en la representación de la anatomía y las
proporciones.
Uso de luces y sombras: Técnicas para crear efectos tridimensionales y
resaltar elementos.
Rechazo al exceso y la fantasía: Preferencias por lo racional, lo medible y
lo ordenado.
Intención didáctica y moralizadora: Búsqueda de educar y enseñar a
través del arte y la literatura.
Escultura,
Sobresalió Antonio Canova, Albert Bertel Thorvaldsen, James Pradier, Jean-
Antoine Houdon, Edmé Bouchardon, Johan Tobías Sergel, Johann Gottfried
Schadow, Damià Campeny, Johann Heinrich Dannecker.
Sátiro y bacante (1834), de James Pradier (Louvre)
Diana cazadora (1780), de Jean-Antoine Houdon (Museo Calouste Gulbenkian)
Ariadna cabalgando una pantera (1812), de Johann Heinrich Dannecker
Estas bellas representaciones escultóricas hablan por sí solas.
MÚSICA
Grandes músicos sobresalieron en este periodo neoclásico, podemos mencionar
a, Igor Stravinski, Serguei Prokofiev, Paul Hindemith, Manuel de Falla y Francis
Poulenc, como los más famosos.
ARTES VISUALES: PINTURA
Grandes pintores sobresalieron en este periodo neoclásico, con ellos se hizo un
regreso a los modelos clásicos de la antigua Roma y Grecia, ellos buscaban la
armonía, la simplicidad, el orden, como antítesis o confrontación con el
despampanante Barroco, podemos mencionar a,
Anton Raphael Mengs (1728 - 1779). Francisco Bayeu (1734 - 1795).
Jacques-Louis David (1748 – 1825. Jean Auguste Dominique Ingres (1780 -
1867). Johann Heinrich Füssli (1741 - 1825).
Jacques-Louis David: La muerte de Marat. 1793. Óleo sobre lienzo. 1,62 m x 1,28 m.
Como se puede observar en la imagen, la obra muestra el cadáver impecable de
Marat, “el mártir de la Revolución” (a pesar de la sangre) sobre su bañera, tiene
en la mano una pluma y una carta
La pintura neoclásica reflejó un orden social y político basado en la razón y la
moral, por sobre las emociones, los sentimientos y la irracionalidad que solía
manifestar el arte barroco. Se destacaron situaciones relacionadas a la Revolución
francesa y a los hallazgos arqueológicos de la cultura grecorromana.
En la pintura neoclásica predominaban las superficies y fondos uniformes que
solían estar en penumbras en un segundo plano, con los personajes que se
destacaban por el uso de la luz y tonos claros.
Los artistas neoclásicos mantuvieron la armonía de las proporciones y el uso de
sombras y luces para asemejarse a la visión real de las cosas. Los escenarios
simplificados tenían menor cantidad de ornamentos y de elementos de modo que
se destacaban mejor los personajes.
Entre los principales representantes de la pintura neoclásica se destacaron:
Anton Raphael Mengs (1728 - 1779). Fue un pintor alemán que se destacó por
sus obras Parnassus, Perseus and Andromeda, La adoración de los pastores y El
triunfo de la historia sobre el tiempo.
Francisco Bayeu (1734 - 1795). Fue un pintor español que se destacó por sus
obras El Olimpo: batalla con gigantes, El paseo de las delicias, La sagrada
familia y El puente del canal de Madrid.
Jacques-Louis David (1748 - 1825). Fue un pintor francés que se destacó por
sus obras El juramento de los horacios, La muerte de Sócrates, La muerte de
Marat, Madame Récamier y Napoleón cruzando los Alpes.
Jean Auguste Dominique Ingres (1780 - 1867). Fue un pintor francés neoclásico
y romántico que se destacó por sus obras La gran odalisca, Júpiter y Tetis,
Napoleón entronizado, Apoteosis de Homero y La bañista de Valpinçon.
Johann Heinrich Füssli (1741 - 1825). Fue un historiador, dibujante y pintor suizo
conocido por el seudónimo Henry Fuseli que se destacó por sus obras La
pesadilla, El sueño del pastor y Thor golpeando a la serpiente Midgard.
En general en las pinturas del neoclásico se destacan las siguientes
características,
Predominio del dibujo sobre el color.
Uso de la luz clara y fría.
Contornos claros y bien definidos.
Superficies bien acabadas y uniformes que no permiten distinguir las
pinceladas.
Eliminación de escenas secundarias.
Para el fondo predominó el uso de la arquitectura grecolatina o, incluso, el uso
de penumbras sobre el paisaje.
Supresión de lo decorativo y lo superfluo.
Preferencia por la composición ortogonal.
La anatomía sigue estrictamente el ideal del canon clásico de la antigüedad.
Gestualidad de los personajes contenida: no hay signos de dolor o de
emociones.
Los objetos de la escena suelen ser referencias de los hallazgos arqueológicos.
Predominio de la pintura histórica (historia grecorromana, revolución francesa e
historia republicana), seguida por mitología grecorromana alegórica. Escaso interés en
la religión.
En cuanto a la técnica, uso mayoritario de la pintura al óleo (se usó también el
fresco).
En resumen, el neoclasicismo representa un retorno a la antigüedad clásica,
valorando la razón, el orden, la claridad y la moralidad, en contraste con la
exuberancia y la emotividad del Barroco.
En las páginas siguientes vamos a mostrar las obras más famosas de las artes
visuales de neoclasicismo.
El cuadro de la Muerte de Marat (Jacques-Louis David, Dominio Público, vía Wikimedia
Commons /
La muerte de Marat es una de las obras del neoclásico más significativas por su
carga política y porque nació en un momento histórico crucial, al tiempo que se
convirtió en una representación exacta del neoclasicismo. Por otro lado, el cuadro
de David tiene una composición perfecta y equilibrada, que son factores
necesarios en las imágenes de neoclásico.
Otros detalles a destacar de esta pintura neoclásica es que los detalles son fieles
a la realidad y la luz se aplica sublimemente sobre el cuerpo de Marat, y en los
demás elementos que forman parte de la escena del crimen.
2. La intervención de las Sabinas
Otro aporte de Jacques-Louis David para el arte neoclásico es La intervención de
las Sabinas, un cuadro que pintó en 1799. Esta obra tiene una historia particular,
pues David concibió su arte desde la cárcel.
Durante la Revolución Francesa Jacques-Louis David forjó alianzas políticas que
lo mantenían al filo del desastre y, además, fue miembro de la fuerza policial de la
revolución, pero llegó el momento en el que David ya no pudo escapar de sus
actos y fue encarcelado; fue entonces cuando creó La intervención de las Sabinas.
Su musa fue Marguerite Charlotte Pécoul, su exesposa.
La Intervención de las Sabinas (Jacques-Louis David, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons /
En este arte neoclásico David plasmó la batalla de las mujeres sabinas contra la
guardia romana a las puertas de Roma. Además, dibujó el momento en el que
Hersilia, una joven sabina que era esposa del general romano, Rómulo, se lanzó
entre los dos bandos para suplicar el cese del enfrentamiento. La intervención de
las Sabinas proyecta un momento de compasión en tiempos agitados.
Cinco años le llevó culminar la obra que sería su pase a la libertad y la
oportunidad de volver con Marguerite, pues con Napoleón Bonaparte en el poder,
se dio cuenta del potencial de David para obras dramáticas en las que, tiempo
después, el mandatario pudo ser protagonista.
3. La Magdalena Penitente
Esta es una de las obras neoclásicas del alemán Antón Raphael Mengs (1728-
1779) que tiene varias versiones, pero la representación es la misma. Las técnicas
neoclásicas que Mengs aplicó en este trabajo las aprendió en Román, donde
aprendió sobre el arte clásico y renacentista, y obtuvo influencias de imágenes del
neoclasicismo literario y del movimiento neoclasista en general
La Magdalena Penitente (Antón, Dominio público vía Wikipedia Commons /
La Magdalena Penitente de 1752 buscaba ser una especie de “superación” de la
Magdalena del pintor italiano renacentista Antonio Allegri da Correggio (1498-
1534); pero, en cambio, la versión de Mengs se distingue fácilmente por la
semidesnudez de la mujer.
De hecho, el rey Augusto III (1696-1763) de Polonia expresó en varias cartas que
sentía gran aprecio por la María Magdalena de Mengs “tanto que la conservaba en
su dormitorio”, pero también dijo que la mujer de la pintura de Mengs “no parecía
estar todavía plena y verdaderamente arrepentida”.
4. El Nacimiento de Venus
En 1879, el francés William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) uno de los
pintores del neoclasicismo, creó una de las obras más representativas del
neoclasicismo: El Nacimiento de Venus. Bouguereau contó la historia del origen
de Venus de la mitología romana en su pintura, que muestra a una mujer madura
posando sobre una concha de mar, rodeada de unos querubines.
El Nacimiento de Venus (Anton Raphael Mengs, Dominio público, vía Wikimedia Commons /
En esta obra, Bouguereau quiso plasmar la diosa de la belleza y el amor,
basándose en los ideales clásicos romanos y griegos de la figura femenina. A
diferencia de las versiones de Sandro Botticelli (1445-1510), la representación de
Venus de Bouguereau se enfoca totalmente en las raíces de pinturas neoclásicas
de la época y deja ver la naturalidad de su estilo artístico en el lienzo.
El Nacimiento de Venus es una de las principales obras del neoclasicismo, sino
que ha sido considerada como una obra maestra tanto por la calidad de la pintura
como por sus dimensiones, y la representación de la diosa en tamaño real.
5. Autorretrato con su hija Julie
Desde Francia también resalta Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842) con
un tierno cuadro, el Autorretrato con su hija Julie (1780-1819), una obra íntima en
la que posa junto a su pequeña hija formando un triángulo perfecto, que también
denota la cercanía de ambas, a diferencia de La Pequeña Vaquera
Madonna (1515) del pintor italiano Rafael Sanzio (1483-1520).
No obstante, algo que llama la atención de este autorretrato es la vestimenta de
Elisabeth, quien lleva puesto un vestido de un solo hombro muy parecido al quitón
griego antiguo, una prenda que no correspondía con lo qué es neoclásico, como
se puede observar en la imagen.
Autorretrato con su hija Julie (Elisabeth Louise Vigée-LeBrun, Dominio público, vía Wikimedia
Commons /
De acuerdo a los expertos, los autorretratos son una especie de tarjeta de
presentación que no solamente muestra la destreza del artista, sino que puede dar
luces sobre la identidad y la vida interior del artista. En este caso, es posible que
Elisabeth quisiera mostrarse como los maestros legendarios de la antigua Grecia.
6. Dante y Virgilio
Cuando hablamos de lo qué es el neoclásico, podemos continuar mostrando obras
de William-Adolphe Bouguereau, quien presentó en 1850 a Dante y Virgilio, un
óleo sobre lienzo que representa la Divina Comedia de Dante Alighieri.
Como se evidencia en la pintura, Dante y compañero Virgilio están en el infierno y
observan como dos seres atormentados dan la sensación de estar en un terrible
conflicto que no tiene fin. Además, se pueden observar los finos detalles en las
expresiones de sus rostros, en sus cuerpos esculpidos.
Dante y Virgilio (William-Adolphe Bouguereau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
También están en la escena Capocchio, el alquimista y hereje, y Gianni Schicchi,
el embaucador que se valió de sus artimañas para robar la herencia de otro
hombre y le muerde el cuello. Pese a que las obras neoclásicas no comunican
emociones, es inevitable ver las expresiones de todos los presentes.
7. La coronación de Napoleón
Como se explicó en la historia de Las Sabinas, Napoleón puso su ojo en Jacques-
Louis David, así que él fue el encargado de crear La Coronación de Napoleón en,
un cuadro que le pidió el mandatario en 1804, pero comenzó a trabajar en la
pintura el 21 de diciembre de 1805, en la capilla en desuso del Colegio de Cluny,
lugar que esporádicamente usaba como taller para sus creaciones.
Finalmente, en enero de 1808, terminó la obra con la ayuda de su alumno
Georges Rouget. En la pintura se puede ver a Napoleón junto a su esposa,
Giuseppina Beauharnais, en el momento de su coronación, que fue presenciada
por ochenta personajes reconocibles.
La Coronación de Napoleón (Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons /
La Coronación de Napoleón se expuso en la muestra anual de pintura del Salón
de Francia desde el 7 de febrero hasta el 22 de marzo de 1808. Además, optó por
el premio decenal del Salón 1810.
8. La fuente
En esta lista de obras más importantes del neoclasicismo también se encuentra La
Fuente del francés Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), una obra que
inició en Florencia en 1820, pero culminó en 1856, en París. Cuando Ingres dejó
ver la obra por primera vez, tenía 76 años y en ese entonces era lo
suficientemente famoso; de hecho, ocupaba el cargo de presidente de la Escuela
de Bellas Artes.
La Fuente de Venus de Ingres (Jean Auguste Dominique Ingres, Dominio público, vía Wikimedia
Commons
En La Fuente se observa a una fémina que es una emulación de La Venus
Anadiomene (1848) y, a su vez, es una contraparte y reinterpretación del «pudor
de Venus», quien se muestra censurando el pubis con su mano.
Esta pintura de Ingres también representa El Nacimiento de Venus de Sandro
Botticelli. Un dato curioso de La Fuente es que la modelo desnuda era la hija más
joven del conserje del artista.
9. La Gran Odalisca
Otra de las pinturas del neoclásico de Ingres es La Gran Odalisca o Una
Odalisca, una obra de 1814 que fue encargada por la hermana de Napoleón, la
reina Carolina Murat de Nápoles.
Inicialmente, la postura real de la mujer era una figura reclinada que mira hacia por
encima de su hombro hacia atrás, y es una inspiración directa del Retrato de
Madame Récamier (1809) de Jacques-Louis David. Además, el pintor se inspiró
en obras como La Venus de Dresde de Giorgione y La Venus de Urbino de
Tiziano, para proyectar las facciones y la figura de la mujer en la pintura.
La Gran Odalisca (Jean Auguste Dominique Ingres, Dominio público, vía Wikimedia Commons /
La Gran Odalisca muestra a una joven concubina que yace sobre un colchón sofá
que está cubierto de sábanas finamente representadas. Por su puesto, la joven
luce una piel tersa y radiante con una desnudez casta; estas últimas
características levantaron las críticas y tildaron la obra de “romanticismo exótico”.
También dijeron que las proporciones no eran lógicas y que la rotación de la pelvis
era imposible en la vida real.
10. Travesura y reposo
John William Godward (1861-1922) fue otro de los pintores neoclásicos más
destacados. El pintor británico llegó casi al final del movimiento de neoclasicismo
en el arte, pero eso no le impidió empaparse de todo el conocimiento y técnicas
para concebir obras sensibles, con finos detalles y atención meticulosa.
Travesura y Reposo (1895) ilustra en óleo sobre lienzo una escena que se
desarrolla en la antigua Roma o Grecia. Muestra a una mujer tumbada sobre un
banco de mármol a la izquierda, que es el «Reposo», mientras que la mujer de la
derecha, que está sentada sobre una piel de animal negra en el suelo, significa
«Travesura». Las mujeres parecen estatuas, se ven tan blancas como el mármol e
ignoran por completo al espectador.
Travesura y Reposo (Getty Center, Dominio público, vía Wikimedia Commons /
Con este y otros cuadros, Godward dejó claro cuán buenas eran sus habilidades
técnicas en sus pinturas y la capacidad que tenía para crear pinturas del
neoclasicismo. Para pintar a estas jóvenes, el británico primero las pintó desnudas
y luego fue añadiendo los detalles necesarios hasta dar con la pieza final. Antes
de empezar una pintura nueva, Godward estudiaba las características del
neoclasicismo en arquitectura para poder crear entornos perfectos.
11. Venus convence a Helena a enamorarse de Paris
En 1790, la destacada pintora suiza, Angélica Kauffman (1741-1807) creó Venus
convence a Helen a enamorarse de París, una obra que se basó en la antigua
historia griega de la Guerra de Troya, que inició porque un hombre llamado Paris
raptó a Helena, quien era conocida por ser la mujer más bella del mundo.
Venus convence a Helena a enamorarse de Paris (Angélica, Dominio público, vía Wikimedia
Commons.
Paris tenía la promesa de la diosa Afrodita, quien le aseguró que le concedería la
mujer más bella del mundo si la elegía, entonces él se la llevó consigo. Venus
convence a Helena a enamorarse de Paris, es una obra que se hizo con la técnica
del punto de fuga y, ciertamente, se puede apreciar observando bien la pintura.
Por ejemplo, Paris y Helena miran hacia el centro del cuadro, mientras que el
cuerpo del cupido está direccionado hacia el centro de la obra.
La representación de Angélica Kauffman es un gran ejemplo de cómo se
estableció la pintura neoclasicismo en América, Europa y en el mundo, puesto que
se rige por una historia de la antigua Grecia, que es una de las características de
las obras neoclásicas.
12. El rey Lear llorando sobre el cadáver de Cordelia
Otro de los pintores del neoclásico es el irlandés James Barry (1741-1806), quien
hizo El rey Lear llorando sobre el cadáver de Cordelia entre los años 1786 y 1788;
la obra forma parte de una colección realizada para la Galería
Boydell Shakespeare, en Londres.
En esta obra se puede ver al rey Lear devastado mientras sostiene el cuerpo de
su hija, Cordelia. Barry muestra el realismo de la tragedia familiar mientras que la
ambienta en un paisaje heroico, donde Stonehenge es el fondo de la escena. La
pintura puede transmitir el suceso sin necesidad de una narrativa obvia, sino que
usa códigos estilísticos y la composición perfecta que es propia del arte
neoclásico.
El rey Lear llorando sobre el cadáver de Cordelia (James Barry, Dominio público, vía Wikimedia
Commons /.
Como dato curioso, se puede observar que Lear no está en el centro del cuadro,
está a la derecha. Albany y Edgar, los herederos del rey están retratados en
diferentes modos estilísticos (los de Rafael y Miguel Ángel), y eso los hace encajar
en el estilo general del cuadro, pero el rey Lear parece ser un foráneo del cuadro.
13. El funeral de Atala
Anne-Louis Girodet de Roucy-Trioson (1767-1824) fue el pintor francés que
creó El Funeral de Atala en 1808, y basó este cuadro en una conocida novela
francesa de François-René de Chateaubriand (1768-1848) que cuenta la historia
de Romeo y Julieta en un contexto del Nuevo Mundo.
El Funeral de Atala (Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson, Dominio público, vía Wikimedia
Commons /
En la pintura de Girodet se observa a Chactas, un indio de Natchez, Misisipi,
llorando a su amor, Atala, una doncella americana-europea, que se quitó la vida
para no romper el voto de castidad que le había prometido a su madre en sus
últimos días de vida. Por otro lado, la obra del francés captura la relación entre la
iglesia católica y el gobierno de Francia, que estaban fascinados por la historia
que plasmó Girodet.
Uno de los detalles interesantes de la pintura es que Atala está vestida de blanco,
que simboliza pureza e inocencia; también es representada como una santa, que
estuvo martirizada por su fe y devoción.
14. Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus tesoros
Seguidamente, incluimos otra obra del arte neoclásico de Angélica
Kauffman: Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus
tesoros (1785), una obra en la que está enmarcada en la arquitectura de estilo
romano.
La pintura de Kauffman muestra a dos mujeres y tres niños; todos los personajes
están vestidos como en la antigua roma, algo que es característico de las obras
neoclásicas. Además, esta pintura ganó fama rápidamente porque ejemplificaba
un modelo de virtud.
Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus tesoros (Angelica Kauffmann,
Dominio público, vía Wikimedia Commons /
Cornelia, madre de los Gracos, señalando a sus hijos como sus tesoros trata
sobre una mujer romana que presume que hablaba con orgullo sobre el futuro de
sus hijos, quienes se convertirían en líderes políticos cuando fuesen adultos. En
síntesis, Kauffman deja claro que el tesoro más preciado de una madre no son las
joyas o los lujos, sino los hijos y su porvenir.
15. Juana de Arco en la Coronación de Carlos VII
Jean Auguste Dominique Ingres regresa a la escena con Juana de Arco en la
Coronación de Carlos VII (1854), una obra en la que combina su estilo con los
toques neoclasistas de Jacques-Louis David. Además, evidencia el cambio de los
desnudos a la vestimenta total y armaduras.
El cuadro fue encargado por el director de la Academia de Bellas Artes de Orleans
para rendirle honor a la gran Juana de Arco (1412-1431), la heroína y santa
francesa. Ingres muestra a la llamada Doncella de Orleans en la coronación de
Carlos VII de Francia, en la catedral de Reims. Su frente en alto la hace ver
victoriosa y orgullosa.
Juana de Arco en la Coronación de Carlos VII (Jean Auguste Dominique Ingres, Dominio público,
vía Wikimedia Commons /
Sin lugar a dudas, esta es una de las obras más bellas del neoclasicismo.
La escena tiene una luz ambiental, objetos suntuosos y colores vivos. Otro detalle
interesante es el aro en su cabeza, que es sinónimo de la santidad, y también
reflejó la grandiosidad de la joven y valiente Juana con su figura retratada en
tamaño real.
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